Musée Picasso 2030

Foto ©Museo Picasso - Voyez-Vous (Chloe Vollmer-Lo)

Parigi si rinnova e dopo le recenti notizie sul futuro Louvre e sui lavori avviati per il  rinnovo del Centre Pompidou e la volta del Musée Picasso che amplierà i suoi spazi con un grande giardino con sculture e la realizzazione di una nuova ala per le mostre temporanee. 

Il tutto grazie alla collaborazione fra enti pubblici e privati, con l'obiettivo di trasformare il museo in un centro più dinamico e comunitario, con nuovi servizi come un caffè e la riorganizzazione dell'area pedonale e dei giardini. 

Picasso a Teatro alla Tate Modern

Pablo Picasso, Le tre ballerine 1925 Tate. © Succession Picasso / DACS 2024 

Pablo Picasso era affascinato dagli artisti e dalla loro capacità di trasformarsi. Traeva ispirazione dai ballerini, dagli intrattenitori e dai toreri che dipingeva. Ne prese spunto per creare il suo personaggio pubblico: Picasso, l'Artista.

In occasione del centenario del suo celebre dipinto "Le tre ballerine" , questa mostra, che si aprirà alla Tate Modern il 17 settembre 2025 e durerà fino al 12 aprile 2026, è curata dal celebre artista contemporaneo Wu Tsang e dall'autore e curatore Enrique Fuenteblanca, getta nuova luce sull'opera di Picasso. Lo spazio espositivo si trasformerà in un teatro per l'esposizione di oltre 45 opere di Picasso provenienti dalla collezione della Tate, insieme a importanti prestiti europei. Tra queste, dipinti, sculture, tessuti e opere su carta, alcune delle quali mai viste prima nel Regno Unito.

Attraverso la sua personalità, Picasso coltivò un mito che lo circondava come artista celebrato e al tempo stesso outsider. Il modo in cui lo fece può essere esaminato attraverso l'idea contemporanea di "performatività": come parole e azioni possano influenzare il cambiamento e formare l'identità. Questo personaggio fu sempre affascinato dalle vite alternative e dalla tensione tra cultura popolare e avanguardia. Questo lo accompagnò per tutta la vita e continua a plasmare il modo in cui immaginiamo il ruolo dell'artista oggi.

"Theatre Picasso" è presentata alla George Economou Gallery, in collaborazione con White & Case. Con il supporto della Huo Family Foundation. Con il supporto aggiuntivo del Theatre Picasso Exhibition Supporters Circle, della Tate Americas Foundation e dei membri della Tate.

L'allestimento è ideato da Wu Tsang ed Enrique Fuenteblanca con la collaborazione dell'exhibit designer Lucie Rebeyrol dello studio Roll.

I Picasso secondo Paloma

2025 estate of Pablo Picasso - foto Owen Conway

Gli spazi della sede di Gagosian in Madison Avenue a New York ospitano una grande mostra su Picasso realizzata con gli eredi dell'artista. Un'occasione per vedere rare opere e materiale documentativo su questo importante artista del secolo scorso. 

2025 estate of Pablo Picasso - foto Owen Conway

Comunicato stampa

Mi vedi qui, eppure sono già cambiato, sono già altrove.
—Pablo Picasso, 1963

Gagosian è lieta di annunciare  Picasso: Tête-à-tête , presentata in collaborazione con la figlia dell'artista, Paloma Picasso. Offrendo un'opportunità unica di ammirare oltre cinquanta dipinti, sculture e disegni raramente esposti, che coprono l'intero arco della carriera dell'artista, dal 1896 al 1972, la mostra includerà quasi una dozzina di opere esposte al pubblico per la prima volta e altre che non venivano esposte da decenni. Tratte in gran parte dal lascito di Picasso, Picasso: Tête-à-tête aprirà il 18 aprile e sarà l'ultima mostra ospitata nella galleria principale di Gagosian, al 980 di Madison Avenue.

Ho avuto la fortuna di presentare più di venti mostre dedicate a Pablo Picasso nel corso della mia carriera, e mi sembra giusto che una mostra di grande successo dedicata all'artista concluda la nostra esperienza al 980 Madison. È incredibilmente emozionante collaborare con Paloma alla sua prima grande mostra internazionale e portare alla luce così tante opere mai esposte prima.  —  Larry Gagosian

Sono stata felicissima quando Larry ha proposto di collaborare a una mostra importante. Mostrare l'opera di mio padre come lui voleva che fosse vista – dialogando tra temi e periodi diversi – è un omaggio appropriato alla sua eredità. Molte delle opere che abbiamo selezionato non sono state esposte da quando mio padre le teneva nel suo studio e vederle riunite insieme a importanti esempi provenienti da altre collezioni sarà un evento davvero speciale.    —   Paloma Picasso

2025 estate of Pablo Picasso - foto Owen Conway

Esistono documenti di due mostre allestite da Picasso stesso, la prima delle quali fu la sua retrospettiva del 1932 alla Galerie Georges Petit di Parigi. In quell'occasione, anziché tentare di dimostrare una tesi accademica o di organizzare una presentazione rigorosamente cronologica, espose insieme opere di epoche e stili diversi, facilitando il dialogo tra loro. Con lo stesso spirito, Picasso: Tête-à-tête  accosta dipinti, sculture e disegni dell'artista proteiforme, incoraggiando gli spettatori a scoprire nuove connessioni e continuità personali. La mostra includerà capolavori provenienti dalla collezione personale di Picasso, insieme ad opere provenienti da altre fonti di rilievo.

Gagosian pubblicherà un catalogo interamente illustrato della mostra, che include una conversazione tra Paloma Picasso e l'artista Peter Doig. È inclusa anche la traduzione di un articolo contemporaneo di Eric Tériade sull'installazione parigina di Picasso del 1932.

Picasso secondo Gagosian

 

Concludiamo quest'anno dedicato a Picasso con la bella mostra che la galleria Gagosian gli dedica nei suoi spazi di New York, con un'antologica veramente molto ricca di opere di grande qualità



CS

Sembra che su Picasso sia stato scritto tutto. 
Nessun altro lavoro ha suscitato tanta passione, dibattito e controversia. 
Ma chi sa che la sua unica domanda di naturalizzazione francese gli venne respinta nel 1940?
—Annie Cohen-Solal

Gagosian è lieta di presentare A Foreigner Called  Picasso  nella sua galleria West 21st Street a New York. La mostra è curata dall'eminente scrittrice, biografa e storica Annie Cohen-Solal insieme alla storica dell'arte Vérane Tasseau. È organizzato in collaborazione con il Musée national Picasso–Paris e il Palais de la Porte Dorée–Musée national de l'histoire de l'immigration, Parigi.

Coprendo l'intera carriera di Pablo Picasso in Francia dal 1900 al 1973, la mostra presenterà prestiti di importanti opere provenienti da collezioni private e pubbliche negli Stati Uniti e in Europa. Comprende i primi autoritratti prestati dal Museum of Modern Art e dal Metropolitan Museum of Art di New York, così come capolavori cubisti e surrealisti del Philadelphia Museum of Art e della Fondation Beyeler, Riehen/Basilea. Verranno esposte l'iconica scultura Testa di Fernande (1909), così come l'Uomo con un agnello (1943), la forte risposta di Picasso all'estetica di Arno Breker (l'artista preferito di Adolf Hitler), che espose nella Parigi occupata.

La mostra sarà scandita dalla figura dell'arlecchino, l'avatar allegorico di Picasso, che rappresenta sia un autoritratto psicologico che un outsider itinerante e performante ai margini della società. Picasso ha rappresentato questa figura archetipica in ogni fase della sua carriera. A Foreigner Called  Picasso includerà diversi esempi straordinari di periodi diversi, tra cui in particolare la prima iterazione del tema, Arlecchino seduto (1901), in prestito dal Metropolitan Museum of Art.

Basato sul pluripremiato libro di Cohen-Solal, Un étranger nommé Picasso  (Fayard, 2021; Gallimard, 2023), pubblicato in inglese come Picasso the Foreigner  (Farrar, Straus e Giroux, 2023) e in spagnolo come Un Extranjero Llamado Picasso (Paidós , 2023)—la mostra riformulerà la nostra percezione di Picasso e si concentrerà sul suo status di straniero permanente in Francia. Già nel giugno del 1901, in occasione della sua prima mostra alla Galerie Vollard, venne aperto un fascicolo sull'artista diciannovenne dalla polizia francese, che avrebbe continuato a monitorarlo per tutta la vita. Era stigmatizzato come straniero, presunto anarchico e artista d'avanguardia, tutte etichette che apparentemente ignorava, ma che innegabilmente influenzavano la sua vita quotidiana e il suo lavoro. Al di là della sua considerevole opera artistica, Picasso si dimostrò un astuto stratega politico e alla fine divenne un contributore significativo alla modernizzazione culturale della Francia. Nel 1955 lasciò Parigi per il sud della Francia, reinventandosi come artista globale e illustre straniero, ancorando il suo lavoro agli artigiani locali e contestando apertamente gli standard di “buon gusto” che dominavano il mondo dei musei francesi.

Come ha fatto Picasso a navigare nelle molteplici sfere – spagnolo, francese, andaluso, catalano, galiziano, castigliano, anarchico e comunista – in cui è stato classificato? Come sopravvisse alla confisca di centinaia di opere cubiste sequestrate dalla polizia francese nel 1914? Come reagì al ripetuto rifiuto dei suoi dipinti da parte delle istituzioni francesi fino al 1947? Queste sono alcune delle domande a cui risponde e risponde Uno straniero  chiamato  Picasso . Oggi, nel mezzo di una crisi migratoria globale, è urgente rivalutare la traiettoria di Picasso in Francia. La sua odissea come straniero e la sua azione come artista sono davvero modelli potenti per i nostri tempi.

La mostra reinventa l'acclamato Picasso l'étranger (Musée national de l'histoire de l'immigration, in collaborazione con il Musée national Picasso–Parigi, 2021–22) a cui è stato assegnato il Prix Historia 2022 come migliore mostra storica in Francia. Secondo Laurent Le Bon, presidente del Centre Pompidou, “l'affascinante indagine di Cohen-Solal, attraverso la storia e la sociologia, ha prodotto . . . una rivoluzione concettuale. Con i nuovi orizzonti che apre, vediamo l’immagine di un genio che per molto tempo è stato percepito solo attraverso un prisma artistico”.

A Foreigner  Called  Picasso sarà accompagnato da un catalogo completamente illustrato con saggi dei curatori e contributi di importanti studiosi internazionali – da esperti di Picasso a scienziati sociali e intellettuali in generale – per esplorare ulteriormente le nuove importanti prospettive aperte da questa mostra.

La mostra è organizzata nell'ambito di Picasso Celebration 1973–2023 : 50 mostre ed eventi per celebrare Picasso , un programma transnazionale che si svolge nelle istituzioni culturali di tutta Europa e Nord America per commemorare il cinquantesimo anniversario della morte di Picasso.

foto di Rob McKeever

Louise Bourgeois dialoga con Pablo Picasso

Hauser& Wirth presso la sede di Zurigo presenta una mostra museale dal titolo  ‘Louise Bourgeois & Pablo Picasso: Anatomies of Desire’ .

Un valido progetto espositivo che raccoglie opere da musei e collezioni private per un totale di oltre novanta lavori proposti in un ottimo allestimento, curato da Marie-Laure Bernadac.

I nudi di Gustav Klimt, Egon Schiele, e Pablo Picasso al Met Breuer di New York.

Estate voglia di sole, ti spiagge e di corpi nudi al vento, devono aver pensato al Met, e così voilà ti organizzano una bella mostra sui nudi (ma poco assolati) della collezione Scofield Thayer.

Gustav Klimt, Egon Schiele e Pablo Picasso sono gli autori delle opere selezione, cinquanta stupendi disegni legati dal tema che manifestano anche una complessa e intimi lettura della fisicità nei primi decenni dello scorso secolo.

CS

This exhibition at The Met Breuer presents a selection of some fifty works from The Met's Scofield Thayer Collection—a collection that is best known for paintings by artists of the school of Paris, and a brilliant group of erotic and evocative watercolors, drawings, and prints by Gustav Klimt, Egon Schiele, and Pablo Picasso, whose subjects, except for a handful, are nudes. The exhibition is the first time these works have been shown together, and provides a focused look at this important collection; it also marks the centenary of the deaths of Klimt and Schiele.

An aesthete and scion of a wealthy family, Scofield Thayer (1889–1982) was co-owner and editor of the literary magazine the Dial from 1919 to 1926. In this avant-garde journal he introduced Americans to the writings of T. S. Eliot, Ezra Pound, D. H. Lawrence, Arthur Schnitzler, Thomas Mann, and Marcel Proust, among others. He frequently accompanied these writers' contributions with reproductions of modern art. Thayer assembled his large collection of some six hundred works—mostly works on paper—with staggering speed in London, Paris, Berlin, and Vienna between 1921 and 1923. While he was a patient of Sigmund Freud in Vienna, he acquired a large group of watercolors and drawings by Schiele and Klimt, artists who at that time were unknown in America.

When a selection from his collection was shown at the Montross Gallery in New York in 1924—five years before the Museum of Modern Art opened—it won acclaim. It found no favor, however, in Thayer's native city, Worcester, Massachusetts, that same year when it was shown at the Worcester Art Museum. Incensed, Thayer drew up his will in 1925, leaving his collection to The Metropolitan Museum of Art. He withdrew from public life in the late 1920s and lived as a recluse on Martha's Vineyard and in Florida until his death in 1982.

Accompanied by a catalogue.

Visitors are advised that some images in this exhibition contain explicit erotic content.

Le modelle di Picasso e Matisse

Sul tema delle modelle di Matisse e Picasso sarà la mostra estiva del Museo Matisse di Nizza, dal 23 Giugno - 29 Settembre 2018.

Questa iniziativa è  parte del programma culturale internazionale Picasso-Méditerranée il cui scopo è rafforzare i legami tra le istituzioni di tutte le sponde del Mediterraneo. Per l'occasione, il Museo beneficia dell'eccezionale prestito di quaranta opere d'arte del Musée national Picasso-Parigi, insieme a centoventi prestigiosi prestiti di opere d'arte di Matisse e Picasso, provenienti da istituzioni pubbliche e collezioni private.

"Matisse et Picasso, la comédie du modèle" è strutturato attorno a quattro sezioni tematiche, che presentano oltre alla collezione del museo, cento e più pitture, sculture e opere grafiche di Matisse e Picasso. Una sezione fotografica confronta i due artisti al lavoro nei rispettivi studi, evidenziando le differenze e le somiglianze tra loro. La mostra è completata da una presentazione di documenti d'archivio: lettere, cataloghi di mostre, riviste e film, che illustrano la storia della loro relazione.

CS

Matisse et Picasso, la comédie du modèle is the leading exhibition in an impressive cultural line-up organized by the city of Nice in 2018, proof of the artistic dynamism out in place by Christian Estrosi, the Mayor of Nice, President of the Nice Côte d’Azur metropolitan area and Vice President of the Provence-Alpes-Côte d’Azur region. Thanks to its ambitious cultural policies, Nice offers an array of cultural activities all year round, including large-scale exhibitions, thereby establishing itself as a major arts centre, of national and international standing.

This exhibition, Matisse et Picasso, la comédie du modèle, has received the prestigious ‘National Exhibition of Interest’ label for 2018, awarded by the Minister of Culture, Françoise Nyssen. Created by the Ministry of Culture, this label showcases and supports important and/or outstanding exhibitions organized by museums in France. It rewards an innovative museum offer and a previously unexplored theme, as well as the exhibition’s scenography and educational events and activities, thereby providing a wide public with the keys to new readings or interpretations of the material and artworks on display. 

The exhibition at the Musée Matisse in Nice is part of the Picasso-Méditerranée international cultural programme whose aim is to strengthen the links between institutions on all sides of the Mediterranean. For this occasion, the Museum benefits from the exceptional loan of forty artworks from the Musée national Picasso-Paris, along with one hundred and twenty prestigious loans of artworks by both Matisse and Picasso, coming from public institutions and private collections. 

These two giants of twentieth-century art have not been presented together since 2002 as part of the Matisse-Picasso exhibition that travelled to London, New York and Paris. The Musée Matisse was eager to return to the extraordinary dialogue that exists between these two artists. Moreover, it was in Nice and its surroundings, in places like Vallauris and Vence that the two men regularly rubbed shoulders from the 1940s onwards, both finding their inspiration in this Mediterranean setting.

Stemming from the notion of the «comedy of the model» referred to by Aragon in Henri Matisse, a novel, the Musée Matisse seeks to re-examine what was probably one of the most successful examples of mutual artistic rivalry and inspiration in the twentieth century. Between dialogue and competitiveness, the relationship between Matisse and Picasso was the subject of a permanent exchange. Subtle but captivating resonances exist in the work of both artists, which should be examined in light of the relationship enjoyed between each painter and his model: one of the main driving forces of the reflection carried out by both artists on the question of the representation of the body and the creative act.  

The exhibition is structured around four thematic sections, presenting in addition to the Museum’s collection, one hundred and fifty odd paintings, sculptures and graphic works by Matisse and Picasso. A photographic section compares the two artists at work in their respective studios, highlighting the differences and similarities between them. The exhibition is complemented by a presentation of archival documents: letters, exhibition catalogues, reviews and films, illustrating the history of their relationship.  

The exhibition Matisse et Picasso, la comédie du modèle is accompanied by an illustrated 160-page catalogue, featuring contributions by Claudine Grammont, Emmanuel Pernoud and Colline Zellal, and is published by Éditions Lienart, Paris

Jeff Koons firma i famosi Château Mouton Rothschild

La proprietaria e appassionata di arte, la  Baronessa Philippine de Rothschild ha commissionato all'artista americano Jeff Koons la creazione dell'etichetta per i suoi vini, i famosi Château Mouton Rothschild, annata  2010. 

Dopo Pablo Picasso, Salvador Dalí, Georges Braque, Juan Miró, Andy Warhol, Francis Bacon e Lucien Freud. ora è la volta di J.Koons che ha utilizzato un'immagine di un affresco di Pompei "La nascita di Venere" su cui è intervenuto con dei graffiti. 

Perfetti per festeggiare il nuovo anno. 

Vuoi diventare famoso ... semplice scempia un quadro

In questi giorni ne parlano tutti, il solito fulminato che per farsi notare va in un noto museo americano scempia un quadro e ovviamente si fa filmare postando il tutto su youtube. 

Ecco la deriva sempre più ridicola della comunicazione di massa, che ovviamente ha enfatizzato l'evento trattandolo su ogni media, e ci sono anch'io a domandarmi se forse non si dovrebbe nemmeno dare la notizia sperando che così non si attivino altri emuli. 

Per fortuna la polizia americana ha scoperto il colpevole e sicuramente sconterà una giusta pena.

Nella foto "Donna nuda su Poltrona Rossa" di Pablo Picasso(1929)

Raccogliere per emozionarsi - Gam Torino

Fra i primi musei d’Italia dedicati all’arte contemporanea la Galleria d’Arte Moderna di Torino non ha mai cessato di accogliere i cambiamenti culturali, seguendo e spesso anticipando il variare del gusto estetico. Per festeggiare questo continuo e pregiato aggiornamento è stata realizzata la mostra “Strangers” ordinata da Riccardo Passoni. Un’esposizione di alcuni dei pezzi più pregiati, di produzione straniera, della collezione permanente, che si è potuto realizzare grazie al sostegno di tanti aiuti esterni, quali la Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT. Una stupenda carrellata storica che spazia da Josef Albers, passando per Karel Appel, Jean Fautrier, Pablo Picasso, fino a un delicato lavoro di Cy Twombly. 

Come sempre la collezione permanente è proposta nei diversi piani in percorsi che, con la nuova direzione di Danilo Eccher, ogni anno vengono rinnovati seguendo preziose suggestioni e percorsi ideati da storici e critici dell’arte, ma non solo. 

Questo progetto permette una rotazione delle opere presenti nella raccolta della GAM, creando così un continuo rinnovamento e riscoperta delle meravigliose opere custodite. Ora l’allestimento è stato costituito da quattro argomenti scegli da docenti universitari di fama nazionale. 

L’Anima, tema scelto da Vito Mancuso, professore Ordinario di Teologia moderna e contemporanea presso la Facoltà di Filosofia dell’Università San Raffaele di Milano, vede, oggi, una radicale riformulazione del suo significato. Mancuso si sofferma sulle difficoltà contemporanee nel riconoscere l’anima come entità persino all’interno degli organi ecclesiastici, e la necessità quindi di rielaborarne il senso sulla scorta del nuovo contesto scientifico e filosofico. Rielaborazione che ritroviamo anche nell’arte e nel percorso al primo piano, in cui si passa dalla religiosità cristiana delle opere ottocentesche di Andrea Gastaldi e Innocenzo Spinazzi, all’espressione di una condizione umana in Antonio Fontanesi, fino alla concezione di anima come spiritualità assoluta, partecipazione al mondo, che si fa letteraria in Gino De Dominicis, rituale in Hermann Nitsch o poetica in Anselm Kiefer, di cui si presenta il capolavoro Einschüsse, grande opera recentemente acquisita dalla GAM. 

Di tutt’altro tenore il tema dell’Informazione, sempre al primo piano, scelto da Mario Rasetti, Professore Ordinario di Fisica teorica, modelli e metodi matematici al Politecnico di Torino. L’informazione, nel campo della Fisica, è intesa come una grandezza paragonabile a massa, energia, velocità. Si riferisce alla capacità delle molecole di essere portatrici di simboli, codici e segnali, di operare cioè come un messaggio necessario alla propagazione della vita. La concezione dell’uomo e della natura è per questo motivo analizzata confrontando diverse interpretazioni: la ciclicità delle stagioni nella serie diLuigi Baldassarre Reviglio, l’elemento naturale che trova una ridefinizione nelle ricerche dell’Arte Povera, con le energie cosmiche di Giovanni Anselmo, l’aspetto alchemico di Gilberto Zorio e la crescita naturale diGiuseppe Penone. Così i segni biomorfi di Carla Accardi e la visione analitica dello spazio di Dadamaino. 

Al secondo piano del museo incontriamo la Malinconia, tema scelto da Eugenio Borgna, Primario emerito di psichiatria dell’Ospedale Maggiore di Novara e libero docente in Clinica delle malattie nervose e mentali dell’Università di Milano. La malinconia è intesa qui come condizione umana e mentale, concezione di un tempo “immobile e stregato”. Questa caratteristica di temporalità sospesa si proietta sulla realtà e sulle attività circostanti, come nel tragico Asfissia! di Angelo Morbelli, e pervade le nature morte di Giorgio de Chirico e Filippo De Pisis, lo spazio e gli oggetti nel video di Ursula Mayer e nelle fotografie di Elisa Sighicelli e Francesca Woodman, i paesaggi sospesi di Carlo Carrà e l’arte stessa in Giulio Paolini. 

Infine, sempre al secondo piano, il Linguaggio è stato scelto da Sebastiano Maffettone, Professore Ordinario di Filosofia Politica presso la Facoltà di Scienze Politiche della Luiss Guido Carli. Dopo un prologo che evidenzia il rapporto dell’arte con la letteratura nelle opere ottocentesche di Antonio Canova, Massimo D’Azeglio, Carlo Arienti, il percorso si sofferma sulla nascita ed evoluzione dei linguaggi artistici, dalle diverse avanguardie di Giacomo Balla e Lucio Fontana, al neorealismo pop italiano di Mario Schifano in dialogo con quello internazionale di Andy Warhol e Mark Dion, per chiudersi con il ritorno alla letteratura nell’utilizzo del carattere tipografico di Nanni Balestrini.

La GAM presente anche altre due iniziative espositive. Vitrine curato da Luigi Fassi che in questo periodo ha scelto un’intrigante tecnologica opera di Alessandro Sciaraffa intitolata Akasha, nella foto, costituita da una serie di pannelli di cristalli liquidi assemblati a muro sino a sagomare completamente l’ambiente che interagisce col calore. 

Mentre al secondo piano è proposta la delicata sezione Wunderkammer, spazio dedicato all’esposizione del patrimonio grafico del museo, che ora presente i preziosi disegni di Giuseppe Mazzola (1748–1838). 

Contemporaneamente è proposto nella videoteca il nuovo acquisto della Fondazione CRT per l’Arte Moderna e Contemporanea all’ultima edizione di Artissima del video di Karl Holmqvist “I am with you in Rockland” composto su un testo di Allen Ginsberg.

Suite Vollard - Tutta la serie completa al British Museum di Londra

Il British Museum espone fino al 2 Settembre la celebre Suite Vollard, create da Picasso fra il 1930 e il 1937. Quasi un diario d’amore fra l’artista e la sua giovane amante Marie-Thérèse Walter, che all’epoca aveva 17 anni. Per la prima volta è possibile vedere tutte le stampe insieme, grazie a un recente lascito che incrementa la già ricca raccolta dell’istituto britannico. 

Queste stampe furono commissionate da Ambroise Vollard, che trattava opere di grandi artisti fra cui Cézanne e Gauguin, e che fece fare a Pablo Picasso la sua prima mostra a Parigi nel 1901. 

Picasso realizzò cento incisioni, che Vollard pagò con opere di Renoir e Cézanne, in cui espresse la intensa passione per la sua giovane amante. Le stampe sono ricche di eccitanti immagini in cui l’intenso erotismo viene trasformata dall’artista in un sinuoso gioco di ruoli fra un Minotaruo e sensuali Veneri. L’evento è proposto coreografato da opere in ceramica greche e da incisioni di Goya, Ingres e Rembrand, che paiono dialogare con questo stupendo lavoro moderno. 

Il tema predominante della Suite Vollard è lo Studio dello scultore (46 incisioni), che vede impegno Picasso con la scultura classica, quando si trovava nella sua nuova casa e studio, lo Château de Boisgeloup fuori Parigi. Altre incisioni vertono sulla giovane modella, Marie-Thérèse, rappresentata in un dialogo alternato tra l'artista e la sua creazione e tra l'artista e la sua modella, ispirato al mito classico del Pigmalione. La parte più affascinante è la raccolta di incisioni in cui viene narrata la passione erotica del Minotauro (15 incisioni), metà uomo e metà animale. La serie si conclude con tre ritratti di Vollard, realizzati nel 1937, proprio poco prima che in un incidente d’auto morisse, ritardando così la pubblicazioni di questa stupenda raccolta d’arte. 

Questo evento è stato reso possibile grazie alla straordinaria generosità del Trust Hamish Parker Charitable in memoria del padre del donatore, il maggiore Orazio Parker. L’ingresso è gratuito. 

Accompagna la mostra un catalogo pubblicato da Press British Museum, con scritti di Stephen Coppel, e una prefazione di Neil MacGregor. 

Il Dipartimento di Stampe e Disegni del British Museum contiene la collezione nazionale di stampe e disegni occidentali. Il reparto fornisce l'accesso per il pubblico che svolgono attività di ricerca nelle sue sale di studio, che sono aperti a tutti. Ricordiamo che i visitatori possono richiedere di vedere uno dei 50.000 disegni o delle 2.000.000 di stampe che sono presenti nella collezione.

Il fuoco della danza

Il Victoria and Albert Museum ha in corso fino a 9 Gennaio la mostra «Diaghilev e l'epoca d'oro dei balletti russi dal 1909 al 1929»: un’esposizione di costumi di scena, tantissimi disegni, foto e video, tra cui rari filmati e dipinti che ripercorrono la fantastica carriera dell'impresario russo che portò in Europa la magia della danza orientale.


La mostra inizia in modo cronologico per poi affrontare alcuni interessanti aspetti della danza e di quel particolare gruppo che produsse affascinanti pulsioni e magie creative coordinati dal diretto artistico Sergej Diaghilev .

Sergej Pavlovic Diaghilev nacque nel 1872 al confine estremo dell’Europa, ai piedi dei Monti Urali, da una famiglia aristocratica ma senza più i capitali economici.

Affascinato dal mondo dello spettacolo creò un’impresa teatrale che grazie alla sua fantasia e capacità di cooperazione arrivò sulla scena europea realizzando grandi progetti con personaggi di grande ingegno come Jean Cocteau, Pablo Picasso, Henri Matisse e Giorgio De Chirico ma anche con i musicisti Claude Debussy, Maurice Ravel, Sergej Prokofiev, Igor Stravinskij e Ottorino Respighi.

Di tutte queste relazioni, scritti, immagini la mostra presenta interessanti campioni immergendoci in un mondo di continua passione e vita creativa.