tag:blogger.com,1999:blog-85621854205344265382024-03-19T07:32:06.549+01:00do@timeDal 2000, appunti sull'arte di Domenico Olivero.Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comBlogger7452125tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-45663627765047376122024-03-19T06:00:00.001+01:002024-03-19T06:00:00.147+01:00L'Inverno di Vija Celmins<div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLxE_MjYY-rdArV_zvg1KLCG5kL5cL_MFsbA4HIuhoBbAsN9rQcMCj9aw0YI-z9jB6Lw_aGZ3g1z6MjDXHn_vEJ73JgBzAPurheZn1TE7rxCSIwlmYa23oKK6wAHLqR_RQLyEEohvPRFs-q0mA_xQVaifjPJpy_lHtMhx6g7EgL2kVLDJ8bagrpeogtp3I/s952/matthew%20mark%20vija%20%20%20%20celmins%20%20%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="634" data-original-width="952" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLxE_MjYY-rdArV_zvg1KLCG5kL5cL_MFsbA4HIuhoBbAsN9rQcMCj9aw0YI-z9jB6Lw_aGZ3g1z6MjDXHn_vEJ73JgBzAPurheZn1TE7rxCSIwlmYa23oKK6wAHLqR_RQLyEEohvPRFs-q0mA_xQVaifjPJpy_lHtMhx6g7EgL2kVLDJ8bagrpeogtp3I/w640-h426/matthew%20mark%20vija%20%20%20%20celmins%20%20%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Gli spazi della <a href="https://www.matthewmarks.com/">Matthew Marks</a> ospitano fino ai primi di aprile la mostra Winter di Vija Celmins. La prima mostra di nuove opere dell'artista in sei anni comprende nove dipinti, quattro sculture e una stampa. </span><span style="font-family: arial;">Il lavoro nella mostra di Celmins è cupo, poetico e oscuro. L’artista dice che stava “pensando all’inverno in tutte le sue implicazioni”. </span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw2PwURsoHUavFM2TX9HFheSnavAzr7WsVFBC0ixlX74Ev760L5xAH4wLoiOKu40Z5_bdiIDyftBNKqhiTe847pLYlUXehtwDV-g1FpRXKdq0hKjM0x27oG6YbI97bl_sE1i_ZD3g5e0WzlZb0_HC4xB-FLG6fFtq1_LHRHa96-eipBRvmifsat8V2w1Jx/s1099/matthew%20mark%20vija%20%20%20%20celmins%20%20sky%20%20ciel%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="611" data-original-width="1099" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw2PwURsoHUavFM2TX9HFheSnavAzr7WsVFBC0ixlX74Ev760L5xAH4wLoiOKu40Z5_bdiIDyftBNKqhiTe847pLYlUXehtwDV-g1FpRXKdq0hKjM0x27oG6YbI97bl_sE1i_ZD3g5e0WzlZb0_HC4xB-FLG6fFtq1_LHRHa96-eipBRvmifsat8V2w1Jx/w640-h356/matthew%20mark%20vija%20%20%20%20celmins%20%20sky%20%20ciel%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">I nuovi dipinti continuano il suo interesse di lunga data nell'utilizzo di immagini della natura, così come il suo lungo rapporto con l'assenza di colore. Snowfall (blue) (2022–24), una tela alta otto piedi e mezzo che è il dipinto più grande che abbia mai realizzato, raffigura la neve che cade contro il cielo notturno.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiERhUiRY3DJfioK9rfFPaSxXDBSj5MyAa3x8m90AYWRgMdpcuPGwS49evVDCIuMNgLyLxdyX5J62-O5JN19tpeu-5KMkEVzhz7yB8glk4f3nDlLLIbnzqe7Fx8Zzs7id68itwa-nclAnslzzWqN9I28-6Aee1NeYzjuPktknxtbTTsGDqBRO2tkU2SwWl7/s1122/matthew%20mark%20vija%20%20%20%20celmins%20%20sky%20%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="635" data-original-width="1122" height="362" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiERhUiRY3DJfioK9rfFPaSxXDBSj5MyAa3x8m90AYWRgMdpcuPGwS49evVDCIuMNgLyLxdyX5J62-O5JN19tpeu-5KMkEVzhz7yB8glk4f3nDlLLIbnzqe7Fx8Zzs7id68itwa-nclAnslzzWqN9I28-6Aee1NeYzjuPktknxtbTTsGDqBRO2tkU2SwWl7/w640-h362/matthew%20mark%20vija%20%20%20%20celmins%20%20sky%20%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> In Snowfall (coat) (2021–23), basato sull’immagine della neve che si accumula sul retro di un cappotto, il terreno scuro fornisce una falsa allusione al cielo. L'immagine, tuttavia, non è l'interesse primario di Celmins. "L'arte non è un'illustrazione, è un'invenzione", dice. “I dipinti hanno una sensazione interna, come se ci fosse qualcosa dietro ciò che vedi.”</div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-35705134915111554122024-03-18T06:00:00.016+01:002024-03-18T06:00:00.147+01:00Mujer, mujer, mujer<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6VmED7BHCj7NxxOtqMoo1G062MliRQ2bipqULQOtz8VerjgRUkpM_pCpSHQkhoRw5STkSdbL0nqr5wj4JM_r8h1I70tB1yp9JLwfiDyoMXX7O_M9AcjYgprBTgDozjqxj-Xe8wSUZTK1yz9NviihZaWoIiBcTVuRA4HAIQAPHlMqCGQVsFemHQclDGQym/s1215/000.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="781" data-original-width="1215" height="412" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6VmED7BHCj7NxxOtqMoo1G062MliRQ2bipqULQOtz8VerjgRUkpM_pCpSHQkhoRw5STkSdbL0nqr5wj4JM_r8h1I70tB1yp9JLwfiDyoMXX7O_M9AcjYgprBTgDozjqxj-Xe8wSUZTK1yz9NviihZaWoIiBcTVuRA4HAIQAPHlMqCGQVsFemHQclDGQym/w640-h412/000.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span></div><span style="font-family: arial;">Le Galleria <a href="https://albertapane.com/">Alberta Pane</a> e <a href="http://www.prometeogallery.com/">Prometeo Gallery</a> Ida Pisani propongo nei rispettivi spazi il progetto "Mujer, mujer, mujer" delle artiste Regina José Galindo e Iva Lulashi.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Regina José Galindo è un'artista visiva e performer guatemalteca. Il suo lavoro denuncia le ingiustizie sociali legate alle questioni razziali e di genere e si concentra anche sull'abuso di potere da parte delle istituzioni nella nostra società. Attraverso un'arte deliberatamente disturbante e scioccante, cerca di scuotere il pubblico guatemalteco, intorpidito dagli anni di oppressione e violenza. Nello spazio parigino, Galindo presenta un panorama delle sue performance storiche dal 1999 al 2021, tra cui "Piel" (2001) e "Punto Ciego" (2010), attraverso fotografie, video e un'installazione. Nel giorno dell'apertura, l'artista eseguirà anche la lettura di una delle sue poesie.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBLx7a3vSIlx9135-pQggs7DWbI-dcy1cWEZ_xD04Iu5LA1XIzs8KKAjfeQ_HuQvRfPKVY8SSJN_0MB96CsooZ1YL4N-7RbJIsaCQD6cdnNnMj1QyvyAgAI4Gqe0FoQuR_7zPbk8HDastq8VaeDMJuPSapqUdppsEOyvGEOl4xXlAcVrHnLdlFydq6HqxT/s1287/001.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="785" data-original-width="1287" height="390" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBLx7a3vSIlx9135-pQggs7DWbI-dcy1cWEZ_xD04Iu5LA1XIzs8KKAjfeQ_HuQvRfPKVY8SSJN_0MB96CsooZ1YL4N-7RbJIsaCQD6cdnNnMj1QyvyAgAI4Gqe0FoQuR_7zPbk8HDastq8VaeDMJuPSapqUdppsEOyvGEOl4xXlAcVrHnLdlFydq6HqxT/w640-h390/001.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Iva Lulashi è una pittrice il cui lavoro è ispirato alla cultura visiva dell'era comunista nella sua nativa Albania. Nel suo lavoro, utilizza fotografie d'epoca e dipinti che raffigurano scene all'aperto banali, oltre a immagini di propaganda, che mescola con film erotici, sfumando i confini tra generi. Le opere esposte nello spazio secondario sono molto evocative, ponendo lo spettatore nella posizione di un voyeur, spiando corpi femminili durante momenti intimi in mezzo alla natura. Lulashi dipinge storie personali e individuali, spesso segnate dai ricordi dell'erotismo post-adolescenziale. Per l'artista, la nudità dei personaggi è un modo per dimostrare che si può raggiungere la libertà attraverso il proprio corpo, ma anche per criticare la forte censura imposta agli albanesi.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Come suggerisce il titolo, l'esposizione "Mujer, mujer, mujer" si concentra sulla donna, interrogando il suo ruolo nella società di oggi, mentre denuncia l'oggettificazione e la violenza a cui è ancora oggi soggetta.</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-69416331534768521682024-03-17T06:00:00.029+01:002024-03-17T06:00:00.136+01:00Uffizi contemporary<div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwCpLVylAyaonKkNiNPDee2heskym7LrCGs6haTmehkH_rmwip9sz8o4EIXWe5PHMzfbzQ5WpFKLqOyaUb2-jhIOQF2YPpnyx9Xdqf62w03Sa2muRDVAAFf2AROIKfqV7hBDl2k9J2wdETt_ajHbLcy-5DBv4AtaNKrSJ55aQKSIMZbFOLgBFWXL2nuvtm/s1654/uffizi%2003.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1126" data-original-width="1654" height="436" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwCpLVylAyaonKkNiNPDee2heskym7LrCGs6haTmehkH_rmwip9sz8o4EIXWe5PHMzfbzQ5WpFKLqOyaUb2-jhIOQF2YPpnyx9Xdqf62w03Sa2muRDVAAFf2AROIKfqV7hBDl2k9J2wdETt_ajHbLcy-5DBv4AtaNKrSJ55aQKSIMZbFOLgBFWXL2nuvtm/w640-h436/uffizi%2003.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Arriva l'arte contemporanea agli Uffizi con la mostra Land in Land out. </span><span style="font-family: arial;">Sedici artisti contemporanei, otto italiani e otto belgi, si confrontano con il formato panoramico 16:9, esponendo coppie di opere in dialogo con i capolavori della Galleria degli Uffizi, tra i quali dipinti di Fra Bartolomeo, Giovanni Bellini, Ambrogio Lorenzetti, Simone Martini e Lippo Memmi, Tintoretto, Veronese.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">È Land In Land Out, mostra accolta nel museo vasariano dal 13 febbraio al 17 marzo e curata dall’associazione culturale MODO asbl, con sede a Bruxelles, insieme a Francesca Sborgi per le Gallerie degli Uffizi (e con il catalogo di Silvana Editoriale). La scelta del formato sedici noni quale ‘filo conduttore’ della mostra, rappresenta il tentativo dell’arte di far riscoprire il senso più intimo e profondo del guardare rappresentato nell’epoca contemporanea dal formato del cellulare ma, soprattutto, misura della psico-visione umana, con l’intenzione di mettere in risalto la relazione che intercorre tra l’opera d’arte e l’osservatore e quale sia il metro percettivo che usiamo per definire ciò che divide noi e la dimensione immaginata dell’opera. </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1AgRFOQmVoBDvdzoNw4k57mz61xHsWbEkOQxK7m4CmjpDAy5FWa1AYOalwZp3DBgN04EhsXBj72xJ7icJx5QTWQY8ukeynsy7yghvrY3FTFSwWAmvjsZZi9qucyiu7u0tmmagsFtwnh5sRxWBb45OFHmZkQ_szxSyi1AJh2loOOcZt5ILJ65vRSaWeDxm/s881/uffizi%2005.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="605" data-original-width="881" height="440" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1AgRFOQmVoBDvdzoNw4k57mz61xHsWbEkOQxK7m4CmjpDAy5FWa1AYOalwZp3DBgN04EhsXBj72xJ7icJx5QTWQY8ukeynsy7yghvrY3FTFSwWAmvjsZZi9qucyiu7u0tmmagsFtwnh5sRxWBb45OFHmZkQ_szxSyi1AJh2loOOcZt5ILJ65vRSaWeDxm/w640-h440/uffizi%2005.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Allo stesso tempo la mostra intende anche stabilire una connessione tra la cultura italiana e quella belga, ponendo al centro i concetti dell’osservazione del paesaggio e della sua interpretazione. Il genere paesaggistico, a partire dalla sua massima diffusione intorno al XVI secolo nei Paesi Bassi, contraddistingue la storia dell’arte di questi due paesi; Italia e Belgio si sono spesso confrontati con esso, esercitando nel tempo e nelle esperienze artistiche una reciproca contaminazione. Ancora oggi la parola paesaggio rimanda ad un’idea tradizionale della rappresentazione naturalistica e, in termini più generali, al dipinto delimitato dal confine di una cornice.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Attraverso le loro opere, gli artisti protagonisti di Land In Land Out affrontano le forzature e gli stereotipi di questo genere: sono Lucia Bru, Hans Demeulenaere, Edith Dekyndt, Stef Driesen, Hans Op de Beeck, Nathalie Du Pasquier, Serena Fineschi, Tina Gillen, Marco Neri, Luca Pancrazzi, Alessandro Scarabello, Serse, Pieter Vermeersch, Laura Viale, Luca Vitone, Sophie Whettnall.</span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzBgo4xVhVPR6wBS6APhwVvoqocHgWz4nj6oZNoRv2HAycBzIY5Q_RYPgPaU6TOItokt8AdinmZCjEfPv-DkKkD77qINH9cMYqqIRNfP4OktPXN2Sbv0XXTJIobX5F4Vn9DBipqQkNuz0Co9_HeEZELir6rcSzjlGUylpzNndiAC87ANl5obbQfT1EoM-r/s1594/uffizi%2004.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1162" data-original-width="1594" height="466" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzBgo4xVhVPR6wBS6APhwVvoqocHgWz4nj6oZNoRv2HAycBzIY5Q_RYPgPaU6TOItokt8AdinmZCjEfPv-DkKkD77qINH9cMYqqIRNfP4OktPXN2Sbv0XXTJIobX5F4Vn9DBipqQkNuz0Co9_HeEZELir6rcSzjlGUylpzNndiAC87ANl5obbQfT1EoM-r/w640-h466/uffizi%2004.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyZ76VMF0cVMhSWJh-vCW9hBWI8cu44R8ZzZmFPCRO4XzUGPQzIj4SO6_jiJj_B3O654ehQwpxNW9uOHF8igOPq5rSKx_dGjgGRrW7iu8TYCmfbIdYaWlDCSx-4CORa01DK5WBkLVGiyAxy2YVeZ4q-8UgRNs4uUWZtzz7vvWzaWb-PDzFrOeMqigmhgsU/s1774/uffizi%2002.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1290" data-original-width="1774" height="466" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyZ76VMF0cVMhSWJh-vCW9hBWI8cu44R8ZzZmFPCRO4XzUGPQzIj4SO6_jiJj_B3O654ehQwpxNW9uOHF8igOPq5rSKx_dGjgGRrW7iu8TYCmfbIdYaWlDCSx-4CORa01DK5WBkLVGiyAxy2YVeZ4q-8UgRNs4uUWZtzz7vvWzaWb-PDzFrOeMqigmhgsU/w640-h466/uffizi%2002.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; text-align: justify;"><span style="font-size: xx-small;">foto Ela Bialkowska OKNOstudio</span></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comPiazzale degli Uffizi, 6, 50122 Firenze FI, Italia43.7677856 11.255310815.457551763821158 -23.9009392 72.078019436178849 46.411560800000004tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-73803451175130171292024-03-16T06:00:00.021+01:002024-03-16T06:00:00.141+01:00Jonathan Meese a Roma da Tim Van Laere<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNwW12JLSK9l2Fhsw0HH4Ns6YEKzTXv2bt6Ms_LDee_tfBEWpBF4sobLcdbFpnsFfe2CWDlbJnoj3MIXBal6RzutiJalFbhgVVbCZjL5yMAXfHETKK18oqtmXUrFK0f4KvGcApr05oHw5_O6iCpQM2fv2YTNfWGo7r9l-k0keOY97A4ggtT3PTFeNzSj-d/s929/timvanlaeregallery.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="625" data-original-width="929" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNwW12JLSK9l2Fhsw0HH4Ns6YEKzTXv2bt6Ms_LDee_tfBEWpBF4sobLcdbFpnsFfe2CWDlbJnoj3MIXBal6RzutiJalFbhgVVbCZjL5yMAXfHETKK18oqtmXUrFK0f4KvGcApr05oHw5_O6iCpQM2fv2YTNfWGo7r9l-k0keOY97A4ggtT3PTFeNzSj-d/w640-h430/timvanlaeregallery.jpg" width="640" /></a></div><br /><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></div><span style="font-family: arial;">La sede romana della galleria <a href="https://www.timvanlaeregallery.com/">Tim Van Laere</a> presenta, fino al 27 Aprile, le opere di Jonathan Meese (nato nel 1970 a Tokyo, vive e lavora a Berlino e Ahrensburg) noto per la sua opera versatile, che comprende dipinti esuberanti, installazioni stravaganti e performance estatiche, scritti, nonché un potente corpus di sculture in vari media. Con la sua mitologia ricca e personale, piena di simboli, neologismi e metafore, l'opera multiforme dell'artista suscita fascino. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Pq7y5yeRvns5qZPpqoP4RT02gsrrTiiwil5zuRwqaWSeNOa_Gyq8u2lqF1nRvUYmTcL2t5oshNC41hvK-pEh2CZ8j_y1x32oOTtyjzXJ6BqJ_HeRbg37nFR8uTRwEbiRJ1o2rgAloSbjwlklt4cMQGOIABrGcY4dWHOdZMDXPSc1gMPlChWzuhi_c5zY/s955/timvanlaeregallery%20roma%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="587" data-original-width="955" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Pq7y5yeRvns5qZPpqoP4RT02gsrrTiiwil5zuRwqaWSeNOa_Gyq8u2lqF1nRvUYmTcL2t5oshNC41hvK-pEh2CZ8j_y1x32oOTtyjzXJ6BqJ_HeRbg37nFR8uTRwEbiRJ1o2rgAloSbjwlklt4cMQGOIABrGcY4dWHOdZMDXPSc1gMPlChWzuhi_c5zY/w640-h394/timvanlaeregallery%20roma%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;">Apparentemente senza sforzo, Meese riesce a distinguersi in ogni genere con un vocabolario indipendente e unico che permette alle sue opere di emanare un'energia visiva che, secondo il curatore Robert Fleck, non ha eguali dai tempi di Picasso. Tutte le opere di Meese sono accomunate da un umorismo tendente al grottesco, nonché da una volontà creativa potente e originale. Entrambi sono guidati e sostenuti dalla lotta per una regola dell'arte, la dittatura dell'arte. Ciò che si intende qui è lo sviluppo di un nuovo ordine mondiale in cui l'arte è il potere legislativo e il libero gioco il fondamento di tutta la vita e la creazione. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Questo approccio utopico corre come un leitmotiv in tutte le sue opere e unisce le singole parti dell'opera. per formare il Jonathan Meese Gesamtkunstwerk. Non punta all’anarchia, ma piuttosto alla regola della necessità metabolica: “L’arte è gioco totale”.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwE9eTZg0Kyey2Ka75uVniR-eq_cAefmO-ovxDvckPrCaYR7Ly8CzaUe_FdgvAyCMbWtLYuF6Np2FsYv98cQ2DyhanvNGTk9WqdbGRJjfmCJRCw-alpJ3VY3tJd8HPBeZSDL4YpPY2bd76m7Xs0DHOvbeO5ryCv9GotZp3RxfpxS6gkYhJwrpHS1KBR5p9/s953/timvanlaeregallery%20rome%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="633" data-original-width="953" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwE9eTZg0Kyey2Ka75uVniR-eq_cAefmO-ovxDvckPrCaYR7Ly8CzaUe_FdgvAyCMbWtLYuF6Np2FsYv98cQ2DyhanvNGTk9WqdbGRJjfmCJRCw-alpJ3VY3tJd8HPBeZSDL4YpPY2bd76m7Xs0DHOvbeO5ryCv9GotZp3RxfpxS6gkYhJwrpHS1KBR5p9/w640-h426/timvanlaeregallery%20rome%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-5139198721213091372024-03-15T06:30:00.012+01:002024-03-15T06:30:00.150+01:00Dislocazioni <p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5mFRtG3R1G7p7W0tI0hhViy6-phhn58GvWNYzffZwS_2yYyV8yC7HjePhk_vcVL79rpK6YFCkcaKk_VU71g4rOZnRILgpM6PWxf18rncN1Bii1mGQaMjNRnnNWV1M95ELvDRY0yx7ToUTC2HhAwPmoCYb5Mj1tucHnXZrR_qZVX2459lOxNDJXWdRqfzl/s651/palais%20de%20tokyo%20paris%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="437" data-original-width="651" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5mFRtG3R1G7p7W0tI0hhViy6-phhn58GvWNYzffZwS_2yYyV8yC7HjePhk_vcVL79rpK6YFCkcaKk_VU71g4rOZnRILgpM6PWxf18rncN1Bii1mGQaMjNRnnNWV1M95ELvDRY0yx7ToUTC2HhAwPmoCYb5Mj1tucHnXZrR_qZVX2459lOxNDJXWdRqfzl/w640-h430/palais%20de%20tokyo%20paris%20%20.jpg" width="640" /></a></div><br /> <p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Fra le tante mostre in corso in questi giorni al <a href="https://palaisdetokyo.com/">Palais de Tokyo</a> a Parigi vi segnalo l'esposizione “Dislocations” che riunisce quindici artisti, di diverse generazioni e origini (Afghanistan, Francia, Iraq, Iran, Libano, Libia, Myanmar, Palestina, Siria, Ucraina) il cui lavoro è segnato o informato dall'esperienza dell'esilio, della strappo tra qui e altrove, tra passato e presente.</span></p><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0H9iIX8l2zlGx3zOj21UskPfBoO158EjXJPFWH2vjm1VRacaEIRSxcdlIwkyJufgriGG3VW7eKZg1uDVCBTc55dOjISsBN5YMUvg92594Ks5zCc2CLNuSAamtlk24guMG1TtCKpRIBvX93vWKmFF-ii54_LhjKsWZsK0-Om-4ODhQdhymGEssMF70l56g/s650/palais%20de%20tokyo%20parigi%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="429" data-original-width="650" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0H9iIX8l2zlGx3zOj21UskPfBoO158EjXJPFWH2vjm1VRacaEIRSxcdlIwkyJufgriGG3VW7eKZg1uDVCBTc55dOjISsBN5YMUvg92594Ks5zCc2CLNuSAamtlk24guMG1TtCKpRIBvX93vWKmFF-ii54_LhjKsWZsK0-Om-4ODhQdhymGEssMF70l56g/w640-h422/palais%20de%20tokyo%20parigi%20%20%20.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Le loro pratiche combinano know-how ancestrale e tecnologie contemporanee, gesti umili e materiali poveri. Si tratta di rendere omaggio alla necessità vitale e all’intensità della creazione artistica attraverso storie frammentate che attraversano lo sfollamento, la prigionia, la guerra, ma anche la resilienza e la riparazione.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEDlBprRnBgsZz-j6wjealB-dxO7EIIL_d_v8FWknsZiZjeKQHonxxIf9EI47wAGulkEuMkYDVtAi6N6ZU72j7yi0Bo6qlpTDRslPIhVjaWhDpJ9dQb8IDh_brK-zQB1zsYr0GWPa3071JBa7WmlZXjRsIpV2G06jze3l8SCjMgNDPo7gsZyyul1eQ_Z-T/s650/palais%20de%20tokyo%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="434" data-original-width="650" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEDlBprRnBgsZz-j6wjealB-dxO7EIIL_d_v8FWknsZiZjeKQHonxxIf9EI47wAGulkEuMkYDVtAi6N6ZU72j7yi0Bo6qlpTDRslPIhVjaWhDpJ9dQb8IDh_brK-zQB1zsYr0GWPa3071JBa7WmlZXjRsIpV2G06jze3l8SCjMgNDPo7gsZyyul1eQ_Z-T/w640-h428/palais%20de%20tokyo%20.jpg" width="640" /></a></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com13 Av. du Président Wilson, 75116 Paris, Francia48.8645866 2.296674820.554352763821157 -32.8595752 77.174820436178848 37.4529248tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-39123272530106696462024-03-14T06:00:00.025+01:002024-03-14T06:00:00.133+01:00Giulio Malinverni e Maurizio Pellegrin da Marignana Arte<div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLoZAZa5Y_o5aJYG5PRHcZfmFpv0XWBnCthvYwP-ek_ZawkLD2VCI1axrRI28RN-sH27epVyPjB0obKA3j0amKeUnE5qTn7j9VcG7vP08jSVyGF6xVp32Xyi4S9Bb2-l8i3AQjeX4mJkxI7zk-jGjtREepQZRbYR1H9dx2J47w2wIPUBbA9vT9kf57Ls8I/s1085/ddd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="725" data-original-width="1085" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLoZAZa5Y_o5aJYG5PRHcZfmFpv0XWBnCthvYwP-ek_ZawkLD2VCI1axrRI28RN-sH27epVyPjB0obKA3j0amKeUnE5qTn7j9VcG7vP08jSVyGF6xVp32Xyi4S9Bb2-l8i3AQjeX4mJkxI7zk-jGjtREepQZRbYR1H9dx2J47w2wIPUBbA9vT9kf57Ls8I/w640-h428/ddd.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> La galleria <a href="https://www.marignanaarte.it/">Marignana</a> di Venezia propone fino a fine marzo due mostre una su Maurizio Pellegrin dal titolo "L'immagine ritrovata" nella Project Room della galleria con tre diverse serie di opere su carta organizzate attorno al concetto di “frammento” : collage della fine degli anni '80, fotocollage realizzati tra il 2006 e il 2008 e cianotipi più recenti del 2021. I frammenti vengono riuniti e organizzati in nuove strutture gerarchiche per produrre nuove relazioni, nuove energie, significati e simboli diversi e per parlare allo spettatore attraverso una nuova forma di comunicazione.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiIXhpL4bxotO9zIhPgiLSgXEfirHdRqWwONq0nakPc31Vev7_ZsDMp5QNxJT3O0BY3i2OCP9IVupjIsLrkYdJ6h52QOqrTqey7GMqCx8PAHwfICukOMSAzpZTtVszd-wcHz1hNB0TTq1ubyqkbuoyo7LG3DKoBvrk6bgSMRZv7zgxKsMEwnxofVJN7uME/s1059/ddfd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="739" data-original-width="1059" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiIXhpL4bxotO9zIhPgiLSgXEfirHdRqWwONq0nakPc31Vev7_ZsDMp5QNxJT3O0BY3i2OCP9IVupjIsLrkYdJ6h52QOqrTqey7GMqCx8PAHwfICukOMSAzpZTtVszd-wcHz1hNB0TTq1ubyqkbuoyo7LG3DKoBvrk6bgSMRZv7zgxKsMEwnxofVJN7uME/w640-h446/ddfd.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div>L'altra su Giulio Malinverni dal titolo "Il Dormiente nella Valle" che consolidando una collaborazione iniziata nel 2020, Marignana Arte. Il titolo scelto dall’artista – Il dormiente nella valle – è quello di una celebre poesia di Arthur Rimbaud, i cui versi evocano il conflitto tra il caldo splendore di una natura ideale e incantata (dove il sole splende dall’orgogliosa montagna) e la gelo della morte di un soldato caduto in battaglia, che sembra dormire e sognare adagiato in quella “piccola valle ribollente di raggi”.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMoz6TzZYFX-pQzbLLvgMpQu3ej-K8ius5hGCLDJRNfNHSyEtX10lre6LQ5RXYBblb1fA9IpRJ53I_ll4hqpWrlYujLdYcvo0KzglJgz_H_hYEr-HZjPJEU90OKiQByN_W0SvUk2cC8H1Fb1FUFTQVejkWZcnlvEtZ004hqQYs9lgnopgfqF_hVBqnOi2T/s1127/dzzgdfd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="715" data-original-width="1127" height="406" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMoz6TzZYFX-pQzbLLvgMpQu3ej-K8ius5hGCLDJRNfNHSyEtX10lre6LQ5RXYBblb1fA9IpRJ53I_ll4hqpWrlYujLdYcvo0KzglJgz_H_hYEr-HZjPJEU90OKiQByN_W0SvUk2cC8H1Fb1FUFTQVejkWZcnlvEtZ004hqQYs9lgnopgfqF_hVBqnOi2T/w640-h406/dzzgdfd.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div>Marignana Arte presenta una selezione dei dipinti più recenti di Giulio Malinverni, tra cui alcuni inediti su marmo, il cui tema è quanto mai vicino alle atmosfere rimbaudiane , rese attraverso una pittura che assume i toni di un viaggio nell'onirico , sospeso tra il Abissi e cieli, tra evocazioni incantate e infernali, lo spettatore sarà condotto in una dimensione di magica alterità. La mostra è accompagnata da una pubblicazione con un testo critico di Cristina Beltrami.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilpP8D_Dpk1UtDKlRpHsYlyCo8Q_ZcfdbQ9WcaJ0ich5GQGFykbGL69tdoLDN0mFTs823MRDVpUv_k75n5mtISmDKWXdH22oxyjKe4ca-OoEULkoAYBBNZz5tulb0h3m3jMvl3D4Ro09l9u86EN-kd9UkYW7MbSBtHOOwqI_Xl8vUjnJUXpKkPUmkQcuYu/s1127/dzzfgdfd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="1127" height="388" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilpP8D_Dpk1UtDKlRpHsYlyCo8Q_ZcfdbQ9WcaJ0ich5GQGFykbGL69tdoLDN0mFTs823MRDVpUv_k75n5mtISmDKWXdH22oxyjKe4ca-OoEULkoAYBBNZz5tulb0h3m3jMvl3D4Ro09l9u86EN-kd9UkYW7MbSBtHOOwqI_Xl8vUjnJUXpKkPUmkQcuYu/w640-h388/dzzfgdfd.jpg" width="640" /></a></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-7705997109578631242024-03-13T06:00:00.006+01:002024-03-13T06:00:00.244+01:00Capsule apre a Venezia <div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJNwkFnETWl3vBq0qyOVlcP5SmdBP65W5NlYuyr5ucNWYTSIAjhTpOY6O2nqMB1OhkNwh4ue2DMnJhapgPsbTUEGJnBIJnqwimFWt0K7jfluBpZZfIfEw3xIJBjwH-oCE7VGVB8XkjhYrePmikzsAg1pPFSHneyES1UcZd88HH_8sqabT_qe8QB_sRk6AK/s763/capsule%20venice%20artspace%20venezia%20%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="763" data-original-width="713" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJNwkFnETWl3vBq0qyOVlcP5SmdBP65W5NlYuyr5ucNWYTSIAjhTpOY6O2nqMB1OhkNwh4ue2DMnJhapgPsbTUEGJnBIJnqwimFWt0K7jfluBpZZfIfEw3xIJBjwH-oCE7VGVB8XkjhYrePmikzsAg1pPFSHneyES1UcZd88HH_8sqabT_qe8QB_sRk6AK/w598-h640/capsule%20venice%20artspace%20venezia%20%20%20%20.jpg" width="598" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Da alcuni giorni a Venezia ha aperto la galleria <a href="www. capsuleshanghai.com">Capsule</a>, realtà nata a Shanghai che ora si sposta anche a Venezia.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">L'ideatore è il gallerista Enrico Polato che dopo aver aperto lo spazio a Shanghai nel 2016, sviluppa con una mostra collettiva dal titolo ‘When We Become Us’“, una mostra in un nuovo spazio presso la Fondazione Giorgio e Armanda Marchesani, nel sestiero di Dorsoduro.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwlFSqXJNl97T2Ndyfwu_1StVEcVjAu83HDF3FXe4UEART-EZ1-ed8p0aGt3ZgC1p2JnTL5WQA8pomTOlXeCYpDDXaE_OJE-l4L4Rrtup7tKGITD-ysyDNm8kdolIXS135E9MXpyqbzpvtrvh_ifvK4V2UuWTs0Q2D1jbK0AUgN9VeT25aGReN13brBBLr/s777/capsule%20venice%20artspace%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="777" data-original-width="765" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwlFSqXJNl97T2Ndyfwu_1StVEcVjAu83HDF3FXe4UEART-EZ1-ed8p0aGt3ZgC1p2JnTL5WQA8pomTOlXeCYpDDXaE_OJE-l4L4Rrtup7tKGITD-ysyDNm8kdolIXS135E9MXpyqbzpvtrvh_ifvK4V2UuWTs0Q2D1jbK0AUgN9VeT25aGReN13brBBLr/w630-h640/capsule%20venice%20artspace%20%20%20.jpg" width="630" /></a></div></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">CS</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Con la mostra "When We Become Us²" la galleria Capsule apre a venezia, un’estensione dell’impegno duraturo e costante di Capsule a Shanghai in Cina.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Per la sua mostra inaugurale ospitano nei locali della Fondazione Marchesani a Dorsoduro, uan collettiva, sviluppando una versione ampliata di When We Become Us, la mostra che ha segnato l'apertura di Capsule nel 2016 a Shanghai. In questa occasione lo spettacolo prende il nome di When We Become Us².</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Questa mostra collettiva occupa diversi strati semantici. Da un lato offre uno spaccato della poetica che definisce il lavoro dei ventinove artisti partecipanti, fornendo una panoramica del programma della galleria (oltre ad alcune nuove collaborazioni), una panoramica delle sinergie inesplorate tra artisti che non hanno mai esposto tutti insieme Prima. D'altra parte la mostra è un'espressione sincera della metodologia abbracciata dalla galleria durante il suo percorso durato sette anni. When We Become Us² è una riflessione su cosa significhi gestire uno spazio che, pur funzionando come un organismo commerciale, è costantemente impegnato in un processo di nutrimento reciproco, crescita e dialogo continuo con gli artisti che danno vita alla galleria. È il manifesto ideale di Capsule Venice che vuole diventare un hub che unisce una profonda conoscenza dell'ecologia dell'arte contemporanea con un tocco umanistico e “artigianale”.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2W2DRJvks3eYDWAra_-hht_MHNOvZ1ZI-NZx3kCt2zYnj8lawhOT0QgxW4xM05gXn2JDYsZ_lEWvPU968IK0hGuiEqtDb45ex47w-QXrDsWH8_F-pdUvg7-t2K0aJ62EWijDoqqEx5PziN-6b27m5XnrL9ql8jN8gPOWcg8PfpfkGSHINJm6LnHwuXjZJ/s767/capsule%20venice%20art%20space%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="767" data-original-width="761" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2W2DRJvks3eYDWAra_-hht_MHNOvZ1ZI-NZx3kCt2zYnj8lawhOT0QgxW4xM05gXn2JDYsZ_lEWvPU968IK0hGuiEqtDb45ex47w-QXrDsWH8_F-pdUvg7-t2K0aJ62EWijDoqqEx5PziN-6b27m5XnrL9ql8jN8gPOWcg8PfpfkGSHINJm6LnHwuXjZJ/w634-h640/capsule%20venice%20art%20space%20%20%20.jpg" width="634" /></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">È anche il primo passo di Capsule verso la costruzione di un legame duraturo con la città di Venezia, agendo da catalizzatore, per fornire un luogo di esperienza in cui artisti, pubblico, professionisti dell’arte, collezionisti e la comunità in generale diventano “noi”.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Capsule Venice presenterà quattro mostre, accompagnate da un programma di eventi, progetti site-specific e attività culturali curati dalla curatrice indipendente Manuela Lietti che coinvolgeranno i versatili spazi interni ed esterni della sede per tutto il 2024. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Capsule Venice Sestiere Dorsoduro 2525, 30123 Venezia, Italia</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comSestiere Dorsoduro, 2525, 30123 Venezia VE, Italia45.43416 12.3206817.123926163821153 -22.83557 73.744393836178844 47.476929999999996tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-33237538051938998372024-03-12T06:00:00.024+01:002024-03-12T06:00:00.134+01:00Vivian Suter a Milano <div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBTaxOMwqpQqQ4AfIG1Ael8ZD4viYxFLNuJCzwuQjJgsq92ObKYRO6mnqY6Q8F9oe7oezVxd6_OJQecIQGlC366uGMrNGFCf3S4Nw7ejnfM-z4JucD_FC8UBx-VdIlWvrEApkJLyIuH20xWpnrci48TS4XNyt2fUCadGAgq1xYnxDtCVUvOPtT_hgIXy1r/s908/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco%20ART%20e%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="621" data-original-width="908" height="438" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBTaxOMwqpQqQ4AfIG1Ael8ZD4viYxFLNuJCzwuQjJgsq92ObKYRO6mnqY6Q8F9oe7oezVxd6_OJQecIQGlC366uGMrNGFCf3S4Nw7ejnfM-z4JucD_FC8UBx-VdIlWvrEApkJLyIuH20xWpnrci48TS4XNyt2fUCadGAgq1xYnxDtCVUvOPtT_hgIXy1r/w640-h438/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco%20ART%20e%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: arial; text-align: justify;">La sede milanese della galleria <a href="https://kaufmannrepetto.com/">Kaufmann Repetto</a> propone la mostra Tintin Nina di Vivian Suter Disco, che comprende più di cinquanta opere di grandi dimensioni risultanti dal lavoro dell'artista una ricerca decennale immersa nella lussureggiante foresta pluviale guatemalteca. </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; text-align: justify;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; text-align: justify;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTx-p-lL3IZkh0KNl3T-ndJ5EBMeNUoKM2hfpgJa2HI3N9leLyTGiSLvKlClMNN7gEHgm0mj5c22QOWDGxyqqV0J5n4PPAzsfqIYskmN41vT0aNB73rGUM1zQQI2dEZK0IR-EBHo6HM-m0AkFms_Q0EJgM58ZC2uMjxVklIGyojNjlvtBiSig0mhobqtZX/s943/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="627" data-original-width="943" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTx-p-lL3IZkh0KNl3T-ndJ5EBMeNUoKM2hfpgJa2HI3N9leLyTGiSLvKlClMNN7gEHgm0mj5c22QOWDGxyqqV0J5n4PPAzsfqIYskmN41vT0aNB73rGUM1zQQI2dEZK0IR-EBHo6HM-m0AkFms_Q0EJgM58ZC2uMjxVklIGyojNjlvtBiSig0mhobqtZX/w640-h426/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; text-align: justify;"><br /></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Questa serie di le tele incarnano l’alleanza creativa di Suter con le vicissitudini del terreno </span><span style="font-family: arial;">e il tempo, introducendoci alla rapsodia incessante della natura e delle sue profondità connessione con la pratica dell’artista. Ciò risuona anche nella presentazione fluida e non gerarchica delle opere, spesso sovrapposte, sospese e ondeggianti nello spazio, assorbito nell’ecosistema e nello spirito dell’ambiente circostante l’artista.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNQLQQkP28rIbZaFE8IUeOJJeIckFnNfFadjcULi92v1EQPi6X0zvEPEybP0JtRPzWGiWwqI0lYg-pRXZH_rZtyW2ChHaTIHmUY53wTll073jpF0BgV-y4P-O-64aMqH0DUuime9Z0LvOIb_2c2VrhHhOhsLBNJBCzI_ON2HhVeH0jBQeg1JJ5ImtsA01N/s941/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco%20ART%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="623" data-original-width="941" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNQLQQkP28rIbZaFE8IUeOJJeIckFnNfFadjcULi92v1EQPi6X0zvEPEybP0JtRPzWGiWwqI0lYg-pRXZH_rZtyW2ChHaTIHmUY53wTll073jpF0BgV-y4P-O-64aMqH0DUuime9Z0LvOIb_2c2VrhHhOhsLBNJBCzI_ON2HhVeH0jBQeg1JJ5ImtsA01N/w640-h424/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco%20ART%20.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGtKlsCkpQBF1WPUDaY3I6Tl4djT__U9AV6SfyNAIIh_-MpAyOVFKf9EuJdz9hw9CFCwt9i8F1W0U-4ilPFW5X0Jo3dFLgv-7S6NApzxqB63oAqVYGcGLqtqeRCL0MaSvWzBJU-jb4CW-6AwWBh7vMxaE3LJ8m_kDjlD6LOymPbcEeK1bJrTC3GlUpB258/s942/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco%20ARTE%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="630" data-original-width="942" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGtKlsCkpQBF1WPUDaY3I6Tl4djT__U9AV6SfyNAIIh_-MpAyOVFKf9EuJdz9hw9CFCwt9i8F1W0U-4ilPFW5X0Jo3dFLgv-7S6NApzxqB63oAqVYGcGLqtqeRCL0MaSvWzBJU-jb4CW-6AwWBh7vMxaE3LJ8m_kDjlD6LOymPbcEeK1bJrTC3GlUpB258/w640-h428/Kaufmann%20Repetto%20Tintin%20Nina%20Vivian%20Suter%20Disco%20ARTE%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comVia di Porta Tenaglia, 7, 20121 Milano MI, Italia45.477714 9.181838717.167480163821153 -25.9744113 73.787947836178844 44.3380887tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-87272858362983414702024-03-11T07:29:00.000+01:002024-03-11T07:29:27.188+01:00Meg Webster al Dia Beacon<div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyHFPEZCbY0Hx76mcLyCGv3dPyHZ17GvkcPUw584YVLLnLLulkvBUq4-vr47jj8bliMH-mV9AKxjUckDUwj0rRLDehwF9cFURW16xs86v1r2HNguCEqI0kM47V5WdDYPvjmLz_h1srLd9X-qyyIQxWGc6MWHd-FbqJR6r06bnWz1egq0vpKguZuFxwoRhM/s734/Meg%20Webster%20Dia%20Beacon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="651" data-original-width="734" height="568" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyHFPEZCbY0Hx76mcLyCGv3dPyHZ17GvkcPUw584YVLLnLLulkvBUq4-vr47jj8bliMH-mV9AKxjUckDUwj0rRLDehwF9cFURW16xs86v1r2HNguCEqI0kM47V5WdDYPvjmLz_h1srLd9X-qyyIQxWGc6MWHd-FbqJR6r06bnWz1egq0vpKguZuFxwoRhM/w640-h568/Meg%20Webster%20Dia%20Beacon.jpg" width="640" /></a></div><br /><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Molto interessante l'omaggio che il <a href="https://diaart.org/">Dia Beacon</a> rende all'artista Meg Webster, fra le figure più appartate ed interessanti di una Land Art ambientale, con opere che attingono all'arte minimalista e materica degli anni '60 e '70, usando materiali naturali - come terra, sabbia e sale - in ambienti chiusi dalla metà degli anni '80, modellandoli in sculture elementari e sensorialmente ricche. Il suo lavoro spazia da semplici volumi geometrici, giardini e installazioni idrauliche e di luce crescente che possono essere collocate all'interno o all'esterno della galleria.</span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Questa proposta del lavoro di Webster offre i suoi caratteristici lavori in terra concavi e convessi, recentemente entrati nella collezione di Dia, integrati da sculture costruite in cera d'api, muschio, sale e bastoncini. Presentati nelle gallerie adiacenti ai giardini occidentali, i materiali organici della mostra costituiscono un ecosistema in cui colore, profumo e suono entrano in dialogo con gli elementi naturali esterni. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi51dho3Xeh8AEa5hSMgon_dxR60WOkzhtn6i4D-yQMnU3q6yHSES0rtDNdNmtDRDS6bBLQVJiZzGYqFmWl0TT8IirvQ8vIU7UkQ6gzvZBPeaYW1TEIbN0XgWxy22ybWK5KcZ1f0DReo5rbbX1gycZx4xzPwav4HfJ8XVQhpLZidPNcQMmuBNuTE622Gpii/s779/Meg%20Webster%20Dia%20Beacon%20new%20york%20art%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="779" data-original-width="693" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi51dho3Xeh8AEa5hSMgon_dxR60WOkzhtn6i4D-yQMnU3q6yHSES0rtDNdNmtDRDS6bBLQVJiZzGYqFmWl0TT8IirvQ8vIU7UkQ6gzvZBPeaYW1TEIbN0XgWxy22ybWK5KcZ1f0DReo5rbbX1gycZx4xzPwav4HfJ8XVQhpLZidPNcQMmuBNuTE622Gpii/w570-h640/Meg%20Webster%20Dia%20Beacon%20new%20york%20art%20%20%20.jpg" width="570" /></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Presentate insieme alle opere dei colleghi Michael Heizer, Donald Judd e Richard Serra, tra gli altri, le sculture di Webster apportano una prospettiva ecologica unica alle preoccupazioni formali che animano l'arte nella collezione di Dia.</div></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Meg Webster è curata da Matilde Guidelli-Guidi, curatrice e co–responsabile del dipartimento, con Liv Cuniberti, assistente curatoriale.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8VanbeUUFWwBOzifdhLn5S0q-onWcD7luyrJZrcuIVGaw0HAYzksupZYr-mG2eypc_RphaNGEnANexp6vQj4l53pgKSAUBu1-HZnbSZruymCqKEUkoq4xzYuNVCZI6AUtQWjhwC6nc9JVLjO0b1QlIlCkvJfSSXnoNZGEK182LBS-xMLfMP_3ZYxIzhfy/s759/Meg%20Webster%20Dia%20Beacon%20new%20york%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="759" data-original-width="693" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8VanbeUUFWwBOzifdhLn5S0q-onWcD7luyrJZrcuIVGaw0HAYzksupZYr-mG2eypc_RphaNGEnANexp6vQj4l53pgKSAUBu1-HZnbSZruymCqKEUkoq4xzYuNVCZI6AUtQWjhwC6nc9JVLjO0b1QlIlCkvJfSSXnoNZGEK182LBS-xMLfMP_3ZYxIzhfy/w584-h640/Meg%20Webster%20Dia%20Beacon%20new%20york%20%20.jpg" width="584" /></a></div></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Tutte le mostre al Dia sono rese possibili dall'Economou Exhibition Fund.</div></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Meg Webster è resa possibile dal supporto principale delle Loro Eccellenze Sheikh Jassim e Sheikha Al Mayassa Al-Thani. Significativo sostegno da parte della Berkowitz Contemporary Foundation. Supporto aggiuntivo da parte di Agnes Gund, Anne Mosseri-Marlio e Reto Wey, Marsha e Jeffrey Perelman e Deedie Rose. Un ringraziamento speciale alla Paula Cooper Gallery, New York.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyM5dUiK00ga-4G19eBxtKgMtqBCBnAJSoOkSTUU2OC9bteTWCVhXzdvBRYeXVr-T7n6jT75KNYjrfKDiTK82FCnyHVcZ8XRA7c7ZUVKI7YY_SCK2nNfgglvjCGpGtLBsUczGjvtI6N8sSP03MV6rz6_8-wvB_blMFoE4pb63RIyC30v8PBodfRMK3QtAF/s779/Meg%20Webster%20al%20Dia%20Beacon.jpg" imageanchor="1" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="779" data-original-width="687" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyM5dUiK00ga-4G19eBxtKgMtqBCBnAJSoOkSTUU2OC9bteTWCVhXzdvBRYeXVr-T7n6jT75KNYjrfKDiTK82FCnyHVcZ8XRA7c7ZUVKI7YY_SCK2nNfgglvjCGpGtLBsUczGjvtI6N8sSP03MV6rz6_8-wvB_blMFoE4pb63RIyC30v8PBodfRMK3QtAF/w564-h640/Meg%20Webster%20al%20Dia%20Beacon.jpg" width="564" /></a></div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-77897381222279490422024-03-10T06:00:00.001+01:002024-03-10T06:00:00.243+01:00Le nature morte di Max Weber<p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWkLMsuRwdAIr_M_NhsDMpCC-rGdUpc0eU9y6MhfZXIXXqP8roYl7GmsAJYnCfKhd_Rul3dVxmaPLwTfvCk7BCtMUMzGacriw2H5HNS1bZ7PLJ030ErAj1gjtorXYVt4NijfFsJFZ6JGkefPFOTDHsbBd_ExVslpcZaXEAqyH2STc-768MrR0RXb8UhBf_/s875/max%20weber%20%2001%20.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="627" data-original-width="875" height="458" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWkLMsuRwdAIr_M_NhsDMpCC-rGdUpc0eU9y6MhfZXIXXqP8roYl7GmsAJYnCfKhd_Rul3dVxmaPLwTfvCk7BCtMUMzGacriw2H5HNS1bZ7PLJ030ErAj1gjtorXYVt4NijfFsJFZ6JGkefPFOTDHsbBd_ExVslpcZaXEAqyH2STc-768MrR0RXb8UhBf_/w640-h458/max%20weber%20%2001%20.jpg" width="640" /></a></p><br /><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La galleria newyorchese <a href="https://schoelkopfgallery.com/">Schoelkopf</a> dedica una bella mostra alle opere di Max Weber, con una selezione di 26 dipinti e opere su carta, provenienti dalla Fondazione Max Weber che abbracciano l'intero ambito della pratica della natura morta dell'artista, lunga tutta la sua carriera dal 1907 al 1955. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiC2jOrcqVdnhz2lfQc1sYycPJJVn9L7ee9lR3c4giIGWyzd-NrkYqx6pi6HT1Aw9-8eK5N0ArFGo_C1mtd9qzFtKG5O3ZDSgjBegBL69fMt0OAuZuvq7V-2rKzDsxwEW9Jk0Y6C3sgdsy3pwt0JcKf-z-iFp2VjG0UjdZAbW0JXwB07QxXirrGFJZS2_J6/s967/max%20weber%20%2003%20.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="623" data-original-width="967" height="412" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiC2jOrcqVdnhz2lfQc1sYycPJJVn9L7ee9lR3c4giIGWyzd-NrkYqx6pi6HT1Aw9-8eK5N0ArFGo_C1mtd9qzFtKG5O3ZDSgjBegBL69fMt0OAuZuvq7V-2rKzDsxwEW9Jk0Y6C3sgdsy3pwt0JcKf-z-iFp2VjG0UjdZAbW0JXwB07QxXirrGFJZS2_J6/w640-h412/max%20weber%20%2003%20.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Informato da Paul Cézanne e Pablo Picasso , le nature morte di Weber occupano una posizione centrale tra l'avanguardia europea e il modernismo americano. La mostra, che comprende una varietà di materiali tra cui olio, collage di foglie d’oro, pastello, guazzo e acquerello, indaga gli importanti contributi e le reazioni di Weber a una serie di movimenti del ventesimo secolo come cubismo, fauvismo e surrealismo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5r7fD8_5mu-0Z6HFjXmAn53zDHDA4gND_vxI9jVR3j3NPjAvsL8fGyBvvhRcEBqfpxLCJ-lxvOfRCwpTRBCKEdCBG1VZKxi6uNklz-RlKPthe0FTPgq6x6oVn38a5tEb0JVSARskLCjEUj4SQEvd-GdGLBIQSD-xGFe85M7bNSzJ4mlyb_5MrX2mjnULP/s977/max%20weber%20%2002%20.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="615" data-original-width="977" height="402" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5r7fD8_5mu-0Z6HFjXmAn53zDHDA4gND_vxI9jVR3j3NPjAvsL8fGyBvvhRcEBqfpxLCJ-lxvOfRCwpTRBCKEdCBG1VZKxi6uNklz-RlKPthe0FTPgq6x6oVn38a5tEb0JVSARskLCjEUj4SQEvd-GdGLBIQSD-xGFe85M7bNSzJ4mlyb_5MrX2mjnULP/w640-h402/max%20weber%20%2002%20.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nel 1914, Weber affermò che "arte e vita non sono separate", posizionandosi all'interno di una tradizione modernista di dipingere la vita quotidiana, dalle vivaci scene impressioniste dei caffè alle rappresentazioni pop hard-edge di oggetti prodotti in serie. Weber si distinse per la sua profonda convinzione che gli oggetti esistono come simboli di cultura e civiltà e dovrebbero essere misurati in base alla loro utilità, spiritualità e intelletto.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcSVLpcTyQA3yuY9SHCi4CmtEmsLjrISDNNsRpDt8_7b_zd25vg802WvqY4wubO5bQ8w1q58bwC7CmsJ9UIjp9mfaxUo6UxbQZ5wDM2yWpyA9ZWbME1asXq5QpWhV08YFgDn2lk-IWhibNgFgsU14IsgJGrzvTclUaK-70u0OisArkNTv2D6veiHABDdkS/s1085/max%20weber%20%2004%20.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="611" data-original-width="1085" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcSVLpcTyQA3yuY9SHCi4CmtEmsLjrISDNNsRpDt8_7b_zd25vg802WvqY4wubO5bQ8w1q58bwC7CmsJ9UIjp9mfaxUo6UxbQZ5wDM2yWpyA9ZWbME1asXq5QpWhV08YFgDn2lk-IWhibNgFgsU14IsgJGrzvTclUaK-70u0OisArkNTv2D6veiHABDdkS/w640-h360/max%20weber%20%2004%20.jpg" width="640" /></a></div><span style="font-family: arial; font-size: xx-small;">foto: Olivia Divecchia</span><br /><span style="font-family: arial;"><br /></span><p></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com390 Broadway 3rd floor, New York, NY 10013, Stati Uniti40.718186 -74.002406812.407952163821157 -109.1586568 69.028419836178841 -38.8461568tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-23602900362396180082024-03-09T06:00:00.000+01:002024-03-09T06:00:00.252+01:00Simone Forti a Roma <p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBys54b8PQ9lL67COZP4hQTLD9jWst_sfE447U21VEbgPTBPA_ULA1UG4gpwGtml4_w9yD96WjoqOKsf0gEfrdT68xTj7StXWkKICcMJJG2v5mFvBq48nrvmu-BwFMuwPIC_6VPBuC0Q8Guxnprn-UAf9VsDzK_x7Bjhd7xKtnbdz-rLQIg6KMSNG_MoXz/s833/simone%20forti%20rome%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="833" data-original-width="697" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBys54b8PQ9lL67COZP4hQTLD9jWst_sfE447U21VEbgPTBPA_ULA1UG4gpwGtml4_w9yD96WjoqOKsf0gEfrdT68xTj7StXWkKICcMJJG2v5mFvBq48nrvmu-BwFMuwPIC_6VPBuC0Q8Guxnprn-UAf9VsDzK_x7Bjhd7xKtnbdz-rLQIg6KMSNG_MoXz/w536-h640/simone%20forti%20rome%20.jpg" width="536" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Memorie feline animano lo spazio che vibrano sonorità ancestrali, nel cuore di Roma. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOD3Oaq_Aq8j5PtpuTTBKxF7aM4j_p4IBqn05Ix_W1MVADldK7jlUFpxVszNjjoivi0_cX9fHsAd8wYOQsy_-TF6z1B50lDmNe2nLnbBDiW_efMIPQjUtYR7krqYatuwZ7LB-8KzPDXDlUbuSe4feoQ_GsovR4JmLIhZH1AGMZrC1MqjiXmSXiyAQ3dQX3/s716/simone%20forti%20roma%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="716" data-original-width="696" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOD3Oaq_Aq8j5PtpuTTBKxF7aM4j_p4IBqn05Ix_W1MVADldK7jlUFpxVszNjjoivi0_cX9fHsAd8wYOQsy_-TF6z1B50lDmNe2nLnbBDiW_efMIPQjUtYR7krqYatuwZ7LB-8KzPDXDlUbuSe4feoQ_GsovR4JmLIhZH1AGMZrC1MqjiXmSXiyAQ3dQX3/w622-h640/simone%20forti%20roma%20.jpg" width="622" /></a></p><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Presso gli spazi di <a href="https://www.santandreadescaphis.com/">Sant’Andrea de Scaphis</a>, in via dei Vascellari, parte della Gladstone Gallery, è proposta una mostra di Simone Forti, con la curatela di Luca Lo Pinto e la collaborazione con la galleria di Raffaella Cortese. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxISS5fpKtWYT3dPwqoRayYR2PW12MXT37wRQdIIoDLAg38c8sM6Ed79LLVdJ3sZqo7pZpn8shSyk2zLPFShTgsAdjZ0LRyTOXHyjHhl8H1ykYPEVMGuFg3QHshrC0N6r5BKuE-bYEDyG7D9bM1UZLtTaxtZAfeLUgtLtsal6X5HCgSgLeHkOjj6Q2hC3x/s699/simone%20forti.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="699" data-original-width="689" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxISS5fpKtWYT3dPwqoRayYR2PW12MXT37wRQdIIoDLAg38c8sM6Ed79LLVdJ3sZqo7pZpn8shSyk2zLPFShTgsAdjZ0LRyTOXHyjHhl8H1ykYPEVMGuFg3QHshrC0N6r5BKuE-bYEDyG7D9bM1UZLtTaxtZAfeLUgtLtsal6X5HCgSgLeHkOjj6Q2hC3x/w630-h640/simone%20forti.jpg" width="630" /></a></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-82793847695126458182024-03-08T06:00:00.005+01:002024-03-08T06:00:00.130+01:00Sharon Loudend a Signs and Symbols<p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihSNQVW9LfXyzL0_u2HymObhsl1EEqr_ar37sHlJiHQCelnemg5pBVtpnVIOqyyRMoMX697iOoJ1VPO1K5QlJCUVRyny30pUXumQQR_xs7cmZZun40alO3heBeRrMTAZqHvNZPiYqtF-UIiCsaAShrcUYPDlJwiQ3INMvKUdagBq5UHFhE9JIGw9wFVxyN/s1230/Sharon%20Louden%2001%20.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="828" data-original-width="1230" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihSNQVW9LfXyzL0_u2HymObhsl1EEqr_ar37sHlJiHQCelnemg5pBVtpnVIOqyyRMoMX697iOoJ1VPO1K5QlJCUVRyny30pUXumQQR_xs7cmZZun40alO3heBeRrMTAZqHvNZPiYqtF-UIiCsaAShrcUYPDlJwiQ3INMvKUdagBq5UHFhE9JIGw9wFVxyN/w640-h430/Sharon%20Louden%2001%20.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La galleria <a href="https://www.signsandsymbols.ar">Signs and Symbols</a> ha proposto fino a pochi giorni fà la un'installazione site-specific </span><span style="font-family: arial;"> "</span><span style="font-family: arial;">Barriers to Entry" </span><span style="font-family: arial;">composta da alluminio grezzo, vinile e opere su carta dell'artista newyorkese Sharon Louden.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjxciutmAndWdanIsUJoZzHGHzV5PSUsgA9H36HkuNN4oeLIpTHbRIRDBalVrrkF4GkQfccs_JLCKPvoB3M6_ZLLxrhtBXKCa1M33nERosPFz1hQKQv7rm2E6bcmTV_HGo6TrQKWvBYZjgR6bzBs7D7QwOQK4U4jH-Fw4wcTXknMjwaKTNVYpu9Wg8Hkmv/s1247/Sharon%20Louden%2000%20.jpg" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="835" data-original-width="1247" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjxciutmAndWdanIsUJoZzHGHzV5PSUsgA9H36HkuNN4oeLIpTHbRIRDBalVrrkF4GkQfccs_JLCKPvoB3M6_ZLLxrhtBXKCa1M33nERosPFz1hQKQv7rm2E6bcmTV_HGo6TrQKWvBYZjgR6bzBs7D7QwOQK4U4jH-Fw4wcTXknMjwaKTNVYpu9Wg8Hkmv/w640-h428/Sharon%20Louden%2000%20.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">CS</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> Conosciuta per la sua pratica che comprende sia dipinti minimalisti che installazioni immersive, Louden ha sviluppato un linguaggio formale distinto che esamina le infinite composizioni e possibilità proposte dagli elementi base di linea e colore. Le sue installazioni incorporano inoltre materiali riflettenti che giocosamente espandono e alterano la percezione dello spazio da parte dello spettatore. Proseguendo questa linea di indagine, Barriers to Entry non è un ambiente statico ma costruito attraverso l'interazione, dove riflessioni e punti di vista creano una moltitudine di esperienze uniche. Pertanto Louden considera le questioni relative all'accesso fisico e simbolico all'interno degli spazi artistici, con un'enfasi sulle barriere affrontate dalle donne.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">" Barriers to Entry è un lavoro collaborativo che sfida il mito dell'artista solista come qualcuno che opera in isolata indipendenza. In esso, l'artista Sharon Louden sottolinea l'interdipendenza di tutti coloro che sono coinvolti nel processo di creazione. Mentre i visitatori vedono se stessi riflessi nel materiale, diventano parte della scultura. I fogli di alluminio contorti creano un'illusione ottica che distorce l'immagine e la direzione. Mentre i fogli si piegano e si incrociano, frammentano lo spazio e lo capovolgono, incoraggiando cambiamenti di prospettiva. Gli spettatori aiutano ad animare l'installazione attraverso i propri movimenti, poiché non esistono due angoli di visione uguali.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">"I dipinti olio su carta in questa galleria rispecchiano la sovrapposizione di vinile e alluminio in tutta la mostra. Ognuno di essi è un diverso assortimento di quadrati e rettangoli colorati e irregolari che si sovrappongono con vari gradi di trasparenza. Louden ingrandisce, anziché mascherare, Le sue pennellate nei dipinti, costruendo forme sovrapposte per creare profondità. Le piccole dimensioni delle opere su carta contrastano con la scala dell'opera scultorea, ma la loro pienezza contribuisce comunque a un'estetica complessiva di abbondanza. Anche l'alluminio e il vinile metallico proiettano ombre e riflettono luci che danno consistenza alle superfici.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">"Piuttosto che limitare il proprio campo visivo, Barriere all'ingresso crea un numero infinito di punti focali con cui gli spettatori possono interagire, facendo spazio a quante più prospettive possibili in un atto artistico inclusivo. Qui, i cuscini incoraggiano ancora una volta una visione riposante da terra livello. I dipinti sono installati a diverse altezze, raramente all'altezza degli occhi, e le cornici dei quadri variano in dimensioni, forma, colore e utilizzo. In questo modo, l'installazione non segue determinati standard di esposizione della galleria. Tale variazione solleva una domanda delle cui preferenze di livello degli occhi e di inquadratura servono in primo luogo gli standard della galleria."</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">—Avery Glassman, Direttore dei programmi e dei progetti speciali presso Breck Create, </span><span style="font-family: arial;">Barriers to Entry è una serie di installazioni che riflettono sull'inclusione all'interno di spazi storicamente esclusivi, dalle gallerie d'arte ai templi massonici. La prima iterazione di Barriers to Entry è stata curata da Avery Glassman e presentata al Breck Create in Colorado nel 2023, seguita dalla seconda iterazione ad Artport Kingston a New York. Questa è la terza iterazione del progetto di Louden. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Durante tutta la mostra, l'installazione sarà attivata da incontri speciali organizzati dall'artista. Gli incontri Needs, Wants & Gives riuniscono artisti e professionisti dell'arte per condividere i dettagli della loro vita professionale al fine di scambiare idee su soluzioni e opportunità. Lo scopo di questi eventi è partire con opportunità concrete e pragmatiche per sostenere vite creative.</span></p><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipYIY-xowEOtSGNSf-XUqOxQ0931YVc5-YvoO0EYaZT2UWKPp0UjYukt_nhfeNjllsWQNQZQyE0GfBfmoaL8sbMNonY-2_ZF95SwYhGCqpxRCGVxqY7M-vz_SkF76uNag8TT7DdUgsBrd6h_-NL9VZySMQtwgeaU6_RcJPYrqaZYZq2jfdIMgPPE09sO1H/s1249/Sharon%20Louden.jpg" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="831" data-original-width="1249" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipYIY-xowEOtSGNSf-XUqOxQ0931YVc5-YvoO0EYaZT2UWKPp0UjYukt_nhfeNjllsWQNQZQyE0GfBfmoaL8sbMNonY-2_ZF95SwYhGCqpxRCGVxqY7M-vz_SkF76uNag8TT7DdUgsBrd6h_-NL9VZySMQtwgeaU6_RcJPYrqaZYZq2jfdIMgPPE09sO1H/w640-h426/Sharon%20Louden.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Sharon Louden è un'artista, educatrice, sostenitrice degli artisti ed editrice della serie di libri Living and Sustaining a Creative Life. Louden si è laureato con un BFA presso la School of the Art Institute di Chicago e un MFA presso la Yale University School of Art. Il suo lavoro è stato esposto in numerose sedi tra cui l'Aldrich Contemporary Art Museum, il Drawing Center, la Carnegie Mellon University, il Weisman Art Museum, la National Gallery of Art, il Birmingham Museum of Art, il Weatherspoon Art Museum e il Kemper Museum of Contemporary Art. Il lavoro di Louden è conservato in importanti collezioni pubbliche e private tra cui il Whitney Museum of American Art, la National Gallery of Art, il Neuberger Museum of Art, l'Arkansas Arts Center, la Yale University Art Gallery, la Henry Art Gallery dell'Università di Washington, il Weatherspoon Art Museum e il Museo delle Belle Arti, Houston, tra gli altri. Inoltre, continua a produrre commissioni pubbliche e private permanenti site-specific in tutto il paese, comprese le recenti installazioni permanenti realizzate a New York, Oklahoma City, San Francisco e Washington, DC. Vive e lavora a New York.</span></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-447874771984996102024-03-07T06:00:00.001+01:002024-03-07T06:00:00.135+01:00L'Europa a Palazzo Madama<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNw0pzurVw_AZZosbOj1R1w7FqbQZ2zqodsF8XHJDrc_Gr63HwgBJKgq48Khv02WSdpYpnXyr51tEUd17f3Y6v7jLWH6wP1Ups5v0h3kZQ_zDcHoeMuI-dsyz8l53f-o6lUC8lmbXn-I624onh9JmqwToH8TTE1jZhVrW9Sw1fZ6szk1PrGQrQ55aWKfj-/s1199/torino.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="723" data-original-width="1199" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNw0pzurVw_AZZosbOj1R1w7FqbQZ2zqodsF8XHJDrc_Gr63HwgBJKgq48Khv02WSdpYpnXyr51tEUd17f3Y6v7jLWH6wP1Ups5v0h3kZQ_zDcHoeMuI-dsyz8l53f-o6lUC8lmbXn-I624onh9JmqwToH8TTE1jZhVrW9Sw1fZ6szk1PrGQrQ55aWKfj-/w640-h386/torino.jpg" width="640" /></a></div><br /><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Da alcune settimane Palazzo Madama ha inaugurato il 2024 proseguendo la propria missione di Museo Civico nell’ottica della valorizzazione delle collezioni comunali torinesi, del dialogo con il territorio, della presentazione delle donazioni e della proposizione di nuovi allestimenti temporanei. Se all’inizio dell’anno si andrà a ridefinire, per motivi di tutela e conservazione dei beni, la sezione dedicata ai tessuti e, al contempo, si presenterà per la prima volta al pubblico l’importantissima collezione di peltri donata da Attilio Bonci nel Piccolo Guardaroba e nel Gabinetto cinese, febbraio è consacrato al completamento del progetto iniziato nel 2022 e dedicato ai valori fondanti i popoli europei.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Con i suoi duemila anni di storia, Palazzo Madama incarna significativamente la storia e l’identità europee: nel I secolo porta decumana di Augusta Taurinorum; dal XIII secolo castello medioevale e poi residenza rinascimentale; nel Settecento capolavoro del barocco e nell’Ottocento sede del Senato che decreta l’Italia unita dopo aver svolto lo Statuto Albertino, la carta costituzionale nata dal ciclo rivoluzionario e dai moti europei del 1848, spesso definiti ‘la primavera dei popoli’ in Europa. Promulgato da Carlo Alberto di Savoia Carignano il 3 marzo 1848, con l’Unità d’Italia del 17 marzo 1861 lo Statuto divenne la carta fondamentale del Regno fino all’entrata in vigore della nostra Costituzione repubblicana, che ancora trova in esso fondamenti.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Dopo la commissione da parte del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione internazionale – in occasione della Giornata dell’Europa del 9 maggio 2023 e a integrazione di quanto compiuto da Palazzo Madama nel maggio 2022 per la riunione del Consiglio d’Europa nelle sue sale – delle illustrazioni relative a quella che allora era solo l’utopia di Altiero Spinelli ed Ernesto Rossi – è il Manifesto di Ventotene del 1941 – e all’immagine che rievoca la nascita della Comunità Economica Europea con i Trattati di Roma del 25 marzo 1957, due tra i più significativi documenti compiuti dall’Italia per il farsi della comune storia europea, che hanno integrato il progetto Europa. L’illustrazione italiana racconta l’Europa dei popoli e l’hanno accompagnato in 43 paesi del mondo di cinque continenti, Palazzo Madama ha dunque scelto di completare questo intervento proprio con un’illustrazione dedicata allo Statuto Albertino, realizzata da Marta Signori, che ha preso significativamente spunto dalla chiosa del Proclama che annuncia lo Statuto, con le parole di Carlo Alberto: “Mentre così provvediamo alle più alte emergenze dell’ordine politico, non vogliamo più oltre differire di compiere un desiderio, che da lungo tempo nutriamo, con ridurre il prezzo del sale a 30 centesimi il chilogrammo fino dal 1° luglio prossimo venturo, a benefizio principalmente delle classi più povere, persuasi di trovare nelle più agiate quel compenso di pubblica entrata, che i bisogni dello Stato richiedono. Protegga Iddio l’era novella che si apre per i Nostri popoli; ed intanto ch’essi possano far uso delle maggiori libertà acquistate, di cui sono e saranno degni, aspettiamo da loro la rigorosa osservanza delle Leggi vigenti, e la imperturbata quiete, tanto necessaria ad ultimare l’opera dell’ordinamento interno dello Stato. Dato in Torino addì otto febbraio mille ottocento quarantotto”. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">È questo il testo generativo lo Statuto Albertino, prima pietra del riconoscimento dei diritti civili e prima carta costituzionale dell’Italia unita, resa possibile proprio dalle riforme in esso contenute: dall’abrogazione di molti iniqui privilegi al rinnovo del commercio, dagli investimenti dedicati all’agricoltura, alla viabilità stradale e ferroviaria, alle infrastrutture portuali alla riduzione delle tasse doganali per il grano, per il carbone, per i tessuti e per i metalli. Riforme che Carlo Alberto accompagna a una precisa riflessione sullo sviluppo culturale e sociale del Paese, definendo i tratti essenziali di quello che diverrà il nostro percorso identitario: il re sabaudo ponendo nel 1832 in Palazzo Madama la Pinacoteca Regia, oggi Galleria Sabauda, e creando la Biblioteca di Palazzo Reale; rifondando l’Accademia d’Arte, ora Albertina; fondando la Regia Deputazione sopra gli studi di Storia Patria; avviando la riforma del sistema scolastico e dando vita al Ministero della Pubblica Istruzione.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Un abbrivio della nostra storia moderna che vede infine nuovamente protagonista Palazzo Madama con un nuovo documento essenziale per il farsi d’Europa: il 18 ottobre 1961 ospitando i firmatari della Carta Sociale Europea, il trattato del Consiglio d’Europa che protegge i diritti di ogni individuo nella sua vita quotidiana. Sono il diritto all’abitazione, alla protezione della salute, all’istruzione, al lavoro, alla tutela giuridica e sociale, alla libera circolazione delle persone e alla non discriminazione. Sono i diritti generati dai valori fondanti i popoli europei – la Libertà, il Rispetto della dignità umana, l’Uguaglianza, la Democrazia, la Scienza e il Rispetto dei diritti umani – cui si affiancano i valori primari dell’Unione Europea: la Fraternità, il Lavoro, la Cultura, la Pace, l’Ambiente, lo Stato di diritto e l’Inclusione. Le illustrazioni compiute nel 2022 da Lucio Schiavon, Ale Giorgini, Emiliano Ponzi, Bianca Bagnarelli, Marina Marcolin, Francesco Poroli, Giulia Conoscenti e che ora si completano con l’opera dedicata da Andrea Mongia alla Carta Sociale Europea. Un insieme di immagini che, nell’evocazione creativa dei grandi illustratori, sono capaci di raccontare un’Europa fatta di una comunità di nazioni che si riconoscono nella pacifica convivenza di una molteplicità di linguaggi, sensibilità e valori in costante dialogo tra loro.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Un progetto generato da Palazzo Madama e dalla Torino che, da culla del Risorgimento e dell’indipendenza nazionale, è ora una metropoli che accoglie popoli e culture, con cittadini provenienti da quarantaquattro paesi europei e da più di centoquaranta differenti nazioni, in un Piemonte che è ancora quello della tecnica e della scienza, del lavoro e della ricerca. In un insieme ora presentato in Corte Medievale quale allestimento a integrazione di quanto compiuto con La porta della città. Un racconto di 2.000 anni per evocare e restituire a Palazzo Madama l’aura e il ruolo di un edificio capace di attraversare la storia e farsene protagonista.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">INFO UTILI:</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">SEDE ESPOSITIVA E DATE Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">piazza Castello, Torino</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">7 febbraio – 2 aprile 2024</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">ORARI Lunedì e da mercoledì a domenica: 10.00 - 18.00. Martedì chiuso <br /></span><span style="font-family: arial;">Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">BIGLIETTI Incluso nel biglietto di ingresso al museo: intero € 10,00 | ridotto € 8,00</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> Gratuito Abbonamento Musei e Torino+Piemonte card</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">INFORMAZIONI palazzomadama@fondazionetorinomusei.it - t. 0114433501 www.palazzomadamatorino.it</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-68905075119503925852024-03-06T21:50:00.001+01:002024-03-06T21:50:01.868+01:00Prossimamente Exposed<p style="text-align: center;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9sJaj1ud4xFOavJgNE4u-qtxlYQ2OKYQgmWh9A0nerhuL2Stq_xrSOOaiCPTu105RCuzMGonIU4qdYUASVk-MhwlqzdFv7JAPVML0GBcEi_M7JNJ9zn1ncYD-m2ocwEQCFFgYPtp1oF6jzqldOBrF7_e-rm6yGk5qeEkQTGXfJHYw-IBZfsqsdQ1fc8qy/s1451/exposed.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="1451" height="218" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9sJaj1ud4xFOavJgNE4u-qtxlYQ2OKYQgmWh9A0nerhuL2Stq_xrSOOaiCPTu105RCuzMGonIU4qdYUASVk-MhwlqzdFv7JAPVML0GBcEi_M7JNJ9zn1ncYD-m2ocwEQCFFgYPtp1oF6jzqldOBrF7_e-rm6yGk5qeEkQTGXfJHYw-IBZfsqsdQ1fc8qy/w640-h218/exposed.png" width="640" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Quest'anno a Torino si svolgerà la prima edizione di <a href="https://www.exposed.photography/">EXPOSED</a> Torino Foto Festival un grande festival dedicato alla fotografia. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Una iniziativa che vede coinvolti tutte le realtà pubbliche e private che si occupano di arte e cultura. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il nuovo Festival Internazionale di Fotografia della città di Torino si svolgerà dal 2 maggio fino al 2 giugno 2024, il titolo della prima edizione sarà "New Landscapes –Nuovi Paesaggi, la direzione artistica sarà a cura di Menno Liauw e Salvatore Vitale.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il tema di questa edizione propone una riflessione sull’evoluzione odierna del medium fotografico e delle principali sfide e innovazioni del mondo dell’immagine, attraverso un cartellone di mostre temporanee, incontri, talked eventi nelle sedi delle principali istituzioni culturali torinesi. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Ci saranno oltre 20 mostre temporanee diffuse in più di 20 sedi della città sabauda. L'evento nasce dalla volontà di sottolineare, ancora una volta, la vocazione culturale e artistica della città, che vede nelle iniziative incentrate su creatività e innovazione alcuni tra i principali motori di sviluppo e fattori di crescita, non solo turistica, del territorio.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Per rendere una fruizione pratica e comoda ci sarà un unico pass valido per tutta la durata del Festival acquistabile a 25 €, è già possibile farlo al link: <a href="https://www.exposed.photography/ticketsTorino">https://www.exposed.photography/ticketsTorino</a>,</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Questo importante progetto è promosso da Città di Torino,Regione Piemonte, Camera di commercio di Torino,Intesa Sanpaolo, Fondazione Compagnia di San Paolo e Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT su delega della Fondazione CRT e organizzato da Fondazione per la Cultura Torino.</span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comTorino TO, Italia45.0703393 7.68686416.760105463821155 -27.469386 73.380573136178839 42.843114tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-46587766286688177382024-03-06T06:00:00.017+01:002024-03-06T06:00:00.128+01:00Paul Wallach a Napoli da Lia Rumma<div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTPVpLnJJ-Bcz7IfZOyaTlNPU9cLNEMxbl5tPEdiJUNyVHawp07JEQ3mc3Q8Z6YpRjPqjxKrGoEOy7I4s5l2yzNz5zlDw58tJDJZEa61BPhSJ3F8OzhURWsf0_oQz_U6ND_jAGf9mVfX3g_IHbz81DM4FETge6bhYar3NUuywtLHdCH0whwmWoBfUkOrdy/s1069/001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="749" data-original-width="1069" height="448" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTPVpLnJJ-Bcz7IfZOyaTlNPU9cLNEMxbl5tPEdiJUNyVHawp07JEQ3mc3Q8Z6YpRjPqjxKrGoEOy7I4s5l2yzNz5zlDw58tJDJZEa61BPhSJ3F8OzhURWsf0_oQz_U6ND_jAGf9mVfX3g_IHbz81DM4FETge6bhYar3NUuywtLHdCH0whwmWoBfUkOrdy/w640-h448/001.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> A Napoli la galleria </span><a href="https://www.liarumma.it/" style="font-family: arial;">Lia Rumma</a><span style="font-family: arial;"> di Napoli propone fino al 16 marzo, la prima mostra personale in Italia dell’artista statunitense Paul Wallach dal titolo “Momentality”. </span><span style="font-family: arial;">Nelle sue sculture, generalmente di piccole dimensioni, Paul Wallach (New York, 1960) usa diversi materiali: legno, gesso, tela, pittura, stringhe, metallo, talvolta vetro/specchio. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNIHAVbKpeXvxY1lZHMz8fxXqwaAkivBmRkFRStkcV8DHhGL9HRUuJMOoHxrJSpkMHADAZ5V3_yzno7FBeVelkWtxxkfZwL72oZhFrDThveptoVVqk_OU3YpdEp1iOuWqN9psB6erEcLsz-FB1IkG3y8mko5Er-bT0GqC7WpwxJCkkTBwVd9iMOMQazg3t/s1119/003.jpg" imageanchor="1" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="737" data-original-width="1119" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNIHAVbKpeXvxY1lZHMz8fxXqwaAkivBmRkFRStkcV8DHhGL9HRUuJMOoHxrJSpkMHADAZ5V3_yzno7FBeVelkWtxxkfZwL72oZhFrDThveptoVVqk_OU3YpdEp1iOuWqN9psB6erEcLsz-FB1IkG3y8mko5Er-bT0GqC7WpwxJCkkTBwVd9iMOMQazg3t/w640-h422/003.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Spesso queste “sculture murali”, proiettano riflessi effimeri che rivelano rilievi dipinti e tracce di orizzonti astratti e delicate forme tridimensionali. In alcuni casi, le sculture sono sospese al muro con una corda o un filo e possono quindi essere percepite come disegni nello spazio.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjWRVEJblW7cNZnem9jj5u655-eIa7hI7IFPGjMExytqL9Z3j_F3rRUFEKw3gxMWjTk-jo8SZ8OgTHclPuq_QB8kqNLQj6Pt_yCU9Ez8d4Z5QcNRwBLmVsQ_8BDcnFIEOl-XGUWkoDWJmY-4flPHnBJPthNLZi2NDt-TW7yTj41ADUwcnjHMZjgmhOEeed/s1067/002.jpg" imageanchor="1" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="719" data-original-width="1067" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjWRVEJblW7cNZnem9jj5u655-eIa7hI7IFPGjMExytqL9Z3j_F3rRUFEKw3gxMWjTk-jo8SZ8OgTHclPuq_QB8kqNLQj6Pt_yCU9Ez8d4Z5QcNRwBLmVsQ_8BDcnFIEOl-XGUWkoDWJmY-4flPHnBJPthNLZi2NDt-TW7yTj41ADUwcnjHMZjgmhOEeed/w640-h432/002.jpg" width="640" /></a></div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comVia Vannella Gaetani, 12 1° piano / 1st floor, 80121 Napoli NA, Italia40.832866 14.242691612.522632163821157 -20.9135584 69.143099836178848 49.3989416tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-18266430689113158342024-03-05T06:00:00.030+01:002024-03-05T06:00:00.341+01:00ARCOmadrid 2024 <div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKkdRfZq8v8ZrRhQmuLQcir25MA0DpylFjVwiDakqGOVzsfZYSjHIqnaqopgLVd2D7hWP8And-ho5mLJ_Wd-gDTfnBbUR1mRCWs29x9fupEbOjCykk9exJFB9_bKKPkybYrXigHBvysk3JG7CO_9EIVdsjlGaVuxD0XUZCEVML5WuLBuMVVJzXLYCv0oI-/s1109/arcomadrid%20d.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="729" data-original-width="1109" height="420" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKkdRfZq8v8ZrRhQmuLQcir25MA0DpylFjVwiDakqGOVzsfZYSjHIqnaqopgLVd2D7hWP8And-ho5mLJ_Wd-gDTfnBbUR1mRCWs29x9fupEbOjCykk9exJFB9_bKKPkybYrXigHBvysk3JG7CO_9EIVdsjlGaVuxD0XUZCEVML5WuLBuMVVJzXLYCv0oI-/w640-h420/arcomadrid%20d.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; text-align: justify;"><br /></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: arial; text-align: justify;">Domani apre <a href="https://www.ifema.es/en/arco/madrid">ARCOmadrid</a> la grande fiera di Madrid che giunge alla sua 43a edizione, ARCO.</span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Ricco programma di eventi e oltre 200 gallerie selezionate, con un interessante sguardo sul Sud America. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiq_IC9S1uH7J6i7nR68FthKIOhdoBRokFviu0_oA5PCnvdSCUbD6A4imqOyDrvjwTjAm8GjqP8wwjVuI2fpgjyl50WtEevtMFTlhcUienM2y_MSQ-Jpf58_em1cupOEE6ezpWCIdGRyp974g3rVen4R9EXl0EUuLPDAtc42pZmFXKVuDeFJw2pmIbXlyM/s1414/arcomadrid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="938" data-original-width="1414" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiq_IC9S1uH7J6i7nR68FthKIOhdoBRokFviu0_oA5PCnvdSCUbD6A4imqOyDrvjwTjAm8GjqP8wwjVuI2fpgjyl50WtEevtMFTlhcUienM2y_MSQ-Jpf58_em1cupOEE6ezpWCIdGRyp974g3rVen4R9EXl0EUuLPDAtc42pZmFXKVuDeFJw2pmIbXlyM/w640-h424/arcomadrid.jpg" width="640" /></a></div><br /><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">CS</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">ARCOmadrid è la Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea spagnola che, fin dalla sua creazione, è stata una delle principali piattaforme del mercato dell'arte contemporanea. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">L'edizione 2024 terrà i Caraibi al centro delle proposte. Il programma, curato da Carla Acevedo-Yates e Sara Hermann Morera , 'La riva, la marea, la corrente: un Caraibi oceanico' , sarà incentrato sulle scene artistiche delle terre collegate da questo mare. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Inoltre, ARCOmadrid 2024 presenterà nuovamente i contenuti artistici delle gallerie del Programma Generale , che comprende la struttura portante della Fiera, selezionata dal Comitato Organizzatore, e la sezione 'Apertura' , curata da Cristina Anglada e Yina Jiménez Suriel , che presenterà una selezione di giovani gallerie. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Il "Mai lo stesso". La sezione Arte Latinoamericana , curata da José Esparza Chong Cuy e Manuela Moscoso , continuerà a rafforzare il legame storico tra ARCOmadrid e l'arte latinoamericana.</div><div style="text-align: center;"><br /></div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-61516260058737912512024-03-04T06:00:00.034+01:002024-03-04T06:00:00.379+01:00Gli uomini di Paul Cadmus<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbfTeoNCSPt4uX1y8weBYPrEBm3YWqeqMpTr-plt5c9tPo3S0hXMTZJMsF7kZEplGimb8yFEtimvk08qGsEyzi6ful-Qvc9bJGioQsYsoZYVtRqmh-Qlrh9NyUj9uze84AhgfaraS7XaAdNLWGRsHLU7IzzhxP2Vk4asM44iNMJxvzksvUUTZRkZAAdy6C/s1197/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="689" data-original-width="1197" height="368" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbfTeoNCSPt4uX1y8weBYPrEBm3YWqeqMpTr-plt5c9tPo3S0hXMTZJMsF7kZEplGimb8yFEtimvk08qGsEyzi6ful-Qvc9bJGioQsYsoZYVtRqmh-Qlrh9NyUj9uze84AhgfaraS7XaAdNLWGRsHLU7IzzhxP2Vk4asM44iNMJxvzksvUUTZRkZAAdy6C/w640-h368/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Molto bella la mostra che la galleria di New York <a href="https://www.dcmooregallery.com/">DC Moore</a> dedica a Paul Cadmus, dal titolo "The Male Nude" ,che chiuderà il prossimo 16 marzo 2024. Questa è la prima grande mostra personale di questo importante artista del XX secolo in oltre 20 anni, e una delle uniche a evidenzia i disegni di nudo maschile altamente rifiniti di Cadmus. Nove dipinti raramente esposti sono proposti in questa mostra, collocando questi disegni intimi nel contesto e aprendo una conversazione tra questi due aspetti della pratica di Cadmus. Sarà un'occasione unica per vedere le principali opere di questo maestro del XX secolo.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqUyd1bir523xwxAFMA5rumGhNm6M4nETl9BUPFGvNmHumIsH0BogyokfM3tKT1-EHp9YJ4J5Elg6WHhZysxZcvnDHGU3TyhyMT4vNZoA4kaxpW3LsCZRs9wlyVVSjzhSZnxP39x5ciJzysun1rp3oG0qkuRfDa9qtX-Rhdn8Xls8Xx4Lpbc18ypVtMYEZ/s1095/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile%20art%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="681" data-original-width="1095" height="398" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqUyd1bir523xwxAFMA5rumGhNm6M4nETl9BUPFGvNmHumIsH0BogyokfM3tKT1-EHp9YJ4J5Elg6WHhZysxZcvnDHGU3TyhyMT4vNZoA4kaxpW3LsCZRs9wlyVVSjzhSZnxP39x5ciJzysun1rp3oG0qkuRfDa9qtX-Rhdn8Xls8Xx4Lpbc18ypVtMYEZ/w640-h398/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile%20art%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">L'iconico dipinto del 1933 YMCA Locker Room , non visto pubblicamente da molti decenni, sarà esposto in questa mostra. Una composizione formale rinascimentale è giustapposta all'ambientazione mondana ma omoerotica di uno spogliatoio, con figure maschili statuarie e semivestite animate attraverso l'incontro di membra e sguardi. The Shower (1943), un sensuale dipinto di Fire Island, esplora la dinamica tra Paul Cadmus e il suo amante di lunga data, il pittore Jared French, e la nuova moglie di Jared – e amica di Cadmus – Margaret French. Il dipinto Manikins (1951) mostra due figurine dell'artista appoggiate sui Sonetti di William Shakespeare e una copia del libro Corydon dell'inizio del XX secolo di André Gide , in cui sostiene che l'omosessualità non è innaturale ed è stata fondamentale per le civiltà nel corso della storia. The Nap (1952), un languido dipinto di una figura nuda solitaria, suggerisce solitudine e desiderio.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisQZCtz8CHjNl8FJ2Y4Rc8HnAsclfInTxJUQqTVCFKkfZpqYEWdAaBU6yDFsXbGyigHucUNyHhBDunoDzkTpvtBmbbOAV_4FVA5K5NcxXo75EiwN_-NT_ZmjmOFNtPvB1YAexmBjO-XfzOGHge319QCTVJm6Y73OuypGivaYJL0TqGIiiOrK7N0Z3hcZOI/s1139/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile%20arte%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="635" data-original-width="1139" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisQZCtz8CHjNl8FJ2Y4Rc8HnAsclfInTxJUQqTVCFKkfZpqYEWdAaBU6yDFsXbGyigHucUNyHhBDunoDzkTpvtBmbbOAV_4FVA5K5NcxXo75EiwN_-NT_ZmjmOFNtPvB1YAexmBjO-XfzOGHge319QCTVJm6Y73OuypGivaYJL0TqGIiiOrK7N0Z3hcZOI/w640-h356/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile%20arte%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">VERGOGNA! (1992) è forse un dipinto adatto da mostrare all'interno di questa mostra di nudi maschili, poiché è stato ispirato dall'indignazione di Cadmus nel leggere una lettera indignata all'editore sulla riproduzione di una rivista della Cacciata di Adamo ed Eva di Masaccio, recentemente restaurata . Il lettore scandalizzato chiamò questa riproduzione pornografia a causa della raffigurazione di nudità. Cadmus ha scritto: “Forse VERGOGNA! Dovrebbe essere dedicato allo scrittore di quella lettera per averci dato una definizione così profonda della parola PORNOGRAFIA: un uomo e una donna nudi”.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRYeEWtv5jRPISbKi_V-y8dlK-kBK99TmuMD-Yz03xp6Z0TbFyXlrX9wu9JRvHn-nTsSa311Rb81_i8lyplJFrHgOgSxXnsbbYWmaIXYSQvECretpXu5YEjbtqnsVyYcP_Wef54Rs9zwHJ_SWqAcN0QDQNU4YvH03ElS5CZGfzCERSo0oT25n5QVC7peqT/s985/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile%20artee%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="633" data-original-width="985" height="412" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRYeEWtv5jRPISbKi_V-y8dlK-kBK99TmuMD-Yz03xp6Z0TbFyXlrX9wu9JRvHn-nTsSa311Rb81_i8lyplJFrHgOgSxXnsbbYWmaIXYSQvECretpXu5YEjbtqnsVyYcP_Wef54Rs9zwHJ_SWqAcN0QDQNU4YvH03ElS5CZGfzCERSo0oT25n5QVC7peqT/w640-h412/Paul%20Cadmus%20il%20nudo%20maschile%20artee%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Paul Cadmus (1904-1999) è nato a New York da genitori artisti nel 1904. Artista precoce, ha vinto numerosi premi e borse di studio nei suoi primi anni mentre studiava alla National Academy of Design. Nel 1931 lasciò New York per viaggiare in Europa con il pittore e il suo amante Jared French. Andarono in bicicletta in tutta Europa, cercando chiese e musei per vedere in prima persona l'arte che ammiravano. Durante questo periodo, e un lungo soggiorno a Maiorca, Cadmus creò disegni e alcuni dei suoi primi dipinti satirici, YMCA Locker Room e Shore Leave . </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Quando Cadmus tornò a New York nel 1933, si iscrisse al Public Works of Art Project del New Deal. Il suo dipinto irriverente The Fleet's In! (1934) raffigurante marinai dissoluti sul lato ovest di Manhattan, suscitò una controversia quando il dipinto fu espulso da una mostra PWAP a Washington, DC. Lo scandalo che ne seguì diede impulso alla sua carriera e gli diede notorietà nazionale. I suoi dipinti di questo periodo furono concepiti scrupolosamente con grande dettaglio, ambizione e spirito pungente.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Nel 1940 iniziò a dipingere con la tempera all'uovo, un mezzo del primo Rinascimento che infuse luminosità al suo lavoro. Tuttavia, questi dipinti furono lenti da completare. Quando Cadmus morì nel 1999, aveva creato solo circa 135 dipinti in 75 anni di carriera. Nel corso degli anni, l'amore di Cadmus per il disegno è rimasto costante. Nei primi anni, molti dei suoi disegni erano studi per dipinti, ma negli anni '40 creò disegni come opere d'arte finite. Sulla carta tonica a mano, Cadmus utilizzava la stessa tecnica di tratteggio incrociato dei suoi dipinti a tempera all'uovo per creare volume e forma. Ha usato pastelli, gessetti, inchiostri colorati e persino tempera all'uovo per creare la sensazione di vita che emana dalla figura. Disegnava i suoi amici e le sue amanti dal vero, celebrando la bellezza della forma maschile e, per estensione, l'amore tra gli uomini, attraverso l'atto intimo del disegno.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Nel 1965 Cadmus incontrò Jon Anderson, che divenne il suo compagno di vita e il soggetto dei suoi disegni più belli. Questi disegni comprendono la serie NM –– per “Nantucket Man”, che indica affettuosamente dove i due si incontrarono per la prima volta. Cadmus continuò a disegnare Anderson per i restanti 34 anni della sua vita. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Negli ultimi anni della sua vita, Paul Cadmus divenne un'icona silenziosa e un audace esempio di integrità per gli artisti e per le persone che trovavano rifugio nelle sue potenti e sensuali espressioni di bellezza maschile e desiderio queer. In un'intervista del 1998 Cadmus disse a Justin Spring: “Non ho mai pensato [ai miei disegni e dipinti] come ad atti politici, … E non penso mai che mirassero ad aumentare la coscienza pubblica, ma forse lo hanno fatto. In certi casi – soprattutto nella riproduzione nei libri, credo – aiutano le persone lontane dal clima culturale come quello di New York… Li aiuta a sentire che non sono soli”. Cadmus continua a essere celebrato come un pioniere, il cui lavoro di rottura dei tabù ha ispirato generazioni di artisti.</span></div><p style="text-align: left;"><br /></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-72718583659420447932024-03-03T06:00:00.023+01:002024-03-03T06:00:00.154+01:00Jessica Stockholder ad Albisola<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfBvR_4JuE_5dpcmIvlwBu5my4XEx4P5BOw_S0V1jg1GA2bImhktL_iREXrWyUg4IFp4yLWMG1yjGMebKio9KKWrBIO-2vdBv-EeYdUM3YRh1wdFLA3Axu1nE5NvnyzIqhebwJHDO_UjDlp2A9-47TxbrUmgqjV79Y_niwWJ-gWqWAssTBFixEN1fP68qz/s583/Raffaella%20Cortese%20%20Albisola%20Superiore%20%20Jessica%20Stockholder%20%20%203%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="403" data-original-width="583" height="442" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfBvR_4JuE_5dpcmIvlwBu5my4XEx4P5BOw_S0V1jg1GA2bImhktL_iREXrWyUg4IFp4yLWMG1yjGMebKio9KKWrBIO-2vdBv-EeYdUM3YRh1wdFLA3Axu1nE5NvnyzIqhebwJHDO_UjDlp2A9-47TxbrUmgqjV79Y_niwWJ-gWqWAssTBFixEN1fP68qz/w640-h442/Raffaella%20Cortese%20%20Albisola%20Superiore%20%20Jessica%20Stockholder%20%20%203%20.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span></div><span style="font-family: arial;">La "finestra sull’arte" della galleria <a href="https://albisola.raffaellacortese.com/">Raffaella Cortese ad Albisola Superiore</a> propone fino a fine Aprile l'intervento di Jessica Stockholder.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4lMuE_3TfiomO2j5eTywr7RhzcwD6RPa4p964vD4TdDqprgh7VAjug_tBUZNOWcUnSDYT6dAkMFA6cPVlbAonUYR8PihPWbPxQEXM9uhNobRpYyGwiKX1w1N5Eal0IzVFjhdw8aG3qZn_l-4VkyZO9FuY2OKL02FPiMhhyphenhyphenZz9V-TJg_tln0C8mgdmnPej/s653/Raffaella%20Cortese%20%20Albisola%20Superiore%20%20Jessica%20Stockholder.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="653" data-original-width="503" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4lMuE_3TfiomO2j5eTywr7RhzcwD6RPa4p964vD4TdDqprgh7VAjug_tBUZNOWcUnSDYT6dAkMFA6cPVlbAonUYR8PihPWbPxQEXM9uhNobRpYyGwiKX1w1N5Eal0IzVFjhdw8aG3qZn_l-4VkyZO9FuY2OKL02FPiMhhyphenhyphenZz9V-TJg_tln0C8mgdmnPej/w492-h640/Raffaella%20Cortese%20%20Albisola%20Superiore%20%20Jessica%20Stockholder.jpg" width="492" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">CS</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Un’opera, distesa ma ancorata, riposa solitaria in quel di Albisola, uno spazio caratterizzante e al contempo sordo ne è culla e ramificazione possibile tanto più che ambita.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Il percorso immaginifico e sensoriale che questo progetto installativo ha lo scopo di schiudere, si allinea al sentiero che la ricerca artistica di Jessica Stockholder ha delineato in tutti questi anni e alla radicale nonché ibrida essenza del suo intero corpus di opere.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">I lavori di Stockholder sono stati e sono tuttora definibili come veri e propri dipinti spazializzati o quadri ambulanti che combinano oggetti, zone di colore dipinto o intrinseco, tessuti, fili, svariati elementi ed eventuali dispositivi che creano insieme un itinerario cromatico audace. Il colore trova molteplici sentieri e vie di espressione mettendo in discussione i confini tra opera d’arte e ambiente espositivo, nonché tra esperienza pittorica e l’esperienza fisica. La creazione di significato e l’edificazione percettiva risultano fluttuanti e in divenire, l’esperienza si sposta dal campo visivo a quello corporeo prettamente spaziale e viceversa, inglobando il pavimento e l’aria, le pareti verticali e la tensione energica generata da un equilibrio accidentale che profuma di libertà.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Passeggiando per il carrugio e osservando dentro lo spazio della galleria l’opera appare bidimensionale e diffusa così come, una volta entrati, il colore sul pavimento si manifesta letteralmente piatto e in contrasto con la matericità intricata della stoffa e la densità della struttura reggente. Il linoleum tuttavia aderisce al resto modellandosi a sua volta, l’opera di fa a poco a poco tridimensionale, il quadro diventa scultoreo e complesso, grafico e aurorale seppur occupante e articolato, alla ricerca di un’esperienza fisica e temporale che rifiuta la permanenza, rovesciando le abitudini e le convenzioni disciplinari.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Tale fluttuazione percettiva e graduale formazione di senso sono alla base del lavoro di Stockholder, un divenire fenomenico che è alla base del concept della mostra. L’esposizione di un’opera rappresentativa di un’intera ricerca che si dipana al di fuori dello spazio ospitante in perenne dialogo con lo spazio esterno, indipendente ma ancorato ad esso, coricata e sospesa in una posizione liminale e dicotomica tra visione bidimensionale e spazializzazione dialettica con l’ambiente, un senza titolo che ne acquista uno ad ogni passaggio e ad ogni step di tale metaforica e sensoriale passeggiata.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgE2wxY6_U1SCDcyImdY5wfTbnI2Q2XHz7idLxo1kc9h5abumaNVEEvGGfEp7yI0Xlc2JfLxI3DTioswOvScyQalVen4xSXUEjzeIeNE5Rw4ngyrgDN0_pkZ-upjSKp0wDSGnOwpCl53s5mlbmQ1rAz5VxYuz3pD13HkfhrRb-KX0GEu3RwgQK893OdAToK/s617/Raffaella%20Cortese%20%20Albisola%20Superiore%20%20Jessica%20Stockholder%20%20%201%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="617" data-original-width="493" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgE2wxY6_U1SCDcyImdY5wfTbnI2Q2XHz7idLxo1kc9h5abumaNVEEvGGfEp7yI0Xlc2JfLxI3DTioswOvScyQalVen4xSXUEjzeIeNE5Rw4ngyrgDN0_pkZ-upjSKp0wDSGnOwpCl53s5mlbmQ1rAz5VxYuz3pD13HkfhrRb-KX0GEu3RwgQK893OdAToK/w512-h640/Raffaella%20Cortese%20%20Albisola%20Superiore%20%20Jessica%20Stockholder%20%20%201%20.jpg" width="512" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Una passeggiata, per l’appunto, che diventa interrogazione e dialogo fruttuoso tra l’esperienza e le riflessioni dell’artista e ciò che di meglio la città di Albisola ha da offrire, il Lungomare degli Artisti. La creazione di significato va passo dopo passo dalle più intricate parti di Untitled, attraverso le pareti dello spazio espositivo, fino al mare, sollecitando un confronto percettivo fatto di possibili comunanze grazie ad una passeggiata concettuale lungo il tappeto di mosaici che vuole superare i limiti dello spazio e del tempo.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">L’artista svilupperà difatti una serie di domande aperte, considerazioni e divagazioni sviluppate attraverso riferimenti visivi e testuali con lo scopo di investigare tramite i nostri canali digitali, durante la durata della mostra, possibili influssi stimolanti, complicità cromatiche, correlazioni spaziali e di ricerca con alcuni dei più rappresentativi esponenti di quel culmine culturale che ha visto la città metà privilegiata di un movimento intellettuale iniziato negli anni ‘30 col Futurismo.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">L’obiettivo è quello di mettere sempre più in contatto lo spazio espositivo con il luogo che, non a caso, lo ospita, assecondando il carattere evolutivo insito nell’opera di Jessica. Una conversazione lunga quasi un chilometro che profuma di mare.<br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Indirizzo : </span><span style="font-family: arial;">Via C. Colombo 54 </span><span style="font-family: arial;">17011 Albisola Superiore (SV) </span><span style="font-family: arial;">Liguria – Italy</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-83677841428854735282024-03-02T06:00:00.001+01:002024-03-02T06:00:00.238+01:00 miart 2024 – SEZIONE PORTAL<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVkVHvxzD_6ThugWizhkRloYmo-XBfnYPAk5gkuLuyflLyWP0Lzld4ck22QwhPp5no-s4w2u2JxAQyyVk9u7K_tFED_RHZVpxF5e5fgs5VO0IhNMuhpVe06-UfbFRwwU_sblVmAXlnNFpI2qT12faUc3uFBZ3uhLnIzFSgmLcUmvRYvLADXMwhheuYXeGE/s732/miart%20milano%202024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="486" data-original-width="732" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVkVHvxzD_6ThugWizhkRloYmo-XBfnYPAk5gkuLuyflLyWP0Lzld4ck22QwhPp5no-s4w2u2JxAQyyVk9u7K_tFED_RHZVpxF5e5fgs5VO0IhNMuhpVe06-UfbFRwwU_sblVmAXlnNFpI2qT12faUc3uFBZ3uhLnIzFSgmLcUmvRYvLADXMwhheuYXeGE/w640-h424/miart%20milano%202024.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><span style="font-family: arial;">L'iniziativa Portal vien presentata dal </span><span style="font-family: arial;">Direttore Artistico Nicola Ricciardi alle curatrici Abaseh Mirvali e Julieta González con la frase</span><span style="font-family: arial;"> "Costruire una finestra per guardare il presente attraverso dimensioni parallele e prismi non convenzionali". Un l'invito che in occasione della ventottesima edizione di <a href="http://www.miart.it">miart</a> inaugureranno l'inedita sezione Portal.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Mettendo assieme realtà che presentano universi e pratiche artistiche solo apparentemente distanti tra loro, le due curatrici hanno selezionato gallerie che a loro volta hanno proposto piccole mostre distribuite all'interno della sezione principale. I protagonisti saranno Anna Boghiguian, presentata dalla Galleria Franco Noero, Torino; CATPC da KOW, Berlino; Birgit Jürgenssen da Galerie Hubert Winter, Vienna; Francesco Gennari da Ciaccia Levi, Parigi - Milano e Zero..., Milano; Maria Lai da Nuova Galleria Morone, Milano; Bertina Lopes da Richard Saltoun Gallery, Londra - Roma; Turiya Magadlela e Senzeni Marasela da Kalashnikovv Gallery, Parkhurst; Franco Mazzucchelli da ChertLüdde, Berlino; Gresham Tapiwa Nyaude e Troy Makaza da First Floor Gallery, Harare - Victoria Falls.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Spingendosi anche al di là dell'Europa e del mondo occidentale per guardare a Brasile, Sudafrica, Zimbabwe, Egitto, Repubblica Democratica del Congo, Libano e Mozambico, Portal rimarca l'intenzione di miart di allargare i propri confini e di esplorare nuove latitudini. Le origini, la complessa stratificazione di storia, i flussi migratori e le tratte commerciali sono ben visibili nei lavori di Anna Boghiguian; il pensiero liberale, antifascista e anticoloniale convergono nelle opere di Bertina Lopes; l'esperienza di instabilità politica, oppressione, migrazione forzata, conflitti, violenza razziale e di genere viene tradotta in vocabolario visivo e materiale da giovani artisti come Troy Makaza e Gresham Tapiwa Nyaude; la storia del colonialismo e le sue disastrose conseguenze in ambito sociale, economico, politico e culturale sono al centro della pratica di CATPC.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Attraverso Portal artisti di generazioni passate fanno da genealogia materiale, formale e concettuale a quelli delle generazioni successive. Ne è un esempio la ricerca attuata da Maria Lai sull'arte della cucitura e della tessitura, come la sua attenzione alle tradizioni vernacolari, all'artigianato e al folklore della Sardegna rurale che sembrano essere legate per mezzo di un filo ai ricami di Senzeni Marasela, che oltre a disegnare tradizioni locali e straniere, evocano la sua esperienza di migrazione, oppure alle opere tessili di Turiya Magadlela che esplora il genere, la politica, la violenza e l'erotismo. Queste artiste indagano il tema del femminile sovvertendo gli stereotipi a esso legati e connessi all'artigianato e alla dimensione domestica.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Una narrazione parallela attraversa anche la vita e i lavori di Birgit Jürgensen: il suo attivismo femminista viene veicolato attraverso l'uso del suo stesso corpo per produrre disegni, sculture e fotomontaggi dove l'ordinario si trasforma improvvisamente in visioni di esseri ibridi, creature a metà strada tra il feticismo e il mondo animale. Queste forme inquietanti e destabilizzanti sono un comune denominatore nella produzione di molti degli artisti presentati in Portal: ne sono un esempio le silhouette uniche delle sculture gonfiabili di Franco Mazzucchelli che oscillano tra il tecno-futurismo e l'estraniazione o l'approccio metafisico alla realtà come strumento di conoscenza verso il mondo e verso sé stesso di Francesco Gennari.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;"> </span><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">In modo volutamente anacronistico Portal confonde passato, presente e futuro per parlare del nostro tempo, e coglie nel tumultuoso e mutevolissimo flusso dell'immediata attualità ciò che nell'arte è stabile e durevole invitando l'osservatore a contemplare nuove cosmovisioni, sconosciute storie e inediti punti di contatto attraverso lo spazio e il tempo.</span></div><p style="text-align: justify;"><br /></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-58922640469699679712024-03-01T06:00:00.028+01:002024-03-01T06:00:00.142+01:0013° Italian Council <div style="text-align: center;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm8VRW8Ns_5HyujvH-285Muk-rOXiOcMyMy-KwjCOqOfGQvDQmn7EXd7awoLhtD4WO2PR8ZPjyhED3jhkOzPnkO6TgwELSQ3GlAskhzH-6DrMlU1Sq4sDQDRYqEn0IYvNQJVPtZwkwQ49-19MavPeDqxQmkXdrZHc6Yih4kKN7Lwn0Z5vdnyVcik8GJjFp/s1085/italian%20council.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="689" data-original-width="1085" height="406" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm8VRW8Ns_5HyujvH-285Muk-rOXiOcMyMy-KwjCOqOfGQvDQmn7EXd7awoLhtD4WO2PR8ZPjyhED3jhkOzPnkO6TgwELSQ3GlAskhzH-6DrMlU1Sq4sDQDRYqEn0IYvNQJVPtZwkwQ49-19MavPeDqxQmkXdrZHc6Yih4kKN7Lwn0Z5vdnyVcik8GJjFp/w640-h406/italian%20council.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">E' uscito il nuovo bando della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura che lancia la 13. edizione dell’avviso pubblico <a href="https://creativitacontemporanea.cultura.gov.it/italiancouncil-edizione13/">Italian Council</a> con un budget di 2.700.000,00 euro. Italian Council è il programma di finanziamenti internazionale promosso dalla DGCC a supporto della creatività contemporanea italiana, fortemente impegnato sul fronte della promozione dell’arte e della ricerca artistica, critica e curatoriale italiane all’estero.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Possono essere finanziati progetti che prevedono committenze internazionali e acquisizioni di opere d’arte, la promozione internazionale di artisti, curatori e critici e lo sviluppo di talenti italiani all’estero. Possono presentare domanda di partecipazione:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Ambiti 1 e 2</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Musei, enti pubblici e privati; istituti universitari, fondazioni, associazioni culturali, comitati formalmente costituiti, sia italiani che stranieri. Il finanziamento richiesto non può superare l’80% dell’importo totale, con un tetto massimo che varia in base alla tipologia del progetto. I progetti devono svolgersi tra il 30 giugno 2024 e il 31 agosto 2026.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Ambito 3</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Artisti, critici, curatori, e altri professionisti dell’arte visiva, con cittadinanza italiana o fiscalmente residenti in Italia, che rispondano ai requisiti del bando. L’importo richiesto per la borsa di ricerca non può superare i 15.000 euro. I progetti devono svolgersi tra il 30 giugno 2024 e il 31 ottobre 2025.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">TRE AMBITI DI INTERVENTO</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">1) COMMITTENZA INTERNAZIONALE E/O ACQUISIZIONE DI NUOVE OPERE PER I MUSEI PUBBLICI ITALIANI</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Le proposte possono riguardare:</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">la produzione – anche in occasione di residenza e/o mostra – di un progetto artistico di un artista vivente con cittadinanza italiana, o fiscalmente residente in Italia, con relativa promozione e valorizzazione internazionale;</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">l’acquisizione, promozione e valorizzazione internazionale di un’opera realizzata negli ultimi 50 anni di un artista con cittadinanza italiana, o fiscalmente residente in Italia, vivente o non più vivente.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Scopo dell’azione è creare reti internazionali per promuovere e sostenere la ricerca, la pratica e la produzione artistica italiana di artisti di tutte le generazioni. Inoltre, attraverso le acquisizioni, il bando permette l’incremento del patrimonio pubblico di arte contemporanea italiana anche con opere prodotte negli ultimi 50 anni. Il bando incoraggia progetti che lavorino su tutte le espressioni dell’arte visiva contemporanea, con particolare attenzione alle contaminazioni e alle indagini sui confini tra linguaggi, con il fine di diffondere a livello internazionale le metodologie e le pratiche artistiche italiane. Le opere prodotte o acquisite devono incrementare le collezioni di musei statali, regionali, provinciali e civici italiani. Ogni progetto deve necessariamente prevedere almeno una fase di promozione all’estero, preferibilmente attraverso una mostra, in una istituzione pubblica o privata non profit attiva nell’ambito dell’arte contemporanea.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">2) PROMOZIONE INTERNAZIONALE DI ARTISTI, CURATORI E CRITICI ITALIANI</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Le proposte possono riguardare:</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Mostre monografiche presso istituzioni internazionali.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Lo scopo è dare la possibilità agli artisti italiani viventi di promuovere maggiormente il proprio lavoro a livello internazionale. A questo riguardo, Italian Council sostiene progetti espositivi presso sedi internazionali di prestigio e accreditate nell’ambito dell’arte contemporanea, anche con la possibilità di coinvolgere critici e curatori italiani.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Partecipazioni a manifestazioni internazionali.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Al fine di sostenere la presenza artistica italiana nelle manifestazioni che periodicamente avvengono nel mondo (a titolo esemplificativo: biennali, triennali, festival, etc.) e che sono sempre più occasione di visibilità internazionale, Italian Council può finanziare la partecipazione di un artista italiano. Il progetto può anche riguardare la partecipazione a un evento collaterale di tali manifestazioni, purché inserito nella programmazione ufficiale.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Curatore ospite di eventi collaterali ad acquisizioni internazionali.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Il bando sostiene istituzioni che invitano critici o curatori in qualità curatori ospiti di mostre o rassegne internazionali. Inoltre, il bando sostiene eventi collaterali all’acquisizione di opere d’arte di artisti italiani da parte di musei stranieri, come mostre di presentazione, pubblicazioni, incontri, public program.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Progetti editoriali internazionali.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Attraverso il finanziamento di progetti editoriali, Italian Council valorizza e promuove a livello internazionale l’arte italiana degli ultimi 50 anni. I progetti editoriali sono un’occasione per far conoscere al mondo artisti, protagonisti e vicende peculiari quanto significative dell’arte contemporanea italiana. Per questo motivo, i progetti devono garantire una promozione e diffusione editoriale internazionale adeguata dei libri prodotti, coinvolgendo editori internazionali, diffusione in biblioteche specializzate, eventi di presentazione all’estero).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">3) SVILUPPO DEI TALENTI</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Borse per il sostegno a progetti internazionali di ricerca e residenza rivolta ad artisti, curatori e altri professionisti dell’arte visiva.Finanziare borse di ricerca presso istituzioni internazionali, al fine di sviluppare professionalmente i talenti italiani, è una delle azioni principali di Italian Council. Il progetto di ricerca può anche strettamente riguardare, o includere, uno o più periodi di residenza fuori dall’Italia presso istituzioni estere accreditate. I progetti devono essere finalizzati all’evoluzione e allo sviluppo formativo e concettuale del percorso professionale del candidato in una prospettiva internazionale. Oltre a sviluppare la propria professione, il periodo di ricerca all’estero deve essere occasione per creare, o amplificare, contatti e relazioni internazionali. I progetti devono prevedere almeno un momento di restituzione al pubblico della ricerca all’estero, presso istituzioni accreditate.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">MODALITÀ DI INVIO DELLE CANDIDATURE</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Le candidature devono essere inviate esclusivamente tramite il Portale Bandi della Direzione Generale Creatività Contemporanea dal 18 marzo al 15 aprile 2024 alle ore 15.00 (ora italiana) per tutti e tre gli Ambiti di intervento.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Per informazioni e/o chiarimenti (entro le date indicate nel bando):</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Segreteria Italian Council – italiancouncil@cultura.gov.it</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">COMMISSIONE DI VALUTAZIONE</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"> </div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">La Commissione di valutazione di Italian Council per il triennio 2022-2024 è composta da Fabio De Chirico, Direttore del Servizio II – Arte contemporanea che la presiede su delega del Direttore Generale; da Claudio Varagnoli, architetto e professore ordinario all’Università di Chieti e Pescara, Presidente del Comitato tecnico-scientifico per l’arte e l’architettura contemporanee; da Antonia Alampi, storica dell’arte, critica e curatrice, direttrice della Spore Initiative Foundation di Berlino; da Alfredo Cramerotti, critico, curatore, già direttore della Mostyn Gallery di Llandudno (Galles) e neo direttore della Media Majlis at Northwestern University Qatar, a Doha (Qatar); da Roberta Tenconi, curatrice della Fondazione Pirelli Hangar Bicocca di Milano.</div></span></div><p style="text-align: center;"></p>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-32667591974139213702024-02-29T06:00:00.024+01:002024-02-29T06:00:00.256+01:00Gibson da Friedman<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTOEZEb82gN8j_03tj1CSjW2NPZoLrXe5IncP1LSucf4i8I11bVmBVCGc4hHe-xZCle7ago9Fm8p_MGtTatcds_CGhIcpeON-Kv46qTytNHphLKak3rafMK-mho2MBPe_9rpkZsOuI8pNBGjvDlptRk5qhTAot5WJTVM9MC2Z5IrIyW5E09jHWhnJwoWkE/s1413/Jeffrey%20Gibson%20friedmang%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="769" data-original-width="1413" height="348" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTOEZEb82gN8j_03tj1CSjW2NPZoLrXe5IncP1LSucf4i8I11bVmBVCGc4hHe-xZCle7ago9Fm8p_MGtTatcds_CGhIcpeON-Kv46qTytNHphLKak3rafMK-mho2MBPe_9rpkZsOuI8pNBGjvDlptRk5qhTAot5WJTVM9MC2Z5IrIyW5E09jHWhnJwoWkE/w640-h348/Jeffrey%20Gibson%20friedmang%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;">Molto intenso il lavoro cromatico di Gibson (nato nel 1972, Colorado, USA) che fonde la sua eredità Choctaw-Cherokee con riferimenti che abbracciano la cultura dei club, la teoria queer, la moda, la politica, la letteratura e la storia dell'arte. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">La mostra, presentata dalla galleria <a href="https://www.stephenfriedman.com/">Stephen Friedman</a> nella sede londinese, a un nuovo e ambizioso corpus di lavori, tra cui opere multimediali su larga scala, sculture, sacchi da boxe e dipinti su carta. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNNZpv8cBhs8tSiod57pVvxwKlqQrCA8Hu1A_NXSkfbzEO6PORHfklnPw17dLZj4_9w0vowoiZ2L6NmpAWI07eMZ5V6ibsINBP7gW9X9PtSGW9JjQghm66W0tYrOJPOEC7pxpHLYM9r5bhFv8y0JuDDYvSTDKB4WbMZqvv_GcNlupiVT2BqbrppnYC3eRL/s1193/Jeffrey%20Gibson%20friedman%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="729" data-original-width="1193" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNNZpv8cBhs8tSiod57pVvxwKlqQrCA8Hu1A_NXSkfbzEO6PORHfklnPw17dLZj4_9w0vowoiZ2L6NmpAWI07eMZ5V6ibsINBP7gW9X9PtSGW9JjQghm66W0tYrOJPOEC7pxpHLYM9r5bhFv8y0JuDDYvSTDKB4WbMZqvv_GcNlupiVT2BqbrppnYC3eRL/w640-h392/Jeffrey%20Gibson%20friedman%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nell'aprile 2024 Gibson sarà il primo artista indigeno a rappresentare gli Stati Uniti con un padiglione personale alla 60a Esposizione Internazionale d'Arte, La Biennale di Venezia.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">La prima mostra dell'artista presso la galleria celebra l'ampiezza della sua pratica poliedrica, caratterizzata da colori e motivi vibranti. Gibson è rinomato per il suo uso dell'astrazione geometrica, ispirato all'estetica e all'artigianato degli indigeni nordamericani. Combinando lavorazione artigianale di perline, lavorazione della pelle e trapuntatura con narrazioni di resistenza contemporanea, l'artista sfrutta il potere del materiale per attivare narrazioni trascurate, abbracciando al contempo la presenza di identità storicamente emarginate.</span><span style="font-family: arial;"><br /></span><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfsLdddSlrnKR0xVAjqUJPL0LkdVwJz_0MnvNcwroEhWa8asPVsq0-0y9VoJXDLsTSvJrZLLcS3AWRokD5LFzNIlWfgV0qPiBLzs9Au-rBOcapEG6kTG-trkZIjGUIVhtcENNnvQzsrIBjSsNOG_iDGPj4M5mcWJ8_2ufcAVI8J3KlJwfKEmgEyFzj7JYC/s1363/Jeffrey%20Gibson.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="751" data-original-width="1363" height="352" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfsLdddSlrnKR0xVAjqUJPL0LkdVwJz_0MnvNcwroEhWa8asPVsq0-0y9VoJXDLsTSvJrZLLcS3AWRokD5LFzNIlWfgV0qPiBLzs9Au-rBOcapEG6kTG-trkZIjGUIVhtcENNnvQzsrIBjSsNOG_iDGPj4M5mcWJ8_2ufcAVI8J3KlJwfKEmgEyFzj7JYC/w640-h352/Jeffrey%20Gibson.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-30648408419039262982024-02-28T06:00:00.000+01:002024-02-28T06:00:00.190+01:00Fondazione Hauser & Wirth<p style="text-align: center;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgN0jXMgKnB0BAvdaFAAmJxj9wNHBbZzacJPSnbVQ9rfhADrPjNBWXkQLs1rUiqGlt36HsU1lIRPBKiZni8507TUUC8uD3ci7LHrXu5ZhCqio-wrtbJUS6x7BEmAWwLrhVtqBzQzE9Gmnnn1PlxPhvdpkhEc-SKAQ4rHOW038kivhGW4dRgHmQMdIMFDHVo/s580/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth%20o%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="359" data-original-width="580" height="396" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgN0jXMgKnB0BAvdaFAAmJxj9wNHBbZzacJPSnbVQ9rfhADrPjNBWXkQLs1rUiqGlt36HsU1lIRPBKiZni8507TUUC8uD3ci7LHrXu5ZhCqio-wrtbJUS6x7BEmAWwLrhVtqBzQzE9Gmnnn1PlxPhvdpkhEc-SKAQ4rHOW038kivhGW4dRgHmQMdIMFDHVo/w640-h396/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth%20o%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">L’<a href="https://hauserwirthinstitute.org/">Hauser & Wirth Institute</a>, è la fondazione privata della nota galleria che vuole operare in modo culturale sostenendo iniziative di valorizzazione e conservazione, potete consultare il sito per scoprire l'importante impegno assunto da questo noto gruppo commericale, eccovi qui alcuni progetti. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPhPj2VSvtSfxXbJQtEkg9I7bLsyqBzy_SW4XYZA0bIcsjecS44FdRKHGADEbEcGlOO1VTln7ylp5-zUmBQhZwf6FC9FILvqb6hyrND8Y_sZyGrh3EsmGTY_Oc7Tc7dh2H164X30fNSt10McwphZN5ZfOUZkwjWKOtVffwHu4EbTGVOv27_TWiaz1XIZOQ/s989/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth%202%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="737" data-original-width="989" height="476" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPhPj2VSvtSfxXbJQtEkg9I7bLsyqBzy_SW4XYZA0bIcsjecS44FdRKHGADEbEcGlOO1VTln7ylp5-zUmBQhZwf6FC9FILvqb6hyrND8Y_sZyGrh3EsmGTY_Oc7Tc7dh2H164X30fNSt10McwphZN5ZfOUZkwjWKOtVffwHu4EbTGVOv27_TWiaz1XIZOQ/w640-h476/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth%202%20%20%20.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: x-small;">Robert Blackburn, per gentile concessione d</span><span style="font-family: arial; font-size: x-small;">ell'EFA Robert Blackburn Printmaking Workshop</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: x-small;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">EFA RBPMW, la tipografia comunitaria più longeva degli Stati Uniti, fondata nel 1947, utilizzerà la sovvenzione di 50.000 USD per completare una storia orale basata su video, Creative Graphic Community: Oral Histories Project , per documentare il fondatore Robert Blackburn (1920 -2003) e la storia del laboratorio comunitario.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Cresciuto nel Rinascimento di Harlem e di origine giamaicana-americana, Blackburn non era solo un artista afroamericano visionario, ma anche un maestro incisore pionieristico e un celebre educatore. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">EFA RBPMW ha oltre 20.000 stampe di oltre 4.000 artisti, tra cui Elizabeth Catlett, Charles White, Krishna Reddy, Faith Ringgold, Melvin Edwards. Un record diversificato di incisione negli Stati Uniti come nessun altro, l'archivio riflette le varie comunità con cui Blackburn ha partecipato, come l'Harlem Renaissance, il Black Arts Movement e l'attivismo caraibico, latino, asiatico, indigeno, femminista e incentrato sull'ecologia. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Questa storia orale raccoglierà le narrazioni degli artisti, dello staff, dei curatori e di altri che sono stati determinanti nella comunità di Printmaking Workshop. Dieci narratori, tutti tra i 70 e gli 80 anni, condivideranno storie personali che documentano il contesto socio-storico in cui si sono formati la comunità e il collettivo e le collaborazioni culturali che hanno generato.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9EAt_L3Lvh536JCPAuUbnlH_8diVJ1ePG0z2C5Of1kvEAqwcEuhyphenhyphenUlg6wV2oWgkQ00IRkmeGunLswnAnnbKoWyIQXe7XVOsI7l160Buyfi7XmWSXEb1EODjvlCT033Mpyv4IhjulGvvDEyM-9JTvYrW6-Po4cR7EUJ0voOWjmrKQFkE2fY8YUmNyR4HLj/s879/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth%203%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="539" data-original-width="879" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9EAt_L3Lvh536JCPAuUbnlH_8diVJ1ePG0z2C5Of1kvEAqwcEuhyphenhyphenUlg6wV2oWgkQ00IRkmeGunLswnAnnbKoWyIQXe7XVOsI7l160Buyfi7XmWSXEb1EODjvlCT033Mpyv4IhjulGvvDEyM-9JTvYrW6-Po4cR7EUJ0voOWjmrKQFkE2fY8YUmNyR4HLj/w640-h392/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth%203%20%20%20.jpg" width="640" /></a></p><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: xx-small;"><br />Cuori trafitti e vero amore: un secolo di disegni per tatuaggi, 16 settembre - 11 novembre 1995. Per gentile concessione di The Drawing Center.</span></div><p style="text-align: center;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">L'Istituto sta digitalizzando una parte dell'archivio istituzionale di The Drawing Center e facilitando la donazione dell'intero archivio a un'importante biblioteca di ricerca.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Il Drawing Center è uno spazio espositivo senza scopo di lucro a Manhattan che si concentra sulla presentazione di disegni, sia storici che contemporanei. L'archivio comprende materiale storico che spazia dall'apertura dell'istituzione nel 1977 ad oggi. Comprende fotografie di installazioni, oggetti effimeri e materiali per la stampa di mostre, eventi e programmi passati che hanno visto la partecipazione di artisti significativi come Kara Walker, Sol LeWitt, Antonio Gaudí e Louise Bourgeois, oltre alla documentazione di mostre rivoluzionarie come Plains Indians Drawings 1865-1935: Pagine di una storia visiva ; 3 X Astrazione: nuovi metodi di disegno di Emma Kunz, Hilma af Klint e Agnes Martin ; e Visioni celesti: disegni regalo Shaker e canzoni regalo .</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Una volta completata la digitalizzazione, The Drawing Center renderà disponibile questa storia vitale sulla propria piattaforma in tempo per il suo 50° anniversario nel 2027.</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQnJTPh-GoZ_WiD70oyG2FCIDDFzAFxXe6muqpg6QMd0ScTNgzMxiEsXsMZRfM1iUynQX3E7KM-awYXw8txN1Imlmn-QPIYQBftQAm2JauHfOp0iqAfnsn8oMcbumlND1iQqPbbYZLO9yYN5HiWm5U-_bm-oQ_2Ws1qdMTZU1rFV7FTxRhRInUOdCeqP4Y/s991/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="743" data-original-width="991" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQnJTPh-GoZ_WiD70oyG2FCIDDFzAFxXe6muqpg6QMd0ScTNgzMxiEsXsMZRfM1iUynQX3E7KM-awYXw8txN1Imlmn-QPIYQBftQAm2JauHfOp0iqAfnsn8oMcbumlND1iQqPbbYZLO9yYN5HiWm5U-_bm-oQ_2Ws1qdMTZU1rFV7FTxRhRInUOdCeqP4Y/w640-h480/Fondazione%20Hauser%20&%20Wirth.jpg" width="640" /></a></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: x-small;">La sala studio dell'archivio Visual AIDS, situata nell'ufficio di Visual AIDS a Chelsea, New York</span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: x-small;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Visual AIDS , l'organizzazione per le arti contemporanee impegnata a preservare e onorare il lavoro degli artisti affetti da HIV/AIDS e i contributi artistici del movimento contro l'AIDS, utilizzerà questa sovvenzione di 30.000 dollari per contribuire a finanziare una posizione di archivista permanente. L'unica risorsa nel suo genere, il Visual AIDS Archive Project e l'Artist Registry di New York, NY, raccoglie, conserva e fornisce accesso a documenti personali, materiali audiovisivi, pubblicazioni e oggetti effimeri creati, trattati o raccolti da artisti che vivono con HIV o coloro che sono morti. I loro fondi d'archivio costituiscono l'unico materiale storico esistente per molti di questi artisti. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">L'archivio attuale comprende 25.600 diapositive fisiche e oltre 18.600 immagini digitali di 945 artisti e provenienze viventi. Il sostegno dell'Hauser & Wirth Institute consentirà a Visual AIDS di mantenere un archivista nello staff, che supervisionerà la digitalizzazione dei materiali, l'accessibilità del catalogo e creerà una gestione e procedure delle collezioni più solide, per garantire equità nei loro processi. </span></p><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-29180120813681802872024-02-27T06:00:00.024+01:002024-02-27T06:00:00.256+01:00Pictorial Resonane<div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> </span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhCf2TiLxtn98Uq0nPlv_z6Tpja8AAuV8VXaWDiE_dYCeLVDydxJ7ikdU5ZhhINGMcuVSZBe02L6dyM2eOZ7PPt_7z4rTmWTtQkVioLe6NYYudkhZUGFaqaNSQK2O-J-cEAdHBYacQm31gvhOmMnss5Tb7sp9oxcRPlFTEKrndHPyM4FQZ8ZBx-07ad70v/s1015/galerie%20thomas%20schulte.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="653" data-original-width="1015" height="412" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhCf2TiLxtn98Uq0nPlv_z6Tpja8AAuV8VXaWDiE_dYCeLVDydxJ7ikdU5ZhhINGMcuVSZBe02L6dyM2eOZ7PPt_7z4rTmWTtQkVioLe6NYYudkhZUGFaqaNSQK2O-J-cEAdHBYacQm31gvhOmMnss5Tb7sp9oxcRPlFTEKrndHPyM4FQZ8ZBx-07ad70v/w640-h412/galerie%20thomas%20schulte.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Presso la galleria berlinese <a href="https://www.galeriethomasschulte.com/">Thomas Schulte</a></span> sta per concludersi la mostra <span style="font-family: arial;">Pictorial Resonane</span> con le opere di 18 artisti che riempiono lo spazio della galleria. Rappresentano una vasta gamma di dimensioni, forme e tecniche di produzione: inchiostro su carta, olio su lino, poliuretano stampato in 3D, terracotta e smalto, olio su marmo, gesso, pigmenti, stampa UV su tela. Nonostante l’eterogeneità di questi lavori, insieme ci permettono di esaminare i modi in cui le immagini rispondono e si rafforzano a vicenda nello spazio. La mostra attira la nostra attenzione sulla conoscenza silenziosa ma profonda nascosta nell'opera pittorica; l'impatto ponderato ottenuto da gesti premeditati, ognuno dei quali è preceduto da un'attenta deliberazione.</div></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> </span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Spesso scelti per la mostra dagli stessi artisti invitati, abbiamo riunito queste opere in uno sforzo collaborativo per svelare il mezzo della pittura e il processo creativo, chiedendoci come i dipinti collaborano, riverberano e, in effetti, risuonano tra loro in un ambiente altrimenti vuoto. spazio.</div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: center;"> </div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNrZM-NImmXB3iK4F9g0FgJefIurz_RXohem1kb9_dL7qXnVzDZtNkoDV-SlYMO2TTPhgj1Moj52eXeeNgdTLhchC_eIOVHi4-M9tMwvy05pQISZa32hCar6ZKMPDDhbT7ewAEoyRwdkJg7madDrZlQtC3tdtpGM_t4Hm_HODOTjALIoVWxf3cpjufSKP5/s963/galerie%20thomas%20schulte%20berlino%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="643" data-original-width="963" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNrZM-NImmXB3iK4F9g0FgJefIurz_RXohem1kb9_dL7qXnVzDZtNkoDV-SlYMO2TTPhgj1Moj52eXeeNgdTLhchC_eIOVHi4-M9tMwvy05pQISZa32hCar6ZKMPDDhbT7ewAEoyRwdkJg7madDrZlQtC3tdtpGM_t4Hm_HODOTjALIoVWxf3cpjufSKP5/w640-h428/galerie%20thomas%20schulte%20berlino%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div></span><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Questo approccio indicale comune che unisce le immagini selezionate e i loro produttori è radicato in una curiosità fondamentale verso il significato e le possibilità della pittura oggi. Specializzandosi e approfondendo in modo rigoroso e approfondito i diversi aspetti del mezzo – precondizioni materiali, produzione, colore o luce – gli artisti riuniti esaminano, mettono in discussione e rinegoziano criticamente il mezzo scelto. In tal modo è il processo di produzione che viene alla ribalta, attorno al quale si cristallizzano quadri analitici sistematici e vocabolari mirati. La mostra si propone di creare uno spazio in cui le opere possano vibrare e comunicare tra loro, in cui una sintesi di suggestioni pittoriche le risonanze sono abilitate.</div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS1WQIXzkwRz6WN4spYAqDFXkK5_nkhf_XJCsiJlpSI9WTrtu107HPP8PFPIg07vrFGW_OOlkdKJh6VSoHyqNBDut4AXc-wRvBIaJWZa-TdJ9wxXTs0lkDWKYdkWsUAdsvM9mbdlCun5p2vdYKinQnscdHE2CtZmAxjmvL2HDxcDS-g4PhICGg3LsAI9PG/s1011/galerie%20thomas%20schulte%20berlin%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="651" data-original-width="1011" height="412" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiS1WQIXzkwRz6WN4spYAqDFXkK5_nkhf_XJCsiJlpSI9WTrtu107HPP8PFPIg07vrFGW_OOlkdKJh6VSoHyqNBDut4AXc-wRvBIaJWZa-TdJ9wxXTs0lkDWKYdkWsUAdsvM9mbdlCun5p2vdYKinQnscdHE2CtZmAxjmvL2HDxcDS-g4PhICGg3LsAI9PG/w640-h412/galerie%20thomas%20schulte%20berlin%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div style="text-align: center;"><br /></div></span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comCharlottenstraße 24, 10117 Berlin, Germania52.510334099999987 13.392076524.200100263821142 -21.7641735 80.820567936178833 48.5483265tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-58297375693632348702024-02-26T06:00:00.000+01:002024-02-26T06:00:00.137+01:00Marina Perez Simão a Los Angeles alla Pace gallery<div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfqgGT9vGjRR9Do7nuoCnGRhB7icf2aEmwWsHGmAKtaKmcvbQ2BVbQ43HbLr6TFDFHUK5H7gdAD0_dSdIoiOk9afXrZTDh1Ar5hGmnCKF1_mmrqkZ2BD_S7ztxRrhDgtqfV2HXr8SRqchlVWngghDzcbLTSdfCff0ljnrgkw__kb-9IL7RzU1FGcqAo3so/s1287/pace%20gallery%20los%20angeles%20marina%20perez%20simao.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="857" data-original-width="1287" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfqgGT9vGjRR9Do7nuoCnGRhB7icf2aEmwWsHGmAKtaKmcvbQ2BVbQ43HbLr6TFDFHUK5H7gdAD0_dSdIoiOk9afXrZTDh1Ar5hGmnCKF1_mmrqkZ2BD_S7ztxRrhDgtqfV2HXr8SRqchlVWngghDzcbLTSdfCff0ljnrgkw__kb-9IL7RzU1FGcqAo3so/w640-h426/pace%20gallery%20los%20angeles%20marina%20perez%20simao.jpg" width="640" /></a></div><br /><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"> A Los Angeles la galleria <a href="https://www.pacegallery.com/">Pace</a> presenta una mostra dei grandi e morbidi dipinti di Marina Perez Simão.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">La mostra, visibile fino al 2 Marzo, è intitolata Solanaceae, riunisce 15 tele di varie dimensioni, compresi panorami monumentali, realizzate dall'artista nell'ultimo anno.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Solanaceae segna la prima presentazione personale di Simão a Los Angeles e, più in generale, sulla costa occidentale degli Stati Uniti, e la mostra coinciderà con l'edizione 2024 di Frieze LA. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">L'esposizione è accompagnata da un nuovo catalogo di Pace Publishing, con una prefazione del direttore curatoriale della galleria Kimberly Drew e un saggio originale dell'assistente curatrice dello SCAD Museum of Art Brittany Richmond.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Lavorando attraverso la pittura a olio, l'acquerello e l'incisione, Simão è nota per le sue composizioni vibranti e liriche che esplorano paesaggi sia interni che esterni. Attraverso la sua pratica, costruisce viaggi visivi in regni semi-astratti e spesso inconoscibili costituiti da forme organiche e ondulate. Intrisi di visioni e ricordi, i paesaggi onirici di Simão riflettono il suo profondo e duraturo interesse per il potere dell'astrazione di trasmettere idee, concetti e sentimenti che trascendono il linguaggio.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Nei dipinti per la sua prossima mostra con Pace a Los Angeles – che prende come titolo il nome scientifico della famiglia delle piante delle solanacee – l'artista medita sugli effetti fenomenologici delle diverse condizioni di luce e della sua assenza. Diversamente dai suoi lavori passati, Simão ha adottato una tavolozza di colori profondi e scuri per i suoi nuovi paesaggi, combinando più tonalità alla volta per emulare le sfumature della bioluminescenza. Elaborando le sue recenti sperimentazioni con le tradizionali tecniche dell'affresco fiorentino per un dipinto che ha mostrato quest'anno a San Paolo, Simão ha realizzato molti di questi paesaggi su scale più grandi di quanto avesse mai lavorato prima, con due composizioni monumentali ciascuna estesa più di 12 piedi. di larghezza. Come parte del processo di realizzazione di questi dipinti, sperimenta forme in acquerelli e scale più piccole, apportando un'intuizione fiduciosa alle sue composizioni finali su larga scala.</span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4Yg9kBXIEV323eC5JcyccONFt1l35uIDQbBlVnP7S8loHlY_z3V418WpCi5FPmBK7NOUTQ1Ry2sfFMtrTVmN829kvw1dbsECvZHtSTmO_X-KK0TtluHSvpjM5LTcTFFkK-iOIfIfpH65f1yoefMDiyOEvgB0BYrJkQzLrpDMicjjt2RXfoOR4LGl_W7PC/s1287/pace%20gallery%20los%20angeles%20marina%20perez%20simao%20painting%20%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1287" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4Yg9kBXIEV323eC5JcyccONFt1l35uIDQbBlVnP7S8loHlY_z3V418WpCi5FPmBK7NOUTQ1Ry2sfFMtrTVmN829kvw1dbsECvZHtSTmO_X-KK0TtluHSvpjM5LTcTFFkK-iOIfIfpH65f1yoefMDiyOEvgB0BYrJkQzLrpDMicjjt2RXfoOR4LGl_W7PC/w640-h424/pace%20gallery%20los%20angeles%20marina%20perez%20simao%20painting%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Attingendo alla ricca storia materiale di murales e affreschi, mezzi spesso associati a raffigurazioni del paradiso o del paradiso, le nuove opere su larga scala dell'artista conferiscono a questa presentazione una dimensione decisamente esperienziale e trasportativa. Caratterizzati da strati di colore, questi dipinti, che sembrano brillare e vibrare con l'energia proveniente da una fonte di luce interna e celeste, parlano della capacità unica di Simão di infondere luminosità nel suo lavoro.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">I suoi dipinti sono caratterizzati da pennellate espressive e gestuali, che rispondono tra loro all'interno delle singole opere e attraverso molteplici composizioni, conferendo all'intera mostra un senso di continuità e conseguenza rispetto al tempo e al movimento. Nei suoi quadri che suggeriscono grotte, foreste, fiumi, cascate e altri ambienti, Simão esamina il modo in cui la luce può funzionare come forza soprannaturale nella nostra esperienza della natura. I confini tra gli spazi interni ed esterni sono sfumati e, in alcuni casi, cancellati in queste scene di irrealtà e mistero.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Tra i progetti recenti di Simão c'era la sua residenza nel 2022 presso i Cahiers d'Art a Parigi, dove ha presentato una mostra di acquerelli.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvAdDAo31q-7TpJCehroiUfhHo86_RHzz8pvRxYUpoZddLmQffSXXZkI4FM3srYQwDro5BM3CrNloN9U35jVrHwYZIY5JrKkqouhDuU1_arMCSV3J7EopU4qTXdGKhHEpO3vU0dpW5l6HF8BYChDG13s-3TioFzcSmqdGWK_WILpYTFkSyJ4Kk0lpWrjUB/s1295/pace%20gallery%20los%20angeles%20marina%20perez%20simao%20art%20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="863" data-original-width="1295" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvAdDAo31q-7TpJCehroiUfhHo86_RHzz8pvRxYUpoZddLmQffSXXZkI4FM3srYQwDro5BM3CrNloN9U35jVrHwYZIY5JrKkqouhDuU1_arMCSV3J7EopU4qTXdGKhHEpO3vU0dpW5l6HF8BYChDG13s-3TioFzcSmqdGWK_WILpYTFkSyJ4Kk0lpWrjUB/w640-h426/pace%20gallery%20los%20angeles%20marina%20perez%20simao%20art%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Marina Perez Simão (nata nel 1980, Vitória, Brasile) ha sviluppato un processo di lavoro basato fondamentalmente sull'accumulo e sulla giustapposizione di ricordi e immagini. Combinando esperienze personali e molteplici riferimenti provenienti da campi come la filosofia, la letteratura e il giornalismo, l'artista raccoglie alcune narrazioni per modificarle attraverso mezzi pittorici che non appartengono a nessun linguaggio predefinito; si sviluppano piuttosto con una pratica organica, che unisce densità tematica e delicatezza di trattazione.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Simão utilizza una varietà di tecniche, come collage, disegno e pittura a olio, come punto di partenza per sposare paesaggi interni ed esterni. Compone viaggi visivi che a volte attraversano l'ignoto, l'astratto e il nebuloso, ma includono anche visioni e ricordi. Il lavoro di Simão è conservato in diverse collezioni pubbliche in tutto il mondo, tra cui il Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Étienne in Francia, la Collezione Ekard nei Paesi Bassi e la Samdani Art Foundation in Bangladesh, nonché lo Speed Art Museum nel Kentucky e l'Università di Chicago negli Stati Uniti.</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.com1201 S La Brea Ave, Los Angeles, CA 90019, Stati Uniti34.053206 -118.34396915.7429721638211575 -153.50021909999998 62.363439836178848 -83.1877191tag:blogger.com,1999:blog-8562185420534426538.post-69655252011580193832024-02-25T06:00:00.026+01:002024-02-25T06:00:00.251+01:00L’altra sorgente di Astuni<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"> <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1KUA3NV0ZzPRYdKczINpxYk7ZlXS8Z8_I2Pre_MSX4Ng3MW7KT_rPoW-2k6QUbin6qFD_nmmLNdmfKhbU8DhXkVmHDwnqZdkJ9EA20aAP019cnr6s-Ne21aiy8iVVKwZZEnq1t4MpPympnWxOTeHRbFysYrj5oeD6IZ1GMZ9sXZuDHN25TGK981bmzY7m/s1730/astuni%20bologna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1154" data-original-width="1730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1KUA3NV0ZzPRYdKczINpxYk7ZlXS8Z8_I2Pre_MSX4Ng3MW7KT_rPoW-2k6QUbin6qFD_nmmLNdmfKhbU8DhXkVmHDwnqZdkJ9EA20aAP019cnr6s-Ne21aiy8iVVKwZZEnq1t4MpPympnWxOTeHRbFysYrj5oeD6IZ1GMZ9sXZuDHN25TGK981bmzY7m/w640-h426/astuni%20bologna.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /></span></div><span style="font-family: arial;">A Bologna la <a href="https://www.galleriaastuni.ne">Galleria Enrico Astuni</a> propone la mostra collettiva L’altra sorgente, a cura di Maura Pozzati, visibile fino al 5 Maggio.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Il titolo L’altra sorgente è, nel suo significato letterale ma soprattutto metaforico, legato al femminile, alla capacità di scorrere nelle profondità della terra, di trapassare la materia oscura e di </span><span style="font-family: arial;">tornare in superficie portando con sé nuove energie. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Dall’idea di acqua che scaturisce dal sottosuolo si passa infatti al suo significato simbolico: come principio vitale che rappresenta il femminile per eccellenza, in quanto adattabile e ricettiva, e capace di aggirare gli ostacoli che incontra nel suo cammino, in quel continuo processo di trasformazione che è la sua grande forza. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitXIJDLX2Ih66GPVIgfho5qUAJJrTXPjoO0f4n3GnHE7xZ9qykxS_-eKZATTkI0JaRBZw6yLxpaLERUpTwO4-euI_mfcxmHMJjrxDwCAWsu1lhqxlossfZWK3kjPMupL7UIqqj8uab472SWoyrDXPKaH0OgMNZmqaTi7MajxEmdm6pwMEn_xuyOhuO_Fb8/s1762/astuni%20bologna%20%20arte%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1186" data-original-width="1762" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitXIJDLX2Ih66GPVIgfho5qUAJJrTXPjoO0f4n3GnHE7xZ9qykxS_-eKZATTkI0JaRBZw6yLxpaLERUpTwO4-euI_mfcxmHMJjrxDwCAWsu1lhqxlossfZWK3kjPMupL7UIqqj8uab472SWoyrDXPKaH0OgMNZmqaTi7MajxEmdm6pwMEn_xuyOhuO_Fb8/w640-h430/astuni%20bologna%20%20arte%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;">L’altra sorgente diventa il titolo di una mostra che mette in dialogo cinque artiste molto diverse tra loro che parlano di femminile, di lavoro collettivo, di pratica partecipativa, di arte performativa socialmente impegnata, di rapporto con la natura, di quotidianità, di sacralità, di connessioni ancestrali e di energia vitale, ognuna con la propria voce, cultura, esperienza e metodologia di lavoro. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span><span style="font-family: arial;">Le artiste invitate a partecipare al progetto sono Marion Baruch, Suzanne Lacy, Sabrina Mezzaqui, Maria Nepomuceno, e Sabrina Casadei.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB2euymDg3Ye-HHyyb2RdZFM1Vwv6wJ9ZE4MzYuHd_U0qcC8R2j0NuZGJRnAQmoAgttfXMZpEbKYVwgHhEYT_uqRoOxaddKjM2MaBv9a030fUr9l0RfpkhmD6SE2XcN3pLLlvf_x85qGsv2ssBiyWbChv6Pyu_qrAQwE15dHW2TI-jpyH_QoJyfFiVc-vl/s1710/astuni%20bologna%20%20art%20%20%20.jpg" imageanchor="1" style="font-family: arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1158" data-original-width="1710" height="434" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB2euymDg3Ye-HHyyb2RdZFM1Vwv6wJ9ZE4MzYuHd_U0qcC8R2j0NuZGJRnAQmoAgttfXMZpEbKYVwgHhEYT_uqRoOxaddKjM2MaBv9a030fUr9l0RfpkhmD6SE2XcN3pLLlvf_x85qGsv2ssBiyWbChv6Pyu_qrAQwE15dHW2TI-jpyH_QoJyfFiVc-vl/w640-h434/astuni%20bologna%20%20art%20%20%20.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: arial; font-size: xx-small;">foto della mostra L’altra sorgente, Galleria Enrico Astuni, 2024. Ph. Agostino Osio.</span></div>Domenico Oliverohttp://www.blogger.com/profile/16137043752183178596noreply@blogger.comVia Jacopo Barozzi, 3, 40126 Bologna BO, Italia44.5043306 11.349749916.194096763821157 -23.8065001 72.814564436178841 46.5059999