Prossimamente "Global Antiquity” da Prada

  Custodia di gorytos Melito pol’kurgan, presso Melitopol, regione di ZaporizhzhiaIV sec. a.C.Oro 583 goffrato27,5 x 47 cmCollezione del Museo Nazionale di Storia dell’Ucraina© Museo Nazionale di Storia dell’Ucraina. Foto: Dmytro Klochko

Per l'autunno la Fondazione Prada presenta “Global Antiquity”, una mostra di ricerca a cura di Salvatore Settis, Anna Anguissola e Chiara Ballestrazzi, in un allestimento concepito da Rem Koolhaas e AMO/OMA, a Milano dal 5 novembre 2026 al 1 marzo 2027. “Global Antiquity” propone una prospettiva inattesa sulle interazioni tra le culture del Mediterraneo e quelle dell’Asia in un ampio arco cronologico, dal 700 a.C. al 1000 d.C. circa.

La mostra si inserisce in un’indagine più articolata che Fondazione Prada ha intrapreso nel 2015 quando ha proposto contemporaneamente nelle sedi di Milano e Venezia “Serial Classic” e “Portable Classic”, due esposizioni curate da Salvatore Settis (con Anna Anguissola a Milano e con Davide Gasparotto a Venezia), ed è proseguita nel 2022 a Milano con “Recycling Beauty” (a cura di Salvatore Settis e Anna Anguissola con Denise La Monica), una ricognizione dedicata al riuso di antichità greche e romane in contesti post-antichi, dal Medioevo al Barocco.

La premessa di questa ampia ricerca è la volontà di considerare l’arte antica non solo come un’eredità del passato, ma anche come un elemento vitale in grado di incidere sul presente e sul futuro. Temi come la serialità, il riuso, il riciclo e la globalità sono strettamente legati alla nostra concezione di modernità, ma testimoniano anche la straordinaria persistenza di alcuni valori, categorie e modelli del passato. Grazie a un innovativo approccio curatoriale e a modalità espositive sperimentali sviluppate da Rem Koolhaas e AMO/OMA, il patrimonio antico diventa, per usare le parole di Salvatore Settis, “una chiave di accesso alla molteplicità delle culture del mondo contemporaneo”.

Attraverso un’attenta selezione di oltre 150 opere e oggetti, “Global Antiquity” propone uno sguardo originale sulle relazioni artistiche, culturali, commerciali e politiche che, nel corso di oltre 1.700 anni di storia, hanno collegato popoli e culture dal Mediterraneo all’Asia, attraverso continenti e mari. Ognuno degli oggetti esposti, provenienti da diverse aree del mondo, diventa un soggetto narrativo in grado di testimoniare relazioni significative tra due o più zone geografiche e società, spesso distanti tra loro. In questa prospettiva, il luogo di ritrovamento di un manufatto riveste la stessa importanza di quello originario di produzione. Connettere questi punti in una mappa globale consente di individuare una pluralità di rotte commerciali e di legami politici, culturali, economici e religiosi, ben oltre le cosiddette vie della seta e delle spezie. Il mondo antico ne emerge come una trama fitta e dinamica di scambi estesi su scala intercontinentale.

“Global Antiquity” sottolinea l’intensità e la reciprocità di queste connessioni che si sono sviluppate non solo lungo percorsi lineari e univoci, ma hanno anche costruito una rete fluida e in continua evoluzione di direttrici poligonali. Mettendo in scena inattese presenze “mediterranee” in Cina, o esponendo una statuetta femminile di manifattura indiana giunta a Pompei prima dell’eruzione del 79 d.C., la mostra innesca un cortocircuito spazio-temporale che invita a ripensare il nostro sguardo sulla storia e a riflettere sul presente attraverso una prospettiva di lunga durata.

Due dei temi alla base del progetto trovano particolare risonanza nel dibattito pubblico contemporaneo: l’idea di globalità, luogo comune e argomento controverso nel discorso politico ed economico di oggi, e il complesso fenomeno dell’ibridazione culturale. Da una parte, “Global Antiquity” ci ricorda che, per usare le parole dello scrittore Amitav Ghosh, “è impossibile immaginare un mondo senza connessioni globali. Queste sono sempre esistite e nessun luogo è sfuggito alla loro influenza.” In particolare, la mostra indaga il rapporto dialettico tra i concetti di globalità e di globalizzazione. Come emerge dal percorso espositivo, la nozione di globalità è più legata al mondo antico e segue dinamiche orizzontali, osmotiche e reciproche, mentre la globalizzazione si riferisce a un sistema moderno o contemporaneo, definito da processi verticali guidati da forze economiche e politiche che operano su scala mondiale. Dall’altra parte, l’intensità e la molteplicità degli scambi culturali analizzati in “Global Antiquity” offrono solide basi per mettere in discussione la retorica identitaria dominante e le dinamiche protezionistiche e isolazionistiche del nostro tempo, fondate sull’idea che ogni realtà culturale ed etnica costituisca una fortezza chiusa in sé stessa, assediata dagli “altri” e, per questo, da difendere a ogni costo.

Come spiega Salvatore Settis: “Questa mostra offre una costellazione di casi esemplari, ciascuno segnato da una propria forma di interazione fra culture, ma tutti riconducibili a una stessa trama: la rete poligonale di commerci e influenze che attraversava l’Eurasia, spingendosi oltre i suoi confini e alimentando una reciproca consapevolezza e curiosità su vastissima scala. Dal nostro atlante di micro-storie emerge così una macro-storia in cui la globalità pre-moderna appare come una condizione di equilibrio instabile, ma aperta a innumerevoli potenzialità.”

Il progetto espositivo, concepito da Rem Koolhaas con Giulio Margheri e il team dello studio AMO/OMA, si sviluppa al piano terra del Podium, il principale spazio della sede di Milano. L’allestimento traduce l’idea curatoriale in una serie di storie individuali, ciascuna presentata attraverso un display che riflette le diverse reti di scambio. Questi supporti, realizzati in metallo e fibra di vetro, sono disposti all’interno di una configurazione spaziale che invita il pubblico a esplorare le opere e i manufatti della mostra secondo criteri di convergenza, simmetria e intersezione.

“Global Antiquity” include statue e frammenti scultorei, rilievi, iscrizioni, calchi in gesso, scacchi, monete, tessuti, astrolabi, gioielli, corni potori, brocche, coppe e altri oggetti di uso quotidiano e cerimoniale provenienti da collezioni private e musei italiani e internazionali, tra i quali The Metropolitan Museum of Art di New York, J. Paul Getty Museum di Los Angeles, British Museum di Londra, Musée du Louvre e Musée Guimet di Parigi, Museo Nacional del Prado di Madrid, Musei Vaticani, Museo delle Civiltà e Musei Capitolini di Roma, Parco Archeologico di Pompei e Museo archeologico nazionale di Napoli.

Amburgo art week

 La scena artistica contemporanea di Amburgo è ricca, diversificata e connessa a livello internazionale. L’inaugurazione della Hamburg Art Week offre, per la prima volta, una piattaforma condivisa attraverso la quale questa energia artistica entra in vista, invitando il pubblico a sperimentarne la ricchezza e la complessità in modi nuovi.

Dal 3 al 6 settembre 2026, con il titolo Crossing Currents, Hamburg Art Week riunisce 18 musei e istituzioni, 44 gallerie, 42 spazi e iniziative artistiche indipendenti, diverse collezioni private e l'Associazione delle gallerie di Amburgo (Landesverband Hamburger Galerien) nella prima presentazione collettiva della scena artistica contemporanea di Amburgo a questa scala. Per quattro giorni, l'arte si svolge in tutta la città come una rete di confluenze e scoperte, rivelando la profondità, la diversità e l'interconnessione dell'ecosistema artistico di Amburgo.

Ispirato dalla storia di Amburgo come città portuale plasmata dal movimento e dalla migrazione, Crossing Currents prende il titolo dai flussi intersecanti di persone, idee e spazi artistici che hanno a lungo definito la città. Sei percorsi artistici curati, o Currents, attraverso Amburgo, creando nuovi attraversamenti tra attori indipendenti e istituzionali, pratiche consolidate e sperimentali, e prospettive locali e internazionali, aprendo nuovi tipi di conversazioni tra artisti e pubblico.

Nato da un desiderio condiviso di rendere più visibile e collettivamente sperimentata l'ecologia artistica di Amburgo, Crossing Currents funge da quadro connettivo tra spazi artistici e pubblico. È un invito a immergersi nell’arte contemporanea nelle sue molteplici forme e a impegnarsi con la città attraverso le sue comunità artistiche, accogliendo la gente di Amburgo, i visitatori provenienti dalla Germania e dall’estero, il pubblico della prima settimana dell’arte e i professionisti delle arti internazionali.

Attraverso mostre, spettacoli, talk e percorsi artistici, la Fondazione 2026 mette a fuoco l'ampiezza e

“Crossing Currents è iniziato con la convinzione che la comunità artistica di Amburgo è più forte quando si riunisce. La nostra visione è quella di creare una piattaforma che approfondisca le connessioni in tutta la comunità artistica di Amburgo e rifletta l'identità creativa della città, una piattaforma che accende nuove relazioni e porti voci locali e internazionali in conversazione. In questo modo, speriamo di rafforzare i legami tra Amburgo e il mondo dell’arte internazionale e contribuire alla crescente reputazione della città come destinazione vibrante per l’arte contemporanea” – Soci fondatori, fotografati di seguito.

Credito immagine: Founding Edition, Crossing Currents, team, dall'alto verso il basso: Anna Nowak e Luise Nagel (Iniziatori), Jessica Nupen e Fanny Roy (Registi). Fotografia per gentile concessione di Steve Thomas Photography.

Il programma di performance, Pulse, colloca l'arte visiva in conversazione con forme sperimentali di pratica dal vivo, che vanno dalla musica e installazioni sonore alla danza e alla parola parlata. Presentate lungo i percorsi artistici, le performance si svolgono in dialogo diretto con mostre, opere d’arte e ambientazioni architettoniche, generando impulsi inaspettati tra spazi e pubblico.

L'attualità, il programma del discorso, inizia con una semplice domanda: perché un'altra settimana dell'arte? In un momento in cui le idee su come la cultura viene prodotta e vissuta stanno rapidamente cambiando, considera ciò che una settimana d'arte può offrire oltre la sola visibilità. Una serie di conversazioni pubbliche con voci di spicco dei campi dell'arte e della cultura esamineranno la posizione di Amburgo come città d'arte ed esploreranno le possibilità che una settimana dell'arte possa offrire il suo futuro sviluppo culturale.

“Hamburg ospita un’eccezionale eccellenza artistica, forti reti internazionali e una vivace comunità culturale. Quello che manca fino ad ora è una piattaforma condivisa che unisce questa energia e la rende visibile. Attraverso i suoi percorsi artistici curati, Hamburg Art Week fornisce esattamente questo quadro, offrendo nuovi modi per sperimentare la diversità, la qualità e la vitalità della scena delle arti visive contemporanee di Amburgo. "- Dr Carsten Brosda, Senator for Culture and Media, Hamburg

Crossing Currents è guidato da Jessica Nupen (direttore artistico, curatore e coreografo) e Fanny Roy (Arts and Cultural Manager). Insieme ai suoi iniziatori Luise Nagel (Managing Partner, Produzentengalerie Hamburg) e Anna Nowak (Amministratore Delegato e Artistico, Kunsthaus Hamburg), e un team di Amburgo, stanno plasmando la visione, la direzione e la crescita futura della Art Week.

Crossing Currents è generosamente sostenuto dal Ministero della Cultura e dei Media Free e dalla città anseatica di Amburgo, ZEIT STIFTUNG BUCERIUS e Michael Otto Stiftung.

La Founding Edition è attualmente in fase di sviluppo, con punti salienti del programma, collaborazioni e partnership che saranno annunciate progressivamente nel corso delle prossime settimane.

Prossimamente Pinacoteca Agnelli

 

In occasione della Torino Art Week, la Pinacoteca Agnelli inaugura venerdì 30 ottobre 2026 la nuova stagione espositiva con tre progetti che attraversano il Novecento storico e la ricerca contemporanea, confermando la vocazione del museo a mettere in relazione collezione, nuove produzioni e riletture della storia dell’arte.
 
La programmazione autunnale propone Alberto Savinio. Souvenir, la prima grande retrospettiva istituzionale dedicata a una delle personalità più originali della cultura europea del Novecento; Laure. Chris Ofili & Édouard Manet, nuovo appuntamento del ciclo Beyond the Collection, che invita artisti contemporanei a confrontarsi con le opere della Collezione Permanente; e il nuovo intervento di Iris Touliatou, vincitrice dell’edizione 2025 del Premio Pista 500, in collaborazione con Artissima, per La Pista 500, il progetto di arte contemporanea all’aperto che ha trasformato l’ex pista di collaudo del Lingotto in uno dei luoghi più riconoscibili della scena artistica internazionale.
 
Tre progetti profondamente diversi per linguaggi, generazioni e approcci, accomunati dalla volontà di interrogare la contemporaneità attraverso nuove prospettive critiche e di proporre al pubblico strumenti inediti per leggere il presente. La stagione autunnale conferma il ruolo della Pinacoteca Agnelli come luogo in cui la ricerca storica dialoga con la contemporaneità, con la Collezione Permanente come punto di partenza e fulcro per nuove interpretazioni.

Alberto Savinio. Souvenir

Da venerdì 30 ottobre 2026 a domenica 4 aprile 2027, fulcro della programmazione è Alberto Savinio. Souvenir, la più importante mostra dedicata all’opera di Alberto Savinio (1891, Atene – 1952, Roma), intellettuale tra i protagonisti della cultura europea del Novecento.

A cura di Sarah Cosulich e Pietro Rigolo, realizzata in collaborazione con l’Archivio Alberto Savinio e con il supporto di un comitato scientifico internazionale, la mostra riunisce circa settantacinque opere tra dipinti e disegni, offrendo una rilettura ampia e articolata della sua ricerca pittorica dagli anni Venti ai primi anni Cinquanta.

Figura difficilmente riconducibile a un’unica disciplina, Savinio ha attraversato musica, letteratura, teatro e arti visive costruendo un immaginario personale in cui convivono mito classico, memoria, ironia e invenzione. La mostra ne restituisce la complessità attraverso un percorso che mette in evidenza la straordinaria originalità della sua pittura e il suo contributo alla costruzione della cultura visiva del Novecento.

Il percorso espositivo segue l’evoluzione della sua ricerca attraverso alcuni dei nuclei tematici più significativi della sua produzione: i riferimenti al mondo classico e alla Grecia della sua infanzia, il tema della memoria, i ritratti di famiglia, le figure ibride tra uomo e animale, i celebri “giocattoli”, i paesaggi antropomorfi e la produzione grafica, che negli ultimi anni della sua attività assume una crescente autonomia.

Più che una ricostruzione cronologica, Souvenir propone una riflessione sulla straordinaria capacità di Savinio di attraversare il proprio tempo anticipando questioni ancora oggi centrali: il rapporto tra identità e rappresentazione, il dialogo tra culture, la costruzione della memoria e il ruolo dell’immaginazione come strumento di conoscenza.

Ad accompagnare la mostra sarà pubblicato da Mousse Publishing un catalogo bilingue italiano-inglese, la prima pubblicazione istituzionale in lingua inglese dedicata all’artista. Il volume raccoglie saggi originali di studiosi internazionali, un ricco apparato iconografico e una cronologia che ricostruisce il percorso umano e artistico di Savinio intrecciando arti visive, letteratura e musica.


Beyond the Collection. 
Laure. Chris Ofili & Édouard Manet

Prosegue con Laure. Chris Ofili & Édouard Manet il ciclo Beyond the Collection attraverso cui la Pinacoteca Agnelli invita artisti contemporanei a confrontarsi con le opere della propria Collezione Permanente, generando nuovi punti di vista sul patrimonio del museo.

Per questo nuovo capitolo Chris Ofili (1968, Manchester; vive e lavora a Port of Spain, Trinidad e Tobago) presenta, da venerdì 30 ottobre 2026 a domenica 4 aprile 2027, una serie inedita di lavori sviluppati a partire dal Ritratto di Laure di Édouard Manet, dipinto realizzato intorno al 1862 e conservato nella Collezione Permanente della Pinacoteca Agnelli.

Il progetto, a cura di Pietro Rigolo, prende avvio dalla figura di Laure, la donna ritratta da Manet, la cui identità è stata a lungo oscurata nella storia dell’arte da un precedente titolo che ne aveva ridotto la complessità biografica a una semplice classificazione razziale. Chris Ofili restituisce centralità alla sua figura e riflette sul modo in cui le immagini contribuiscono a definire le identità.

Nei suoi dipinti e disegni, Ofili intreccia riferimenti storici, esperienze personali, memoria culturale e tradizioni figurative differenti, costruendo un universo visivo caratterizzato da una straordinaria ricchezza cromatica e narrativa. Il dialogo con Manet diventa così l’occasione per affrontare temi quali rappresentazione, memoria e riscrittura della storia dell’arte.

Il progetto è accompagnato da una pubblicazione gratuita che approfondisce il percorso espositivo attraverso un saggio inedito della storica dell’arte Denise Murrell, curatrice al Metropolitan Museum di New York, tra le maggiori studiose internazionali della figura di Laure.
Dal 2022, Beyond the Collection rappresenta uno dei principali programmi di ricerca della Pinacoteca Agnelli, volto a rileggere la Collezione Permanente attraverso il contributo di artisti contemporanei e collaborazioni con istituzioni italiane e straniere, aprendo nuove prospettive sulle opere e sulle storie che esse custodiscono.

La Pista 500. Iris Touliatou

Per la nuova stagione della Pista 500, la Pinacoteca Agnelli presenta un progetto inedito di Iris Touliatou (1981, Atene, dove vive e lavora), artista selezionata nel 2025 attraverso il Premio Pista 500 realizzato in collaborazione con Artissima.

La pratica di Touliatou si sviluppa a partire dai contesti nei quali interviene e dalle relazioni che li attraversano. Ogni progetto nasce dall’osservazione delle dinamiche economiche, sociali e istituzionali proprie del luogo che lo ospita, dando vita a opere che mettono in relazione spazio, comunicazione e sistemi di produzione.

Per la Pinacoteca Agnelli l’artista realizza un nuovo intervento, con la curatela di Nicola Trezzi, che coinvolge il Billboard della Pista 500 e, allo stesso tempo, si estende ai canali di comunicazione del museo. Il progetto riflette sui meccanismi attraverso cui immagini e messaggi vengono prodotti, distribuiti e consumati, trasformando gli strumenti della comunicazione istituzionale in parte integrante dell’opera stessa.

La Pista 500 è l’ambizioso progetto artistico all’aperto che estende il programma della Pinacoteca Agnelli oltre gli spazi del museo, trasformando l’ex pista di collaudo per le automobili sul tetto dell’edificio del Lingotto – originariamente costruito come stabilimento FIAT – in un giardino sospeso con un percorso artistico panoramico. Le opere presenti su La Pista 500 sono state realizzate da artisti italiani e stranieri e includono sculture, installazioni luminose o sonore e progetti di cinema espanso. Questi interventi dialogano con l’architettura e il passato industriale del Lingotto, nonché con il suo attuale contesto urbano e il paesaggio circostante, trasformando La Pista 500 da circuito chiuso a strada aperta, da spazio produttivo a luogo collettivo per nuove storie e visioni.

Una stagione che attraversa passato e presente

Con la programmazione autunnale 2026 la Pinacoteca Agnelli rafforza un percorso che negli ultimi anni ha ridefinito il ruolo del museo come luogo di ricerca, produzione e confronto tra epoche diverse.

La rilettura di una figura chiave del Novecento come Alberto Savinio, il dialogo tra Chris Ofili ed Édouard Manet e la nuova commissione affidata a Iris Touliatou testimoniano una progettualità che affianca approfondimento storico e sperimentazione contemporanea, proponendo al pubblico esperienze capaci di attivare nuove letture della Collezione Permanente quale patrimonio culturale.
 
Attraverso mostre, nuove produzioni e commissioni site specific, la Pinacoteca Agnelli continua così a sviluppare una programmazione che interpreta il museo non soltanto come luogo di conservazione, ma come spazio aperto alla ricerca, al confronto critico e alla costruzione di nuovi immaginari. 

Buon ferragosto!

 

Eternità viventi

Diverse eternità in un giorno: la forma nell'era dei materiali viventi , vista dell'installazione

Hammer Museum, Los Angeles, 5 aprile – 23 agosto 2026. Foto: Jeff McLane

 L'Hammer Museum di Los Angeles accoglie fino al 23 Agosto la mostra "Diverse eternità in un giorno: la forma nell'era dei materiali viventi" presentando ventidue artisti provenienti dal Nord, Centro e Sud America che abbracciano la natura imprevedibile dei materiali viventi. 

Diverse eternità in un giorno: la forma nell'era dei materiali viventi , vista dell'installazione

Hammer Museum, Los Angeles, 5 aprile – 23 agosto 2026. Foto: Jeff McLane

Questi artisti utilizzano materiali come avocado, cacao, achiote, cocciniglia, pietra, argilla e coloranti naturali per creare installazioni di grandi dimensioni, dipinti, opere su carta e sculture a tecnica mista. 

Diverse eternità in un giorno: la forma nell'era dei materiali viventi , vista dell'installazione

Hammer Museum, Los Angeles, 5 aprile – 23 agosto 2026. Foto: Jeff McLane

Ognuno di questi materiali è vivo: si evolve, si decompone, gocciola, si sbriciola ed evapora. Sono radicati nello spirito, nella memoria e nella conoscenza dei mondi dei popoli indigeni e delle popolazioni di colore. La mostra esplora le idee relative ai materiali come testimonianze del vivente e depositari di memoria cosmica, decadimento organico e trasformazione.

Diverse eternità in un giorno: la forma nell'era dei materiali viventi , vista dell'installazione

Hammer Museum, Los Angeles, 5 aprile – 23 agosto 2026. Foto: Jeff McLane

15 di Google Art & Culture

Era nato il 1º febbraio 2011 come Google Art Project, oggi ribattezzato  Google Arts & Culture, la piattaforma gestita dal Google Cultural Institute che collabora con oltre 2.000 istituzioni in più di 80 paesi. 

Attraverso di essa tutti possono esplorare oltre 10.000 luoghi storici digitalizzati con migliaia di immagini di arte e cultura, grazie alla tecnologia Gigapixel, La fotocamera robotizzata Art Camera che scatta immagini ad altissima risoluzione (oltre 7 miliardi di pixel) per mostrare dettagli invisibili a occhio nudo nei musei. 

Un grande patrimonio culturale condiviso alla portata di tutte le persone che desiderano conoscere e approfondire i tantissimi temi proposti, con interazioni e stimolanti idee educative. 

Spazi pubblici europei

 La partecipazione record di quest’anno ribadisce l’obiettivo principale del Premio: riconoscere le migliori pratiche per la democratizzazione degli spazi urbani e incoraggiare il dibattito sulle risposte a temi come l’emergenza climatica, le disuguaglianze sociali e la trasformazione della mobilità.

Il 2 e 3 luglio, la Giuria Internazionale, presieduta dall’architetto Eva Prats e comprendente Angelika Fitz, Monika Konrad, Inês Lobo, Bas Smets e Philip Ursprung, e Lluís Ortega come segretaria, si sono incontrati per selezionare i 25 progetti che saranno inseriti nel catalogo pubblicato in occasione dell’edizione e dell’Archivio del Premio Europeo per lo Spazio Pubblico Urbano, una risorsa online che riunisce

La giuria internazionale ha selezionato 25 progetti provenienti da 14 paesi europei, tra cui interventi in alcune delle più grandi città europee, tra cui Parigi, Copenaghen, Barcellona, Lisbona, Bruxelles, Vienna e Varsavia. I 25 progetti selezionati riflettono un fermo impegno per le soluzioni basate sulla natura, il riutilizzo delle infrastrutture esistenti e l'accessibilità universale.

Oltre al loro impatto sociale, la Giuria ha evidenziato il rigore formale, la sensibilità materiale e la qualità spaziale di tutti gli interventi, integrati coerentemente nel tessuto urbano esistente e creando nuovi modi di vedere e progettare lo spazio pubblico per offrire risposte sane alle sfide odierne dell’emergenza climatica, del ripristino ecologico e della coesione sociale.
 

Progetti di diversa scala e natura
I progetti selezionati rappresentano interventi su diverse scale e di varia natura che rispondono a una varietà di strategie di intervento, tra cui:
    

Trasformare edifici in nuove infrastrutture pubbliche che riattivano i centri urbani, come un ex magazzino militare di Mannheim (Germania) e il mercato storico di Porto (Portogallo)
    

Recuperare gli spazi abbandonati per promuovere la biodiversità, alla grande e alla piccola scala, come gli interventi a Copenaghen (Danimarca), Split (Croazia) e Berga (Spagna). Degni di menzione anche spazi di benessere, come il giardino terapeutico costruito a Kyiv (Ucraina), pensato per accompagnare il reinserimento e la salute mentale nei luoghi di conflitto
    

Trasformando le grandi infrastrutture di trasporto nelle città europee, come il vecchio cantiere ferroviario di Vienna (Austria) e Parigi (Francia), l'incrocio Glòries a Barcellona (Spagna), il parcheggio sulle vecchie banchine di Anversa (Belgio), il porto fluviale di Varsavia (Polonia), la trasformazione di un ex sito industriale a Køge (Danimarca) e l'aeroporto di Vicenza (Italia), convertito in parco ecologico. Questi interventi contrastano con altri su scala più piccola, come la conversione di un parcheggio nella piazza del paese di Piódão (Portogallo), e progetti effimeri come la conversione di una fontana e una rotonda in bagni pubblici a Methana (Grecia) e Logroño (Spagna), rispettivamente
    

I progetti che rispettano il patrimonio urbano, come la foresta urbana sul piazzale del Consiglio di Parigi (Francia) e le due piazze di Bruxelles (Belgio), e interventi più chirurgici come il progetto Inner Courtyard di Inca (Spagna) e l'accesso universale al Castello di Lisbona (Portogallo), contribuiscono a creare città più eque, inclusive. La selezione comprende anche progetti che rispettano il patrimonio naturale, come quelli per preservare il principale spazio pubblico verde di Basilea (Svizzera), rivitalizzare i corsi d’acqua stagionali dell’isola di Ios (Grecia), ripristinare il fiume Mark a Breda (Paesi Bassi), consolidare il corridoio verde del fiume Leça a Matosinhos (Portogallo) o trasformare le difese alluvionali di una grande spiaggia urbana a Brema (Germania).
CLICCA QUI PER SCOPRIRE I 25 PROGETTI SHORTLIST
 
Date Di tutti questi 25 progetti, la Giuria selezionerà i 5 finalisti, che saranno annunciati il 9 settembre.

Una sessione pubblica al CCCB è poi prevista per il 14 ottobre, quando ogni team selezionato presenterà il suo progetto alla giuria. Una volta fatte le presentazioni, la Giuria sceglierà il progetto vincitore, che sarà annunciato il giorno seguente, il 15 ottobre, durante la cerimonia di premiazione, che si svolgerà anche al CCCB.
 

LE NOTE DEGLI EDITORI

Il Premio europeo per lo spazio pubblico urbano è un'iniziativa del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), con una rete istituzionale a livello europeo per garantire il riconoscimento degli interventi nello spazio pubblico presentati in ogni edizione.x
Le istituzioni che compongono il Consiglio sono:
    Arc en Rêve, Bordeaux, Francia
    Architekturzentrum Wien – AzW, Vienna, Austria
    ArkDes, Stoccolma, Svezia
    La Cité de l’Architecture et du Patrimoine, Parigi, Francia
    KANAL Architettura, Bruxelles, Belgio
    Deutsches Architekturmuseum – DAM, Francoforte, Germania
    Eesti Arhitektuurimuuseum, Tallin, Estonia
    Kortárs Építészeti Központ – Kék, Budapest, Ungheria
    Muzej za Arhitekturo in Oblikovanje – MAO, Lubiana, Slovenia
    The Architecture Foundation – AF, Londra, Regno Unito

Maggiori informazioni su www.cccb.org/european-prize-for-urban-public-space

Il CCCB è un centro artistico multidisciplinare dedicato a esplorare i grandi temi della società contemporanea in diversi linguaggi e formati, con un ampio programma che comprende importanti mostre tematiche, cicli di talk e incontri letterari, proiezioni audiovisive e festival. Sin dai suoi inizi, il CCCB ha promosso la riflessione sulle città contemporanee, comprendendo che sono luoghi chiave per le trasformazioni e le sfide del mondo di oggi.


Maggiori informazioni su www.cccb.org 

Prossimamente Museo del Novecento

 Dal 6 ottobre 2026 il Museo del Novecento presenta quattro nuovi progetti espositivi dedicati a figure e linguaggi dell'arte italiana della seconda metà del Novecento.
 
Fulcro del programma è Tommaso Trini. La terra vista dalla luna, secondo appuntamento di Voci del Novecento, il ciclo dedicato a critici, curatori e storici dell’arte che hanno orientato la lettura dei linguaggi contemporanei. Dopo la mostra dedicata a Enrico Crispolti, il Museo del Novecento rende omaggio a Tommaso Trini (Sanremo, 1937), tra le voci più originali, radicali e indipendenti della critica italiana della seconda metà del XX secolo. Promossa dal Comune di Milano – Cultura e prodotta dal Museo del Novecento in collaborazione con l’Archivio Tommaso Trini, la mostra, a cura di Daniela Domina e Iolanda Ratti con Lodovica Cesaretti, ricostruisce la complessità di uno sguardo interdisciplinare capace di intercettare e interpretare le trasformazioni della cultura del suo tempo.
 
Accanto a Voci del Novecento, il programma autunnale presenta tre nuovi appuntamenti di FOCUS900, un progetto che esplora la collezione permanente del Museo attraverso una serie di approfondimenti dedicati ad alcuni protagonisti dell’arte italiana del secondo Novecento.
 
La sala monografica dedicata a Vincenzo Agnetti, realizzata in collaborazione con l’Archivio Vincenzo Agnetti e curata da Federica Boragina, indaga la centralità della poesia nella fase conclusiva della ricerca dell’artista.
 
Segue l’approfondimento dedicato a Enrico Castellani e alle celebri superfici a rilievo realizzato in collaborazione con la Fondazione Enrico Castellani. Attraverso una selezione di opere emblematiche, il percorso mette in luce la radicalità di una ricerca che ha trasformato il concetto stesso di pittura.
 
Ai focus monografici il Museo affianca un approfondimento dedicato ai lavori di Valerio Adami, Alik Cavaliere, Lucio Del Pezzo, Bobo Piccoli e Emilio Tadini, a testimonianza di una stagione cruciale della cultura visiva italiana e milanese tra gli anni Sessanta e Settanta. Un periodo segnato dalla crescita economica e dall’affermazione dei mass media, quando Milano diviene uno dei principali laboratori di sperimentazione artistica in Italia.
 
Con il programma espositivo dell’autunno 2026, il Museo del Novecento prosegue il proprio lavoro di ricerca, studio e valorizzazione delle collezioni grazie alla collaborazione con archivi e studi d’artista. 

Prossimamente "LEI. Ritratti di donne" a Parma

Giovanni Boldini, Ritratto della Marchesa Casati con penne di pavone, 1911-1913, olio su tela

 

Dopo il successo della retrospettiva “Giacomo Balla. Un universo di luce”, dal 2 ottobre 2026 va in scena a Parma, nelle sale del Palazzo del Governatore, il secondo capitolo del protocollo d’intesa tra il Comune di Parma e la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea con una nuova esposizione, LEI, concepita per la città emiliana con capolavori provenienti esclusivamente dalla collezione della galleria.
 
La mostra, dal titolo LEI. Ritratti di donne, da Van Gogh a Modigliani e oltre. Capolavori dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea presenta oltre 60 opere allestite in 13 sale – dipinti, sculture, disegni, fotografie e arazzi – che compongono una sorprendente rassegna di sguardi tra figure reali e ideali dell’universo femminile, lungo oltre due secoli di storia. Alcuni lavori sono di recente acquisizione, a partire da Nu Debout, il pastello del 1906 ca. di Pablo Picasso donato lo scorso anno dalla Cy Twombly Foundation.

La figura femminile ha saputo catturare l’interesse, il dibattito e l’ispirazione delle arti visive; è stata vero e proprio motore della creatività umana e tema privilegiato della ricerca artistica tra XIX e XX secolo. Attraverso il ritratto femminile si sono manifestate le tensioni estetiche, psicologiche, culturali e politiche che hanno accompagnato il passaggio alla modernità.

«La GNAMC propone a Parma una straordinaria selezione di ritratti femminili, con diversi capolavori, per celebrare l’ottantesimo anniversario del voto alle donne. Conferma, in questo modo, il concreto impegno nel progetto “Museo migrante”, ideato proprio per diffondere la conoscenza della propria collezione in Italia e all’estero. La mostra, inoltre, offre l’occasione per perfezionare e aggiornare gli studi sulla collezione, anche alla luce di alcune importanti nuove acquisizioni promosse recentemente in vista della mostra, secondo una visione dinamica del patrimonio culturale che mira ad arricchirlo costantemente.», afferma Renata Cristina Mazzantini, direttrice della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea.

«Credo che il compito delle amministrazioni pubbliche e delle grandi istituzioni culturali non si esaurisca nella conservazione del patrimonio. La sua funzione è anche quella di creare occasioni di conoscenza, confronto e riflessione, affinché le opere continuino a dialogare con il presente e ad arricchire la vita della comunità. È questo il senso della collaborazione tra il Comune di Parma e la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea: permettere a una grande collezione pubblica nazionale di incontrare la città e, allo stesso tempo, rafforzare Parma come luogo di progettazione culturale, capace di promuovere iniziative di rilievo nazionale attraverso la sinergia tra istituzioni. È attraverso queste collaborazioni che una città cresce, amplia i propri orizzonti e rende la cultura una componente centrale della vita pubblica. La collaborazione con la GNAMC va esattamente in questa direzione e rappresenta un investimento sul presente e sul futuro culturale di Parma», dichiara Lorenzo Lavagetto, Vicesindaco e Assessore alla Cultura del Comune di Parma. 
 
Prodotta dal Comune di Parma e dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, con la collaborazione di Solares Fondazione delle Arti, grazie al sostegno di Fondazione Cariparma e di Regione Emilia-Romagna, l’esposizione è curata da Renata Cristina Mazzantini e Cesare Biasini Selvaggi, ed è visitabile al primo piano del Palazzo del Governatore dal 2 ottobre 2026 fino all’8 marzo 2027.

 
Il progetto espositivo

Le donne rappresentate appartengono a mondi differenti, hanno età, condizioni, caratteri e destini eterogenei, eppure condividono la capacità di raccontare un’esperienza umana che supera il tempo in cui furono ritratte. Dalla Signora Ginoux (L’Arlesiana di Vincent van Gogh), moglie del proprietario del Café de la Gare di Arles, alla marchesa Luisa Casati, diva eccentrica e collezionista immortalata da Giovanni Boldini; dalla facoltosa aristocratica polacca Hanka Zborowska (la Signora dal collaretto di Amedeo Modigliani) a Carminella, figlia del popolo la cui storia il tempo ha lasciato nella penombra, ma non il pennello di Antonio Mancini; da Palma Bucarelli (la donna che rivoluzionò l’arte contemporanea italiana alla guida della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma) dipinta da Savinio, all’attrice Elsa Martinelli nell’interpretazione di Giosetta Fioroni. Un immaginario al femminile rivelatore e generatore di una moltiplicazione dell’Io di donne attraverso altre donne. I soggetti esposti agiscono, in taluni casi, sia da rappresentazione di una realtà sia sotto forma di variazioni possibili dell’identità femminile. Da qui nascono ritratti di donne con potenti personalità, esaltate nella loro energia grazie alla cattura “magistrale” di uno sguardo rivelatore, di un gesto segreto o di un respiro appena trattenuto.
 
 
Un prestito eccezionale di opere

La mostra (che si avvale di un comitato scientifico composto – oltre dai curatori – da Stefano Marson, Alberto Salvadori e Simona Tosini Pizzetti) comprende un prestito eccezionale di capolavori alla città di Parma, molti dei quali raramente concessi, provenienti dalle collezioni della GNAMC di Roma, la più ampia sul territorio nazionale di arte italiana e internazionale del XIX e XX secolo. Dai raffinati disegni di Gustav Klimt (tra cui uno studio per Le tre età della donna) in cui la linea sigilla l’erotismo e l’eleganza della donna della Secessione viennese, alla Figura (Femme de Venise VI) di Alberto Giacometti, un totem ancestrale, una madre-matrice scarnificata, fino alle Femmes di Man Ray, dove il corpo femminile smette di essere oggetto di contemplazione per farsi rebus, ombra perturbante, enigma che rifiuta di essere catalogato dallo sguardo maschile. Mentre la cera della Bambina che ride di Medardo Rosso cattura il guizzo dell’infanzia della piccola protagonista prima che venga normata dalle ristrettive convenzioni sociali del decoro borghese di fine Ottocento, la Donna in bianco invece viene dipinta da Kees van Dongen agli albori del XX secolo con occhi enormi, inquisitori, che non subiscono la posa e iniziano a guardare dritto il pubblico, costringendolo a fare i conti con la fiera indipendenza di un secolo in cui le donne non hanno più voglia di chiedere il permesso.

Legata a doppio filo all’emancipazione sociale e politica delle donne, la nascita di una nuova identità femminile guida anche la pratica delle artiste in mostra. Con i rispettivi e differenti linguaggi – dalla densità plastica della scultura di Antonietta Raphaël all’obiettivo fotografico di Dora Maar e Francesca Woodman, fino alle performance dalle complesse coreografie di Vanessa Beecroft e Marinella Senatore –, queste autrici hanno scardinato vecchi paradigmi e aperto una riflessione profonda sui concetti di personalità, libertà, autodeterminazione e riappropriazione del corpo.
 

L’arte italiana tra le due Guerre

Una sezione del percorso espositivo è dedicata alla ricerca in Italia tra le due guerre mondiali. In questa complessa fase di transizione, l’universo delle donne si impone sulla scena sempre più autonomo, volitivo, protagonista. La mostra ricompone questo straordinario mosaico culturale attraverso i ritratti femminili dei maggiori protagonisti del periodo (tra cui i pittori Giorgio de Chirico, Gino Severini, Carlo Carrà, Cagnaccio di San Pietro, Antonio Donghi, Achille Funi, Mario Sironi, Enrico Prampolini, Renato Guttuso, e scultori come Arturo Martini, Adolfo Wildt, Arturo Dazzi, Giacomo Manzù, Pericle Fazzini) facendo risaltare la varietà delle esperienze tra Metafisica, “Valori Plastici”, il Novecento italiano, la poetica del Realismo magico, insieme alle grandi mitologie dei primi decenni del XX secolo. L’attività di questi artisti si rivela d’avanguardia anche nel respingere, negli anni Trenta e Quaranta, i rigidi stereotipi domestici e materni che la propaganda del regime fascista tenterà di imporre, scegliendo piuttosto di raccontare l’intimità delle donne, solcata da silenziosa e tenace resistenza nonché da inquietudini esistenziali.

Le bandiere del NMNM

 

Avviato nel 2021, il programma 8 Flags invita gli artisti a occupare gli otto pennoni situati sul tetto di Villa Paloma. Shimabuku, Pierre Bismuth, Nick Mauss, George Condo, Laure Prouvost, Pier Paolo Calzolari, Miquel Barceló, Francisco Tropa, Chloé Royer e Flore Saunois hanno tutti partecipato al progetto.

Nell'ambito della mostra "Victor Brauner, L'avventura magica", il NMNM ha proposto a Karina Bisch e Nicolas Chardon (CONNOISSEURS) di formare una famiglia e riunire a turno otto artisti per reinterpretare il celebre Jeu de Marseille , una variante del tradizionale gioco di carte da 54 carte ideata dai surrealisti che si rifugiarono a Villa Air-Bel a Marsiglia nel marzo del 1941.

Dopo André Breton e gli otto pittori allora in esilio (Victor Brauner, Frédéric Delanglade, Óscar Domínguez, Max Ernst, Jacques Hérold, Wifredo Lam, Jacqueline Lamba e André Masson) arrivarono Karina Bisch e Nicolas Chardon, Corentin Canesson, Fabien Gharbi, Niels Hung, Nicolas Jasmin, Anne Neukamp, ​​Camila Oliveira Fairclough, Lili Reynaud Dewar e Anne Laure Sacriste. In un modo che ricordava un gioco collaborativo del cadavere squisito, le rappresentazioni visive delle opere di questi artisti portarono alla creazione di nuove figure e al disegno dei dorsi di queste carte, che furono trasformate in bandiere.

“Artisti, editori, collezionisti, curatori e organizzatori di mostre: è attraverso il prisma di queste attività intrecciate che abbiamo plasmato le otto bandiere di Villa Paloma, i venti monegaschi che rimescolano instancabilmente le carte di un gioco aperto, celebrando la passione tanto quanto la ragione, il quadrato e la rosa.

Tra queste due figure, simboli e motivi al contempo, ora fluttuano le teste di una nuova araldica. Riusciremo a leggere in questo gigantesco e malleabile tarocco l'immagine del dipinto a venire?

Dal corpo rosso danzante di Lili al faro rivelatore ma enigmatico di Fabien, tutta la profondità dei nostri sguardi, dei nostri scambi, delle nostre relazioni è in mostra. Nicolas diventa uno stratega, mentre Anne e Camila cantano dell'economia del segno. Anne Laure elogia il doppio, e Corentin quello della caduta. Che spettacolo bello e divertente, verrà ricordato? Non dimenticare, dipinge Niels, a memoria!

Villa Albani Torlonia si rinnova

Installation view (work in progress), Marmora romana. Copyright Fondazione Torlonia. Foto Agostino Osio. 

Busto maschile a sinistra: MT 367 Testa moderna di Marco Aurelio giovane su busto loricato;

 Busto femminile a destra: MT 129 Testa ritratto femminile  

Prosegue il rinnovamento di Villa Torlonia e dopo l’inaugurazione dell’Antiquarium nel 2024, in occasione del decimo anniversario della Fondazione, il 18 settembre 2026 aprirà al pubblico il nuovo spazio dell’Antiquarium con Marmora Romana, mostra a cura di Carlo Gasparri dedicata ai marmi policromi, all'omonima opera e alla memoria di Raniero Gnoli (1933–2025), raffinato studioso e appassionato collezionista di marmi antichi.
 
L'ampliamento dell'Antiquarium nelle Scuderie di Villa Albani Torlonia rafforza l'impegno della Fondazione, promotrice di una sistematica opera di studio e conservazione dell’antico nel condividere con il pubblico i risultati dell'attività condotta nei Laboratori Torlonia con il supporto di Fondazione Bvlgari, al contempo offrendo maggiore rilievo al lavoro di studio reso possibile dal sostegno di Chiomenti.
 
A inaugurare questa nuova fase dell'Antiquarium, aperto gratuitamente al pubblico dal martedì alla domenica, dalle 9.00 alle 13.00, è una mostra che arricchisce il percorso permanente con 20 ulteriori sculture della Collezione Torlonia, di cui 15 recentemente restaurate. Con 44 opere complessivamente esposte, tra sculture e le colonne originali del Museo Torlonia, l’Antiquarium si conferma come luogo di conoscenza vivo e accessibile, in dialogo con la città di Roma e il pubblico.

Attraverso busti, elementi architettonici, capitelli, piedi di tavolo e sculture, la mostra racconta l’eccezionale varietà e raffinatezza dei materiali lapidei impiegati negli interni romani, dall'età antica fino ai successivi interventi di restauro.
 
Con l’inaugurazione del nuovo spazio espositivo e la mostra Marmora Romana, la Fondazione Torlonia conferma il proprio impegno nello studio dell’antico attraverso la valorizzazione della più importante collezione privata di scultura romana al mondo, restituendo al pubblico capolavori recentemente restaurati e nuovi spazi pensati per accoglierle e raccontarle.
 
 

 

Prossimamente Serpentine

 

La stagione autunnale della Serpentine di Londra proporrà due interessanti mostre una su Amar Kanwar e l'altra su Justin Caguiat.

 
MOSTRA | AMAR KANWAR
 
Serpentine presenterà un'importante mostra personale di opere nuove ed esistenti di Amar Kanwar che trasformerà l'edificio Serpentine North in un ambiente visivo e sonoro meditativo.
 
La mostra segnerà la prima di una nuova installazione cinematografica a sette schermi intitolata  The Charcoal Man.
 
A Serpentine North
23 settembre 2026 – 31 gennaio 2027
Incontro con la stampa: martedì 22 settembre 2026, ore 9:00-12:00
Si prega di confermare la propria partecipazione scrivendo a:  press@serpentinegalleries.org
 
Serpentine è lieta di annunciare un'importante mostra personale dell'artista e regista Amar Kanwar (nato nel 1964 a Nuova Delhi, India), uno degli artisti più importanti che operano oggi nel campo delle immagini in movimento. Allestita presso la Serpentine North, la mostra sarà visitabile dal 23 settembre 2026 al 31 gennaio 2027.
 
Per oltre due decenni, Kanwar ha sviluppato un corpus di film lirici distintivi che si muovono tra documentario, diario di viaggio e saggio visivo per esplorare le condizioni specifiche del subcontinente indiano. Produttore e regista di numerosi film e installazioni video, le opere poetiche e contemplative di Kanwar sono spesso segnate dalla storia del suo paese, ripercorrendo le eredità della decolonizzazione e della spartizione dell'India e del Pakistan. Pur essendo intriso di specificità regionale e storie profondamente personali, il lavoro di Kanwar affronta alcune delle questioni più urgenti del nostro tempo. Confrontandosi con il passato come mezzo per comprendere meglio il presente, Kanwar testimonia sconvolgimenti sociali, spostamenti, potere, violenza, giustizia e memoria, rivelando in definitiva ciò che ci unisce – piuttosto che ciò che ci differenzia – a prescindere dalla geografia o dal contesto.
 
Nelle gallerie oscurate, i visitatori potranno ammirare una trilogia di film avvincenti di Kanwar: il lungometraggio  Such a Morning  (2017), l'installazione multischermo  The Peacock's Graveyard  (2023) e una nuova installazione multischermo intitolata  The Charcoal Man  (2026), che sarà presentata in anteprima alla Serpentine Gallery.

 
MOSTRA | JUSTIN CAGUIAT
 
Serpentine è lieta di annunciare la prima mostra istituzionale nel Regno Unito dedicata alle opere nuove e recenti di Justin Caguiat, che sarà visitabile presso Serpentine South dall'8 ottobre 2026 al gennaio 2027.
 
Nato nel 1989 a Tokyo, Caguiat vive e lavora tra la California e New York. È noto soprattutto per i suoi dipinti di grandi dimensioni su tela non intelaiata o lino, che spesso si estendono su intere pareti. Parallelamente alla sua attività in studio, si è dedicato alla gestione di spazi e collettivi artistici.
 
Caguiat è attratto dall'architettura e dalla risonanza spirituale degli spazi sacri, così come dalle infrastrutture urbane di tutti i giorni. La sua recente mostra Zodiac Machine ha presentato le sue opere nella chiesa di Santa Ana y la Esperanza a Madrid, nonché nel vicino mercato alimentare di Moratalaz e negli spazi pubblici circostanti. L'installazione è stata influenzata dall'architetto spagnolo Justo Gallego Martíz, in particolare dalla sua Catedral de Justo, che ha progettato e costruito da solo utilizzando esclusivamente materiali riciclati e di recupero. La mostra alla Serpentine Gallery amplierà e svilupperà questo recente progetto, riunendo pittura, scultura, grafica, suono e film. In risposta all'architettura e alle infrastrutture della galleria, accanto a tele, sculture e stampe, Caguiat creerà una nuova installazione site-specific di dipinti termocromici. Installate in modo da richiamare la forma di una grande vetrata, le opere cambiano costantemente colore e rivelano forme diverse reagendo a fattori ambientali come temperatura e luce. Le opere di Caguiat sono spesso di dimensioni monumentali, evocando murales o ampi paesaggi.
 
Sebbene resistano a narrazioni predefinite, le loro opere trasmettono un'atmosfera devozionale che ricorda gli affreschi. Il linguaggio visivo distintivo di Caguiat attinge a una vasta gamma di riferimenti, dalla psichedelia degli anni '60 alla letteratura di fantascienza, fino alla tradizione barocco-folk dei primi santi cattolici filippini, ai Nabis, all'Ukiyo-e, all'arte grafica e all'eredità dei manga. Mentre frammenti, figure, luoghi e impressioni si fondono e svaniscono continuamente, la stratificazione del colore inizia a riecheggiare il modo in cui la memoria si forma e si trasforma nel tempo.
 
Tra le sue recenti mostre personali si annoverano quelle presso la Ezra and Cecile Zilkha Gallery, Wesleyan University, Middletown (2024); Modern Art (2023, 2020); Greene Naftali, New York (2022); The Warehouse, Dallas (2022); Taka Ishii Gallery, Tokyo (2021); e 15 Orient, New York (2018). Le sue opere sono presenti nelle collezioni del Dallas Museum of Art; dell'Hammer Museum, Los Angeles; del Museum of Contemporary Art, Los Angeles; dell'Hessel Museum of Art, Annandale-On-Hudson, New York; del San Francisco Museum of Modern Art; e del Museum of Contemporary Art, Chicago, tra gli altri.

Meteo Rothko

 

Il meteo secondo i dipinti di Mark Rothko è la proposta dell'ironico sito Current Rothko, ideato dal designer Joonas Virtanen.

Con l'idea di dare al fruitore un'idea fisica del clima, il designer ha intersecato i quadri dell'artista con le previsioni meteo, creando un dialogo fra la bellezza del clima e la bellezza del gesto pittorico. 

MAO - Paesaggi da sogno

  Rakuchu Rakugai zu (Scene della Capitale e dintorni), Giappone, 1626 ca.; paravento a sei ante; Inchiostro, tempera e foglia d'oro su sette strati di carta. Bordo di seta damascata e montatura in legno laccato.

Il ricco ed affascinante patrimonio esposto al MAO Museo d’Arte Orientale di Torino viene arricchito fino al 29 Novembre della mostra "Paesaggi da sogno / Dreamscapes", dedicata alla celebre serie Le 53 stazioni della Tōkaidō di Utagawa Hiroshige, uno dei capolavori assoluti dell’arte giapponese dell’Ottocento, di proprietà di UniCredit.

 
Il percorso espositivo riunisce una selezione di 36 stampe con l’intento di restituire al pubblico la dimensione immersiva e “cinematografica” di quel mondo fluttuante, ampliando lo sguardo anche ad alcuni oggetti e alle forme della cultura materiale che hanno accompagnato e reso possibile l’esperienza del viaggio nel Giappone tra XVIII e XIX secolo.
 
Il progetto – seconda parte di un percorso già avviato al MAO nel 2025 – è curato da Laura Vigo, Conservatrice per l'arte e l'archeologia asiatica presso il Museo di Belle Arti di Montréal (MMFA), con Claudia Ramasso, conservatore del MAO, e si avvale di un’importante collaborazione con i Musei Reali di Torino.
 
Nelle sale del MAO, le celebri vedute della Tōkaidō dialogano con una sella (kura) in legno laccato con decorazioni in oro e l’album fotografico Views of Japan di Felice Beato, due opere di grande valore provenienti dalle collezioni dei Musei Reali di Torino. Entrambe offrono una testimonianza tangibile della cultura del viaggio lungo le grandi arterie del Giappone in epoca Edo e dell’immaginario evocato dalle stampe.
 
Grazie alla collaborazione con il Museo di Belle Arti di Montréal (MMFA), l’esposizione adotta un approccio ecologicamente sostenibile alla progettazione, in linea con l’orientamento sviluppato dal MAO negli ultimi anni, volto a valorizzare il pensiero curatoriale e il contributo scientifico per un uso consapevole delle risorse museali. La serie conservata al MAO è infatti identica a quella presente nelle collezioni del MMFA: questo consente di realizzare una mostra in cui non sono le opere a viaggiare, ma la prospettiva curatoriale e l’apparato di mediazione museale che la accompagnano. Il progetto si avvale dei contenuti didattici sviluppati dal museo canadese in occasione della presentazione della serie nel 2024, proposta con la medesima chiave interpretativa basata sulla vita sociale ed economica di questi oggetti culturali effimeri al tempo in cui furono prodotti. Attraverso le tecniche di comunicazione verbale ispirate alla Visual Thinking Strategy, la narrazione riesce a rendere più accessibili – e pertinenti – contenuti scritti complessi al più grande numero di lettori.

Realizzata per la prima volta nel 1833 e pubblicata dalla casa editrice Hōeidō di Takenouchi Magohachi, la serie riscosse un successo immediato, rivoluzionando il panorama degli ukiyo-e, le celebri xilografie a blocchi di legno. Stampata in oltre 15.000 copie, la Tōkaidō divenne un vero e proprio bestseller dell’epoca Edo, accessibile a tutti: le singole stampe costavano quanto una ciotola di ramen, venivano comprate e presto dimenticate.
 
Queste immagini furono rivoluzionarie. Non nacquero come opere da museo, ma piuttosto come prodotti editoriali di largo consumo, e fu solo successivamente, durante la seconda metà del XIX secolo, che in Occidente vennero riscoperte e consacrate come opere d’arte.
In questo contesto la direzione artistica di Takenouchi Magohachi fu cruciale: non solo nella stampa e distribuzione, ma anche nel concept narrativo e visivo dell’intera serie, costruita come una sorta di storyboard ante litteram, pensato per catturare l’attenzione di un pubblico ampio, assetato di immaginazione e novità.
 
Ma cosa rende questa serie così speciale rispetto a tutte le altre? Hiroshige, artista proveniente da una famiglia samurai, ebbe l’intuizione di trasformare un tema allora già molto conosciuto – il tragitto lungo la Tōkaidō, 490 km di strada che collegavano Edo (l’odierna Tokyo) a Kyoto – in un racconto visivo capace di mescolare realtà e immaginazione. Con un linguaggio visivo accessibile e modernissimo, ispirato all’arte tradizionale giapponese, ma con profonde suggestioni occidentali (come la prospettiva centrale, l’ombreggiatura, il formato orizzontale e l’uso del blu sintetico), Hiroshige e la sua squadra non si limitarono a rappresentare il paesaggio: lo reinventarono. Ogni stampa diventa così una scena onirica, atmosferica, capace di evocare sogni di viaggio e avventura.
 
La Tōkaidō era una delle cinque grandi arterie del Giappone Tokugawa, istituita nel 1601 e percorsa da daimyo, pellegrini e, col tempo, da mercanti e viaggiatori comuni. Ogni stazione di posta offriva alloggi, cibo, servizi di tutti i generi e prodotti tipici. Hiroshige ed il suo team seppe restituire tutto questo, trasmettendo il senso del movimento, la vivacità e la varietà degli incontri e il fascino di un paese in movimento e in trasformazione. Le sue stampe trasformarono l’ordinario in straordinario, aprendo al pubblico giapponese – e in seguito anche a quello occidentale – un mondo sospeso tra realtà e sogno.

 Contestualmente all’apertura della mostra, nella galleria Giappone 1 verranno esposti al pubblico anche due coppie di paraventi, una della serie Rakuchū rakugai zu (“Vedute della capitale e dei suoi dintorni”), di proprietà della Fondazione Compagnia di San Paolo, e un’altra che rievoca episodi cruciali della Guerra Genpei del XII secolo (“Le battaglie di Ichinotani e Yashima”), appartenente alla collezione del MAO.
 
I paraventi, recentemente restaurati, sono raffigurazioni enciclopediche: da un lato le vedute della capitale, in cui luoghi panoramici e monumenti legati alle festività stagionali di Kyoto sono magnificamente immortalati — tra nuvole dorate fluttuanti — dagli artisti della scuola Kanō; dall’altro le rappresentazioni della Guerra Genpei, in cui la pittura epica celebra episodi del XII secolo, rielaborati in età Tokugawa come rievocazione del passato guerriero e della continuità del potere dei samurai.
La prima coppia di paraventi commemora il corteo dell’imperatore Go-Mizunoo per il festival di Gion del 6 settembre 1626, mostrando la parte orientale della città e il festival estivo che domina la vita delle strade da un lato e il castello di Fushimi e la metà occidentale della capitale dall’altro. Come i paesaggi da sogno di Hiroshige, tra le nuvole si intravedono vedute aeree di altre attività urbane, sia commerciali che di svago. Tuttavia, a differenza delle democratiche stampe delle 53 stazioni del Tōkaidō, queste erano cartografie di lusso che, seppure leggibili da chiunque all'epoca, sarebbero state accessibili esclusivamente a una ristretta élite.
La seconda coppia rievoca invece alcuni momenti salienti della Guerra Genpei tra i clan Minamoto e Taira nel XII secolo. Bandiere araldiche, samurai a cavallo armati di archi, imbarcazioni all’arrembaggio e alabarde che emergono tra nubi dorate animano una scena intensa e drammatica, dove l’esito è già noto: un evento epico, espressione di continuità politica e di casta.
Pur essendo state prodotte in epoca coeva, i paraventi e la serie di stampe esposti rappresentano due punti di vista antitetici: da un lato l’esaltazione del potere, apprezzata dalla ristretta cerchia di nobili e samurai, dall’altro un inno discreto alla vita quotidiana e al movimento, amata e consumata da ampie fasce della popolazione.
Accesso incluso nel biglietto delle collezioni permanenti.

Lotto e Savoldo alla Galleria Sabauda

"La luce del vero prima di Caravaggio: Lotto e Savoldo"; Musei Reali di Torino, 2026; installation view; ph. Giuliano Berti per Musei Reali di Torino

Gli Spazio Scoperte al secondo piano della Galleria Sabauda, fino al 15 settembre 2026, accolgono la mostra "La luce del vero prima di Caravaggio: Lotto e Savoldo" che propone un approfondito confronto tra due protagonisti del primo Cinquecento veneto e lombardo: Lorenzo Lotto (Venezia, 1480 – Loreto, 1556/1557) e Giovanni Girolamo Savoldo (Brescia?, 1480/1485 circa – Venezia, post 1548).

 

Attraverso il dialogo tra la Sacra Famiglia con santa Caterina d’Alessandria di Lorenzo Lotto, in prestito dall’Accademia Carrara di Bergamo, l’Adorazione dei pastori (1522-1523) e l’Adorazione del Bambino tra san Girolamo e san Francesco d’Assisi (1525-1530) di Savoldo, appartenenti alle collezioni della Galleria Sabauda, l’esposizione indaga le radici di quella “luce del vero” che anticipa la rivoluzione caravaggesca.

 

Uniti da una comune sensibilità verso la cultura figurativa nordica, evidente nell’attenzione alla luce, al dato naturale e alla resa psicologica dei personaggi, Lotto e Savoldo sviluppano una pittura capace di coniugare intensa partecipazione emotiva e rigorosa osservazione del reale. Nei loro dipinti, il chiaroscuro assume una forte valenza espressiva, mentre la natura si anima di vibrazioni atmosferiche e interiori.

 

Questa linea interpretativa venne evidenziata da Roberto Longhi, tra i maggiori studiosi di Caravaggio, che nella celebre monografia del 1952 individuò in Lotto e Savoldo alcuni dei più significativi precursori del maestro lombardo, riconoscendo nelle loro opere “una umanità più accostante” e un “colorito più vero ed attento”, capaci di rivelare una nuova comprensione della natura umana e della realtà.

 

"La luce del vero prima di Caravaggio: Lotto e Savoldo"; Musei Reali di Torino, 2026; installation view; ph. Giuliano Berti per Musei Reali di Torino

Realizzata nelle Marche e firmata e datata 1533, la Sacra Famiglia con santa Caterina d’Alessandria di Lorenzo Lotto entrò nel 1866 nelle collezioni dell’Accademia Carrara, museo che raccoglie uno dei corpus più importanti al mondo di opere di Lorenzo Lotto. L’opera si costruisce attorno al gesto di san Giuseppe che, sollevando il velo, mostra il Bambino addormentato a santa Caterina. La pietra su cui Cristo riposa richiama simbolicamente il sarcofago e prefigura la Passione, mentre Maria, immersa nella lettura, appare turbata dalle profezie sul destino del figlio. Colori intensi, raffinati contrasti chiaroscurali e una straordinaria tensione narrativa contribuiscono a creare una scena sospesa tra quotidianità e dimensione simbolica, anticipando soluzioni che troveranno pieno sviluppo nella pittura giovanile di Caravaggio.

 

Savoldo, attivo tra Lombardia e Veneto, elabora invece una pittura più raccolta e meditativa, nella quale la luce diventa strumento privilegiato per rivelare superfici, materiali e presenze umane. Nell’Adorazione dei pastori, entrata nelle collezioni sabaude nel 1824 con l’acquisizione di Palazzo Durazzo di Genova (ora Palazzo Reale) e delle sue raccolte, emergono la ricchezza cromatica e i bagliori dorati della tradizione veneziana, accanto a una costruzione luministica più concreta e analitica, legata alla cultura lombarda.

L’Adorazione del Bambino tra san Girolamo e san Francesco d’Assisi si distingue invece per il forte naturalismo delle figure e per il coinvolgimento diretto dello spettatore: il gesto di san Girolamo che alza il velo e mostra il Bambino invita a una partecipazione consapevole al mistero della Rivelazione, prefigurando al tempo stesso il destino della Passione di Cristo. Attraverso un linguaggio costruito su sottili passaggi di luce e ombra, Savoldo interpreta le esigenze di una spiritualità sempre più intima, concreta e partecipata.

 

La riscoperta di questi due artisti è avvenuta grazie al lavoro decennale di Giovan Battista Cavalcaselle (Legnago (VR), 1819 – Roma, 1897), pioniere della disciplina della storia dell’arte, al quale è dedicata la seconda sala della mostra. Qui sono riprodotti – per gentile concessione della Biblioteca Marciana di Venezia, dove sono confluite tutte le sue carte – i disegni di studio relativi alle tre opere esposte. Cavalcaselle, in un momento in cui la fotografia non è ancora diventata uno strumento chiave per lo sviluppo della storia dell’arte, usa la propria abilità di disegnatore per fissare, ora con tratto sommario, ora con dovizia di dettagli, la memoria delle opere d’arte viste in collezioni pubbliche e private.

 

La mostra dossier si completa con un filmato, una breve “lezione immaginata” di Roberto Longhi, che del Cavalcaselle fu in qualche modo continuatore, nella quale si leggono le tre opere esposte alla luce dei suoi fondamentali studi sui precedenti caravaggeschi.

Si ringrazia la Fondazione Roberto Longhi per la condivisione del progetto della “lezione immaginata”.

 

Grazie alla collaborazione con l’Accademia Carrara di Bergamo proponiamo al pubblico dei Musei Reali di Torino di (ri-) scoprire due pittori, ingiustamente meno noti di quanto meritino, per sapienza artistica e un uso della luce naturale particolarissimo e fondante per Caravaggio, come ha ben indagato Roberto Longhi, piemontese di nascita e di prima formazione universitaria. 

Ancora una volta – ha dichiarato Paola D’Agostino, Direttrice Generale dei Musei Reali di Torino – proponiamo al nostro pubblico una mostra dossier che invita a guardare lentamente (slow-looking), a fermarsi per scoprire dettagli, a cambiare il passo di visite ai musei fatte sempre più in velocità. Ringrazio Annamaria Bava e Alessandro Uccelli, che hanno curato la mostra con un taglio inedito, molto riuscito, nell’evocare anche il modo di studiare l’arte di due grandi conoscitori del passato. Ringrazio anche tutto il personale dei Musei Reali di Torino, che ogni giorno lavora con dedizione e professionalità.

Esprimo la mia gratitudine, infine, anche ai colleghi a guida di altre istituzioni museali e agli studiosi che terranno alcune conferenze per il nostro pubblico, all’interno del nostro public program.

"La luce del vero prima di Caravaggio: Lotto e Savoldo"; Musei Reali di Torino, 2026; installation view; ph. Giuliano Berti per Musei Reali di Torino

 

Il prestito della Sacra Famiglia con santa Caterina d’Alessandria ai Musei Reali di Torino – ha dichiarato Maria Luisa Pacelli, Direttrice dell’Accademia Carrara di Bergamo – rappresenta per l’Accademia Carrara un’occasione particolarmente significativa per condividere con un nuovo pubblico uno dei dipinti più poetici della maturità di Lorenzo Lotto. Datata 1533, l’opera rivela la capacità dell’artista di intrecciare intensità emotiva, luce e profondità spirituale in una visione del sacro profondamente umana e moderna. Allo stesso tempo, il confronto con un diverso contesto museale offre la possibilità di far emergere nuove risonanze e prospettive di lettura, valorizzando la forza narrativa e la sottile tensione psicologica della sua pittura. In questo senso, il dialogo con i dipinti di Savoldo mette in luce la ricchezza della cultura figurativa lombardo-veneta del primo Cinquecento, accomunata da una sensibilità nuova verso il dato naturale, la dimensione interiore e la resa atmosferica della luce. Questo progetto testimonia infine la collaborazione particolarmente feconda tra Accademia Carrara e Musei Reali di Torino, fondata sulla condivisione di ricerca, visioni e patrimonio.