La galleria Tanya Bonakdar ospita la sesta mostra personale di Mark Manders, presentando nuove opere che spaziano da monumentali busti in bronzo a paesaggi scultorei astratti, fino a dipinti e opere su carta. Oniriche e frammentate, queste nuove opere popolano la galleria come una serie di pensieri a cui l'artista ha dato forma per poi congelarli nel tempo. Viste nel loro insieme, le opere formano una sorta di scenografia della mente che il visitatore può attraversare e abitare.
Nel corso della sua trentennale carriera, Manders ha incentrato la sua pratica sulla creazione di mondi fittizi poetici e paradossali. Nelle installazioni di Manders, passato, presente e futuro coesistono simultaneamente, la gravità viene al contempo enfatizzata e sfidata, i confini tra pittura e scultura sono permeabili e il linguaggio è contemporaneamente onnipotente e insufficiente. Nelle sue opere, esperienze universali eppure indescrivibili come la malinconia assumono una forma potente. Più che come testimonianza della propria vita, dei propri pensieri e della propria esistenza, Manders considera le scene, gli ambienti e le singole opere che crea come strumenti per esplorare il concetto stesso di soggettività.
In linea con il suo interesse per un oggetto che possa rappresentare o esplorare la soggettività, il busto è una forma archetipica per l'artista, e nello spazio espositivo al piano terra Manders presenta " Testa di argilla bianco osso con nuvola verticale" , una testa di grandi dimensioni che sembra essere realizzata in argilla bianca screpolata. La superficie asciutta, bianca e fessurata ha un colore e una consistenza indefinibili, dall'aspetto antico e ultraterreno. In passato, Manders ha realizzato opere che richiamano la materialità distintiva e tattile dell'argilla e le sue fasi di transizione. Alcune forme, dipinte in modo da apparire come argilla bagnata, sono state persino ricoperte con teli di plastica per accentuare l'illusione di una fragile vulnerabilità e dare la sensazione che il loro creatore se ne sia andato da poco. Opere successive appaiono asciutte e screpolate, persino circondate da polvere finta, per presentare l'illusione dell'asciuttezza; ancora fragili, ma in definitiva realistiche. Questa nuova fase del materiale suggerisce un ideale irraggiungibile, un archetipo di forma, una superficie di argilla estratta da un sogno dell'artista, esistente in una versione alternativa della realtà, o proveniente da un'altra epoca.
Il monumento, una gigantesca testa femminile in bronzo dipinto, si erge vicino alla Testa di argilla bianco osso con nuvola verticale , la cui texture è dello stesso bianco screpolato. Un rigonfiamento è attaccato alla gola della figura, che siede in un silenzio immobile. Manders realizzò quest'opera come monumento alla madre, che perse un bambino poco dopo la nascita, e a tutti coloro che hanno vissuto un dolore che è stato costretto a rimanere in silenzio. Il rigonfiamento si trova sulla gola della figura, come parole trattenute prima di essere espresse, ma legate alla donna, incapaci di liberarsi, eppure rese visibili.
Il bianco avorio di queste monumentali sculture ricorre in tutta la mostra, fungendo da filo conduttore sia formale che concettuale. Paradossalmente, il bianco racchiude in sé tutti i colori dello spettro ed è al contempo percepito come vuoto. Manders utilizza questo colore in una serie di dipinti e opere murali incorniciate da giornali realizzati da lui stesso. Intitolata " All Existing Words" (Tutte le parole esistenti) , la serie di giornali contiene tutte le parole inglesi esistenti, usate una sola volta e disposte in ordine casuale. Lavorando con l'intero linguaggio e con tutti i colori, Manders presenta una serie di dipinti essenziali e suggestivi con cornici tridimensionali realizzate in giornale, quasi come finestre. L'idea che un dipinto possa essere una finestra è un concetto fondamentale della storia dell'arte, qui ripreso con l'aggiunta del giornale dell'artista come davanzale o cornice, oppure ricoperto sulla superficie. I giornali stessi sembrano esistere al di fuori del tempo, quasi reliquie nella nostra era digitale. La loro inclusione segna un ulteriore modo in cui Manders colloca la sua opera in una cronologia ambigua.
La pittura e i giornali ricorrono nei paesaggi dell'artista, dove introduce anche il colore blu. In "Field Fragment" , minuscole tessere di blu in diverse tonalità rappresentano il cielo in momenti differenti. Fissate a una piccola asta di metallo che fluttua come una linea dell'orizzonte su un letto di sabbia, la quantità di pittura utilizzata su ciascun lato è attentamente bilanciata in modo che la linea blu rimanga in equilibrio. Richiamando il Cubismo nell'uso di molteplici prospettive simultanee e lo sforzo della pittura paesaggistica olandese di catturare le molteplici sfumature del cielo, la scena di Manders è una fusione tranquilla e malinconica di momenti diversi. La gravità è parte essenziale della composizione di " Field Fragment" ed è percepibile anche in un'opera senza titolo installata nelle vicinanze, in cui un blocco di giornale dell'artista con tutte le parole esistenti sembra cadere dal cielo, colto in un istante prima di toccare terra.
Una serie di busti in bronzo di dimensioni ridotte, dipinti in modo da sembrare argilla, popolano la galleria, ognuno silenzioso e immobile. Molte di queste opere sono frammentarie: manca un braccio o un orecchio, oppure appaiono parzialmente incrinate e sgretolate. Sembrano quasi reperti archeologici, ma a un esame più attento, come le monumentali teste al piano inferiore, risultano incollocabili, esistenti solo come risultato della costruzione del mondo immaginario dell'artista.
Nato nel 1968 a Volkel, nei Paesi Bassi, Manders vive e lavora attualmente a Ronse, in Belgio. Vincitore del Philip Morris Art Prize nel 2002, Manders ha ricevuto anche il prestigioso Dr. AH Heineken Prize for Art nel 2010.
Oggi, sabato 23 maggio 2026 torna la Notte Europea dei Musei, l’iniziativa promossa dal Ministero della Cultura francese e patrocinata dall’UNESCO, dal Consiglio d’Europa e dall’ICOM, che si svolge in contemporanea in tutta Europa con l’obiettivo di incentivare e promuovere la conoscenza del patrimonio e dell’identità culturale nazionale ed europea.
Gli spazi napoletani della Galleria Lia Rumma ospitano Variantology, la prima mostra personale di Agnieszka Kurant con la galleria, in programma fino al 23 Maggio 2026. La mostra riunisce una selezione di opere nuove e recenti.
La pratica multidisciplinare di Kurant esplora le intelligenze collettive e non umane, il futuro del lavoro e della creatività, e le forme di sfruttamento insite nel capitalismo digitale. Attingendo a filosofia, antropologia, tecnologia e scienza, il suo lavoro si concentra sull’emergere e l’evoluzione di forme modellate da un’agenzia collettiva, che si tratti di termitai, minerali, linguaggi, segni, strumenti, valute o movimenti sociali. In collaborazione con scienziati, l’artista costruisce sistemi complessi, reti e ambienti in cui molteplici agenti—molecole, batteri, animali, algoritmi di intelligenza artificiale o folle umane—interagiscono generando forme ibride e instabili, in continua metamorfosi, come organismi viventi. Oscillando tra biologico, digitale e geologico, naturale e artificiale, vita e non-vita, passato profondo e futuro remoto, le sue opere indagano la soggettività plurale, l’evoluzione dei sistemi viventi, la cultura e la tecnologia, le trasformazioni dell’umano, l’automazione e la cibernetica.
Le opere di Kurant, basate sulla ricerca, si nutrono dei processi di creazione di valore in rete dell’economia digitale e indagano l’autorialità collettiva e il sistema globale di sfruttamento del lavoro incorporato nell’intelligenza artificiale. Le forme ibride che l’artista produce spesso contrastano le previsioni algoritmiche con processi non calcolabili e imprevedibili. I suoi assemblaggi e amalgamazioni—cresciuti, evoluti, cristallizzati o modellati a livello molecolare—emergono dalle mutazioni della materia nell’Antropocene e riflettono mutamenti della soggettività collettiva influenzati dalla tecnologia. Questi esperimenti speculativi propongono idee su come la vita umana e non umana potrebbe evolvere.
Il titolo della mostra, Variantology, si ispira al concetto di ricerca interdisciplinare introdotto dall’archeologo dei media Siegfried Zielinski, che mette in discussione il progresso tecnologico lineare ed esplora variazioni e alternative alle narrazioni dominanti nella storia della tecnologia e dei media. L’approccio variantologico indaga le relazioni del “deep time” (tempo profondo), osservando come arti, scienze e tecnologie abbiano evoluto insieme, spesso in modi inaspettati, in diverse culture della conoscenza, dall’antichità all’epoca moderna. Unendo un possibile passato a un possibile futuro, mira a comprendere come queste variazioni abbiano modellato il nostro mondo e a sfidare l’idea di un unico percorso corretto di sviluppo. Il ruolo particolarmente significativo di Napoli nella storia dell’alchimia e della tecnologia riveste un’importanza centrale nell’approccio variantologico. Nell’interpretazione di Kurant, le previsioni sul futuro prodotte oggi dalla tecnologia sono intrecciate in una relazione ricorsiva con il mondo, influenzando presente e futuro, indipendentemente dal fatto che si avverino o meno.