Art Basel 2024

Eccoci nella settimana più famosa del mercato dell'arte a Basilea che ogni anno vede tutto il mondo dell'arte contemporanea presente alla fiera più ricca e stimolante.

Come garanzia poche variazione, sempre più curata la sezione delle gallerie, ben strutturata la mega sezione Unlimited, le sezioni dedicate ai video, alle opere storiche e poi il giusto corredo di eventi sparsi nelle solite aree della città svizzera. 

Tutto pare come sempre molto ben strutturato e organizzato, ma pare sempre più noioso in quanto privo di emozioni e tanto più ideato per un consumo.


Art Basel  unveils further highlights for its 2024 edition, including full details of its expanded city-wide program featuring Parcours, the Merian, Film, Conversations, and the Messeplatz project

  • Parcours, curated for the first time by Stefanie Hessler, Director of Swiss Institute (SI) in New York, will showcase more than 20 site-specific public art installations along Clarastrasse, which connects the fairgrounds to the Rhine.
  • The Messeplatz will host a major work by conceptual artist Agnes Denes, curated by Samuel Leuenberger, Founder of SALTS.
  • Unlimited, curated by Giovanni Carmine, Director of Kunst Halle Sankt Gallen, will present 70 large-scale installations by distinguished and emerging artists.
  • Kabinett, Art Basel’s sector for thematic presentations within galleries’ main booths, will showcase 22 projects presented by 23 galleries.
  • Celebrating its 20th anniversary, Conversations, curated for the first time by Kimberly Bradley, will bring together over 25 thought leaders across 11 panels, focusing on the issues shaping contemporary culture.
  • Presenting a week of extraordinary cinema and celebrating its 25th edition, the Film program, curated by Filipa Ramos, will feature artists’ surveys, feature films, and a special program for young audiences, from age four onwards.
  • Art Basel, whose Global Lead Partner is UBS, will take place at Messe Basel from June 13 to 16, 2024, with Preview Days on June 11 and 12.

The 2024 edition of Art Basel in Basel will feature 285 of the world’s leading galleries, showcasing the highest quality of works across all media, including painting, sculpture, photography, and digital artworks. 22 first-time participants will join a robust lineup of European exhibitors and returning galleries from around the globe.

In addition to remarkable presentations in its Galleries, Feature, Statements, and Edition sectors, around 70 large-scale installations and performances will be on view in the show’s Unlimited sector, while the Kabinett sector will return for the second time to Art Basel’s Swiss edition to spotlight distinct, curated exhibitions within the main booths of exhibitors.

This year’s show will also present an expanded city-wide program, which will include Agnes Denes’ seminal land art work Honouring Wheatfield - A Confrontation (2024) on the Messeplatz, curated by Samuel Leuenberger. The reconceptualized Parcours sector, curated for the first time by Stefanie Hessler, will unfold along Clarastrasse up to the Middle Bridge, where Art Basel will activate the Merian to provide audiences with a stimulating venue for around-the-clock artistic events and showcases. Free to the public, Art Basel’s Conversations series, curated for the first time by Kimberly Bradley, will focus on ways to build and shape the art world’s future, while the Film program, curated by Filipa Ramos, will showcase a unique lineup of surveys, feature films, and a special program for young audiences from age four onwards.

Maike Cruse, Director of Art Basel in Basel, said: ‘I am particularly excited about this year’s expanded city-wide program as a testament to Basel’s cultural pulse. The Messeplatz project, featuring Agnes Denes’ transformative installation Honouring Wheatfield - A Confrontation (2024), redefines the dialogue between environment, land art, and the value of things. Our Parcours sector transforms the Clarastrasse into an exhibition exploring the topics of circulation and transformation. And the Merian will not only showcase Petrit Halilaj’s installation on the façade but will also extend Art Basel’s activation into the evening and night. Join us to celebrate community and the limitless possibilities of artistic expression along the Rhine.’


Art Basel’s unique sector for large-scale projects, Unlimited provides exhibitors the opportunity to present monumental installations, colossal sculptures, boundless wall paintings, comprehensive photo series, and expansive video projections. Unlimited will be curated for the fourth time by Giovanni Carmine, Director of Kunst Halle Sankt Gallen.

Highlights from Unlimited include:

  • A site-specific installation by Swedish artist Anna Uddenberg, titled Premium Economy (2023-2024), presented by Kraupa-Tuskany Zeidler and Meredith Rosen Gallery
  • A reenactment of American artist Faith Ringgold's first multimedia performance, titled The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro (1976), presented by Goodman Gallery in collaboration with ACA Galleries
  • Untitled (2022), an installation by American artist Henry Taylor, presented by Hauser & Wirth
  • Greek Italian artist Jannis Kounellis’ installation Senza titolo (vele) (1993), presented by Kewenig
  • An installation of a significant section from American artist Keith Haring’s mural Untitled (FDR NY) #5-22 (1984), presented by Gladstone Gallery and Martos Gallery
  • A new video installation titled DOKU The Flow (2024) by Chinese artist Lu Yang, presented by Société
  • Chess (2012), a seminal installation by American artist Lutz Bacher, presented by Galerie Buchholz
  • ARCHITEKTURTRAUM (2001) by Swiss artist Miriam Cahn, presented by Meyer Riegger and Galerie Jocelyn Wolff
  • A complete set of Robert Frank’s The Americans (1954-1957) presented by Pace Gallery and Thomas Zander

Art Basel’s Unlimited Night will return on Thursday, June 13, providing visitors the chance to experience the sector alongside special performances during extended opening hours. For the first time, visitors of Unlimited will have the opportunity to vote for their favorite artwork for the whole duration of Art Basel. The Unlimited People's Pick will then be announced towards the end of the show week. Further details around the prize will follow in due course.

For the full list of artists and galleries presenting in Unlimited, please visit


Curated for the first time by Stefanie Hessler, Director of Swiss Institute (SI) in New York, Art Basel’s public art sector will unfold along Clarastrasse up to the Middle Bridge, connecting the fairgrounds with the Rhine. Hessler’s concept for Parcours is a curated exhibition that meanders through empty stores and operational shops, a hotel, a restaurant, a brewery, and other quotidian spaces on Basel’s Clarastrasse. Through ambitious projects, many of them site-specific and newly produced, the sector explores transformation and circulation in areas such as trade, globalization, and ecology. Hessler takes over Parcours from Samuel Leuenberger, who successfully managed and expanded the sector over the past eight years.

Highlights from Parcours include:

  • An architectural structure lined with paintings that houses produce on sale at the Tropical Zone store by London-based artist Alvaro Barrington, presented by Sadie Coles HQ, Thaddaeus Ropac, and Massimodecarlo
  • An installation combining traditional Chinese shadow play and digital animation by Swedish artist Lap-See Lam, unfolding in a food court, and presented by Galerie Nordenhake
  • A portable garden by Austrian artist Lois Weinberger, transposing nature into an urban context with the aim to attract insects and birds, presented by Galerie Krinzinger
  • A performance by London-based artist Mandy El-Sayegh interrogating the circulation of information and goods inside a partially vacant shopping mall, presented by Thaddaeus Ropac and Lehmann Maupin
  • A series of pirate flags by Rirkrit Tiravanija, lining the Middle Bridge crossing the Rhine, presented by neugerriemschneider
  • Peruvian artist Ximena Garrido-Lecca’s Conversion systems contraposing ancestral techniques and artisanal materials with industrial applications in petrol extraction, installed inside a brewery, presented by Galerie Gisela Capitain

Newly the Parcours Night will be hosted on Wedneday, June 12, from 8 to 11pm, offering a festive night filled with live performances and other acts along Clarastrasse and at the Merian. All Parcours locations will have extended opening hours to provide visitors a unique experience. For the full list of artists and galleries featured and further information, visit


The city’s Messeplatz will feature a site-specific presentation by conceptual artist Agnes Denes, curated for the third time by Samuel Leuenberger, founder of the non-profit exhibition spaces SALTS in Birsfelden and Bennwil. Denes’ artistic practice is distinctive in terms of its aesthetics and engagement with socio-political ideas. As a pioneer of environmental, ecological, and land art, she will present the piece Honouring Wheatfield - A Confrontation (2024), referring to her iconic land art work from the 1980s. The work will remain on the Messeplatz throughout the summer until its harvest. Born in 1931 in Budapest, Hungary, raised in Sweden, and educated in the United States, Agnes Denes today lives in New York City.

The Merian

The Merian, situated right at the Middle Bridge along the Rhine in Kleinbasel and across Basel’s Old Town, features a hotel bar, restaurant, and terrace that will host a continuous, around-the-clock program. The façade of the former Hotel Merian will be taken over by When The Sun Goes Away We Paint The Sky, an artwork by Petrit Halilaj symbolizing guidance and commemorating the 30th anniversary of the partnership between UBS and Art Basel. Evenings will be curated and enlivened by various members of the global and local arts community including Jenny Schlenzka, Director of Gropius Bau Berlin; Aindrea Emelife, Curator Modern and Contemporary at the Museum of West African Art in Benin City, Nigeria; Pati Hertling, Director of Performance Space New York; Stefanie Hessler, Director of Swiss Institute New York; Benedikt Wyss, Curator of SALTS and Finally Saturday in Basel; and others.


For its 25th edition, the Film program will present a week of extraordinary artists’ cinema projects. Film is curated by Filipa Ramos, founding curator of the online video platform Vdrome and lecturer at the Arts Institute of the FHNW in Basel, in collaboration with Marian Masone, a New York-based independent curator. This year’s program will address topics such as ecology, intimacy, history, and politics in a series of short film programs, surveys, and feature films.

The program starts on Wednesday, June 12 with ‘The Political Life of Plants’, a series of short films by Nefeli Chrysa Avgeris, Zheng Bo, Ulla von Brandenburg, Kyriaki Goni, and Tiffany Sia. Inspired by the title of two films by Bo, the program looks at how the vegetal world has been a major figure in recent artists’ cinema. On Saturday, June 15, ‘Bats and Rockets’ will celebrate artists’ films for young audiences, from age four onwards. This year’s film program will then conclude with Taking Venice (2023), a documentary about Robert Rauschenberg’s participation in the 1964 Venice Biennale by Amei Wallach.

For further information, please visit


Art Basel’s flagship talks program returns for its 20th anniversary edition with an exciting lineup, curated for the first time by Berlin-based art critic Kimberly Bradley. Bringing together more than 25 thought leaders, the 2024 edition features 11 focused panels, all relating to the pressing issue of how to build and shape contemporary culture’s future. The discussions will explore the art trade’s challenges and opportunities in a super election year, the potentials of increased interdisciplinarity in museums, how artists relate to politics in a time of global crisis, and the ways digital technologies are recasting art’s social and economic ecosystems. Conversations is free and accessible to all.

Highlights from this year’s Conversations series include:

  • Launching the program with a special celebration of 20 years of Conversations, Hans Ulrich Obrist will speculate on worldbuilding and revisit the notion of utopia with pioneering digital artists Rebecca Allen and Danielle Braithwaite Shirley, as well as architect Carlo Ratti.
  • Ahead of her Hyundai Commission at Tate Modern’s Turbine Hall, artist Mire Lee reflects on her practice – which references the art-historical lineage of kinetic sculpture – in the Premiere Artist Talk.
  • Ben Davis, Artnet News’ Editor-at-Large, will discuss how technology is blurring the lines of art’s communities and art’s valuation with artist Cecile B. Evans.
  • Legal experts Katalin Andreides and Till Vere-Hodge, along with UBS’s Paul Donovan, will debate the ways potential political and legal reorientations in an election year could change how art is bought, sold, and distributed, in a talk moderated by Georgina Adam.
  • The talks will conclude on a light note, with Basel-based artist Sophie Jung and curator/critic Francesco Bonami discussing the multiple roles humor and satire play in contemporary art.
  • During the show’s final weekend, a curated series of videos of Conversations’ most notable debates, spanning nearly two decades, will be on view in the Conversations auditorium.

Conversations will take place from June 13 to 16 at the Auditorium in Hall 1. The series is free to attend. For further information, visit


The sector dedicated to curated and thematic presentations featured in a separate section within galleries’ main booths, Kabinett will present 22 projects by 23 galleries for the second year.

Highlights from Kabinett include:

  • Air de Paris’ presentation of works by American artist Sarah Pucci and her daughter Dorothy Iannone. The presentation aims to shed light on Pucci’s mesmerizing objects by contextualizing them within the loving relationship with her daughter.
  • Croy Nielsen’s presentation of paintings by German Japanese artist Ernst Yohji Jaeger, addressing intimacy and emotion with a moody palette and mysterious subject matter
  • Experimenter’s presentation of Indian artist Kanishka Raja’s Switzerland for Movie Stars (2014), which plots a speculative Google map journey from Srinagar to Geneva through a panoramic panel painting and an accompanying brochure
  • Catriona Jeffries’ presentation of paintings by Canadian painter Elizabeth McIntosh, which respond to the ever-shifting workflows of contemporary industrialization
  • Sies + Höke’s presentation of works by German artist Gerhard Richter, including mirror pieces of various tints and dimensions as well as Richter’s quintessential stainless-steel spheres.


Pergolato Buren

Ecco un nuovo intervento, fra funzionale parasole estivo e opera artistica, di Daniel Buren che realizza questo pergolato nel parco dell'Hôtel Cap-Eden-Roc ad Anbibes.

Sicuramente sa molto di estate, accattivante e delizioso l'effetto dei colori che si realizza sul prato.

Le foto sono di Tonnelle,  Metallo, Plexiglas® colorato.

#danielburen #hotelducapedenroc #unetealhotelducapedenroc #frenchriviera #cotedazur #capdantibes


Archipelagic Void


Dall'alto pare che una stella sia scesa presso la Serpentine Gallery, nel magnifico Hyde Park nel cuore di Londra, in realtà si tratta del 23° padiglione  dal titolo Archipelagic Void, progettato dall'architetto coreano Minsuk Cho e dal suo studio Mass Studies, col supporto della Goldman Sachs, che sostiene il progetto annuale per il decimo anno consecutivo.
Composta da cinque "punte", ogni struttura di Archipelagic Void è unica per dimensioni, forma, nome e scopo, fornendo una piattaforma dedicata per il programma live dei Serpentine da giugno in poi.

Per celebrare l'apertura del Padiglione, Minsuk Cho converserà con il direttore artistico della Serpentine Hans Ulrich Obrist il 7 giugno 2024 per discutere le ispirazioni dietro il Padiglione di quest'anno, l'approccio di Cho all'architettura e la storia della commissione.


Archipelagic Void è composto da un vuoto unico al centro circondato da una serie di strutture più piccole e adattabili situate alla sua periferia. La disposizione fa riferimento al madang, o un cortile aperto che si trova nelle tradizionali case coreane.

Intorno al vuoto, ogni struttura di questo padiglione dalle molteplici sfaccettature è concepita come una “macchina dei contenuti” con un nome e uno scopo distinti, tra cui la Galleria, la Biblioteca, l’Auditorium, la Tea House e la Play Tower. Assemblate, le parti diventano dieci spazi che circondano il vuoto: creando cinque distinti spazi coperti e cinque aree aperte e intermedie che si integrano con il parco circostante e le attività del padiglione.


Come ingresso principale del Padiglione, la Galleria ospita un'installazione sonora a sei canali creata dal musicista e compositore Jang Young-Gyu, che presenta The Willow is <버들은> in the Summer e Moonlight <월정명> in the Autumn. Prendendo ispirazione dall'ambiente circostante del Padiglione, Jang incorpora suoni della natura e delle attività umane registrati nei Kensington Gardens con musica vocale e strumenti tradizionali coreani. I toni e le melodie distintivi tracciano il mutare delle stagioni. L'opera risponde al paesaggio in continua trasformazione del Parco.

A nord del padiglione si trova la Biblioteca dei libri non letti dell'artista Heman Chong e dell'archivista Renée Staal. Concepito come un'opera d'arte che funziona come una biblioteca di consultazione "vivente", ogni libro è stato donato dal suo precedente proprietario per formare un pool di conoscenze comuni. I visitatori sono invitati a contribuire e inviare un libro non letto in loro possesso alla collezione in crescita. Rendendo accessibili questi titoli, The Library of Unread Books funziona come un gesto collettivo, affrontando i concetti di accesso e distribuzione.

In un omaggio alla storia dell'edificio Serpentine, la Tea House sarà situata a est del Padiglione. Progettato da James Gray West, l'edificio Serpentine South fu inaugurato nel 1934 e originariamente funzionò come casa da tè fino all'inizio degli anni '60, prima di riaprire come galleria d'arte nel 1970.

A ovest si trova l’Auditorium, la struttura più grande delle cinque “isole”. Con panchine integrate nelle pareti interne, lo spazio consente incontri pubblici e ospiterà un programma di spettacoli e conferenze.

Fornendo uno spazio per il gioco all'aperto, il Padiglione presenta anche la Play Tower, una struttura piramidale dotata di una rete arancione brillante che consente ai visitatori di arrampicarsi e interagire.

Il Serpentine Pavilion 2024 diventerà anche una piattaforma per Serpentine’s Park Nights, la piattaforma interdisciplinare annuale per incontri dal vivo in musica, poesia, performance e danza che vedrà gli artisti creare nuovissime opere site-specific. Le Park Nights di quest'anno presenteranno uno spettacolo di danza della coreografa Eun-Me Ahn e della sua compagnia venerdì 28 giugno e sabato 29 giugno e una serata di poesia che riunirà i poeti di fama internazionale Don Mee Choi e Denise Riley e ospiti venerdì 19 Luglio. Ulteriori dettagli saranno annunciati presto.

A luglio, Serpentine Arts Technologies ospiterà una giornata di eventi che esploreranno il rapporto tra tecnologia, proprietà ed ecologia. I visitatori saranno invitati a diventare amministratori di un'opera d'arte collettiva avviata da Tomás Saraceno e dai suoi collaboratori di lunga data, le comunità di Salinas Grandes a Jujuy, Argentina. Intitolato Fairclouds, questo progetto unico crea connessioni tra i cicli dell'acqua, dell'informazione e della vita. Acquistando una licenza di proprietà comune parziale e diventando parte di una rete internazionale di steward, il pubblico sosterrà il lavoro delle comunità indigene in Argentina. Il progetto fa parte di una collaborazione in corso tra Serpentine Arts Technologies, RadicalxChange e Aerocene Foundation.

Crediti per tutte le foto del Serpentine Pavilion 2024, Archipelagic Void, 
designed by Minsuk Cho, Mass Studies © Mass Studies Scatto di : Iwan Baan Courtesy: Serpentine  


Jaume Plensa da Lelong a New York

 Presso la sede di New York la Galerie Lelong & Co. presenta una mostra personale di Jaume Plensa, Silent Diary , evidenziando nuovi lavori su carta e presentando in anteprima una forma scultorea completamente nuova nell'opera dell'artista. Meglio conosciuto per i suoi monumentali lavori ritrattistici rivolti al pubblico, il disegno è stato a lungo una parte importante della pratica di Plensa ed è stato al centro di due recenti mostre personali istituzionali: In piccoli luoghi, vicino a casa allo Yorkshire Sculpture Park, West Bretton, Regno Unito ( 2022) e La lumière voile, dessins 1982-2022 al Musée Picasso, Antibes, Francia (2022). Saranno esposti nuovi disegni che fanno riferimento a poeti influenti, integrati da una selezione di sculture, le cui forme comprendono caratteri di vari alfabeti, evidenziando il linguaggio e la poesia come fonti ricorrenti di ispirazione nella pratica dell'artista.

Le opere su carta di Plensa spesso combinano tecnica mista e collage, conferendo alle opere una qualità scultorea. In disegni su larga scala, Plensa dispone geometricamente ritagli di poesie di maestri del genere - tra cui TS Eliot e Charles Baudelaire - fondendo le arti letterarie e visive. Questi collage sono accentuati da ombre e rilievi di ritratti astratti, che apportano profondità alle forme bidimensionali. L'artista ha paragonato il suo approccio al disegno e al collage al corpo umano, riunendo molti elementi individuali per formare un insieme più importante. La pratica di Plensa è guidata dal desiderio di creare unità attraverso le connessioni del corpo e della memoria collettiva, e con questi disegni offre l'espressione di un mondo interiore riflessivo.

Nel piccolo spazio della galleria saranno esposti una serie di disegni che fanno riferimento al Macbeth di Shakespeare

visualizzazione. La storia affascina da tempo Plensa, che nel 2023 ha contribuito con la regia, i costumi e la scenografia a una nuova messa in scena del Macbeth di Giuseppe Verdi al Gran Teatre del Liceu, Barcellona, ​​Spagna. In questa nuova raccolta di disegni, Plensa considera il tema dell'insonnia nell'opera di Shakespeare, creando opere oscure e difficili da discernere che evocano l'inquietante paranoia del protagonista della storia. In SLEEP NO MORE (2023), Plensa abbina immagini di busti di filo metallico, una forma comune nella sua pratica scultorea, con il testo della frase iconica da cui è intitolata l'opera. Le teste appaiono una dietro l'altra, apparentemente trasformandosi in una sola, mentre le ombre oscurano le parole di Shakespeare a vari livelli, rendendone alcune quasi illeggibili. Qui, l'esplorazione di Plensa di ciò che lo spettatore vede – o non vede – ricorda il ruolo di Birnam Wood in Macbeth e l'illusione della foresta che avanza.

Sarà esposta la scultura di grandi dimensioni UTOPIA (2024), che segnerà il debutto di una forma scultorea completamente nuova nella pratica dell'artista. Realizzata in acciaio Cor-Ten, la scultura recita "utopia", lo stato dell'essere da cui deriva il titolo. Con ogni lettera composta da una fusione di caratteri di vari alfabeti, questo lavoro celebra la diversità nella nostra umanità condivisa e immagina un mondo più bello caratterizzato da questa unità. Mentre Plensa ha spesso incorporato il linguaggio nelle sue sculture, UTOPIA è la prima scultura a farlo in senso orizzontale; questa è anche la prima opera dell'artista basata sull'alfabeto ad essere realizzata in acciaio Cor-Ten. Con questo lavoro, Plensa dimostra la continua innovazione della sua pratica scultorea e il suo costante impegno nella scoperta del materiale e della tecnologia perfetti per ogni singola opera.



 Il Metropolitan Museum of Art ha annunciato oggi la première della seconda stagione del suo podcast di saggistica narrativa, Immaterial. Ciascuno degli otto nuovi episodi, che verranno pubblicati ogni due settimane a partire da oggi, è incentrato su un materiale individuale presente nell'arte attraverso le culture e ne rivela il significato attraverso storie intime ed emotive raccontate da creatori, scrittori e studiosi. I materiali al centro dell'attenzione in questa stagione spaziano da quelli tradizionali, come la pietra e il legno, a quelli più inaspettati, come lo spazio e la spazzatura, e la nuova stagione presenta anche un'avvincente schiera di ospiti, tra cui l'architetto Frida Escobedo, l'alpinista e scrittore Robert Macfarlane e artisti di Gee's Bend, Alabama, insieme all'ospite di ritorno, la celebre poetessa e scrittrice Camille T. Dungy (Soil: The Story of a Black Mother's Garden). Come nella prima stagione, Immaterial mette in luce le complessità del modo in cui le storie vengono raccontate attraverso l’arte e la creatività. Tutti gli episodi saranno disponibili gratuitamente sul sito Web di The Met e on demand su tutte le principali piattaforme di podcast, inclusi Apple Podcasts, Spotify, YouTube, Amazon Music, Google Podcasts e Stitcher, o ovunque siano disponibili podcast.

Immaterial è stato creato e prodotto da The Met in collaborazione con Magnificent Noise.
"Siamo entusiasti di svelare una seconda stagione del popolare podcast Immaterial, che ci porterà in un viaggio completamente nuovo attraverso narrazioni personali e una serie di argomenti intriganti", ha affermato Max Hollein, direttore francese e amministratore delegato di Marina Kellen del Met. . "Creando connessioni attraverso il tempo e la cultura, questi otto episodi porteranno gli ascoltatori in aree inaspettate del Museo, nel profondo della collezione, e celebreranno l'intreccio tra arte, creatività e il mondo che ci circonda."

La seconda stagione inizia con “Stone: Making and Breaking Legacies”, che esplora cosa succede quando un materiale apparentemente duraturo come la pietra si rompe. Insieme allo scrittore e alpinista Robert Macfarlane, alla curatrice del Met di arte antica del Vicino Oriente Sarah Graff e allo studioso Erhan Tamur, questo episodio presenta la conservatrice del museo Carolyn Ricardelli, che, insieme al suo team, ha trascorso 10 anni mettendo insieme i pezzi rotti di uno dei Le statue in marmo rinascimentali più famose del Met, Adamo di Tullio Lombardo. Un altro episodio della stagione è "Space: Behind the Scenes at The Met", che porta gli ascoltatori nel santuario più interno del Museo, in spazi sconosciuti, con scienziati del Met, conservatori, guardie di sicurezza e l'architetto Frida Escobedo. Nel corso della serie, Immaterial affronta argomenti difficili che i musei di oggi devono affrontare, come i beni culturali, le storie coloniali e le questioni di equità.

"È stato affascinante osservare più da vicino i materiali con cui la maggior parte di noi interagisce ogni giorno", ha affermato Dungy. “Chia, quel piccolo seme che riempie i miei frullati energetici mattutini, per esempio, sta anche alimentando un nuovo modo di pensare alle belle arti. E anche se so che la spazzatura di una persona è il tesoro di un'altra, prima di lavorare sugli episodi di questa stagione non avevo passato molto tempo a considerare quanto siano stati importanti i cumuli di spazzatura per la storia dell'arte. Sono davvero entusiasta di pensare in modo diverso ai materiali in questa stagione: dal tempo allo spazio, dalla spazzatura all'olio di semi, i materiali che esploriamo in questa stagione mi fanno guardare il mondo in modi nuovi.

Pubblicati ogni due settimane fino alla fine dell'estate, gli ultimi episodi di Immaterial riveleranno narrazioni sorprendenti e offriranno una serie completamente nuova di materiali con cui immergersi nell'arte e nella creatività. La prima stagione, consigliata dal Guardian e dal New York Magazine, è ancora disponibile per lo streaming sul sito web del Met e ovunque siano disponibili podcast e presenta storie affascinanti come la corsa contro il tempo dei conservatori del museo per realizzare oggetti come San Valentino, fumetti e altri oggetti. per ultime le figurine del baseball.

L'immateriale è reso possibile da Dasha Zhukova Niarchos. Ulteriore supporto è fornito dallo Zodiac Fund.

Informazioni su Camille T. Dungy
Dungy è l'autore del libro narrativo Soil: The Story of a Black Mother's Garden. Ha anche scritto quattro raccolte di poesie, tra cui Trophic Cascade, e la raccolta di saggi Guidebook to Relative Strangers, e ha curato Black Nature: Four Centuries of African American Nature Poetry. Dungy è una professoressa universitaria presso la Colorado State University e i suoi riconoscimenti includono la Academy of American Poets Fellowship 2021, una Guggenheim Fellowship 2019, un American Book Award e borse di studio della NEA sia in prosa che in poesia.

A proposito del Met
Il Metropolitan Museum of Art è stato fondato nel 1870 da un gruppo di cittadini americani - uomini d'affari e finanzieri, nonché importanti artisti e pensatori dell'epoca - che volevano creare un museo per portare l'arte e l'educazione artistica al popolo americano. Oggi, The Met espone decine di migliaia di oggetti che coprono 5.000 anni di arte da tutto il mondo affinché tutti possano sperimentarli e goderseli. Il Museo vive in due luoghi iconici di New York City: The Met Fifth Avenue e The Met Cloisters. Milioni di persone prendono parte all'esperienza The Met anche online. Fin dalla sua fondazione, il Met ha sempre aspirato ad essere qualcosa di più di un semplice tesoro di oggetti rari e belli. Ogni giorno, l’arte prende vita nelle gallerie del Museo e attraverso le sue mostre ed eventi, rivelando nuove idee e connessioni inaspettate nel tempo e tra le culture.


Lo stato dell'arte secondo Philippe Descola


Oggi vi segnalo questo bel video della Fondazione Pinaul con l'intervento di Philippe Descola a Palazzo Grassi parte della serie di appuntamenti dal titolo "Lo stato dell'arte", un ciclo promosso dall'istituzione con la curatela di Barbara Carnevali, Directrice d'études in Filosofia presso l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS) di Parigi, che invita importanti personalità del mondo della cultura internazionale a realizzare un contributo inedito a partire dalla riflessione personale sullo stato dell'arte oggi.

I protagonisti del ciclo, di campi disciplinari molto diversi, sono chiamati a produrre un testo inedito pubblicato nella versione integrale in una collana dedicata edita da Marsilio Arte, in collaborazione con Palazzo Grassi.

Nelle sue riflessioni e nel volume "L'arte prima dell'arte", a cavallo tra antropologia, archeologia e storia, l'antropologo Philippe Descola rivoluziona il nostro modo di guardare l'arte.


Quiete estiva


Claude Monet, Campi di papaveri a Vétheuil (1879 circa); olio su tela, 73×92 cm, fondazione E.G. Bührle, Zurigo

In queste stupende giornate di inizio estate, il blog si rilassa e prende una cadenza più tranquilla, con post più rarefatti, buona estate! 



Exposed Ogr


Con un corale lavoro di gruppo delle tante realtà territoriali prende avvio Exposed diffondendosi per i tanti spazi cultuali e non della città, dai manifesti stradali alle Ogr, e proprio dalle Officine Grandi Riparazioni inizia il mio percorso con ben due complessi progetti espositivi, uno presso il Binario 2, curata da Domenico Quaranta, Salvatore Vitale e Samuele Piazza, e l'altra al Binario 1 dal titolo Expanded Without, mentre il  primo si muove più prossima al territorio della ricerca fotografica l'altro si focalizza su opere che rielaborano il senso dell'immagine oltre lo scatto.

Il tema della visione aerea del primo progetto si sviluppa in diverse forme dalle riflessioni di una possibile tridimensionalità di Evan Roth all'opera installativa di Tabita Rezaire, ci sono poi alcuni scatti di Mario Giacomelli che dialogano con la ricerca territoriale di Mishka Henner, o il grande intervento narrativo di Hiwa K. seguito dai video di Susan Schuppli e Laura Cinti, Tomas Van Houtryve porta una serie di immagini dal forte valore sociale mentre sempre sul tema dei droni abbiamo la visione ironica di James Bridle.

Il secondo progetto presenta opere di grandi dimensioni di artisti affermati come  Nanda Vigola con l'opera "Frammenti di riflessione (Exoteric gate)" che apre il percorso, dalla luminosa espressione che si sviluppa poi con l'imponente Waterfall (Cascata) di Teresita Fernández. Fa da perno centrale " L’osservatore non l’oggetto osservato" di Remo Salvadori che ci porta all'installazione multimediale "Liquid Crystal Environment" di Gustav Metzger.

Si esce da questi percorso un poco rattristati, consapevoli che la bellezza dell'arte è finita per darci forme non più estetiche ma tante forti riflessioni sul vivere quotidiano, forse più socio-antropologia che arte


Pastorale di Ingar Krauss da Quartz Studio

 La quieta e intesa forza della quotidiana natura si manifesta negli scatti che Ingar Krauss realizza nella campagna nei pressi del fiume Oder, vicino al confine fra la Germania e la Polonia.

Luoghi distanti da ogni modernità, in cui l'artista può trovare un ambiente di normalità della dimensione umana, parte della natura stessa. 

Immagini di campi mossi dall'energia impalpabile del vento che ne plasma e forma paesaggi in cui si assemblano parti e si creano vuoti. 

Ingar Krauss - Pastorale
Quartz Studio, via Giulia di Barolo 18/D 
fino al 20 Luglio


Hannah Levy da DeCarlo


Gli spazi londinesi della galleria Massimo DeCarlo accolgono le opere di Hannah Levy, presentate col titolo Bulge, si tratta della prima personale dell'artista americana presso la galleria. Le sculture in metallo, vetro e silicone di Levy sono come frutti proibiti, che tentano il visitatore nonostante il pericolo che emanano. 

Le opere, che ricordano mobili per la casa o per l'ufficio, ferramenta, protesi, carne umana e cibo, rivelano un'ansia latente in quanto la funzione viene rimossa dalla forma, rivelandosi così misteriose e ultraterrene.