Premio Paul Thorel al Macro

 Irene Fenara, Supervision (Craters), 2026 | Video, schermo LED 450 x 250 cm, loop 1’19’’

Il MACRO – Museo d’Arte Contemporanea Roma presenta dall’11 giugno la mostra collettiva delle artiste vincitrici della terza edizione del Premio Paul Thorel, a cura di Sara Dolfi Agostini, che riunisce le opere inedite di Caterina De Nicola, Irene Fenara e Lorenza Longhi, realizzate nel contesto della residenza avvenuta a Napoli nel 2025.

Promosso e organizzato dalla Fondazione Paul Thorel, il Premio nasce con l’obiettivo di sostenere artiste e artisti impegnati nella ricerca sull’arte digitale. Il progetto si articola in residenze, nuove produzioni artistiche, mostre con partner istituzionali e pubblicazioni nella collana editoriale di Nero Editions, e riattiva gli spazi e gli strumenti di lavoro dello studio-atelier dell’artista italo-francese Paul Thorel, pioniere dell’immagine e della fotografia digitale dagli anni Ottanta che si stabilì a Napoli nel 1994. La Fondazione Paul Thorel ha aperto al pubblico nel 2022 con un programma di ricerca e valorizzazione dell’archivio di Thorel e della sua collezione di arte italiana e internazionale, e il Premio dedicato alle pratiche artistiche contemporanee che interrogano il rapporto tra digitale, immagine e società.

Lorenza Longhi, Small and Medium Grab Bag, 2026 | borsa per regali, videocamera in miniatura, nastro adesivo, fiocco, 15 x 15 x 6 cm

«Le imperfezioni sono una forma di scarto produttivo rispetto alla logica dell’algoritmo e ai flussi di dati che governano la realtà. Con le loro opere, Caterina De Nicola, Irene Fenara e Lorenza Longhi attraversano il digitale che è diventato ormai infrastruttura del presente, mettendone in crisi trasparenza, velocità e controllo. La mostra apre insomma uno spazio di attrito nel regime della previsione: è un esercizio di resistenza minima, dove il reale torna a farsi instabile e umano».

                                                           Sara Dolfi Agostini, curatrice Fondazione Paul Thorel


Le imperfezioni è la mostra delle artiste che hanno vinto la 3ª edizione del Premio Paul Thorel: Caterina De Nicola, Irene Fenara e Lorenza Longhi. Tre artiste nate all’inizio degli anni Novanta, per le quali il digitale non rappresenta una scelta, ma una condizione pervasiva: un dispositivo che amplifica la realtà, ma la comprime anche dentro un immaginario virtuale codificato e limitante, che intrappola la libertà individuale dentro protocolli aziendali e confonde spazio pubblico e privato. Il titolo della mostra è una parola complessa, femminile e plurale, che restituisce tre caratteristiche di questa terza edizione del Premio Paul Thorel.

Caterina De Nicola, Untitled / dalla serie from the series Old Time Card Rack, 2026 | Espositore da mercato in metallo su ruote, stringhe, viti 97 x 200 x 100 cm

Le imperfezioni sono anche l’antidoto alla perfezione prevedibile degli algoritmi, alla computazione che penetra ogni aspetto della vita umana, a una macchina che si è infiltrata nei meccanismi di creazione dell'identità e di produzione della conoscenza. Le opere in mostra cercano la dimensione umana in questa società iper-stimolata dal digitale, sospesa tra le visioni religiose del tecno-futuro dalla Silicon Valley e la paranoia di un futuro già scritto dall’IA. Sono un gesto di resistenza che passa per il do it yourself, il fai da te – che è sporco, incompleto, sbagliato – e, all’astrazione e all’esattezza dei dati, oppone glitch e materiali residuali estratti dal mondo del consumo e del controllo.

Il Premio Paul Thorel è una piattaforma di ricerca dedicata alla scena artistica italiana e internazionale, con un focus sulle arti digitali e sull’immagine contemporanea come linguaggio e orizzonte estetico. Ogni anno la Fondazione, insieme a un comitato di esperti, curatori e direttori di museo, seleziona dodici artisti con progetti inediti da realizzare durante una residenza pensata per riattivare gli spazi e gli strumenti di lavoro di Paul Thorel a Napoli, dove l’artista trasferì il suo studio nel 1994. La giuria sceglie tre vincitori, e la Fondazione produce e presenta le opere commissionate in collaborazione con un’istituzione museale — nel 2024 alle Gallerie d’Italia di Napoli, nel 2025 al Museo Madre – Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee di Napoli, e nel 2026 al MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma. La Fondazione pubblica anche un libro d’artista per ciascun vincitore in collaborazione con la casa editrice NERO Editions. 

ITALICS annuncia PANORAMA 2027

Si svolgerà a Genova, a fine giugno 2027, la sesta edizione di Panorama, inaugurando una nuova fase della mostra d’arte diffusa ideata da ITALICS, rete istituzionale nata nel 2020 che oggi coinvolge le principali gallerie di arte antica, moderna e contemporanea con sede in Italia. A firmare la curatela di Panorama Genova sarà Arturo Galansino.
 
Nell’autunno 2026 ITALICS celebrerà i cinque anni di Panorama con la pubblicazione di un volume dedicato alle prime cinque edizioni della mostra diffusa e alle principali attività sviluppate dalla sua fondazione.
 
 
Per la sua sesta edizione, Panorama avvia una nuova fase di consolidamento e sviluppo del progetto, scegliendo Genova come sede della prossima tappa e segnando una nuova scansione nel calendario degli appuntamenti dedicati all’arte. La mostra diffusa e itinerante ideata da ITALICS – rete istituzionale nata nel 2020 che oggi coinvolge circa sessanta tra le più importanti gallerie di arte antica, moderna e contemporanea con sede in Italia – si terrà a fine giugno 2027 nel capoluogo ligure e sarà curata da Arturo Galansino, storico dell’arte e direttore generale della Fondazione Palazzo Strozzi di Firenze.
 
La scelta di spostare Panorama all’inizio dell’estate segna un’evoluzione naturale del progetto e risponde alla volontà di rafforzarne il posizionamento nel contesto internazionale, individuando una finestra temporale in sintonia con il calendario globale dell’arte e favorendo un’ampia partecipazione di pubblico, professionisti e operatori del settore, ampliando al contempo le opportunità di dialogo e di scambio per i territori, le istituzioni e le comunità coinvolte.

È in questa prospettiva che, dopo le edizioni di Procida (2021), Monopoli (2022), L’Aquila (2023), Monferrato (2024) e Pozzuoli (2025), Panorama approda a Genova nel 2027: una città che, per la sua storia di scambi, attraversamenti e stratificazioni, interpreta in modo particolarmente efficace la vocazione della manifestazione a mettere in relazione arte, luoghi e persone. Crocevia del Mediterraneo e custode di un patrimonio storico e culturale di straordinaria ricchezza, Genova offre infatti il contesto ideale per proseguire questo percorso di ricerca e sperimentazione. In questa prospettiva, Panorama rappresenta anche un’occasione per guardare alla Liguria come a un sistema culturale articolato, dove città, borghi e paesaggi concorrono a definire un’identità di straordinaria complessità e fascino.
 
A guidare questa nuova edizione sarà Arturo Galansino, che raccoglie il testimone dei curatori delle precedenti edizioni – Vincenzo de Bellis (Procida 2021 e Monopoli 2022), Cristiana Perrella (L’Aquila 2023), Carlo Falciani (Monferrato 2024) e Chiara Parisi (Pozzuoli 2025) – proseguendo il percorso di ricerca che caratterizza Panorama fin dalla sua nascita. La sua curatela sarà chiamata a interpretare la complessità storica, culturale e urbana di Genova, trasformando la città in una piattaforma di incontro tra opere, luoghi e comunità.
 
A testimonianza della continuità e della crescita del progetto, nell’autunno 2026 ITALICS pubblicherà un volume dedicato ai primi cinque anni di Panorama. Attraverso testi, immagini e contributi critici, la pubblicazione – edita da Allemandi – ripercorrerà le prime cinque edizioni della mostra diffusa, documentandone l’evoluzione e il dialogo costruito nel tempo tra arte, territori e comunità. Il volume offrirà inoltre l’occasione per restituire una visione d’insieme delle attività sviluppate da ITALICS dalla sua fondazione e per accompagnare l’avvio di una nuova fase del progetto.

Estate

Arriva l'estate e tutto diventa più rilassato, anche il nostro sito. 

Un MET orientalista

Veduta dell'allestimento di Orientalismo: Tra realtà e fantasia, in mostra dal 12 giugno 2026 al 28 febbraio 2027 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Anna-Marie Kellen, per gentile concessione del Met.

Il Met di New York ci offre, fino al 28 febbraio 2027, una bella mostra interculturale fra l' Europa e il Medio Oriente, in questi tempi di crescente complessità fra queste due dimensioni socio-culturali. 

Il titolo "Orientalismo: Tra realtà e fantasia" propone una visione che vuole mettere in discussione certi luoghi ancora oggi comuni sulle terre d'oriente. Con una scelte delle opere d'arte ideate tradizionalmente  come orientaliste, in dialogo con oggetti provenienti dal Medio Oriente, favorendo una comprensione più profonda dei contesti di scambio tra culture, a partire dalla conquista napoleonica dell'Egitto nel 1798 e culminando con un'esplorazione del pittore ottomano formatosi in Francia, Osman Hamdi Bey (1842-1910). 

Veduta dell'allestimento di Orientalismo: Tra realtà e fantasia, in mostra dal 12 giugno 2026 al 28 febbraio 2027 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Anna-Marie Kellen, per gentile concessione del Met.

La mostra mette in luce le tradizioni dell'arte e della cultura islamica che affascinarono i nostri antenati del XIX secolo, accanto alle creazioni europee e americane, esplorando le complesse questioni relative all'influenza e all'appropriazione culturale. Questa è la prima mostra al Met dedicata all'Orientalismo e la prima grande collaborazione tra i Dipartimenti di Pittura Europea e di Arte Islamica.

Veduta dell'allestimento di Orientalismo: Tra realtà e fantasia, in mostra dal 12 giugno 2026 al 28 febbraio 2027 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Anna-Marie Kellen, per gentile concessione del Met.

100 Marisa Merz

In occasione del centenario della nascita di Marisa Merz, Torino rende omaggio a una delle figure più significative dell’arte italiana e internazionale del secondo Novecento con Marisa Merz. La danza delle ore, una grande mostra in tre atti che coinvolge il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, la Fondazione Merz e la GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino.

Realizzato grazie al sostegno della Fondazione CRT, il progetto nasce dalla collaborazione tra alcune delle principali istituzioni culturali del territorio, unite nell’intento di restituire la complessità, la forza poetica e l’eredità ancora viva dell’opera di Marisa Merz, nata a Torino il 23 maggio 1926.

Afferma Marina Chiarelli, Assessore alla Cultura della Regione Piemonte: “Il centenario della nascita di Marisa Merz rappresenta un’occasione straordinaria per celebrare una delle figure più autorevoli dell’arte contemporanea internazionale e, allo stesso tempo, per raccontare la capacità del Piemonte di fare sistema. Castello di Rivoli, Fondazione Merz e GAM uniscono competenze, patrimonio e visione in un progetto culturale di altissimo profilo che conferma Torino e il Piemonte come punto di riferimento nel panorama artistico europeo. Investire nella cultura significa valorizzare la nostra identità, rafforzare l’attrattività del territorio e creare nuove opportunità di crescita, conoscenza e partecipazione per le comunità. Marisa Merz appartiene alla storia dell’arte mondiale, ma le sue radici torinesi rappresentano un patrimonio che il Piemonte ha il dovere e l’orgoglio di custodire e promuovere.”

Aggiunge Rosanna Purchia, Assessore alla Cultura della Città di Torino: “Questo progetto espositivo testimonia lo speciale spirito collaborativo che anima le istituzioni torinesi dell’arte contemporanea. Questa congiuntura è una vera e propria marcia in più che permette alla città di celebrare degnamente nel suo centenario un’artista donna che ha avuto un impatto radicale sulla storia dell’arte italiana e internazionale. La città di Torino è grata anche alla lungimiranza della Fondazione CRT che ha sposato questo progetto e questa attitudine di sistema integrato”.

La presentazione ufficiale della mostra si è svolta a Milano, nella Sala Forum del Museo del Novecento, grazie alla generosa ospitalità dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano, con la moderazione attenta e partecipe di Gianfranco Maraniello, Direttore Area Musei d’Arte Moderna e Contemporanea del Comune di Milano.

Ad aprire i lavori è stato Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura del Comune di Milano, che ha dichiarato: “Siamo particolarmente felici che tre importanti istituzioni culturali torinesi abbiano scelto Milano e il Museo del Novecento come sede di questa presentazione, che sottolinea la profonda vicinanza culturale tra due città protagoniste della scena artistica italiana ed europea. Sappiamo bene quanto il lavoro di Marisa Merz sia profondamente legato alla città di Torino e alla stagione dell’Arte Povera, ma allo stesso tempo, ci fa piacere ricordare come anche il Museo del Novecento conservi importanti testimonianze di quella esperienza artistica, frutto di acquisizioni realizzate tra la fine degli anni Settanta e Ottanta, opere che il pubblico può oggi ammirare all’interno del percorso museale. Il prossimo autunno, il Museo del Novecento ospiterà nello spazio Archivi una mostra prodotta nell’ambito del ciclo “Voci del Novecento”, dedicata a Tommaso Trini. Una scelta particolarmente significativa, poiché Trini fu tra i primi critici a intuire la portata innovativa di quella che sarebbe poi stata definita Arte Povera, ma anche uno degli osservatori più attenti e sensibili del lavoro di Marisa Merz.”

La collaborazione tra le istituzioni coinvolte conferma inoltre il ruolo strategico dell’asse culturale Torino-Milano nella valorizzazione del contemporaneo e nella costruzione di progettualità condivise capaci di generare ricerca, produzione culturale e visibilità internazionale.

Al Castello di Rivoli, la mostra è curata da Francesco Manacorda e Marianna Vecellio; alla Fondazione Merz da Beatrice Merz e Sébastien Delot; alla GAM da Chiara Bertola e Chiara Parisi. Le tre sedi costruiscono insieme un racconto unitario e polifonico, capace di restituire la continua evoluzione dell’opera di Marisa Merz e la sua attualità nel panorama artistico contemporaneo.

La mostra, in programma dal 29 ottobre 2026 al 4 aprile 2027, si configura come una retrospettiva senza precedenti, difficilmente replicabile per ampiezza e profondità. Attraverso un nucleo straordinario di opere, alcune delle quali inedite, il percorso offre una lettura articolata della ricerca dell’artista, mettendo in dialogo tre dimensioni fondamentali del suo lavoro: il processo creativo e l’uso dei materiali, il tempo quotidiano come spazio dell’arte, la casa come laboratorio alchemico e la nozione di spazio come luogo fisico e metafisico.

Il progetto sarà accompagnato da un catalogo unico, presentato in occasione di un convegno dedicato all’artista.

Leonardotheka

Per la gioia degli appassionati di Leonardo da Vinci è stato aggiornato "Leonardotheka" dove ora è possibile trovare una vasta raccolta delle sue opere digitalizzate, provenienti dalla Royal Collection di Windsor  e dal Codice Atlantico della Biblioteca Ambrosiana di Milano.

Il progetto è ideato dal Museo Galileo di Firenze col Royal Collection Trust, la Biblioteca Ambrosiana e la Biblioteca Leonardiana di Vinci.

link  https://teche.museogalileo.it/leonardo/home/index.html 

Corpi musicali

 Installation view of Musical Bodies , 2026 at The Metropolitan Museum of Art. Photo by Eileen Travell , courtesy of The Met

Il Metropolitan di New York ha inaugurato da pochi giorni un stupenda mostra sul tema della relazione fra il corpo umano e la musica, un progetto molto suggestiva che attraversa il tempo e le culture del mondo. 

Dal battere le mani e i piedi al beatboxing e al fischio, il corpo umano è uno strumento musicale. Gli strumenti musicali, a loro volta, spesso traggono la loro forma e decorazione dal nostro corpo. In tutto il mondo e attraverso i secoli, gli strumenti emergono come potenti veicoli che rappresentano le nostre voci, le nostre azioni e la nostra identità non solo nella musica, ma anche nelle arti visive, nella letteratura, nella religione, nella cultura pop e nella mitologia.

 Installation view of Musical Bodies , 2026 at The Metropolitan Museum of Art. Photo by Eileen Travell , courtesy of The Met

Musical Bodies è la prima grande mostra ad esplorare la relazione tra strumenti musicali e corpo, riunendo circa 130 strumenti, dipinti, sculture, disegni e altro ancora per illustrare come esprimiamo chi siamo, cosa apprezziamo e in cosa crediamo. Con opere provenienti dalla collezione del Met e da istituzioni e collezionisti di tutto il mondo, la mostra esplora 4.000 anni di storia dell'arte e della musica, dai sonagli dell'antico Egitto e dai capolavori musicali di Tiziano e Degas all'abbigliamento ispirato agli strumenti e a una delle chitarre più celebri di Prince. Musical Bodies coinvolgerà visitatori di tutte le età, che siate musicisti, appassionati ascoltatori o semplicemente curiosi dell'espressione umana.

 Installation view of Musical Bodies , 2026 at The Metropolitan Museum of Art. Photo by Eileen Travell , courtesy of The Met

La mostra è resa possibile grazie al contributo di Barbara Tober, del Diane W. and James E. Burke Fund, della William Randolph Hearst Foundation e del Gail and Parker Gilbert Fund.

Ulteriore supporto è fornito da Anonymous, The Dancing Tides Foundation, il Vanguard Council e The Augustine Foundation in memoria di Rose Augustine.

Il catalogo è stato realizzato grazie al Fondo per le pubblicazioni Mary C. e James W. Fosburgh.

Ulteriore supporto è fornito da Kenneth e Anna Zankel

#MetMusicalBodies

Ruhr - Manifesta 2026

 

Con l'arrivo dell'estate parte la storia rassegna biennale di Manifesta che quest'anno fa tappa nella regione del Ruhr tedesco. 

Dal 21 giugno al 4 ottobre 2026, oltre 100 artsiti presenteranno le proprie opere in dodici ex chiese del dopoguerra tra Duisburg, Essen, Gelsenkirchen e Bochum. Con il titolo "Questa non è una chiesa", questi spazi vengono reinventati come luoghi di vita civica, benessere fisico e incontro comunitario.

Accompagna la rassegna espositva un fitto programma di eventi e manifestazioni collaterali che potete scoprire e prenotare sul sito  di Manifesta. 

CS

Programma gratuito con oltre 100 partecipanti in 12 sedi in 4 città In occasione del 30° anniversario della Biennale Nomade Europea, fondata nel 1996 a Rotterdam, Paesi Bassi, Manifesta 16 Ruhr si svolgerà per 15 settimane nella regione della Ruhr in Germania, in quattro città: Bochum, Essen, Duisburg e Gelsenkirchen. La biennale europea si svolgerà in 12 ex chiese o edifici abbandonati e riunirà più di 100 partecipanti, artisti e collettivi insieme a una serie di progetti di mediazione radicati nelle comunità locali della regione.

Al centro di questa edizione di Manifesta c'è una questione urgente: come possiamo, in un'epoca caratterizzata da molteplici crisi, disinformazione e polarizzazione, contribuire allo sviluppo di modelli sociali alternativi? Come può la cultura utilizzare gli spazi aperti (urbani) e gli immobili sfitti per contrastare la divisione e l'isolamento in una società post-Covid? Durante la fase di ricerca pre-biennale, il team di Manifesta 16 Ruhr è rimasto colpito dalla mancanza di edifici ecclesiastici modernisti e dalla  perdita di spazi comunitari.

La domanda, quindi, è: come potrebbe la trasformazione degli edifici ecclesiastici del dopoguerra trasformarsi in luoghi per la vita civica, il benessere fisico e l'incontro comunitario?

Manifesta 16 Ruhr ha invitato i cittadini e le comunità locali a immaginare nuovi futuri per questi spazi, chiedendosi come potrebbero migliorare la coesione sociale e l'interazione. Manifesta 16 Ruhr sarà completamente gratuito e senza biglietti, garantendo che questi spazi di cultura e incontro rimangano genuinamente aperti e accessibili a tutti.

Con l'afflusso di nuove chiese costruite dopo la Seconda Guerra Mondiale, questi edifici ecclesiastici  simboleggiavano l'emergere di una nuova democrazia.

Ora abbandonati, Manifesta esplora come potrebbero essere riconsiderati come spazi che rafforzano la società civile e lo spirito comunitario. L'importanza della prossimità e la necessità di creare spazi pubblici non commerciali dove le comunità possano incontrarsi, trascorrere del tempo e godersi la vita quotidiana sono tra le questioni chiave individuate nella Visione Urbana e nel quadro concettuale della biennale. 

Manifesta 16 Ruhr si propone di avviare un dibattito tra i responsabili politici e gli amministratori locali su come affrontare la realtà che oltre 20.000 chiese in tutta la Germania saranno abbandonate e sconsacrate nel prossimo decennio. 

Accanto al patrimonio industriale della regione,Manifesta 16 Ruhr esplora le storie umane della Germania del dopoguerra e le narrazioni migratorie che hanno plasmato la regione della Ruhr. Mentre la storia industriale ha spesso celebrato la solidarietà dei minatori e la forza del lavoro, le voci individuali, in particolare quelle dei migranti provenienti da contesti diversi, sono rimaste spesso sottorappresentate.

Una nuova stagione per la Fondazione Cerruti per l'Arte

 Collezione Cerruti, Salone Circolare. Ph. Silvia Mangosio e Luca Vianello

Dal 2026 la casa-museo di Rivoli rafforza accessibilità, accoglienza e programmazione culturale, con nuovi progetti espositivi, commissioni d’artista, percorsi sonori e un programma dedicato al patrimonio librario

Un luogo appartato e straordinario, nato dalla visione di un collezionista riservato e coltissimo, si prepara a una nuova fase della propria storia. La Fondazione Cerruti, custode della Collezione raccolta da Francesco Federico Cerruti — oltre mille opere tra dipinti, sculture, tappeti, mobili, ceramiche e libri, dal Trecento all’inizio degli anni Duemila — avvia nel 2026 un percorso di rafforzamento della propria identità pubblica.

 

Aperta al pubblico nel 2019, in collaborazione con il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, la Collezione Cerruti è oggi una delle esperienze più singolari del panorama museale italiano: una casa-museo mai abitata dal suo proprietario, costruita come spazio di contemplazione, studio e desiderio, dove capolavori antichi, moderni e contemporanei convivono con arredi, libri rari e oggetti preziosi.

 

Dal mese di maggio 2026, la visita alla Collezione diventa più accessibile grazie all’apertura di un nuovo parcheggio, al riallestimento della reception — progettata da Emil Kerckhove e Annalisa Stabellini — e all’introduzione di nuovi servizi di accoglienza: biglietteria, punto ristoro e lettura, e un bookshop curato in collaborazione con la libreria indipendente torinese Paint It Black.

 

Il nuovo corso prevede inoltre il raddoppio dei turni di visita nei giorni di apertura, una revisione delle tariffe e un programma culturale più fitto e articolato, con l’obiettivo di rendere la Collezione un luogo sempre più attrattivo, accogliente e capace di parlare a pubblici diversi: studiosi, appassionati, turisti, studenti, famiglie e visitatori curiosi.

 

La programmazione 2026 inaugura nuovi format pensati per valorizzare la Collezione attraverso sguardi molteplici.

Palinsesti #1: Mappamondi e Visioni

a cura di Luca Cena 2 maggio – 13 settembre

 

Palinsesti è un format espositivo concepito per valorizzare e rendere progressivamente accessibile il prezioso nucleo librario della Collezione Cerruti, una delle componenti meno conosciute ma più sorprendenti della raccolta. Con due appuntamenti annuali affidati allo stesso studioso o curatore, il progetto porta negli ambienti della Villa libri straordinari selezionati secondo un tema specifico, mettendoli in dialogo con le opere, gli arredi e l’atmosfera della casa-museo. Il progetto mette in scena un dispositivo narrativo capace di trasformare il libro raro in esperienza visiva, spaziale e immaginativa.

 

Palinsesti #1: Mappamondi e Visioni, visitabile fino al 13 settembre 2026, inaugura il format con un allestimento a cura di Luca Cena (Torino, 1985), libraio antiquario, divulgatore e co-fondatore nel 2019 di White Lands Rare Books, spazio culturale dedicato a libri rari, prime edizioni, mappe e stampe antiche. Attraverso una selezione di atlanti, cosmografie e libri di viaggio tra Cinquecento e Settecento, Cena costruisce un percorso che attraversa sette ambienti della Villa. Per la prima volta vengono presentati negli spazi della Villa alcuni capolavori assoluti della Collezione Cerruti, tra cui il Theatrum Orbis Terrarum (1601) di Abraham Ortelius, l’Atlas Maior (1662–1665) di Willem e Joan Blaeu e l’Harmonia macrocosmica (1661) di Andreas Cellarius: opere che raccontano il desiderio umano di misurare, rappresentare e immaginare il mondo. Il percorso trasforma la Villa in un vero e proprio “mappamondo interiore”, dove il libro geografico si rivela capace di spalancare orizzonti pur restando nello spazio protetto della casa.

 

Il secondo appuntamento di Palinsesti, sempre a cura di Luca Cena, inaugurerà il 26 settembre 2026. Nel 2027 il format proseguirà con due nuove edizioni affidate a Vincenzo Latronico, scrittore e traduttore tra le voci più autorevoli della scena letteraria contemporanea italiana.

Impronte #1: Alice Visentin Dal 6 giugno

 

Impronte è un ciclo di commissioni d’artista nato da una condizione concreta della visita: l’uso dei calzari protettivi. Il primo progetto è affidato ad Alice Visentin (Ciriè, 1993) – artista la cui ricerca si concentra sull’immagine e sulla percezione – che trasforma un dispositivo conservativo in oggetto d’uso, opera e memoria della visita. I “calzari d’artista” accompagnano il percorso all’interno di Villa Cerruti e, al termine della visita, possono essere acquistati in edizione limitata, configurandosi al tempo stesso come oggetti d’uso e da collezione.

La ricerca di Alice Visentin comprende pittura, disegno e installazione, e trae origine tanto da narrazioni orali quanto dalla letteratura. Le sue opere si nutrono di storie e personaggi appartenenti sia alla cultura popolare sia a quella aulica, dando forma a mondi fantastici in cui si intrecciano immaginari contemporanei e tradizioni montane legate alle sue origini.

La seconda edizione di Impronte, prevista a dicembre, sarà affidata a Taus Makhacheva (Mosca, 1983), artista di base a Dubai che esplora il rapporto tra narrazione storica e autenticità culturale.

 

UNICUM #1: Tappeto Isfahan, detto “Polonese”

6 giugno – 29 novembre 2026

 

Sempre a partire dal prossimo 6 giugno, nella nuova project room della casa-museo, UNICUM inaugura un formato espositivo semestrale dedicato, di volta in volta, a una singola opera della Collezione Cerruti. Il programma porta in primo piano lavori meno accessibili, mettendone in risalto le qualità formali, storiche e simboliche. Attraverso un dispositivo di analisi storica e narrazione, ogni opera viene riletta nelle sue relazioni con il collezionista e con il contesto domestico che la accoglie.

Protagonista del primo appuntamento è il Tappeto Isfahan detto “Polonese”, straordinario manufatto safavide in seta, oro e argento, proveniente dalla collezione di Paul Getty a Malibu. A raccontarne storia e valore sarà Beatrice Campi, storica dell’arte ed esperta di arte islamica e indiana.

 

Fonogrammi

Dal 26 ottobre 2026 | in occasione di Torino Art Week

 

Dal 26 ottobre 2026, in occasione di Torino Art Week, debutterà Fonogrammi, una nuova serie di commissioni sonore che accompagnano i visitatori alla fruizione della Collezione, concepite per l’ascolto in presenza e online. Artisti, musicisti, storici e scrittori sono invitati a costruire percorsi sonori, con una forma ibrida tra visita guidata, saggio acustico e field recording. I primi quattro Fonogrammi saranno firmati da Beatrice Bonino, artista, Jeremy Deller, artista, Giorgio Di Domenico, storico dell’arte, e Siôn Parkinson, artista e musicista.

Durante Torino Art Week, dal 26 ottobre al 1 novembre 2026, la Collezione Cerruti sarà aperta tutti i giorni, dalle 10.30 alle 18, con i consueti orari di visita.

 

Quaderni di Fisica e Metafisica

Alla fine del 2026 uscirà il quarto numero dei Quaderni di Fisica e Metafisica, la rivista scientifica della Fondazione ideata nel 2024 da Andrea Cortellessa e dedicata allo studio e all’approfondimento dei temi legati alla Collezione. La collana affronta i propri argomenti secondo una duplice prospettiva: quella della “fisica”, con un approccio analitico e filologico, talvolta propriamente accademico; e quella della “metafisica”, che accoglie una dimensione speculativa, narrativa e saggistica. Il titolo rende omaggio a Giorgio de Chirico, tra gli artisti più amati da Cerruti. In uscita a dicembre 2026 con il titolo La religione del libro, il volume sarà dedicato alle relazioni tra bibliofilia, testi sacri, bibliomania e libro magico.

 

Seguendo un formato collaudato, aprirà  il numero il contributo di uno scrittore, in questo caso Tommaso Pincio, e quello visivo di un'artista, in questo caso Banu Cennetoglu; si avvicendano poi i saggi di Amy Hollywood sui poemi collage di Susan Howe; di Carlo Falciani sull'iconografia del libro nella pittura del Pontormo; Valeria D’Urso sull’esoterismo in Savinio; e poi un attraversamento puntuale della Collezione, in questo numero ad opera di Fabio Bertolo sulle legature di fine secolo e sul patrimonio librario della Collezione Cerruti. Infine, per la prima volta nei Quaderni, sarà presente una ristampa, tradotta eccezionalmente in italiano per l’occasione, di un estratto dal volume Bibliomania or Book Madness di Thomas Frognall Dibdin del 1809.

Dalla notte al giorno

2026, Talona a Torre del Greco, Napoli, marzo. Ph. Ambrosia Fortuna 

Il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano presenta Eravamo notte, ora siamo giorno, progetto espositivo dell’artista e fotografa Ambrosia Fortuna, a cura di Sabato De Sarno.
 
La mostra raccoglie una serie di fotografie e video realizzati nell’arco di oltre dieci anni tra Milano e Napoli, componendo un archivio visivo aperto e in continua evoluzione che attraversa esperienze personali, relazioni e comunità legate alla scena queer e drag italiana.
 
Il progetto prende forma a partire dall’esperienza diretta dell’artista, che giunge a Milano all’età di 21 anni entrando a far parte della vita culturale e notturna della città. Le immagini nascono all’interno di una rete di relazioni intime e condivise: non documentazione esterna, ma testimonianza vissuta, costruita attraverso fiducia, prossimità e appartenenza.
 
Fotografie e riprese video restituiscono frammenti di quotidianità — preparazioni, camerini, attese, momenti domestici, confessioni, amicizie — raccontando la dimensione umana e affettiva di una comunità che trova nello spazio notturno un luogo di espressione, trasformazione e libertà.
 
Nel percorso espositivo il tempo diventa elemento centrale: i corpi cambiano, le identità si trasformano, le relazioni si ridefiniscono. Rimane costante il desiderio di esistere, di essere riconosciuti e rappresentati con autenticità e delicatezza.
 
Con questo progetto il PAC prosegue la propria attenzione verso le pratiche artistiche contemporanee capaci di interrogare i temi dell’identità, della rappresentazione e delle comunità, valorizzando linguaggi che intrecciano dimensione personale e riflessione collettiva.
 
La mostra è promossa dal Comune di Milano – Cultura e prodotta dal PAC Padiglione d’Arte Contemporanea con Wunderplace Studio, in collaborazione con Orgoglio Porta Venezia Milano.

La mostra è realizzata con il supporto di Levi’s®, che attraverso questo progetto rinnova il proprio storico impegno a sostegno della comunità LGBTQIA+ ed è accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale. Con questa mostra il PAC partecipa a Milano Pride 2026, inserendosi nel ricco calendario di proposte culturali che interesseranno la città in occasione del Pride Month.

 Ambrosia Fortuna - ERAVAMO NOTTE, ORA SIAMO GIORNO
A cura di Sabato De Sarno 13.6-15.6 2026 
PAC Padiglione d’Arte Contemporanea

BIOGRAFIE

 

Ambrosia Fortuna

Ambrosia Fortuna (Napoli, 1993) è artista visiva e fotografa. La sua pratica nasce da un’esperienza diretta all’interno di contesti performativi e comunità marginali, in particolare legate alla scena queer e trans italiana.

Il suo lavoro si sviluppa tra Milano, Napoli e Roma, intrecciando fotografia, performance e ricerca visiva in una riflessione sui temi dell’identità, della trasformazione, del corpo e dell’appartenenza. Attraverso immagini intime e stratificate, costruisce archivi personali e collettivi in cui la fotografia diventa strumento di memoria, affermazione e cura.

Programma completo su pacmilano.it

 

Sabato De Sarno

Sabato De Sarno è un direttore creativo e curatore che lavora tra moda, arte e progetto editoriale. Dopo oltre vent’anni nel sistema moda, con un percorso sviluppato all’interno di realtà come Prada, Dolce & Gabbana e Valentino, è stato Direttore Creativo di Gucci fino a febbraio 2025. Il suo lavoro si è progressivamente ampliato verso una dimensione più trasversale. Oggi il suo approccio mette al centro processo, tempo e presenza umana. Tra i progetti recenti, Napoli Infinita e INSIEME, mostra curata presso Piscina Cozzi durante la Milano Design Week 2026, incentrata sul processo e sul lavoro degli artigiani. Vive e lavora tra Milano e Bruxelles. È collezionista di arte contemporanea e di pezzi di moda d’archivio.

 

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PAC Padiglione d’Arte Contemporanea

Il PAC è lo spazio pubblico per l’arte contemporanea a Milano, un luogo aperto a tutti dove vivere e condividere la cultura contemporanea attraverso l’arte. Leggere il proprio tempo è una sfida: richiede curiosità, apertura, confronto e assenza di pregiudizi. L’arte contemporanea allena a scardinare gli stereotipi e uscire dalla nostra zona di comfort per guardare la realtà con nuovi occhi e costruire nuove interpretazioni. Con questo obiettivo il PAC ha consolidato la sua reputazione come istituzione che indaga la scena artistica italiana e internazionale sulle tracce della sperimentazione e della ricerca. Progettato da Ignazio Gardella nel 1954, il PAC è uno dei primi esempi in Italia di spazio espositivo pensato per l’arte contemporanea, ispirato alle Kunsthalle europee. I suoi ampi e luminosi spazi hanno ospitato i grandi nomi del panorama artistico internazionale, insieme ad artisti già affermati, ma ancora poco noti al pubblico italiano, dialogando anche con il tessuto culturale della città per realizzare progetti di fotografia che interrogano le complessità della nostra società.

 

Orgoglio Porta Venezia Milano

ORGOGLIO PORTA VENEZIA MILANO è il progetto culturale diffuso ideato da Paolo Sassi, Carlo Barbarossa, Elena Di Marco e Silvia Beretta e promosso dall’Associazione Commercianti Porta Venezia Milano Rainbow District, nato per valorizzare il quartiere simbolo della comunità LGBTQIA+ milanese attraverso arte, cultura, inclusione e partecipazione. Durante il Pride Month, il progetto anima il distretto con un palinsesto di mostre, talk, performance, iniziative sociali e appuntamenti aperti alla cittadinanza, con l’obiettivo di promuovere libertà d’espressione, diritti, diversity e coesione sociale. Realizzato con il patrocinio del Comune di Milano e in collaborazione con istituzioni culturali, associazioni, media partner e realtà del territorio, Orgoglio Porta Venezia Milano si conferma un osservatorio contemporaneo sui temi dell’identità, dell’inclusione e della trasformazione urbana.

 

Levi’s®

Levi’s® collabora a questo progetto perché crede nel potere della self expression come forma di identità, libertà e appartenenza. Da sempre il brand attraversa i territori della cultura come spazio di presa di posizione, scegliendo di stare dove le identità si ridefiniscono e i linguaggi si trasformano, sostenendo comunità e movimenti che hanno fatto dell’autenticità un linguaggio condiviso.