Museo mobile

Se l'arte non c'è, la si può sempre portare, potrebbe essere il pensiero che in Gran Bretagna il Department for Culture, Media and Sport ha pensato con la no-profit Art Explora per creare un museo mobile, ideato dallo studio Ab Rogers Design (ARD). 

Vediamo meglio il progetto, il rinomato studio di architettura britannico Ab Rogers Design è stato incaricato della progettazione del nuovo museo mobile a seguito di un concorso internazionale, così nell'estate, alcune opere della Collezione d'Arte del Governo saranno in tournée nel sud-ovest e nel nord-ovest dell'Inghilterra. Questo è l'ultimo passo del governo per garantire a tutti l'accesso all'arte e alla cultura nei luoghi in cui vivono.  Il primo museo mobile permanente del Regno Unito partirà il prossimo anno, portando opere d'arte di livello mondiale direttamente a casa delle persone in tutto il paese. 

Un totale di 1,6 milioni di sterline, di cui 800.000 provenienti dal Dipartimento per la Cultura, i Media e lo Sport e 800.000 dall'ente benefico Art Explora, che promuove l'accesso all'arte, saranno utilizzati per costruire un veicolo all'avanguardia che visiterà tre collezioni nazionali all'anno, tra cui la Collezione d'Arte del Governo (GAC). Progettato dal rinomato architetto britannico Ab Rogers, questo nuovo e colorato veicolo sarà il primo museo mobile del Paese e rientra nel piano del Ministro della Cultura per garantire che l'arte sia accessibile ovunque e a tutti. 

A partire dal 2027, Art Explora porterà in tour il nuovo museo mobile con tre mostre annuali della durata di 12 settimane ciascuna. Le opere del GAC saranno presenti in una mostra all'anno, mentre partner nazionali e regionali, tra cui la National Portrait Gallery, la Leeds Art Gallery, il Birmingham Museums Trust e i National Museums Liverpool, insieme ad altri musei nazionali, realizzeranno il resto del programma per garantire la più ampia diffusione possibile in tutto il Regno Unito. 

La Government Art Collection (GAC) è stata istituita nel 1899 ed è una collezione nazionale di arte britannica storica, moderna e contemporanea, esposta negli edifici governativi del Regno Unito e di tutto il mondo. Le opere sono ammirate ogni anno da centinaia di migliaia di visitatori, promuovendo l'arte britannica e contribuendo alla diplomazia culturale. Attraverso un ampio programma di coinvolgimento del pubblico, la GAC ​​porta le opere d'arte nel cuore delle comunità e collabora con partner britannici e internazionali per sostenere lo scambio creativo e lo sviluppo delle competenze dei giovani. 

In vista di questo evento, si terrà un tour pilota di tre mesi nel Sud-Ovest e nel Nord-Ovest dell'Inghilterra con un museo mobile già esistente. Questo tour porterà una selezione curata di opere della collezione alle comunità di tutta l'Inghilterra quest'estate, comprese molte che non hanno mai avuto l'opportunità di visitare da vicino una galleria nazionale. 

La mostra riunisce una selezione di opere d'arte provenienti dalla Collezione d'Arte del Governo che esplorano l'influenza del mare su persone, luoghi e comunità. Attraverso temi come l'esplorazione, la migrazione e il cambiamento climatico, le opere riflettono i molteplici modi in cui il mare ha plasmato il Regno Unito e il mondo intero.

La ministra della Cultura Lisa Nandy ha dichiarato:

Sono determinato a far sì che la grande arte non sia appannaggio di pochi, ma accessibile a tutti, indipendentemente dal luogo di residenza. La Collezione d'Arte del Governo appartiene all'intero Paese e questo tour rappresenta un passo entusiasmante verso la realizzazione di questo obiettivo. 

Portando la collezione direttamente nelle comunità, nei parchi, nelle scuole, nelle biblioteche e nelle piazze, stiamo abbattendo le barriere che hanno impedito alle persone di fruire dell'arte che appartiene a tutti. Questo è ciò che "Arte ovunque" significa davvero nella pratica, e sono orgoglioso che lo stiamo rendendo possibile.

La creazione di un museo mobile permanente per il Regno Unito si basa sul successo di due precedenti tour del museo mobile Art Explora, realizzati in collaborazione con la Tate nel 2023 e nel 2024 nelle Midlands e nel Nord.

Il museo mobile è attualmente in fase di costruzione a Telford da parte di Torton Bodies Limited, un'azienda leader nel Regno Unito, con un design straordinario firmato dal rinomato architetto britannico Ab Rogers.

Jemima Montagu, direttrice di Art Explora, ha dichiarato:

Permane un divario sempre maggiore tra chi ha accesso a musei, gallerie e spazi artistici e chi ne è escluso. Art Explora si propone di colmare questa lacuna portando l'arte nel cuore delle comunità e condividendo più ampiamente le nostre ricche collezioni nazionali. Il nuovo Museo Mobile del Regno Unito è una straordinaria opera di design e ingegneria che sarà di per sé fonte di meraviglia e ispirazione ovunque andrà. Un TARDIS per il XXI secolo!

Frédéric Jousset, fondatore e presidente del consiglio di amministrazione di Art Explora, ha dichiarato:

Art Explora è nata dalla convinzione che l'arte debba essere accessibile a tutti. Ora disponiamo di una flotta di musei mobili in continua espansione in Francia, che – in oltre 15 anni – ha dimostrato il valore di portare l'arte delle nostre collezioni nazionali direttamente alle comunità. Il sostegno del governo britannico per un camion dedicato nel Regno Unito rappresenta un traguardo importante, che ci permette di estendere ulteriormente l'accesso alle grandi collezioni d'arte in tutta Europa.

Ab Rogers, fondatore e direttore di Ab Rogers Design, ha dichiarato:

Non capita tutti i giorni di avere l'opportunità di progettare un museo mobile. Volevamo catturare l'atmosfera dell'arrivo del circo in città, creando un'esplosione di energia e attesa che racchiudesse e valorizzasse collezioni straordinarie e accuratamente selezionate. Più mobile, più vibrante e più vivo di qualsiasi altro museo, è un progetto che mi sta molto a cuore.

Il museo mobile è uno dei programmi principali di Art Explora UK, un ente benefico per le arti fondato nel 2021 con la missione di affrontare le barriere sociali, economiche e geografiche che impediscono a molte persone di partecipare alle attività artistiche. Il museo mobile affronta direttamente queste barriere, installandosi a breve distanza a piedi da scuole e centri comunitari locali in aree caratterizzate da alti livelli di deprivazione e scarsa partecipazione culturale. Nell'arco di 36-40 settimane di tournée annuali, visiterà 40-45 località, raggiungendo 25.000 visitatori e servendo 130-150 scuole ogni anno.

Questo si aggiunge all'impegno del Ministro della Cultura di stanziare fino a 1,5 miliardi di sterline per il settore culturale nel corso di questa legislatura , con l'obiettivo del fondo Arts Everywhere di salvare oltre 1.000 tra luoghi d'arte, musei, biblioteche ed edifici storici in tutta l'Inghilterra, per garantire a tutti, ovunque, l'accesso all'arte a portata di mano.

Padiglione Italia alla Gwangju Biennale 2026

 In occasione della Gwangju Biennale 2026, l’Istituto Italiano di Cultura di Seoul presenta il 3° padiglione Italiano dal titolo The Look is A Li(k)e, a cura di Irene Campolmi. La mostra riunisce tre artisti italiani e due sudcoreani intorno al tema dell’apparenza e del modo in cui essa influenza la nostra percezione della realtà.

Il titolo della mostra gioca sulla doppia accezione della parola “look”, intesa allo stesso tempo come “lie” (menzogna) e “like” (approvazione, riconoscimento). Il progetto riflette sulla crescente sovrapposizione tra realtà fisica e digitale e sui modi in cui immagini, corpi, oggetti e ambienti vengono costruiti, percepiti e condivisi.

La mostra propone inoltre un confronto tra Italia e Corea del Sud, osservando come estetiche e codici culturali si influenzino reciprocamente in un contesto sempre più globale, caratterizzato dalla circolazione di immagini, modelli e nuovi linguaggi visivi.

Gli artisti coinvolti sono SAGG Napoli, Ru Kim, Raffaela Naldi Rossano, Davide Stucchi e Dew Kim, le cui pratiche affrontano, da prospettive differenti, temi legati al corpo, all’identità, al desiderio, alla percezione e alla rappresentazione.

Con The Look is A Li(k)e, il Padiglione Italiano propone così un’indagine contemporanea sull’apparenza come spazio di incontro tra ciò che mostriamo, ciò che gli altri vedono e il modo in cui costruiamo la nostra realtà.

Thomas Houseago da Lévy Gorvy Dayan

A Londra la galleria Lévy Gorvy Dayan propone fino al 19 Settembre una interessante mostra con le opere di Thomas Houseago in dialogo con una selezione di opere di altri importanti artisti del novecento, ma non solo.

Curata da Houseago nello spirito di un gabinetto delle curiosità, la mostra svela nuove sculture dell'artista insieme a una selezione di oggetti, che spaziano da manufatti egizi, greci e aztechi a opere di Joseph Beuys, Louise Bourgeois, Jacob Epstein, Lucio Fontana, Henri Gaudier-Brzeska, Julia Isídrez, Jacques Lipchitz, Henri Matisse, Marisa Merz, Meret Oppenheim, James 'Son Ford' Thomas e Günther Uecker. Intitolata come gli specchi di ossidiana della cultura azteca – un esempio dei quali sarà esposto – Death's Sacred Mirror accompagna il visitatore in un viaggio attraverso la storia della scultura, fondamentale per la pratica artistica di Houseago.

Una nuova edizione di Crystal No. 1 (2026) di Houseago è il fulcro della presentazione. L'opera rappresenta l'indagine dell'artista su temi quali bellezza, grazia e femminilità, e si inserisce nella sua esplorazione, che dura da tutta la carriera, di imponenti figure maschili. "La scultura", ha affermato Houseago, "è un impegno brutale. Si è costretti a guardare indietro e ad ammirare ciò che è stato fatto...". In Death's Sacred Mirror , le sculture di Houseago trovano risonanza in opere d'arte e antichità che abbracciano millenni, rivelando la sua incessante ricerca di aspetti senza tempo del mezzo scultoreo e le sue continue indagini sulla sua eredità e sulle sue possibilità.

I reperti archeologici inclusi nella mostra "Thomas Houseago: Death's Sacred Mirror" sono presentati in collaborazione con Rupert Wace e Charles Ede Ltd, Londra.

Connettersi al Bronk di New York

 Immagini dell'installazione di Argenis Apolinario, 2026

Sta per chiudersi la mostra "Forme di connessione" parte del progetto AIM del Bronx Museum di New York. La mostra indaga il tema della connessione e il senso di appartenenza all'interno dello spazio museale? Sono presentate opere degli ultimi due gruppi del programma AIM Fellowship del Bronx Museum . Nell'ambito del programma, questi 28 artisti hanno sviluppato strutture di connessione e comunità; presentate insieme, le loro opere avviano un dialogo che invita e amplia ulteriormente l'esperienza collettiva.

Giunto alla sua 45ª edizione, AIM è un programma intensivo di seminari della durata di un anno in cui gli artisti acquisiscono competenze utili a sviluppare e consolidare la propria carriera. Oltre a fornire conoscenze specifiche e pratiche, il programma AIM promuove e sostiene la formazione di una comunità di artisti.

 Immagini dell'installazione di Argenis Apolinario, 2026

La settima edizione della Biennale AIM è organizzata in tre sezioni fluide e sovrapposte. Le opere in mostra esplorano la connessione e la disconnessione: con il proprio patrimonio culturale, evocando memoria, tempo, cultura e geografia; con la società e le sue norme, pratiche e strutture, attraverso una critica sociale e istituzionale; e con altri individui o gruppi, espressi attraverso idee di identità, intimità e distanza. Sia singolarmente che nel loro insieme, queste opere mappano intersezioni e opposizioni, isolamento e appartenenza.

Inoltre, questa mostra analizza e dimostra come il Bronx Museum, sede sia dell'AIM Fellowship stessa sia di questa mostra collettiva delle opere dei suoi partecipanti, funzioni e possa continuare a funzionare come luogo di connessione in cui le comunità possono formarsi e il senso di appartenenza può essere promosso.

 Immagini dell'installazione di Argenis Apolinario, 2026

Dati recenti

 

Con piacere condivido questi dati sul flusso di visitatori, che sta lentamente crescendo con un positivo riscontro giornaliero. 

Considerando che si tratta dell'unico blog di arte che ha oramai più di 25 anni di attività, mi pare un bel risultato del mio interesse per l'arte, soprattutto contemporanea. 

Venezia, Homo Faber

In collaborazione fra  Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte e Michelangelo Foundation, in partnership con Fondazione Giorgio Cini, torna a Venezia  la quarta edizione di Homo Faber: An Island of Light, evento dedicato all’arte dell’eccellenza artigiana. La direzione artistica è affidata a Es Devlin, che porterà la sua arte luminosa sull’Isola di San Giorgio Maggiore a Venezia, dal 1 al 30 settembre 2026. La pluripremiata artista britannica è celebre per le sue monumentali installazioni e sculture cinetiche, che hanno arricchito musei, gallerie, teatri e stadi olimpici in tutto il mondo; la sua installazione Library of Light ha attirato 200 mila visitatori alla Pinacoteca di Brera durante il Salone del Mobile di Milano.

Gli artigiani saranno i protagonisti assoluti degli spazi espositivi, il punto focale dell’esperienza dei visitatori. Fotografie, video, poesie e musica metteranno in risalto i loro volti, le loro nazionalità e le loro culture. La ricostruzione di un laboratorio artigianale mostrerà da vicino i loro strumenti, materie prime e tecniche di lavoro e diversi artigiani praticheranno dal vivo la loro arte in tre delle sale principali. Tutte le opere e le installazioni saranno presentate ai visitatori da un nuovo gruppo di Young Ambassadors, 90 talentuosi studenti di design e arti applicate provenienti da tutto il mondo selezionati da Homo Faber per animare la mostra. An Island of Light, un’esperienza profonda e stimolante, andrà a esplorare il rapporto fondamentale tra luce, materiali e manodopera.

Oltre agli spazi espositivi, la quarta edizione comprenderà anche un ricco programma di dimostrazioni dal vivo, laboratori partecipativi ed esperienze gastronomiche uniche, permettendo ai visitatori di immergersi ancora di più nel mondo dell’artigianato e di organizzare la giornata in base ai propri interessi specifici.

Infine, oltre alla mostra, Homo Faber 2026 vedrà il ritorno di Homo Faber in Città: per tutto il mese di settembre le botteghe artigiane veneziane riportate sulla Homo Faber Guide apriranno le porte ai visitatori, mentre un programma di mostre affascinanti su Venezia e il suo ricco patrimonio artigianale sarà allestito in alcuni fra gli splendidi siti della Serenissima.

Intervista a Cecily Brown con Celia Paul in conversazione alla Serpentine

 Le artiste Cecily Brown e Celia Paul esplorano i loro approcci individuali alla pittura, le pratiche quotidiane in studio e le immagini che continuano a ispirarle, in una conversazione moderata dalla Direttrice dei Programmi e Curatrice Capo, Lizzie Carey-Thomas.

Sebbene le loro sensibilità artistiche differiscano significativamente, Brown e Paul condividono un profondo impegno nei confronti della pittura come mezzo di osservazione, memoria e trasformazione. Attingendo a una vasta gamma di fonti visive, Brown crea tele dinamiche e ricche di stratificazioni, animate da pennellate vigorose, colori luminosi e un continuo gioco tra rivelazione e astrazione. Al contrario, i ritratti e gli autoritratti intimi di Paul esplorano le profondità emotive dell'esperienza vissuta con sensibilità e moderazione. Le sue opere combinano intensità emotiva e quiete, invitando a una riflessione prolungata sul rapporto tra mondo interiore ed esteriore.

La loro comune passione per il colore, il processo pittorico e la storia dell'arte si riflette in uno scambio di lettere, estratti dal catalogo della mostra di Brown alla Serpentine Gallery, "Picture Making". Questi scritti offrono uno sguardo sulle affinità e le differenze che plasmano le loro pratiche artistiche.

Prossimamente Musei Torino

Torino

L'autunno torinese porterà tantissima arte nei musei della città, ad iniziare dal grande evento dedicato a Marisa Merz, diffuso in diverse location, per proseguire con l'intervento di Giuseppe Caccavale alla GAM, mentre il MAO ospiterà una mostra dedicata a Song Dong, e la rassegna Declinazioni Contemporanee con gli artisti Driant Zeneli, Gala Porras-Kim, Elif Uras e Dayanita Singh. Gli spazi di Palazzo Madama ospiteranno un interessante ricognizione sul Liberty e sul sorriso del misterioso ritratto di Antonella da Messina. 

Ma eccovi alcuni dettagli:

MARISA MERZ - La danza delle ore

29 ottobre 2026 - 4 aprile 2027
 Una mostra in tre sedi: Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea e Fondazione Merz
GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino, a cura di Chiara Bertola, Sébastien Delot, Francesco Manacorda, Beatrice Merz, Chiara Parisi, Marianna Vecellio
 
Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Fondazione Merz, GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino si uniscono per collaborare a una mostra in tre atti che celebra il centenario della nascita di Marisa Merz, realizzata grazie al sostegno della Fondazione CRT. Concepita per ripercorrere l’opera e l’eredità dell’artista nata a Torino il 23 maggio 1926, Marisa Merz – La danza delle ore è una retrospettiva senza precedenti e difficilmente replicabile nella sua completezza e profondità. La mostra riunisce un insieme straordinario di lavori, di cui alcuni inediti, a testimonianza di una vita creativa che continua a essere fonte di ispirazione e riscoperta artistica in tutto il mondo. I tre episodi della mostra danno l’opportunità di approfondire aspetti diversi quali il processo creativo e l’uso dei materiali, il tempo quotidiano come dimensione creativa e la casa come laboratorio alchemico, la nozione di spazio come luogo fisico e metafisico. Nell’insieme la mostra intende dare conto della continua evoluzione e trasformazione che l’artista ha messo in atto lungo tutta la sua esistenza, dando vita a un’opera sempre aperta.
 

 
L’INTRUSO - GIUSEPPE CACCAVALE NELL’OLTRETEMPO
Montagne e Gessi dal DEPOSITO della GAM
29 ottobre 2026 - 4 aprile 2027  a cura di Chiara Bertola e Virginia Lupo
   
Nell’Oltretempo è il progetto che vede Giuseppe Caccavale intervenire come “intruso” della QUINTA RISONANZA, invitato a instaurare un dialogo con il patrimonio della GAM.
L’artista, insieme alle curatrici Chiara Bertola e Virginia Lupo, ha esplorato i ricchissimi depositi del museo selezionando un nucleo di gessi e alcuni dipinti dedicati al paesaggio montano, con particolare attenzione alle montagne che disegnano l’orizzonte di Torino.
L’intervento di Caccavale concepito per lo Spazio del Contemporaneo si svilupperà direttamente sulle pareti attraverso uno spolvero, tecnica ricorrente nella sua pratica, che trasferisce la scrittura per mezzo della polvere e del contatto, evocando la fragilità e insieme la persistenza della traccia. L’opera muraria avvolgerà lo spazio espositivo, creando un ambiente in cui si inseriranno le opere selezionate dal deposito.
 
 
SONG DONG. SOUL OUT
23 ottobre 2026 – 27 giugno 2027 a cura di Davide Quadrio e Li Zhenhua in collaborazione con Francesca Filisetti e Rebecca Ricci
 
Dal 23 ottobre 2026 fino al 27 giugno 2027 il MAO Museo d’Arte Orientale di Torino presenta Song Dong. Soul Out, la prima mostra personale in Italia dedicata all’artista Song Dong (Pechino, 1966) a cura di Li Zhenhua e Davide Quadrio, con Francesca Filisetti e Rebecca Ricci. L’esposizione è concepita come un progetto site-specific che coinvolge l’intero museo, trasformandolo in un dispositivo narrativo in cui le opere di Song Dong entrano in dialogo con le collezioni permanenti e con l’architettura storica di Palazzo Mazzonis. Riunendo alcune delle installazioni più iconiche dell’artista, insieme a un archivio di fotografie e video di performance realizzate dagli anni ‘90 a oggi, Song Dong. Soul Out ripercorre oltre trent’anni di lavoro, mettendo in luce una pratica capace di intrecciare esperienza individuale e storia collettiva, memoria privata e trasformazioni sociali, restituendo al contempo uno sguardo sulla Cina contemporanea.
 
  
DECLINAZIONI CONTEMPORANEE #4 dal 31 ottobre 2026
  
Si inaugura sabato 31 ottobre, in occasione di Artissima, la quarta edizione di Declinazioni Contemporanee, il programma di residenze e commissioni site-specific che invita artisti contemporanei a interpretare, rileggere e valorizzare il patrimonio museale del MAO, calandolo nel presente per individuare connessioni e significati inediti fra epoche e culture diverse.  Gli artisti coinvolti nell’edizione di quest’anno sono Driant Zeneli, Gala Porras-Kim, Elif Uras e Dayanita Singh.
  
 
Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica
 
IL CORPO DELLA CITTÀ - Moda e Arti tra Liberty e Modernità 1884 – 1961
15 ottobre 2026 - 22 febbraio 2027  a cura di Maria Paola Ruffino, Giovanni Carlo Federico Villa e Gregorio Mazzonis 
 
Torino è una città che ha saputo reinventarsi più volte nel corso della sua storia. Dopo la perdita del ruolo di capitale del Regno d'Italia nel 1865, ha costruito nuove identità attraverso l'industria, la cultura, la moda, l'arte e l'innovazione. È proprio questo processo di trasformazione il punto di partenza de Il corpo della città, la nuova mostra di Palazzo Madama che racconta un secolo di storia torinese attraverso il corpo: rappresentato, vestito, disciplinato, liberato e trasformato dalle profonde evoluzioni della società moderna. La mostra propone una lettura originale della modernità torinese: osservare la città attraverso il corpo, inteso non soltanto come soggetto artistico, ma come spazio in cui si riflettono i cambiamenti sociali, economici e culturali, luogo ideale di intersezione fra moda, arte e trasformazioni urbane. 
 
  
INCONTRO CON IL CAPOLAVORO
ANTONELLO DA MESSINA. L'ENIGMA DEL SORRISO
13 novembre 2026 – 22 febbraio 2027
 
Dopo la prima tappa siciliana al Museo Mandralisca di Cefalù, dal 12 novembre 2026 al 22 febbraio 2027, la mostra L' enigma del sorriso. Antonello da Messina tra Cefalù e Torino arriva nelle sale di Palazzo Madama. Il progetto espositivo, di eccezionale rilievo scientifico e culturale, nasce dalla collaborazione tra la Fondazione Culturale Mandralisca ETS e Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica di Torino e offre, per la prima volta, l'opportunità di mettere in dialogo diretto due tra i massimi capolavori della ritrattistica rinascimentale europea, entrambi realizzati da Antonello da Messina, entrambi custodi di un enigma — quello del sorriso — che non ha mai smesso di interrogare chi li osserva.  Il celebre Ritratto d'uomo del Museo Mandralisca, universalmente noto come l'Ignoto marinaio, sarà infatti posto a confronto con il Ritratto d'uomo conservato a Palazzo Madama, conosciuto come Ritratto Trivulzio, dando vita a un dialogo inedito di straordinario valore storico e artistico.
La mostra si inserisce nel ciclo Incontro con il capolavoro, il programma espositivo promosso da Palazzo Madama per rileggere i grandi maestri della storia dell’arte antica e moderna.
 

Prossimamente Lucas Museum

Vista aerea del Lucas Museum in costruzione 2025, © 2025 JAKS Productions. Photo by Sand Hill Media/Eric Furie. All rights reserved.

La suggestiva astronave del Lucas Museum a Los Angeles salperà il 22 settembre con tantissime proposte.

Il Lucas Museum of Narrative Art esplorerà il modo in cui gli artisti raffigurano i miti fondamentali che ci aiutano a dare un senso al mondo, offrendoci valori condivisi e credenze comuni, unendoci come comunità e creando un senso di appartenenza.

Le mostre inaugurali includono oltre 1.200 opere che rappresentano l'arte narrativa attraverso il tempo e il mondo. Allestite in più di 30 gallerie, occupano circa 9.300 metri quadrati di spazio espositivo.

Tratte dalla collezione originaria del Museo, le mostre ripercorrono l'evoluzione della cultura umana attraverso la narrazione, dalle antiche sculture di dei e dee ai dipinti rinascimentali, fino a fotografie, fumetti e cinema moderno.

Molte mostre sono organizzate per tema, concentrandosi su miti sull'amore, la famiglia, la comunità e l'avventura che uniscono ogni generazione. Queste storie condivise, raccontate più e più volte in molteplici forme, ci legano e definiscono la nostra esperienza umana.

Altre mostre sono dedicate a singoli artisti del XX secolo, le cui immagini hanno connesso la nostra immaginazione moderna con emozioni e credenze antiche.

Le mostre sono ricche di oggetti e opere d'arte familiari e riconoscibili che fanno parte della vita quotidiana, creando spazi accoglienti che trasmettono un senso di calore umano e di appartenenza.

I mezzi contemporanei di narrazione visiva come l'illustrazione, i fumetti e le graphic novel non hanno sempre ricevuto il rispetto che meritano. Il Lucas Museum of Narrative Art crea una casa per quella che George Lucas ha definito "l'arte del popolo".

Le mostre includono:

Architettura – i progetti innovativi che hanno ispirato la visione architettonica del museo
Benton – opere selezionate di Thomas Hart Benton raffiguranti la vita americana
Storie per bambini – illustrazioni di letteratura per bambini di Beatrix Potter, Leo Politi, EH Shepard, Jacob Lawrence e altri
Cinema – una selezione di scenografie, oggetti di scena e costumi dagli Archivi Lucas
Vita quotidiana – una serie di gallerie dedicate a storie visive su Infanzia, Comunità, Famiglia, Amore, Maternità, Gioco, Scuola, Sport e Lavoro, che esprimono i miti che hanno sia riflesso che plasmato la moderna società americana
Vita civica – ritratti di artisti dell'esperienza nel tribunale, nel seggio elettorale, nel quartier generale politico e altro
Fumetti • Storie grafiche – una vetrina delle ricche collezioni del museo di fumetti americani ed europei, tra cui opere di Mœbius, Marie Severin, Jack Kirby, Alison Bechdel, Jim Lee, Frank Miller e Rafael Navarro
Manga – selezioni dalla collezione del Museo di opere influenti nell'illustrazione e animazione giapponese
Frazetta – illustrazioni e copertine di libri selezionate del flamboyant Frank Frazetta
Storia – Dipinti, stampe e illustrazioni che raccontano (e ri-raccontano in modo significativo) le storie di importanti eventi storici
Jessie Willcox Smith – scene classiche dell'illustratore di fiabe e scene d'infanzia
Murales – opere d'arte narrativa pubbliche di grandi dimensioni di Judith F. Baca, Diego Rivera e JR
Narrative Forms – una serie di gallerie che mettono in evidenza l'arte narrativa attraverso i generi di Avventura, Fantasy, Romanzo e Fantascienza di artisti tra cui Julie Bell, Boris Vallejo, Ken Kelly, Georges Méliès, John C. Berkey e Jeffrey Catherine Jones
Parrish – visioni lussureggianti e oniriche dei primi del XX secolo dell'illustratore Maxfield Parrish
Fotografia – potenti immagini documentarie di Robert Capa, Gordon Parks, Alfred Eisenstaedt, Dorothea Lange e altri
Rockwell – una selezione delle rinomate opere del celebre illustratore americano Norman Rockwell conservate nel museo
Wyeth – illustrazioni di libri dagli anni '10 agli anni '40 dell'incomparabile NC Wyeth
Storie western – miti del West americano, tra cui carovane di carri, sparatorie, città di frontiera e altro ancora

Fra le tante la mostra sul cinema ripercorrerà l'evoluzione della cultura umana attraverso la narrazione visiva, dalle antiche sculture di dei e dee ai dipinti rinascimentali, fino alle fotografie, ai fumetti e al cinema moderno.

Il primo film di Star Wars  è uscito il 25 maggio 1977, introducendo uno degli universi cinematografici più influenti e duraturi, che continua ad affascinare la cultura popolare globale ancora oggi. La mostra " Star Wars in Motion" trasporterà i visitatori del Museo in una galassia lontana, lontana, attraverso una selezione di visionari design di veicoli, oggetti di scena, costumi e illustrazioni tratti dai primi sei film della saga di George Lucas, con una vasta gamma di auto da corsa ad alta velocità, imponenti veicoli da trasporto e astronavi.

Dal Landspeeder di Luke in Star Wars: Episodio IV - Una nuova speranza  alla prima versione fisica della Wheel Bike del Generale Grievous da Star Wars: Episodio III - La vendetta dei Sith,  la mostra inaugurale del Lucas Museum dedicata al cinema stupirà il pubblico con le possibilità del movimento propulsivo su mondi lontani ed esotici.

La scorsa settimana il Museo ha svelato i dettagli delle sue mostre inaugurali , che comprendono oltre 1.200 oggetti rappresentativi dell'arte narrativa attraverso il tempo e il mondo.

A proposito di arte narrativa:

l'arte narrativa è creata per raccontare storie attraverso le immagini. Gran parte dell'espressione artistica mondiale è stata motivata dalla narrazione, trasmettendo storie radicate nella religione, nel mito, nella storia, nella letteratura o in eventi significativi. L'arte narrativa si manifesta in molte forme, dai disegni rupestri e geroglifici a dipinti, murales, illustrazioni, fumetti e sculture. Dal XIX secolo, l'arte narrativa si è diffusa nella fotografia, nell'illustrazione di riviste e libri, nel cinema e nei media digitali, rivolgendosi a un vasto pubblico e dando nuova forma ai miti e alle storie che plasmano le credenze, comunicano valori, stimolano l'immaginazione e creano comunità. Il nostro obiettivo è quello di permettere alle persone di interagire con le opere d'arte attraverso le storie avvincenti che raccontano.

Informazioni sulla collezione

George Lucas colleziona arte narrativa da oltre 50 anni. La collezione fondatrice del Lucas Museum rappresenta oltre 40.000 opere d'arte di illustratori tra cui Norman Rockwell, Jessie Willcox Smith, Maxfield Parrish, Kadir Nelson e Andrew Wyeth; fumettisti tra cui Winsor McCay, George Herriman, Jack Kirby e R. Crumb; muralisti tra cui Judith F. Baca, JR e Diego Rivera. Saranno inoltre esposte opere di Frida Kahlo, Jacob Lawrence, Charles White e Robert Colescott. Il museo presenterà oggetti di scena e costumi provenienti dagli archivi Lucas, locandine di film e documentari dedicati ad artisti e registi.

Storia fra arte e mercato ...

 

Per le edizioni Gagosian è stato pubblicato il libro "Trading Beauty: Art Market Histories from the Altar to the Gallery" scritto da Valentina Castellani, che da diversi anni si occupa di  consumo dell'arte. Il testo ripercorre l'evoluzione del mercato dell'arte occidentale dal Medioevo ai giorni nostri, anche se certi concetti e modi non siano poi proprio così filologici, ma sapendo chi è l'editore...

Nei tredici capitoli, la Castellani prova a dimostrare come arte e commercio siano stati indissolubilmente legati nel corso della storia, fin dal Medioevo, analizzando come le circostanze sociali, culturali, religiose ed economiche dei diversi periodi abbiano plasmato i modelli di produzione, valorizzazione e valutazione dell'arte. 

Forte della sua esperienza maturata presso Sotheby's e Gagosian, l'autrice suggerisce inoltre che i recenti cambiamenti sociali e tecnologici, unitamente alle mutate dinamiche demografiche dei collezionisti, potrebbero preannunciare un mondo dell'arte più decentralizzato, diversificato e democratico.

Castellani arricchisce il suo vivace racconto con aneddoti e profili che mettono in luce momenti e personalità chiave, offrendo uno sguardo avvincente sui meccanismi che hanno plasmato il mercato dell'arte come lo conosciamo oggi.