Fino alla fine dell'anno presso la Fondazione Antonio Dalle Nogare è in corso la mostra dal titolo Under the Spell of Duchamp, curata da Eva Brioschi.
Il titolo fa riferimento all’influenza di Marcel Duchamp spesso definita come una sorta di incantesimo (spell), sotto il quale, molti degli artisti del secolo scorso, hanno realizzato le proprie opere.
Foto di Jurgen Eheim
Duchamp è considerato il preconizzatore dell’arte concettuale ante litteram, poiché il suo desiderio di liberare l’artista dal giogo della produzione di opere – create col solo intento di appagare la “visione retinica” – e il suo desiderio di desacralizzare il gesto artistico inteso come furore creativo, hanno provocato negli artisti delle generazioni successive riflessioni sull’essenza stessa del fare arte.
Foto di Jurgen Eheim
L’idea, il processo, il momento progettuale, diventano così più importanti dell’oggetto residuale che, in conseguenza di questi, prende forma, o semplicemente “appare”.
Il fulcro della mostra è La Boîte en Valise intorno a cui ruotano altre recenti acquisizioni della Collezione.
Prossimamente Sotheby’s a Parigi rilancia con nuovi eleganti spazi che apriranno durante le giornate di Art Basel Paris, dal 18 al 20 ottobre 2024.
Nella centrale Rue du Faubourg Saint-Honoré al numero 83 sviluppata su cinque piani per poter offrire al meglio tutto il mondo dell'arte e non solo al vasto pubblico internazionale che frenquenta la Ville Lumiere.
Dopo il rinnovamento della sede di Hong Kong, realizzato in questo mese e prima dell'apertura della sede nello storico palazzo Breuer di New York, prosegue l'azione di ammodernamento di questa storica casa d'aste.
Dopo il grande successo della mostra a Roma e a Milano, la meravigliosa collezione dei Marmi Torlonia ha iniziato un lungo percorso di attenzione internazionale, che ora li vede proposti presso il più famoso museo d'arte del mondo, il Louvre a Parigi.
Presso gli spazi degli appartamenti d'estate di Anna d'Austria, da poco restaurati, accolgono una selezione dei capolavori della storica raccolta di sculture antiche dei principi romani. Scaturita dalla passione per l’arte antica dei principi Torlonia, eredi delle pratiche nobiliari della Roma papale, la collezione Torlonia ambiva, in particolare con l’apertura del Museo Torlonia negli anni Settanta dell’Ottocento, a rivaleggiare con i grandi musei pubblici: Musei Vaticani, Musei Capitolini e Museo del Louvre.
Dal 2020 la collezione Torlonia è oggetto di una serie di mostre-evento che offrono al pubblico la possibilità di riscoprire , dopo una lunga eclissi, l’eccezionale raccolta di sculture del Museo istituito da Alessandro Torlonia nel 1876 e chiuso a metà del Novecento.
Le prime due tappe della mostra, sono state a Roma e Milano, con la curatela di Salvatore Settis e Carlo Gasparri con l’alta sorveglianza della Soprintendenza Speciale di Roma, ricostruivano la storia della collezione a ritroso. La mostra parigina nasce dalla volontà di presentare al pubblico, in un luogo carico di storia, questa collezione poco conosciuta in Francia e invita a compiere un viaggio estetico e archeologico fra le opere che la compongono, instaurando un dialogo con le collezioni del Louvre.
Il percorso espositivo si sviluppa su alcuni temi come il ritratto, con il capolavoro della Fanciulla di Vulci, o sulla pratica delle copie celebri come il fantastico cratere della collezione Torlonia, ma ci sono anche i meravigliosi lavori ispirati alla danza. Una mostra di meraviglie antiche che si potranno visitare fino all'11 Novembre.
Immagini : Capolavori della Collezione Torlonia al Louvre Copyright Fondazione Torlonia foto di Agostino Osio
Anche per l'autunno si confermano una serie di eventi fieristici di grande pregio come sempre a Parigi ci sarà Art Basel Parigi, seguirà poi Artissima ma soprattutto ci sarà la coppia Frieze London e Frieze Masters che da sempre mettono in dialogo le tendenze fra il contemporaneo e il classico antico e moderno.
Ma ecco alcune recenti notizie
Per l'edizione 2024 ci sarà un nuovo design per Frieze London e una nuova direzione curatoriale per Frieze Masters. Entrambe le fiere, che si terranno contemporaneamente dal 9 al 13 ottobre 2024 al Regent’s Park, porranno l’accento sugli artisti e sulla scoperta. Frieze London presenterà una nuova planimetria innovativa realizzata dallo studio di design A Studio Between. Il layout e l’ingresso riconfigurati danno maggiore risalto alle sezioni curate della fiera, tra cui Artist-to-Artist e la sezione tematica di quest’anno, Smoke. Inoltre, entrando in fiera, i visitatori incontreranno un paio di stand, selezionati ogni anno dal comitato Frieze London, ciascuno dei quali mostrerà un'eccezionale presentazione di un artista. Questa iniziativa garantisce che ogni anno nuove voci con maggiore visibilità. A Frieze Masters debutterà un approccio incentrato sull'artista, con una sezione Studio ampliata e una planimetria raffinata dello studio di Annabelle Selldorf per incoraggiare i visitatori a tracciare connessioni tra oggetti e opere di tempi e luoghi diversi.
I programmi Frieze London e Frieze Masters includeranno progetti e attivazioni speciali, tra cui il ritorno del Frieze London Artist Award e dei Frieze Masters Talks, oltre a collaborazioni con le principali organizzazioni artistiche e istituzioni pubbliche del Regno Unito.
Frieze Sculpture, curata da Fatoş Üstek per il secondo anno, si svolgerà dal 18 settembre all'ottobre 2024 nei giardini inglesi di Regent's Park.
Eva Langret (Direttrice di Frieze London) ha dichiarato: “I visitatori quest’anno troveranno la fiera reinventata, con presentazioni personali e artisti emergenti in primo piano, a dimostrazione dell’impegno di Frieze nei confronti dell’arte più emozionante realizzata oggi. Il nostro nuovo layout prevede anche più spazi per la conversazione e lo scambio.
Questi cambiamenti promettono nuove esperienze e nuove prospettive”. Frieze London 2024 presenterà più di 160 gallerie provenienti da 43 paesi. Questi includono alcuni degli spazi più importanti di Londra: Arcadia Missa, Carlos/Ishikawa, Sadie Coles HQ, Thomas Dane Gallery, Emalin, Stephen Friedman Gallery, Alison Jacques, Lisson Gallery, Kate MacGarry, Victoria Miro, Modern Art, Maureen Paley e White Cube. Le principali gallerie internazionali presenti alla fiera includono Gagosian, Goodman Gallery, Hauser & Wirth, Gallery Hyundai, Tina Kim Gallery, Lehmann Maupin, Pace Gallery, Perrotin, Almine Rech, Thaddaeus Ropac, Esther Schipper, Sprüth Magers e David Zwirner.
Dopo il suo debutto nel 2023, Artist-to-Artist ritorna come pietra angolare del programma guidato dagli artisti della fiera con sei presentazioni personali, selezionate da artisti di fama mondiale Hurvin Anderson, Lubaina Himid, Rashid Johnson, Glenn Ligon, Zineb Sedira e Yinka Shonibare Smoke Questa nuova sezione tematica è stata organizzata da Pablo José Ramírez (curatore, Hammer Museum, Los Angeles) e presenterà opere in ceramica che esplorano storie diasporiche e indigene.
Smoke riunirà artisti internazionali per presentare la ceramica come una delle forme estetiche di maggior impatto nell'arte contemporanea.
Focus Con il suo nuovo posizionamento di rilievo per il 2024, la sezione di lunga data di Frieze dedicata alla giovane comunità di gallerie presenterà numerosi nuovi spazi che definiscono la vibrante scena contemporanea di Londra. Focus è presentato in collaborazione con Stone Island, le cui borse di studio aiutano ulteriormente la partecipazione delle giovani gallerie alla fiera insieme al supporto esistente di Frieze.
Con 130 gallerie provenienti da 26 paesi, Frieze Masters 2024 è guidato da Nathan Clements-Gillespie e vede un approccio reinventato e incentrato sull'artista, tra cui una sezione Studio ampliata e una planimetria ridefinita per incoraggiare connessioni creative attraverso la storia dell'arte. La nuova consulente creativa della fiera, Sheena Wagstaff, ha dichiarato: "La nostra nuova direzione curatoriale riconosce il modo in cui gli artisti visitano Frieze Masters per soddisfare la loro curiosità, ringiovanire il loro pensiero e vedere come il lavoro dei loro colleghi artisti riflette i valori creativi del passato."
La fiera presenta importanti gallerie tra cui Galerie Chenel, Sam Fogg, Gagosian, Richard Green, Dr. Jörn Günther Rare Books, Johnny Van Haeften, Hauser & Wirth, Lehmann Maupin, Skarstedt e Axel Vervoordt, e i principali rivenditori coreani Arario Gallery, Gana Art, Galleria Hakgojae e Galleria Johyun. Quest’anno vede un contingente particolarmente nutrito di esperti di arte asiatica antica, tra cui Gisèle Croës s.a, Rasti Fine Art, Carlton Rochell Asian Art, Rossi & Rossi, Tenzing Asian Art e Thomsen Gallery.
Tra i nuovi partecipanti per il 2024 figurano Afridi (Londra), Bijl-Van Urk Masterpaintings (Alkmaar), Galatea (Salvador, San Paolo), Galerie Léage (Parigi), Tilton Gallery (New York) e Trias Art Experts (Monaco). Studio Studio, sempre a cura di Sheena Wagstaff, evoca un luogo del fare in cui il senso del passato storico di un artista accende una scintilla di invenzione, che si manifesta come un oggetto per il futuro. La formazione di quest'anno comprende Isabella Ducrot, Nathalie Du Pasquier, Shirazeh Houshiary e Doris Salcedo.
Dopo alcune settimane di complessità è stato riavviato il processo di realizzazione della prossima documenta, ecco il nuovo comitato che è stato reso pubblico recentemente. Sei eminenti esperti internazionali di arte contemporanea sono stati nominati nel nuovo Comitato di Ricerca di documenta 16, approvato all'unanimità dal Consiglio di Sorveglianza su proposta dell'Amministratore Delegato. Il Comitato riunisce Yilmaz Dziewior, Sergio Edelsztein, N'Goné Fall, Gridthiya Gaweewong, Mami Kataoka e Yasmil Raymond. Il comitato di ricerca ha il compito di invitare figure pionieristiche dell'arte contemporanea a presentare il loro concetto per diventare la direzione artistica di documenta 16 a Kassel e di selezionare quindi il formato più promettente per l'implementazione tra quelli presentati. L'amministratore delegato di documenta und Museum Fridericianum gGmbH, Andreas Hoffmann, afferma: "Sono lieto che siamo riusciti ad attirare un comitato di ricerca di così alto livello per documenta 16, subito dopo lo sviluppo organizzativo. Con la loro comprovata competenza e background diversificati , i partecipanti rappresentano in modo straordinario la diversità e il carattere internazionale delle mostre di documenta. Con il loro impegno nei confronti del comitato di ricerca dimostrano un grande senso di responsabilità per l'arte contemporanea e documenta in questo momento molto speciale – cosa per cui mi piacerebbe. Ringrazio sinceramente tutti i membri del Comitato. Non vedo l'ora di lavorare con loro e di procedere con risolutezza verso documenta 16 con questa formazione. Sono certo che la composizione esperta e multiprospettiva del nuovo Comitato di ricerca sarà guida ad una proposta lungimirante per la direzione artistica. Ciò pone le basi affinché il mondo dell'arte internazionale possa essere ancora una volta un ospite familiare e gradito a Kassel." I membri del comitato di ricerca: Yilmaz Dziewior (*1964 Bonn, Germania) è direttore del Museo Ludwig di Colonia. In precedenza, Dziewior è stato direttore del Kunsthaus Bregenz (KUB) dal 2009. Nel 2015, Dziewior ha curato il padiglione austriaco per la Biennale di Venezia e nel 2022 il padiglione tedesco con una mostra personale di Maria Eichhorn. Prima di lavorare a Bregenz è stato per otto anni direttore del Kunstverein di Amburgo e ha insegnato anche come professore di teoria dell'arte all'Università di Belle Arti. Già dal 1996 al 1999 è stato libero professionista per il Museo Ludwig. Nel 1997 ha curato un progetto lì con Sarah Lucas e nel 1999 è stato responsabile della sezione contemporanea della mostra Kunstwelten im Dialog. Von Gauguin per la Gegenwart globale. I testi di Dziewior sono apparsi regolarmente su "Artforum" (New York), "Camera Austria" (Graz) e "Texte zur Kunst" (Berlino). Ha pubblicato oltre 50 libri e cataloghi sull'arte del XX e XXI secolo e ha scritto saggi di catalogo per istituzioni come lo Stedelijk Museum Amsterdam, Hamburger Kunsthalle, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf e il Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Sergio Edelsztein (*1956, Buenos Aires, Argentina) è un curatore freelance con sede a Berlino e Tel Aviv. Nel 1995, Edelsztein ha fondato il Centro per l'arte contemporanea a Tel Aviv, di cui è stato direttore e curatore capo fino al 2018. Nell'ambito del CCA, ha curato sette biennali di performance art (con il titolo Blurrr) e cinque biennali internazionali di video arte (VideoZone). . Edelsztein ha curato la componente israeliana della 24a Biennale di San Paolo nel 1998 e i padiglioni israeliani alla Biennale di Venezia nel 2005 e nel 2013. Dal 1995 ha curato mostre ed eventi a tempo in Spagna, Cina, Polonia, Singapore e varie altre località . Tra le mostre più importanti che ha curato per il CCA ci sono mostre personali di Guy Ben Ner, Roee Rosen, Yael Bartana, Marina Abramović, Christian Jankowski, Rosa Barba, Ceal Floyer, Gary Hill e molti altri. Edelsztein tiene conferenze, presenta programmi video e pubblica testi in Israele, Spagna, Brasile, Italia, Austria, Germania, Cina, Stati Uniti, Svizzera e Argentina e scrive per cataloghi, siti web e pubblicazioni internazionali.
N'Goné Fall (*1967, Dakar, Senegal) si è laureato con lode all'École Spéciale d'Architecture di Parigi, Francia. È curatrice indipendente e specialista in politiche culturali. Dal 1994 al 2001 è stata direttrice editoriale della rivista d'arte africana contemporanea Revue Noire con sede a Parigi. Ha curato An Anthology of African Art: The Twentieth Century (Revue Noire / DAP 2002); Fotografi di Kinshasa (Revue Noire 2001); Antologia della fotografia africana e dell'Oceano Indiano: un secolo di fotografi africani (Revue Noire 1998). È stata curatrice ospite delle biennali di Bamako nel 2001 e di Dakar nel 2002. Ha curato mostre in Africa, Europa e Stati Uniti, tra cui When Things Fall Apart: Critical Voices on the Radar al Trapholt Museum in Danimarca nel 2016, e In Quest of Freedom, carta bianca per El Anatsui (Ghana) alla Conciergerie di Parigi. , Francia, nel 2021. È autrice di piani strategici e rapporti di valutazione per fondazioni e organizzazioni internazionali nei Paesi Bassi, Belgio, Francia, Stati Uniti, Senegal, Sud Africa, Barbados e Corea del Sud. È stata professoressa presso l'Università Senghor di Alessandria d'Egitto (2007–2011); docente presso la Michaelis School of Arts di Cape Town South, Africa (2017) e presso l'Abdou Moumouni University of Niamey in Niger (2018). Nel 2018, N'Goné Fall è stata nominata dal presidente francese Emmanuel Macron Commissario generale della Stagione Africa2020, una serie di oltre 1.500 eventi culturali, scientifici e pedagogici tenuti in 210 città in tutta la Francia da dicembre 2020 a settembre 2021. Gridthiya Gaweewong (*1964, Chiang Rai, Tailandia) è direttore artistico del Jim Thompson Art Center di Bangkok. Insieme a Rirkrit Tiravanija, ha diretto la Biennale Tailandese 2023/2024 a Chiang Rai. Gridthiya Gaweewong è uno dei curatori più noti che lavorano oggi nel sud-est asiatico. Dopo aver conseguito il Master of Arts in Administration and Policy presso la School of the Art Institute di Chicago nel 1996, Gridthiya ha co-fondato lo spazio artistico alternativo Project 304 con Montien Boonma, Kamol Phaosavasdi e Apichatpong Weerasethakul (1996-2003). Oltre al suo ruolo di direttore artistico del Jim Thompson Art Center di Bangkok, è curatrice ospite del MAIIAM Contemporary Art Museum di Chiang Mai. Ha co-fondato il Bangkok Experimental Film Festival con Apichatpong Weerasethakul (1997-2007). I suoi progetti curatoriali affrontano le questioni del cambiamento sociale affrontato dagli artisti tailandesi e non solo dopo la Guerra Fredda, tra cui Imagined Borders, la 12a Biennale di Gwangju (2018), Missing Links, Bangkok (2015), Between Utopia and Dystopia, Città del Messico (2011). , Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Oberhausen (2009), Politics of Fun, Berlino (2005) e Underconstruction Tokyo (2000–2002). Gaweewong è il curatore della mostra itinerante dell'ICI Apichatpong Weerasethakul: The Serenity in Madness a Chiang Mai, Manila, Hong Kong, Chicago, Oklahoma e Taipei (2016-2020).
Mami Kataoka è la direttrice del Mori Art Museum.
Mami Kataoka è stata capo curatrice presso la Tokyo Opera City Art Gallery (1997-2002) ed è entrata a far parte del Mori Art Museum nel 2003, assumendo il ruolo di direttrice nel 2020. Ha anche assunto la carica di direttrice del Centro nazionale per la ricerca artistica da aprile 2023.
Kataoka ha ricoperto incarichi presso la Hayward Gallery di Londra dal 2007 al 2009 come curatore internazionale; è stata anche co-direttrice artistica per la 9a Biennale di Gwangju (2012), direttrice artistica per la 21a Biennale di Sydney (2018) e direttrice artistica per la Triennale di Aichi 2022. Kataoka è stata membro del consiglio (2014-2022) e Presidente (2020–2022) del CIMAM (Comitato Internazionale per i Musei e le Collezioni d'Arte Moderna).
Al Mori Art Museum, ha curato una serie di mostre di metà carriera di artisti asiatici tra cui Tsuyoshi Ozawa (2004), Ai Weiwei (2009), Lee Bul (2012), Makoto Aida (2012), Lee Mingwei (2014), NS Harsha (2017) e Chiharu Shiota (2019) mentre hanno co-curato mostre regionali tra cui SUNSHOWER: Contemporary Art from Southeast Asia 1980s to Now (2017) e Roppongi Crossing: Contemporary Japanese Art nel 2004 e 2013.
Kataoka scrive spesso sull'arte contemporanea dal Giappone, dall'Asia e oltre, tiene conferenze e partecipa a giurie.
Yasmil Raymond è un curatore indipendente, attualmente vive a Francoforte sul Meno. Raymond è stato in precedenza Direttore di Portikus e Rettore della Städelschule tra il 2020 e il 2024. Ruoli precedenti includono Curatore associato in Pittura e Scultura presso il Museum of Modern Art, New York, 2015–2019; Curatore presso la Dia Art Foundation, New York, 2009–2015 e curatore associato in arti visive presso il Walker Art Center, Minneapolis, 2004–2009. Negli ultimi vent'anni ha lavorato con diversi artisti internazionali ed è stata membro del consiglio di amministrazione di varie fondazioni. Attualmente è amministratore fiduciario della Teiger Foundation, della Dia Art Foundation, della Stephen Antonakos Foundation e dell'A.R.T. (Art Resources Transfer), tutti con sede a New York. Tra le mostre più importanti figurano la retrospettiva di Kara Walker, un'indagine monografica sull'opera di Jean-Luc Moulène e il Monumento Gramsci di Thomas Hirschhorn. La sua mostra più recente Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE for MoMA PS1, co-curata con Ruba Katrib, è in mostra alla Luma Foundation, Arles, Francia. Raymond ha conseguito un BFA presso la School of the Art Institute di Chicago e un MA presso il Center for Curatorial Studies del Bard College.
Gli spazi, nel giardino interno di Palazzo Scaglia di Verrua, della galleria Giorgio Persano ospitano tre nuove opere pittoriche di Luisa Rabbia, parte della recente serie intitolata The Gods. La mostra, concepita come spazio di riflessione sulla vulnerabilità e l’imprevedibilità dell’esistenza umana, intreccia eventi attuali con cosmologia e elementi letterari come Le metamorfosi di Ovidio – peraltro raffigurate anche nel ciclo di affreschi seicenteschi sulla facciata e nel cortile della galleria. Per Ovidio, una vera comprensione del mondo significa negare la sua oppressiva solidità e permettere che tutto si trasformi in qualcos’altro.
Opere dal forte impatto visivo, che attraverso gli intensi colori e forme condividono le complesse dinamiche dell'esistere, le delicate trasformazioni dello scorrere del tempo e delle idee. Mutamenti degli esseri umani, dei loro corpi che evocano paesaggi, forme cellulari e vegetali, in cui tutto si fonde attraverso il suo lavoro e i suoi pensieri che trasmettono questa osmosi primordiale.
Oggi prende avvio il 18. Festival Internazionale di Danza Contemporanea (Venezia, 18 luglio > 3 agosto) che vuole esplorare la natura stessa dell’esperienza umana, la comunicazione tra esseri umani, il loro movimento, perché la danza è sempre dentro di noi: Noi Umani.
Al quarto anno come Direttore Artistico del Settore Danza, Wayne McGregor presenta così questa edizione del Festival: “Quando le parole mancano – quando le emozioni sono troppo forti, troppo complicate, troppo pesanti –, troviamo consolazione e sollievo nel corpo: sia nel tocco curativo degli altri, sia nel senso del moto mentre corriamo, tremiamo, ci stiriamo, respiriamo, danziamo. Noi Umani siamo movimento”.
Il programma presenta tre dei lavori più recenti e suggestivi di Cristina Caprioli, Leone d’Oro alla carriera di questa edizione, e due lavori di Trajal Harrell, radicale artista del movimento e Leone d’Argento; inoltre, gli spettacoli delle compagnie nazionali e internazionali Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan, GN | MC Guy Nader | Maria Campos, Lost Dog, Miller De Nobili, Alan Lucien Øyen, Benji Reid, Sankofa Danzafro, Nicole Seiler, Stereoptik, Shiro Takatani, Vidavè, Melisa Zulberti.
Il Presidente della Biennale di Venezia Pietrangelo Buttafuoco ha dichiarato: “Alla danza non si rinuncia perché sopra ogni cosa la sostanza umana è movimento. Con il nostro corpo tracciamo linee di energia, arabeschi che spesso i fotografi di scena usano visualizzare con la posa B dei dispositivi ottici. E se il corpo tutto è intelligenza, la danza è da intendere come “atto filosofico di comunicazione”, condivisione di vibrazioni umane tra palco e platea, l’immedesimarsi – insomma – con il fluire stesso della vita”.
I LEONI DELLA BIENNALE DANZA 2024
LEONE D’ORO ALLA CARRIERA: Cristina Caprioli
Cerimonia di consegna: domenica 21 luglio ore 18, Ca’ Giustinian.
“Cristina Caprioli ha silenziosamente e sostanzialmente influenzato più generazioni di coreografi durante i suoi tre decenni di ricerca critica sul corpo. La sua coreografia è caratterizzata da precisione, complessità e forme nuove di virtuosismo fisico. Tutte le sue produzioni sfidano le regole e le economie di scambio del settore; le basi filosofiche del suo canone hanno bilanciato ricerca concettuale rigorosa ed esperienza concreta coinvolgente e altamente praticabile. L’impegno di Caprioli per l’avanzamento e lo sviluppo della danza è stato fonte di ispirazione per il settore e il suo approccio sotto traccia a tutto ciò che intraprende non fa che evidenziare la qualità eccezionale e l’integrità di un processo creativo a 360 gradi” (Wayne McGregor).
Alla Biennale Danza 2024 Cristina Caprioli presenta gli spettacoli Flat Haze (24-28 luglio, 30 luglio-3 agosto, Sale d’Armi), Deadlock (25-28 luglio, 1-3 agosto, Teatro alle Tese), Silver (27-28 luglio, 2-3 agosto, Forte Marghera) e la coreografia The Bench (19 e 21 luglio, Viale Garibaldi).
LEONE D’ARGENTO: Trajal Harrell
Cerimonia di consegna: domenica 21 luglio ore 18, Ca’ Giustinian.
“La ricerca fondamentale di Trajal Harrell si basa su una ricca conversazione tra la danza postmoderna, la scena del voguing newyorkese e la danza giapponese Butoh. Harrell utilizza la ricerca sul genere, il femminismo e il post-colonialismo, per esplorare le sue approfondite acquisizioni di storia dell’arte e della danza. Le sue performance sono come tanti oggetti sensibili, ibridi e gioiosi che attingono in egual misura alla moda, alla cultura pop e agli artisti d’avanguardia. È in questo mix unico di generi, nella sorprendente giustapposizione di forme e nella vastissima gamma di emozioni che il lavoro di Harrell coinvolge e appassiona. Ridiamo con la stessa rapidità con la quale piangiamo, in un ottovolante di emozioni” (Wayne McGregor).
Alla Biennale Danza 2024 Trajal Harrell presenta gli spettacoli Sister or He buried the body (18-19 luglio, Sale d’Armi) e Tambourines (2-3 agosto, Tese dei Soppalchi).
BIENNALE COLLEGE DANZA / COMPANY WAYNE MCGREGOR
We Humans Are Movement
Biennale College Danzatori, We Humans Are Movement (prima assoluta) coreografia Wayne McGregor; in collaborazione con Company Wayne McGregor (2-3 agosto, ore 21, Palazzo del Cinema, Lido di Venezia).
Eseguita dagli studenti della Biennale College insieme ai danzatori dell’esclusiva Company Wayne McGregor, questa speciale commissione su larga scala si svolge nella Sala Grande del Palazzo del Cinema, lo storico edificio modernista del Lido, sede della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica. Guidata da Wayne McGregor, Direttore Artistico del Settore Danza, questa collaborazione ad alto impatto e ad alta tecnologia celebra il movimento che si trova nel cuore stesso del cinema, dell’architettura e dell’esperienza umana.
BIENNALE COLLEGE DANZA
Le nuove produzioni della Biennale College Danza che entrano nel programma del Festival:
Biennale College Danzatori, The Bench (2024) coreografia Cristina Caprioli (19 luglio, ore 12 e 15 / 21 luglio, ore 12, Viale Garibaldi);
Biennale College Coreografi, This was meant to find you (prima assoluta) coreografia Recuerdo Número 7 / Lethe - A search for the waters of oblivion (prima assoluta) coreografia Dorotea Saykaly (26 e 28 luglio, ore 21, Arsenale Isolotto).
ICONOCLASTS
Donne che infrangono le regole alla Biennale Danza
Mostra a Ca’ Giustinian – Portego (San Marco 1364/A, Venezia)
Inaugurazione 17 luglio alle ore 18.
A cura di Wayne McGregor con Elisa Guzzo Vaccarino e l’Archivio Storico delle Arti Contemporanee.
Pioniere, avventurose, radicali, iconoclaste, professioniste determinate, le donne artiste conquistano e illustrano Venezia. Le coreografe e le danzatrici-autrici dai primi del Novecento, misurandosi costantemente alla pari con gli uomini, colleghi, amici e rivali, si gettano nella mischia dell’arte del corpo, sfidando la tradizione e le convenzioni. Creare è una priorità irrinunciabile, senza temere la sfida del giudizio di pubblico e critica, maschile e femminile. Danza classica e moderna europea sono presenti in Laguna anzitutto nei programmi della Biennale Musica, con nomi di primo piano; dal Secondo dopoguerra sarà poi dagli USA e dal mondo intero che giungeranno a Venezia i lavori di coreografe epocali. La nuova Germania si presenta con un portfolio di Stücke di Pina Bausch e del suo Wuppertal Tanztheater nel 1985 al Festival di Teatro. Dalla nascita, nel 1999, della Biennale Danza con Carolyn Carlson si svilupperà un incisivo filone di calendari punteggiati di lavori firmati da donne, con due coreografe dal Nuovo Mondo, Karole Armitage e Marie Chouinard, a dirigere festival internazionali innovativi e con una ormai lunga serie di Leoni d’Oro e d’Argento assegnati ad artiste di conclamato valore in una caleidoscopica varietà di stili e poetiche.
La mostra è aperta a Ca’ Giustinian tutti i giorni, ore 9-19, ingresso libero.
In uno dei musei più belli del mondo, Villa Borghese, è in corso un intenso dialogo fra le opere di questo cuore di bellezza e le intense emozioni delle opere lasciateci dall'artista Louise Bourgeois. Un dialogo che si sviluppa fra le tematiche prossime all'ospite e al padrone di casa, personaggi dalle intense emozioni e dalle forti espressioni, un incontro di lavori che sanno rapprentare i tanti stati d'animo del vivere umano.
Il percorso espositivo attraversa alcune sale del Museo, il padiglione dell’Uccelliera e il Giardino della Meridiana, e accoglie circa 20 opere scultoree che dialogano con l’architettura unica del Casino Borghese e con la sua collezione, sono incentrate sui temi della metamorfosi, della memoria e sull’espressione di stati emotivi e psicologici.
Louise Bourgeois (1911, Parigi - 2010, New York), nel suo lungo percorso creativo, oltre sette decenni, affronta i temi della psicoanalisi e del femminismo che ora sono diventati centrali. Negli anni Sessanta, dopo un periodo di intensa psicoanalisi, inizia a lavorare con forme biomorfe, sperimentando il lattice, il gesso, la cera e altri materiali. All’inizio degli anni Novanta presenta il suo primo gruppo di Cells, strutture autonome, alcune simili a stanze, composte da elementi scolpiti, og-getti trovati e oggetti conservati nel corso della sua vita.
Sono dell’ultimo decennio della sua carriera le opere realizzate con i tessuti.Il suo rapporto con l’Italia e con le collezioni Borghese ha influenzato in modo si-gnificativo la sua pratica creativa. L’incontro con la collezione Borghese iniziò con gli studi di storia dell’arte al Louvre alla fine degli anni Trenta e si approfondì tra il 1967 e il 1972 con i soggiorni a Pietrasanta, Carrara e in altre città della regione, lavorando in diversi studi e realizzando numerose opere in bronzo e marmo. Un decennio dopo riprende a frequentare l’Italia, producendo altre sculture tra il 1981 e il 1991.con il sostegno di in collaborazione con hospitality partner
L'evento è stato ideata da Cloé Perrone e curata con Geraldine Leardi e Philip Larratt-Smith, l’e-sposizione, realizzata in collaborazione con The Easton Foundation e l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici, col sostegno di FENDI, sponsor ufficiale della mostra. Il programma di incontri che accompagna la mostra, dal titolo Esistere come donna, è organizzato da ElectaHospitality partner della mostra: Hotel Eden, Dorchester Collection.
Sono ormai anni che YouTube si propone come una alternativa ai canali televisivi e fra la infinita messe di proposte ci sono molto che soprattutto nell'ambito dell'arte contemporanea hanno saputo usarlo per promuovere non solo i proprio "prodotti" ma anche aspetti più culturali, un esempio sicuramente il canale della storica Marian Goodman Gallery che sul suo canale di YouTube propone sempre interessanti interviste e approfondimenti, che sicuramente aiutano ad avvicinarsi al mondo dell'arte del nostro presente.
Eccovi l'ultimo video uscito da pochi giorni con Thomas Struth in conversazione con Florian Ebner
Gli spazi della Mattress Factory ospitano l'intervento di Muñoz, che è stato selezionato per la mostra dalla ospite, Monique Long, curatrice e scrittrice di arte contemporanea con sede a New York, attraverso l'annuale invito regionale aperto di Mattress Factory. Questo programma è uno sforzo continuo per amplificare le voci e i profili degli artisti di Pittsburgh e dintorni collegando i creativi della nostra comunità con curatori, artisti, istituzioni e studiosi di tutto il mondo.
L'artsita lavoro principalmente con collage, disegni, murales e installazioni.
Egli dichiara :"L'oggetto del mio lavoro si concentra su immagini e oggetti quotidiani legati all'infanzia. Libri per bambini, oggetti pedagogici, costumi e giochi sono frequenti fonti di materiale nel mio lavoro.
La ricerca è una parte fondamentale della mia pratica, così come lo è il reperimento di materiale per strada, nei negozi di seconda mano e nei contenitori degli oggetti smarriti. Il punto di partenza per me è sempre un oggetto o un'immagine ritrovata che innesca una serie di connessioni formali e concettuali. Il tempo che dedico alla ricerca dei materiali rallenta e sposta l’atto di acquisizione, costringendo un adattamento costante, introducendo anche incidenti e sorprese nel processo e aprendo scambi con economie alternative. Taglio, riposiziono, estraggo dettagli e cancello caratteristiche dei miei materiali originali per creare collage e installazioni.
La scelta del collage come mezzo principale è legata al fatto che è spesso considerato un mezzo minore all'interno delle arti visive. Mi piace il suo stretto legame con l'artigianato fai-da-te e con le attività degli hobbisti. Questa pratica mi permette di apportare piccole modifiche e alterazioni al significato e all'uso degli oggetti e delle immagini che scelgo.
Mi interessa particolarmente l'infanzia perché in questo periodo i limiti tra realtà e finzione non sono ancora definiti. Lavoro intenzionalmente con materiale che porta narrazioni implicite su genere, sessualità e classe. Le storie e i giochi dei bambini sono intrisi di principi morali che insegnano indirettamente norme sociali e comportamentali. Cerco di attirare l'attenzione su queste norme per renderle inquietanti. La mia intenzione con questa strategia è quella di mettere in pausa o interrompere la narrazione, per introdurre ambiguità di fronte alla presunta certezza."
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