I dormienti

Mimmo Paladino, Dormienti, Palazzo Citterio - La Grande Brera, Milano 2026, foto Lorenzo Palmieri

Molto bello l'intervento "I dormienti" di Mimmo Paladino presso la Sala Stirling di Palazzo Citterio, curato da Lorenzo Madaro.

Concepiti alla fine degli anni Novanta, quando l’artista li presenta per la prima volta a Poggibonsi (1998), i Dormienti sono stati esposti in numerosi contesti, anche internazionali, a partire dalla Roundhouse di Londra nel 1999, per una mostra realizzata con il musicista, autore e produttore Brian Eno, a conferma dell’attitudine del maestro italiano nel dialogo con le altre discipline e nel confronto serrato con esse. Per quella occasione, Brian Eno compose una traccia sonora che accompagnava la visita del pubblico, riproposta anche per l’appuntamento milanese.

I corpi dei Dormienti, che ricordano i resti inermi degli abitanti di Pompei e Ercolano, sorpresi dall’eruzione del Vesuvio del 79 d.C., in realtà traggono ispirazione dai disegni che lo scultore britannico Henry Moore realizzò alle persone rannicchiate nei ricoveri di guerra inglesi durante la seconda guerra mondiale, che, lungi dall’assumere una postura tragica e intimorita, parevano dormire sognando.

In occasione della mostra è stato pubblicato un volume monografico sull’artista (Metilene Edizioni, pp. 180), a cura di Lorenzo Madaro, dedicato agli ambienti e a tutte quelle opere che dal 1970 a oggi hanno visto Paladino impegnato in una idea dilatata di spazio-architettura. Coerentemente con la scelta di allestire una mostra con i Dormienti, in un ambiente così forte da un punto di vista architettonico come la Sala Stirling, il libro si concentra su quei momenti cruciali del lavoro di Paladino in cui l’opera è un tutt’uno con l’ambiente che l’accoglie e che in questo rapporto dialogico viene straordinariamente modificato.

Nella pubblicazione oltre ai contributi del direttore generale della Pinacoteca di Brera Angelo Crespi e dello scrittore Mauro Covacich, si trova un saggio del curatore con ampi apparati iconografici e gli apparati biografici, bibliografici e espositivi ragionati curati da Simone Salvatore Melis (Archivio Paladino).

Walid Raad a Berlino

 Con "Like a rubber rung on a ladder", la Galerie Thomas Schulte presenta una mostra personale di Walid Raad nel suo Corner Space, affacciato sulla strada, e nel Window Space adiacente. Le due installazioni, composte principalmente da elementi frammentari e compositi a parete, attivano e collegano visivamente interno ed esterno.

 

Come in gran parte della sua produzione artistica, Raad affronta le storie e le forme rese possibili da eventi di estrema violenza. Queste storie e forme sono sempre una fusione tra il personale e il collettivo, il trovato e il creato. Il suo progetto artistico a lungo termine, The Atlas Group (1989-2004), ha esplorato la storia delle autobombe nelle guerre libanesi, le narrazioni di rapimenti e prigionia, il cambio di nome delle cascate libanesi, nonché la codifica a colori dei proiettili da parte dei produttori di munizioni, tra gli altri temi.

 

Meglio osservare le nuvole che si estendono ripetutamente su due pareti adiacenti nella finestra frontale. Sebbene a prima vista possa sembrare allegro, il suo titolo allude a qualcosa di sinistro, un tentativo di catturare l'imprevedibile, un potenziale avvertimento. I fiori sparsi di diverse specie e di ogni varietà di colore, con le loro affiliazioni e dislocazioni simboliche e geografiche, formano un paesaggio in fiore che lentamente cede il passo a una più profonda ambiguità. I ​​fiori incorniciano i volti di decine di figure in bianco e nero vestite in abiti formali o militari, evidenziando e oscurando la presenza di leader politici e militari globali del secolo scorso. Una narrazione associata a diverse versioni di quest'opera riguarda Fadwa Hassoun, un ufficiale immaginario dell'esercito libanese con una formazione botanica, che, durante la guerra – un punto di partenza ricorrente nella pratica di Raad – assegnò fiori come nomi in codice ai politici.

 

Queste identità, al contempo raddoppiate e celate, sono prive di ulteriore contesto o indicazione. Le fotografie incolori, apparentemente appartenenti al passato ma al contempo eterne, contrastano con la vivacità e la fragilità dei fiori, pienamente vivi e presenti. Le figure fotomontate aleggiano davanti al muro, proiettando ombre variegate che creano uno spazio vuoto, aprendo un varco. Ulteriori ombre vengono inserite nell'immagine, tra testa e fiore, fiore e corpo, aggiungendo una dimensione immaginaria che contribuisce a un realismo accentuato, pur sottolineando la natura costruita dell'immagine. In contrasto con i fiori che li celano e li inglobano, i corpi dei politici diventano essi stessi una sorta di ombra.

 

L'installazione nello Spazio Angolo è altrettanto colorata e vivace, con esplosioni di scrittura a mano, come fuochi d'artificio celebrativi, a tratti giocosi e a tratti minacciosi, che si ergono sui muri. Attraverso questi gesti apparentemente effimeri e marginali, Festival of (In)Gratitude: Love Notes porta l'interno della galleria a incontrare le facciate esterne della strada. Le scritte in vari alfabeti e lingue, tra cui inglese, russo, arabo, ebraico e francese, si sovrappongono e si interrompono a vicenda. Facendo riferimento ai graffiti dei soldati sulle bombe, le iscrizioni caotiche e stratificate mettono in scena aggressive manifestazioni di sentimenti nazionalisti, imperialisti e violenti che a volte possono apparire subdoli in modo diverso: firmate con cuori e "xoxo", con riferimenti a regali. Nel paesaggio assediato racchiuso nella cornice delle finestre della galleria, vengono simulate bombe ("Boom, Boom"), che gridano forte in un silenzio echeggiante. Un elemento centrale dell'installazione è un Maggiolino Volkswagen d'epoca rovesciato, capovolto come un insetto indifeso, come se fosse stato colpito da una forza esplosiva eccessiva. Le automobili e i loro motori sono già comparsi in altre opere di Raad nel contesto della guerra, ad esempio, in relazione alla storia delle autobombe durante le guerre libanesi. In questo caso, il Maggiolino Volkswagen può rimandare anche ad altri riferimenti: la sua produzione come veicolo militare nella Germania nazista; il suo status nella cultura pop come "Maggiolino dell'amore"; il soprannome di "Volkswagen volanti" dato ai proiettili di artiglieria pesante sparati dagli Stati Uniti su Beirut negli anni '80.

 

Nell'opera di Raad, un singolo momento o riferimento viene ripetutamente dilatato, trasformato e mutato attraverso sovrapposizioni, lacune e palinsesti. Qui, Beirut del 1983 si fonde con Beirut, Teheran, Gaza City, Tel Aviv, il Fronte Occidentale e il Fronte Orientale del 2026; il mondo storico con quello naturale; "Run Rommel Run" con "America Loves Israel". Come possiamo non essere già "senza fiato"?

 

Testo di Julianne Cordray

Un ringraziamento speciale alla Galleria Sfeir-Semler per la gentile collaborazione.

Stasis Field

 Presso la galleria Kerlin di Dublino sta per concludersi la mostra "Stasis Field" che presenta una selezione di sculture, opere su carta e installazioni, offrendo un'esperienza intima che intreccia memoria, trasformazione e scorrere del tempo. Kathy Prendergast utilizza una varietà di materiali, tra cui tessuti, gesso, pietra, lana e oggetti di recupero, per creare opere d'arte che risuonano a livello sia personale che universale.

Fin dagli esordi della sua carriera, le mappe sono state un elemento centrale della pratica di Prendergast. Reinterpretandole attraverso l'intervento artistico, Prendergast sovverte i simboli storici di potere, identità ed esplorazione, creando opere che riflettono narrazioni più personali ed emotive. In Stasis Field sono incluse opere colorate a mano che invitano gli spettatori a riflettere sul legame tra l'uomo, la terra, i confini e le storie che questi custodiscono. Gesso pigmentato, guazzo e acquerello creano un'installazione geologica satura, fondendo oggetti scolpiti a mano con cartografia collezionata. 

In Stasis, il fisico e l'emotivo si uniscono, presentando una collezione di mappe vulcaniche colorate dipinte a mano, creando una reinterpretazione caleidoscopica delle cime dal Chimbarazo al Monte Kenya. Attraverso il colore, le vedute aeree statiche irradiano un energico senso di movimento. In Comet, un filo color ruggine si irradia da un rotolo di tessuto e lana racchiuso in un involucro. Un disegno di pietre accuratamente posizionate si trova sulla trama di fili, alcune come piccole ancore, altre apparentemente a guidare il materiale. In un altro punto della parete della galleria, un ramo dipinto di rosso si estende per tre metri di altezza, affiancato da una vivace immagine aerea dipinta del Cotopaxi, in Ecuador.

Lee Mingwei attenzione al tempo

Nella sede di la galleria Perrotin presente il lavoro di Lee Mingwei che adotta un approccio diverso dalla nostra comune concezione di arte. Mentre la maggior parte degli artisti cerca di imporre la propria visione del mondo racchiudendola in un oggetto, Lee Mingwei fa l'opposto. Interroga il mondo e non offre risposte. E in questo modo interroga anche noi. Direttamente.
Una domanda, mai un'affermazione.

Espressa attraverso un oggetto o un gesto apparentemente insignificante, questa domanda si rivolge a un soggetto individuale. La risposta, quindi, appartiene a noi; sarà sempre profondamente personale, toccando la parte più intima del nostro essere.

Assumere la bellezza come percezione complessiva del mondo, come fa oggi Mingwei, è una posizione categorica che sfida la brutalità e il cinismo del nostro mondo. Parlare di bellezza, quindi, non significa fuggire, ma combattere. L'opera di Lee Mingwei è pertanto radicalmente politica.

Quando la bellezza appare.

Qual è il nostro rapporto con la bellezza?

Che cos'è, dove si nasconde, quando appare e in quale forma?

Questo interrogativo permea tutte le opere di questa mostra: una serie di sette pezzi creati tra il 1995 e il 2025, esposti insieme per la prima volta.

La maggior parte delle opere di Mingwei possiede un elemento effimero e contingente. Ad esempio, un'opera è destinata a rompersi al momento giusto, mentre un'altra deve essere donata per poter esistere. Alcune di esse sono configurate come rituali.

Il rituale possiede la particolare qualità di poter trasformare un oggetto in una durata. L'opera d'arte si incarna pienamente in questo breve lasso di tempo. Il rituale si ripete, ma la situazione che crea è nuova ogni volta, poiché la persona che lo vive è unica.

Un'accoglienza discreta; l'importanza dell'abbigliamento; una certa solennità; la qualità raffinata dei materiali; la lentezza; fili colorati disposti su una parete; alabastro trasparente; l'oscurità; gesti misurati; e il silenzio. Questi sono alcuni degli elementi figurativi che servono al momento fugace e restituiscono la forza emotiva dell'esperienza. Il rituale è l'espressione della loro presenza tacita. Ecco perché i rituali devono essere portati in vita, vissuti e rivissuti ancora.

Limitandosi alle questioni essenziali (che in definitiva sono pochissime), l'artista trasforma la sua opera in una questione etica. Per questo motivo, il suo lavoro non contiene molti oggetti e non si articola in serie prolisse. Al contrario, una delle caratteristiche della sua arte è proprio l'impossibilità di essere oggetto di produzione di massa. Non aderire alla modalità dominante della sovrapproduzione significa essere profondamente connesso al suo tempo, o, quantomeno, al nostro. Sostituire la sovrapproduzione con il rituale, la ripetizione o la scomparsa; esplorare il gioco delle relazioni personali; puntare all'intimo; considerare la fragilità una forza; o orchestrare l'incontro casuale di due sconosciuti in un momento condiviso – attorno a un semplice fiore, ad esempio – è certamente l'offerta più bella possibile nel mondo odierno, dove l'ascolto degli altri è diventato un'eccezione. Per Lee Mingwei, l'offerta non ha un "perché" né una conclusione. È lì che, forse in quell'unico istante, si manifesta la bellezza.

E il più delle volte è ineffabile, inesprimibile, immateriale e non negoziabile. 

Mark Manders da Tanya Bonakdar a New York

 

La galleria Tanya Bonakdar ospita la sesta mostra personale di Mark Manders, presentando nuove opere che spaziano da monumentali busti in bronzo a paesaggi scultorei astratti, fino a dipinti e opere su carta. Oniriche e frammentate, queste nuove opere popolano la galleria come una serie di pensieri a cui l'artista ha dato forma per poi congelarli nel tempo. Viste nel loro insieme, le opere formano una sorta di scenografia della mente che il visitatore può attraversare e abitare.  

 

Nel corso della sua trentennale carriera, Manders ha incentrato la sua pratica sulla creazione di mondi fittizi poetici e paradossali. Nelle installazioni di Manders, passato, presente e futuro coesistono simultaneamente, la gravità viene al contempo enfatizzata e sfidata, i confini tra pittura e scultura sono permeabili e il linguaggio è contemporaneamente onnipotente e insufficiente. Nelle sue opere, esperienze universali eppure indescrivibili come la malinconia assumono una forma potente. Più che come testimonianza della propria vita, dei propri pensieri e della propria esistenza, Manders considera le scene, gli ambienti e le singole opere che crea come strumenti per esplorare il concetto stesso di soggettività.  

 

In linea con il suo interesse per un oggetto che possa rappresentare o esplorare la soggettività, il busto è una forma archetipica per l'artista, e nello spazio espositivo al piano terra Manders presenta " Testa di argilla bianco osso con nuvola verticale" , una testa di grandi dimensioni che sembra essere realizzata in argilla bianca screpolata. La superficie asciutta, bianca e fessurata ha un colore e una consistenza indefinibili, dall'aspetto antico e ultraterreno. In passato, Manders ha realizzato opere che richiamano la materialità distintiva e tattile dell'argilla e le sue fasi di transizione. Alcune forme, dipinte in modo da apparire come argilla bagnata, sono state persino ricoperte con teli di plastica per accentuare l'illusione di una fragile vulnerabilità e dare la sensazione che il loro creatore se ne sia andato da poco. Opere successive appaiono asciutte e screpolate, persino circondate da polvere finta, per presentare l'illusione dell'asciuttezza; ancora fragili, ma in definitiva realistiche. Questa nuova fase del materiale suggerisce un ideale irraggiungibile, un archetipo di forma, una superficie di argilla estratta da un sogno dell'artista, esistente in una versione alternativa della realtà, o proveniente da un'altra epoca.  

 

Il monumento, una gigantesca testa femminile in bronzo dipinto, si erge vicino alla Testa di argilla bianco osso con nuvola verticale , la cui texture è dello stesso bianco screpolato. Un rigonfiamento è attaccato alla gola della figura, che siede in un silenzio immobile. Manders realizzò quest'opera come monumento alla madre, che perse un bambino poco dopo la nascita, e a tutti coloro che hanno vissuto un dolore che è stato costretto a rimanere in silenzio. Il rigonfiamento si trova sulla gola della figura, come parole trattenute prima di essere espresse, ma legate alla donna, incapaci di liberarsi, eppure rese visibili.  

 

Il bianco avorio di queste monumentali sculture ricorre in tutta la mostra, fungendo da filo conduttore sia formale che concettuale. Paradossalmente, il bianco racchiude in sé tutti i colori dello spettro ed è al contempo percepito come vuoto. Manders utilizza questo colore in una serie di dipinti e opere murali incorniciate da giornali realizzati da lui stesso. Intitolata " All Existing Words" (Tutte le parole esistenti) , la serie di giornali contiene tutte le parole inglesi esistenti, usate una sola volta e disposte in ordine casuale. Lavorando con l'intero linguaggio e con tutti i colori, Manders presenta una serie di dipinti essenziali e suggestivi con cornici tridimensionali realizzate in giornale, quasi come finestre. L'idea che un dipinto possa essere una finestra è un concetto fondamentale della storia dell'arte, qui ripreso con l'aggiunta del giornale dell'artista come davanzale o cornice, oppure ricoperto sulla superficie. I giornali stessi sembrano esistere al di fuori del tempo, quasi reliquie nella nostra era digitale. La loro inclusione segna un ulteriore modo in cui Manders colloca la sua opera in una cronologia ambigua.  

 

La pittura e i giornali ricorrono nei paesaggi dell'artista, dove introduce anche il colore blu. In "Field Fragment" , minuscole tessere di blu in diverse tonalità rappresentano il cielo in momenti differenti. Fissate a una piccola asta di metallo che fluttua come una linea dell'orizzonte su un letto di sabbia, la quantità di pittura utilizzata su ciascun lato è attentamente bilanciata in modo che la linea blu rimanga in equilibrio. Richiamando il Cubismo nell'uso di molteplici prospettive simultanee e lo sforzo della pittura paesaggistica olandese di catturare le molteplici sfumature del cielo, la scena di Manders è una fusione tranquilla e malinconica di momenti diversi. La gravità è parte essenziale della composizione di " Field Fragment" ed è percepibile anche in un'opera senza titolo installata nelle vicinanze, in cui un blocco di giornale dell'artista con tutte le parole esistenti sembra cadere dal cielo, colto in un istante prima di toccare terra. 

 

Una serie di busti in bronzo di dimensioni ridotte, dipinti in modo da sembrare argilla, popolano la galleria, ognuno silenzioso e immobile. Molte di queste opere sono frammentarie: manca un braccio o un orecchio, oppure appaiono parzialmente incrinate e sgretolate. Sembrano quasi reperti archeologici, ma a un esame più attento, come le monumentali teste al piano inferiore, risultano incollocabili, esistenti solo come risultato della costruzione del mondo immaginario dell'artista.

 

Nato nel 1968 a Volkel, nei Paesi Bassi, Manders vive e lavora attualmente a Ronse, in Belgio. Vincitore del Philip Morris Art Prize nel 2002, Manders ha ricevuto anche il prestigioso Dr. AH Heineken Prize for Art nel 2010.

Metamagico al PAV di Torino

 

Il Parco Arte Vivente presenta un’ampia mostra personale dedicata a Claudio Costa (1942–1995), uno degli artisti più singolari e meno esplorati della scena italiana del secondo Novecento. Metamagico, a cura di Marco Scotini, esplora attraverso gli anni Settanta il corpus centrale dell'opera di Costa attorno alla sua ossessione fondante: il rapporto tra cultura materiale, memoria biologica e origine antropologica. Lungo un percorso che vede l’archivio, il museo e il rito (appositamente rivisitati) come luoghi in cui tale rapporto si manifesta.

La mostra si inscrive nel programma di ricerca storica del PAV dedicato alle radici della relazione tra arte ed ecosistema, un indirizzo che coltiva sin dalla sua fondazione ma che, negli ultimi anni, ha inteso estendere a quei pionieri che, già a partire dagli anni Sessanta e Settanta, avevano anticipato le domande oggi centrali nel dibattito su ecologia, biodiversità e memoria del vivente. In questo quadro, Claudio Costa occupa una posizione del tutto singolare: non rappresenta la natura, piuttosto la usa come archivio, come sistema di segni, come materia che porta in sé le tracce del tempo biologico e culturale, nella convinzione che il passato naturale non sia perduto ma sempre latente, riesumabile attraverso il gesto artistico.

Claudio Costa si forma tra Milano e Parigi, dove frequenta il celebre laboratorio di grafica Atelier 17 di S.W. Hayter e incontra Marcel Duchamp, che rimarrà per lui un riferimento imprescindibile. Dalla fine degli anni Sessanta, muovendosi in contatto con il clima dell'Arte Povera, senza mai assorbirne completamente le coordinate, la sua ricerca si sviluppa in una direzione autonoma e radicale: quella di un'antropologia visiva che mescola strumenti dell'etnografia, della paleontologia e dell'alchimia in quello che lui stesso definisce “work in regress”. Suo primo concetto ispiratore che fa il verso a James Joyce: un percorso sempre in divenire ma a ritroso, verso l'origine dell'umano. Costa non è un artista che parla "di" cultura primitiva, ma piuttosto uno che ne adotta il metodo: raccogliere, classificare, disseppellire, riesumare, trasformare.

Fin dalle prime opere degli anni Sessanta, Costa lavora con materiali organici ed elementari - ardesia, creta, cera, terracotta, ossa, elementi vegetali - costruendo oggetti che abitano una zona di confine tra il reperto e l'opera d'arte, tra il museo naturalistico e la teca rituale. Protagonista di rilievo nel circuito dell'Arte Povera, del Concettuale e di Fluxus, ha partecipato con una sala personale a Documenta 6 a Kassel (1977) e a diverse edizioni della Biennale di Venezia, tra cui la sezione Arte e Alchimia del 1986. Nell'ultima fase della sua carriera ha unito arte e impegno sociale, fondando a Genova, proprio a partire dal suo rapporto con la psicanalisi,il Museo Attivo delle Forme Inconsapevoli presso l'ex ospedale psichiatrico di Quarto, a Genova.

Metamagico, cita l’opera in mostra del 1978 di Costa, è il titolo che Marco Scotini sceglie per indicare il piano operativo dell'artista: una riflessione sul pensiero magico che, dialogando con Deleuze e Guattari, usa la logica del rito e del mito come strumento conoscitivo alternativo alla razionalità occidentale modernista. Un pensiero che, nelle parole di Ernesto de Martino, abita il confine tra la "presenza che crolla" e il suo riscatto: il luogo in cui l'arte e lo sciamano operano insieme. La mostra riunisce opere di natura eterogenea che si collocano nella produzione degli anni '70 — tavole, teche, installazioni, serie fotografiche — tenute insieme da un unico filo conduttore: questa accanita insistenza sulla ricerca dell’origine per quanto questa possa rivelarsi sempre immanente. La mostra Metamagico si articola in tre aree: Antropologia riseppellta, dedicata alla sua sala personale a Kassel del ‘77, il Museo dell’Uomo e il Museo di antropologia attiva di Monteghirfo.

Nell’ambito della mostra personale di Claudio Costa le AEF/PAV (Attività Educazione Formazione) propongono il laboratorio AgriPittura, neologismo che indica una sperimentazione espressiva derivata dal materiale costituente del paesaggio: dalla terra, dall’erba e ogni altro prodotto naturale o coltivato. Per un approfondimento su un piano più socio-antropologico, Marina Arienzale condurrà il Workshop_88 / Gira Voce 03, un’azione condivisa costruita per dialogare e ragionare sulla comunicazione come un grande telefono senza fili, dove i partecipanti usciranno dagli spazi del PAV per ascoltare le voci del quartiere e raccoglierne le opinioni.
 
 
Claudio Costa (Tirana, 1942 – Genova, 1995) Artista poliedrico e figura originale nel panorama internazionale, Costa si forma tra Milano e Parigi, dove frequenta l'Atelier 17 di S.W. Hayter e incontra Marcel Duchamp. Dalla fine degli anni '60, la sua ricerca si concentra sulla paleontologia e l’antropologia ("work in regress"), esplorando l’origine dell'uomo attraverso materiali organici e non convenzionali (argilla, acidi, fotocopie). Nel 1975 fonda il Museo d’Antropologia Attiva a Monteghirfo. Protagonista di rilievo nel circuito dell’Arte Povera, del Concettuale e di Fluxus, ha partecipato a rassegne prestigiose come Documenta 6 a Kassel (1977) e diverse edizioni della Biennale di Venezia (celebre la sezione "Arte e Alchimia" del 1986). Nell'ultima fase della sua carriera ha unito arte e impegno sociale, fondando a Genova il Museo Attivo delle Forme Inconsapevoli presso l'ex ospedale psichiatrico di Quarto.

 
La mostra è in collaborazione con l’Archivio Claudio Costa e C+N Gallery CANEPANERI.
Metamagico è realizzata con il sostegno della Compagnia di San Paolo, della Fondazione CRT, della Città di Torino e della Regione Piemonte. 

Art Research World Exhibition — ARWE a Torino

 

ARWE - Art Research World Expo, arriva a Torino, costruisce uno spazio di confronto tra arte e sperimentazione contemporanea internazionale con opere di artisti di nuova generazione provenienti da ventuno Scuole d’arte italiane e da ventisette istituzioni universitarie similari di diciotto paesi esteri.

Un programma che intreccia linguaggi artistici interdisciplinari e pratiche curatoriali, offrendo occasioni di incontri aperti alla comunità accademica e alla città.

Mostre d’arte visiva, performance, teatro, danza, circo, opera, workshop, incontri e pratiche artistiche diffuse in diversi luoghi di Torino.

L'obiettivo del progetto, vincitore di un bando PNRR, dedicato all'internazionalizzazione delle istituzioni dell'Alta Formazione Artistica e Musicale, AFAM, è quello di valorizzare i percorsi di ricerca-creazione, legittimando la ricerca artistica come strumento di indagine, produzione di sapere e veicolo di innovazione.

L’iniziativa si inserisce nel progetto INAR - Italian Network of Artistic Research e ARWE, finanziato dall’Unione Europea – Next Generation EU - con le risorse previste dal Piano Nazionale di Ripresa e Resilienza.

 

Indian Summer da Astuni a Bologna

 

La galleria Enrico Astuni di Bologna ospita la collettiva Indian Summer, in cui sono raccolte una trentina di opere realizzate con diversi media – scultura, pittura, installazione – in cui la vibrazione cromatica genera un’interessante dinamica di narrazione a più voci. 

In una temperie mondiale, pregnante riflesso di sconvolgimenti sociali ed umani, la mostra evidenzia una qualità immateriale, caratteristica delle forme estetiche: il colore, come linguaggio, pensiero, strategia percettiva, atto simbolico di recupero dei codici e valori umani e culturali.

Notte Europea dei Musei

Oggi, sabato 23 maggio 2026 torna la Notte Europea dei Musei, l’iniziativa promossa dal Ministero della Cultura francese e patrocinata dall’UNESCO, dal Consiglio d’Europa e dall’ICOM, che si svolge in contemporanea in tutta Europa con l’obiettivo di incentivare e promuovere la conoscenza del patrimonio e dell’identità culturale nazionale ed europea.

Il Ministero della Cultura italiano anche quest’anno partecipa alla manifestazione con l’apertura serale dei musei e dei luoghi della cultura statali al costo simbolico di 1 euro (eccetto le gratuità previste per legge).

Le aperture straordinarie saranno arricchite da eventi e iniziative organizzati in collaborazione con enti e associazioni, per far conoscere le attività degli Istituti e promuovere la conoscenza del patrimonio culturale in un’atmosfera particolarmente suggestiva.

Buongiorno ceramica!

 

Col divertente titolo "Buongiorno ceramica" si svolgerà un fine settimana, il 23 e 24 maggio, tutto dedicato alla ceramica italiana, con eventi sparsi in tutta Italia. Ci saranno visite guidate, laboratori, apertura delle botteghe storiche... ma anche tante mostre fra l'antico e il contemporaneo. 

Una vera e propria celebrazione dell'artigianato artistico italiano, tra arte e design, ma non solo. 

Le iniziative, in continuo aggiornamento, sono consultabili sul sito www.buongiornoceramica.it e si svolgono in contemporanea nelle 60 città della ceramica AiCC e con eventi collaterali sparsi in tutta Italia