Art Basel Paris

Per gentile concessione di Art Basel

Torna Art Basel Paris e come già con la vecchia organizzazione de le Fiac si espanderà sulla città.  Un dialogo che aveva dato i suoi frutti e che sempre più il gruppo Art Basel sviluppa per organizzare i suoi eventi fieristici tanto più qui a Parigi.

In questa fase di grande crisi dove il sistema dell’arte risulta sempre più marginale; una visione più diffusa e aperta gioca sicuramente a favore. La distruzione del mercato normale e medio a favore di quello più caro ma molto ristretto ha snaturato tutto, per cui ora forse bisogna tornare a lavorare in modo più diffuso e con dei valori più sensati e meno speculativi.

 

La direzione di Karim Crippa, gioca cosi la carta più condivisa della convivialità, la bellezza della città e i tantissimi meravigliosi spazi.

 

Guardando all’interno della fiera paiono molto interessanti la proposta Premise con una visione curatoriale e la varia selezione degli incontri.

 

Ma eccovi il comunicato stampa

Per la sua quinta edizione, Art Basel Paris, sotto la guida del nuovo direttore Karim Crippa , pone Parigi al centro della fiera, considerandola parte essenziale della sua identità artistica e culturale. Riunendo 211 gallerie internazionali di spicco, tra cui 64 espositori con spazi espositivi in ​​Francia , l'edizione 2026 riflette la ricchezza dell'ecosistema delle gallerie parigine, estendendo al contempo la presenza della fiera ai musei, alle istituzioni, agli spazi pubblici e alle comunità creative della città.

Art Basel Paris si terrà al Grand Palais dal 23 al 25 ottobre 2026 , con giornate di anteprima il 21 e 22 ottobre.

L'edizione 2026 riunisce 183 gallerie nella sezione Galeries, 16 presentazioni personali in Emergence e 12 progetti a tema storico in Premise . Trentadue gallerie parteciperanno ad Art Basel Paris per la prima volta, mentre sei gallerie passeranno da Emergence a Galeries. Un numero record di 12 stand collettivi, che riuniranno 24 gallerie, creerà nuovi dialoghi tra programmi e prospettive artistiche differenti.

Quest'anno, Premise si trasferisce nel Salon Seine, uno spazio di 900 metri quadrati, offrendo maggiore spazio e visibilità a presentazioni basate sulla ricerca che rivisitano e ampliano le narrazioni consolidate della storia dell'arte.

Oltre alla fiera stessa, Art Basel Paris si estende in tutta la città attraverso un programma pubblico ampliato , con importanti commissioni e presentazioni al Petit Palais, Palais d'Iéna, Cité de l'architecture et du patrimoine, Parvis des Droits-de-l'Homme, Beaux-Arts de Paris, Avenue Winston-Churchill, Square Jean Perrin, Place Clemenceau e Jardin de la Nouvelle-France.

Il programma è arricchito dal ritorno di Oh La La!, un allestimento di due giorni che permetterà alle gallerie di trasformare i propri stand con opere nuove e stimolanti venerdì e sabato . L'edizione di quest'anno di Oh La La! sarà curata dalla direzione artistica dell'attrice francese Philippine Leroy-Beaulieu, con il tema Miti e Leggende.

Per la prima volta, Conversations approda nell'Auditorium del Grand Palais, riunendo artisti, direttori di musei, curatori, collezionisti e personalità del mondo della cultura per un programma di dibattiti e incontri individuali.

L'edizione di quest'anno si basa sul successo di Art Basel Paris 2025, che ha accolto oltre 73.000 visitatori e rappresentanti di oltre 240 musei e fondazioni.

Grazie al suo portfolio internazionale di gallerie, alla crescente rete di collaborazioni istituzionali e alla presenza ampliata nella capitale francese, Art Basel Paris 2026 consolida ulteriormente il suo ruolo all'interno di uno degli ecosistemi culturali più dinamici al mondo.

Secondo il rapporto Art Basel & UBS Global Art Market Report 2026 , le vendite in Francia hanno raggiunto i 4,5 miliardi di dollari nel 2025, rappresentando l'8% del mercato globale dell'arte e oltre la metà del mercato dell'UE in termini di valore. La Francia si posiziona al quarto posto tra i mercati dell'arte più grandi al mondo.

L'edizione 2026 riflette l'ampiezza e la pluralità della scena artistica contemporanea parigina, dove artisti, gallerie, musei e istituzioni culturali francesi e internazionali si incontrano. All'interno della fiera e in tutta la città, le pratiche artistiche spaziano tra pittura, scultura, installazione, fotografia, performance, letteratura, danza, cinema e nuovi media.

Il risultato è un'edizione che guarda oltre i confini tradizionali della fiera d'arte per esplorare i molteplici modi in cui l'arte viene prodotta, presentata, fruita e collezionata.

Torino, The Others

The Others torna per la sua XV edizione, dal 29 ottobre al 1° novembre 2026, all'interno della Contemporary Art Week torinese.

Quest'anno la fiera cambia prospettiva e trova casa in un luogo inedito: il piano terra del Parcheggio Lancia di piazzale Chiribiri, nel quartiere di Borgo San Paolo, grazie alla collaborazione con GTT - Gruppo Torinese Trasporti.

Borgo San Paolo è uno dei quartieri più autentici di Torino: nato come borgo operaio, oggi mescola anima popolare, creatività e vita di quartiere. Tra caffè storici, botteghe indipendenti e strade vivaci, conserva un forte senso di comunità, pur essendo a pochi minuti dal centro. Un angolo di Torino genuino e in continua evoluzione, dove tradizione e contemporaneità convivono con naturalezza.

Un primo sguardo alla nuova sede: scopri il Parcheggio Lancia nel nostro reel su Instagram.
Al centro del concept curatoriale, la scelta di questo luogo consente uno spostamento simbolico e percettivo: un parcheggio, spazio quotidiano destinato alla sosta e al transito, viene riconfigurato come sede espositiva. In questo modo, il pubblico è invitato a osservare con uno sguardo nuovo un luogo familiare, riscoprendone il potenziale come spazio di socialità e produzione culturale.
La struttura della fiera si sviluppa attraverso una serie di fermate espositive, all'interno delle quali gallerie, artisti e curatori presentano progetti site-specific e multidisciplinari, trasformando il parcheggio in uno spazio dinamico e partecipativo.

Per la XV edizione, The Others amplia inoltre il programma con una nuova sezione dedicata all'editoria, pensata per dare spazio a editori, pubblicazioni e progetti editoriali indipendenti.
La nuova sezione amplia così il percorso della fiera, introducendo l'editoria come ulteriore spazio di ricerca e confronto delle pratiche artistiche contemporanee.

F.G.Torres al Met di New York

 

Il Metropolitan Museum of Art presenterà la prima grande retrospettiva a New York dal 1995 dedicata alle opere del celebre artista contemporaneo Felix Gonzalez-Torres (nato nel 1957 a Guáimaro, Cuba; morto nel 1996 a Miami). A differenza di una tradizionale presentazione monografica, Felix Gonzalez-Torres: The Spaces Between , in mostra dal 10 giugno al 18 ottobre 2027, esporrà oltre 40 opere dell'artista – tra installazioni, dipinti, fotografie, sculture e video, provenienti da collezioni pubbliche e private – in diverse sedi del Museo, ricontestualizzando le gallerie in 14 aree di collezione del Met e reinterpretando di conseguenza il lavoro di Gonzalez-Torres. Tra le opere in mostra figurano "Untitled" (Go-Go Dancing Platform) , 1991, una piattaforma blu vuota circondata da 48 lampadine, attivate brevemente una volta al giorno da una ballerina go-go vestita di lamé; "Untitled" (Perfect Lovers) , 1987–1990, due orologi gemelli a batteria inizialmente impostati sulla stessa ora che inevitabilmente si desincronizzano; e "Untitled" (Revenge) , 1991, una scorta infinita di caramelle blu in involucri trasparenti. La collocazione di queste opere all'interno delle gallerie della collezione permanente del Museo – tra cui quelle dedicate all'arte egizia antica, all'arte medievale, agli interni storici britannici e alla scultura americana – creerà incontri che riflettono l'interesse dell'artista per la circolazione e la dispersione, l'interazione e l'impegno politico, e le soglie tra vita pubblica e privata. La mostra è organizzata in collaborazione con l'Art Institute of Chicago, che presenterà simultaneamente una mostra distinta, Felix Gonzalez-Torres: This Work Cannot Be Destroyed .

La mostra è sostenuta in parte dalla Fondazione Aretê/Betsy e Ed Cohen, Nancy Magoon, Kim e Jon Shirley, il Vanguard Council e Marguerite Hoffman.

"Felix Gonzalez-Torres è uno degli artisti più importanti del XX secolo. Le sue installazioni trasformano materiali effimeri in esperienze durature che affrontano temi come il tempo, la perdita e l'amore. Il suo lavoro è apprezzato sia per il suo rigore che per la sua essenziale poesia", ha affermato Max Hollein, Direttore francese e Amministratore delegato del Met. "Per la prima presentazione dell'artista a New York in oltre trent'anni, il Met esporrà le sue opere in tutto il museo, in dialogo con 5.000 anni di creatività umana. In vista dell'inaugurazione della Tang Wing, il nostro nuovo spazio dedicato all'arte moderna e contemporanea, prevista per il 2030, questa mostra di Felix Gonzalez-Torres dimostra come il Met possa attraversare epoche e geografie per far emergere nuove risonanze tra arte contemporanea e storica."

"Felix Gonzalez-Torres ha creato un corpus di opere che ha cambiato la storia, senza mai scegliere tra il personale e il politico, tra la disarmante immediatezza e la generosa enigmaticità", ha affermato David Breslin, curatore responsabile del Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea del Met. "La crisi dell'AIDS è stata il crogiolo che ha forgiato la sua risoluta chiarezza concettuale, e la sua genialità è consistita nel creare un corpus di opere aperto a diverse interpretazioni, in cui nuovi significati possono essere incorporati in quelli storici. Questa mostra rappresenta un'opportunità per portare una nuova attenzione critica su un artista la cui complessità è ancora in fase di piena comprensione. Presentandola al Met, espositiva che abbraccia l'intero Museo e i suoi dipartimenti, l'opera di Gonzalez-Torres ci offre l'opportunità di osservare ciò che unisce l'umanità attraverso il tempo e ciò che ci ancora al nostro presente."

"A trent'anni dalla prematura scomparsa di Gonzalez-Torres a causa delle complicazioni dell'AIDS, la sua opera continua a essere allo stesso tempo ingannevolmente bella e rigorosamente acuta, ostinatamente romantica e precisamente analitica, e stranamente attuale", ha affermato Ann Goldstein, direttrice ad interim del Museum of Contemporary Art di Los Angeles, che ha co-organizzato la prima grande mostra antologica dell'artista, Traveling , insieme ad Amada Cruz e Susanne Ghez, nel 1994. "Consapevole della probabile brevità della sua vita, Gonzalez-Torres ha strutturato deliberatamente il suo lavoro in modo da garantirne la continua esistenza: affinché si manifestasse di nuovo e attraverso coloro che non lo avrebbero conosciuto, e con titoli tra parentesi che non ne definissero mai il significato, rendendolo permeabile a ogni nuovo incontro."

Nato a Guáimaro, Cuba, nel 1957, Gonzalez-Torres trascorse parte della sua giovinezza all'estero, brevemente in Spagna e poi a Porto Rico, prima di stabilirsi a New York nel 1979, dove frequentò il Whitney Independent Study Program nel 1981 e nel 1983 e successivamente conseguì la laurea in Belle Arti presso il Pratt Institute. Dal 1987 al 1994, fu membro del Group Material, l'influente collettivo di artisti newyorkesi noto per le sue mostre e i suoi progetti pubblici a sfondo politico. Insieme ai membri fondatori Doug Ashford, Julie Ault e Tim Rollins, Gonzalez-Torres contribuì all'ampio approccio del collettivo alla ricerca e all'installazione artistica, tracciando le ripercussioni culturali e politiche negli Stati Uniti. Questo impegno per la memoria collettiva e la documentazione avrebbe influenzato la sua pratica artistica quando raggiunse la notorietà all'inizio degli anni '90. Le sue opere hanno trasformato una profonda attenzione per le tematiche sociali e politiche contemporanee, il dolore personale e collettivo, un interesse vorace per la storia e l'identità queer in una forma duratura di testimonianza e indagine artistica. Come per molti artisti della sua generazione, la crisi dell'AIDS ha profondamente influenzato sia la creazione che la ricezione del lavoro di Gonzalez-Torres. Gonzalez-Torres ha creato un corpus di opere aperto, destinato a perdurare e ad adattarsi oltre la sua vita, influenzando le generazioni future. Morì per complicazioni legate all'AIDS nel 1996.

Gonzalez-Torres ha lavorato con una vasta gamma di mezzi e strategie, spesso con materiali semplici, ottenendo potenti effetti emotivi e sensoriali con mezzi minimi. Ha trasformato oggetti di uso quotidiano in meditazioni sul tempo, la storia, il valore, l'uguaglianza, la perdita e l'amore. Molte delle sue opere invitano gli spettatori a partecipare direttamente. In opere come "Senza titolo" (Sangue) , del 1992, gli spettatori possono attraversare una cortina di fili di perline rosse e trasparenti che devono essere adattati per passare attraverso soglie preesistenti. In opere come "Untitled" (Placebo – Landscape – for Roni) , del 1993, i visitatori sono liberi di prendere pezzi da una vasta distesa di caramelle dorate, mentre opere come "Untitled", del 1990, permettono agli spettatori di prendere fogli di carta stampata da un'imponente pila. Così facendo, esauriscono continuamente l'opera: l'atto individuale di ogni visitatore che prende, combinato con quello di innumerevoli altri, rimodella la forma dell'opera, potenzialmente producendone l'assenza. Il proprietario o l'istituzione ospitante può scegliere di reintegrare l'opera, ricominciando il ciclo. Per Gonzalez-Torres, l'apertura di questa interazione era essenziale, ponendo sia il pubblico che l'espositore come collaboratori che completano l'opera, garantendo che le sue creazioni si adattassero continuamente a nuovi contesti anziché essere fissate nel tempo. Tale apertura rappresentava anche una sfida per i musei d'arte, che spesso si sentono più a loro agio nel preservare oggetti singoli piuttosto che nel facilitare la distribuzione di una fornitura infinita di materiale.   

Anziché fornire risposte definitive, la sua arte pone una serie di interrogativi duraturi: dove finisce il sé e inizia il sociale; cosa significa possedere un'opera d'arte che può essere consumata o ceduta eppure sempre ritorna; come vengono percepiti i concetti di originalità, valore, proprietà e autorialità; e come un oggetto ordinario come una ghirlanda di luci, una tenda di perline, un paio di orologi o una pila di caramelle possa essere carico di memoria. Ogni opera rimane aperta all'interpretazione, ma racchiude in sé uno spirito di critica silenziosa e generosa: delle istituzioni, dell'autorialità e delle categorie e storie sociali e politiche che strutturano le nostre vite. Gonzalez-Torres descrisse lo scopo del suo lavoro in modo semplice: "Soprattutto, si tratta di lasciare un segno della mia esistenza: ero qui. Avevo fame. Ero sconfitto. Ero felice. Ero triste. Ero innamorato. Avevo paura. Avevo speranza. Avevo un'idea e un buon scopo, ed è per questo che ho creato opere d'arte".

"The Spaces Between" esemplifica l'approccio lungimirante e interdisciplinare del Met nella presentazione dell'arte moderna e contemporanea in dialogo con la vasta collezione del Museo. L'allestimento della mostra, che coinvolge diversi dipartimenti, anticipa la visione curatoriale della Tang Wing per l'Arte Moderna e Contemporanea, che collocherà il modernismo e la sua eredità all'interno di una storia globale continua, come dimostrato di recente dall'installazione " Giacometti nel Tempio di Dendur" . I dipartimenti del Museo che partecipano a "The Spaces Between" sono l'American Wing, l'Antica Arte Americana nella Michael C. Rockefeller Wing, l'Antica Arte dell'Asia Occidentale, Armi e Armature, Arte Asiatica, Arte Egizia, Didattica, Dipinti Europei, Scultura e Arti Decorative Europee, Arte Greca e Romana, Arte Medievale e The Cloisters, Arte Moderna e Contemporanea, la Collezione Robert Lehman e la Biblioteca Thomas J. Watson. Visibile in tutto l'edificio del Museo sulla Fifth Avenue, l'opera di Gonzalez-Torres illumina le connessioni tra epoche e collezioni che sono al centro della missione del Met.

Il titolo della mostra è tratto da un fax di una sola riga che Gonzalez-Torres inviò alla sua amica e gallerista Andrea Rosen nel maggio del 1994: "Ho osservato attentamente gli spazi tra gli uccelli. E. Bishop", citando un saggio giovanile della poetessa Elizabeth Bishop, in cui paragona gli spazi tra gli uccelli al "riposo nella musica... non un vuoto, ma uno spazio musicale come tutti i suoni". Distribuite in tutto il Met senza un ordine prestabilito, le installazioni della mostra collegano spazi diversi all'interno del Museo, invitando i visitatori a tracciare i propri percorsi tra di esse. 

A proposito di Felix Gonzalez-Torres

Il lavoro di Gonzalez-Torres è stato oggetto di importanti mostre internazionali al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (2026); Smithsonian National Portrait Gallery e Archivi d'arte americana, Washington, DC (2024–25); Museo d'arte Rockbund, Shanghai, Cina (2016); Metropolitan Arts Centre, Belfast, Irlanda del Nord, Regno Unito (2016); PLATEAU e Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul, Corea (2012); Centro d'Arte Contemporanea Wiels, Bruxelles; MMK Museo per l'arte moderna, Francoforte; e Fondazione Beyeler, Basilea (2010–11); Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart, Berlino, Germania (2007); Museo Solomon R. Guggenheim, New York; Centro Galego de Arte Contemporanea, Santiago de Compostela; e Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (1995–96); e il Museo di Arte Contemporanea, Los Angeles; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC, e The Renaissance Society presso l'Università di Chicago (1994). L'artista è stato presente nel padiglione degli Stati Uniti alla 52a Biennale di Venezia nel 2007. Le sue opere sono incluse nelle collezioni dell'Art Institute of Chicago; del Metropolitan Museum of Art; del Museum of Modern Art; del Philadelphia Museum of Art; del San Francisco Museum of Modern Art; della Tate; del Solomon R. Guggenheim Museum; e del Whitney Museum of American Art, tra molte altre istituzioni pubbliche. 

Catalogo 

della mostra Il catalogo che accompagna la mostra, Felix Gonzalez-Torres: The Spaces Between , amplierà i temi centrali del progetto attraverso testi inediti commissionati a David Breslin, Leonard A. Lauder Curator in Charge, Department of Modern and Contemporary Art del Met; Ann Goldstein, Interim Maurice Marciano Director, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Paulina Pobocha, chair and curator of Modern and Contemporary Art presso l'Art Institute of Chicago; e Samuel Shapiro, ricercatore associato presso il Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea del Met. 

Il catalogo è reso possibile grazie al Diane W. e James E. Burke Fund.

Ulteriore supporto è fornito dal Mary and Louis S. Myers Foundation Endowment Fund e dal Christian Keesee Charitable Trust.

Crediti della mostra

The Spaces Between è organizzata da David Breslin, Leonard A. Lauder Curator in Charge, Modern and Contemporary Art del Met, e Ann Goldstein, Interim Maurice Marciano Director, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, con Samuel Shapiro, ricercatore associato presso il Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea del Met. La mostra è organizzata in collaborazione con l'Art Institute of Chicago, dove Paulina Pobocha, Presidente e Curatrice di Arte Moderna e Contemporanea, ha curato This Work Cannot Be Destroyed . 

Il Met ospiterà una serie di programmi correlati alla mostra, che saranno annunciati in seguito. 

 

Informazioni sulla collezione di arte moderna e contemporanea del Met  

Il Met possiede una delle collezioni più importanti al mondo di arte del XX e XXI secolo, che spazia tra pittura, scultura, design, installazioni e media basati sul tempo. Grazie a fondi chiave come la Collezione Cubista Leonard A. Lauder e la Collezione Alfred Stieglitz, il dipartimento vanta eccezionali collezioni di Espressionismo Astratto, Modernismo Americano con una rinnovata attenzione al Rinascimento di Harlem e arte contemporanea globale dal 2000 ad oggi. La collezione del dipartimento comprende dipinti iconici di Pablo Picasso, Georgia O'Keeffe, Aaron Douglas, Jackson Pollock, Georg Baselitz, Ibrahim El-Salahi, Carmen Herrera, Nicole Eisenman e Kerry James Marshall; sculture di Alberto Giacometti, Isamu Noguchi, Mrinalini Mukherjee, Charles Ray e Wangechi Mutu; opere su carta di Paul Klee, Zarina e Julio Le Parc; oggetti di design e di arte decorativa dall'Art Nouveau al Gruppo Memphis; Installazioni e video di Arthur Jafa, William Kentridge, Nalini Malani e Pipilotti Rist, e molto altro ancora. La Tang Wing offre un'opportunità unica per contestualizzare in modo nuovo i movimenti storico-artistici moderni e contemporanei in un'istituzione che custodisce secoli di arte e crede nel potere dello scambio interculturale.

Les Chiens de Pavlov

Vedute della mostra di Johan Creten 'Les Chiens de Pavlov' al Perrotin Parigi, 2026. 

Foto: Claire Dorn. Per gentile concessione dell'artista e Perrotin. ©ADAGP, Parigi, 2026

La galleria Perrotin a Parigi ospita fino al 10 ottobre la mostra "Les Chiens de Pavlov" personale dell'artista belga Johan Creten. Profondamente personale e al contempo straordinariamente universale, la mostra si snoda come un viaggio immersivo attraverso l'archeologia tecnologica, l'allegoria politica e l'immaginazione mitologica, rivelando come i sogni di ieri continuino a plasmare la realtà di oggi.

Vedute della mostra di Johan Creten 'Les Chiens de Pavlov' al Perrotin Parigi, 2026. 

Foto: Claire Dorn. Per gentile concessione dell'artista e Perrotin. ©ADAGP, Parigi, 2026

Il padre di Johan Creten aveva una particolare ossessione. Affascinato dalle tecnologie emergenti degli anni Ottanta, accumulò, in oltre quarant'anni, una vasta collezione di primi computer che, come ricorda l'artista, "occupavano non solo spazi dedicati, ma ogni angolo disponibile: impilati sui mobili, nascosti dietro le tende, ammassati uno sull'altro con una densità quasi archeologica". Dopo la morte del padre, avvenuta tre anni fa, la famiglia ha ereditato le macchine e le ha trasformate in una grande parete, posta al centro di questa mostra. Si tratta di un gesto profondamente personale – un atto di lutto reso pubblico – ma ciò che è stato tramandato in definitiva non sono stati i computer in sé, bensì l'impulso a interrogarsi. Questa nozione di ossessione è al centro di questa mostra, così come dell'intera pratica artistica di Creten.

Vedute della mostra di Johan Creten 'Les Chiens de Pavlov' al Perrotin Parigi, 2026. 

Foto: Claire Dorn. Per gentile concessione dell'artista e Perrotin. ©ADAGP, Parigi, 2026

Focus su Number 30 di Pollock

 

Cosa rende "Autumn Rhythm: Number 30, 1950" di Jackson Pollock così interessante da osservare? Cosa ci dice sull'importanza di rimanere fedeli a se stessi quando il mondo intorno a noi cambia? Scopriamolo insieme alla curatrice del Met, Brinda Kumar, che analizza quest'opera e ci mostra come interpretare le intenzioni dell'artista.

Art digital al Whitney Museum

 

La mostra, sarà inaugurata il 21 novembre, esplorerà la storia di lunga data e l'eredità dell'arte di Internet al Whitney e l'evoluzione di artport, il pionieristico spazio della galleria online del Museo.

Il Whitney Museum of American Art presenta artport: A History of Internet , una grande mostra che segna il 25 ° anniversario di artport, lo spazio della galleria online del Museo per le commissioni di net art. artport: A History of Internet Art è la mostra più completa di opere d'arte basate sul web che saranno presentate negli Stati Uniti in un ambiente museale. Dal suo lancio nel 2001, la piattaforma ha affermato la Whitney come leader nel campo della net art, sostenendo gli artisti le cui pratiche si impegnano con un ambiente online in continua evoluzione. Con oltre 100 opere commissionate specificamente per lo spazio online di Whitney, artport ha svolto un ruolo chiave nel far progredire la collezione di arte digitale e net del Museo. Per più di due decenni, artport ha fornito un'istantanea delle pratiche artistiche di ampio respiro su Internet, riflettendo i modi in cui gli artisti hanno risposto al cambiamento delle tecnologie, delle piattaforme in evoluzione e delle culture online. Presentato contemporaneamente online e nelle gallerie, artport: A History of Internet Art esamina i progetti artport commissionati dal Whitney nel corso dell'ultimo quarto di secolo. La mostra è organizzata dalle categorie di commissioni che hanno plasmato e definito artport nel tempo, tra cui le Pagine Gate (2001-06), la serie Commissions in corso (2001– ), e la serie Sunrise/Sunset (2009–2024), insieme al suo successore, On the Hour (2024– ). In tutte queste sezioni, i visitatori incontreranno progetti che coprono un'ampia varietà di formati, dalle opere focalizzate sul codice e dalla visualizzazione dei dati alla narrativa non lineare, al worldbuilding, agli ambienti di gioco e all'arte della rete basata sull'IA. La pianta aperta nelle gallerie crea l'effetto delle finestre del browser galleggianti, portando la storia dell'arte di Internet nello spazio fisico. Insieme, le opere della mostra evidenziano i modi in cui gli artisti hanno utilizzato internet sia come luogo che come mezzo per la sperimentazione artistica. “Nel corso del tempo, artport è diventata una storia sia sull’evoluzione dell’arte della rete che sui modi in cui Internet ha profondamente influenzato le nostre vite, cambiando il modo in cui comunichiamo, ci presentiamo e negoziamo i confini porosi tra il mondo virtuale e quello offline”, ha dichiarato Christiane Paul, curatrice di Digital Art al Whitney Museum. “La mostra evidenzia come gli artisti si siano impegnati con gli stessi argomenti – come l’identità, la privacy, l’autonomia e l’estetica – attraverso rapidi cambiamenti nelle piattaforme tecnologiche e nella cultura di Internet dal 2001 al 2026. Le opere d’arte utilizzano, sovvertono e riutilizzano le tecnologie Web, sondando il potenziale creativo di Internet e chiedendoci di riflettere su ciò che viene guadagnato e perso nell’interazione online”. “Venticinque anni di artport sono una pietra miliare straordinaria, non solo per il Whitney, ma per l’intero campo dell’arte digitale”, ha dichiarato Scott Rothkopf, direttore del Whitney Museum of American Art di Alice Pratt Brown. “Dal 2001, il Whitney è in prima linea nel sostenere gli artisti che sperimentano Internet e le nuove tecnologie in modi che sembrano sempre più rilevanti. Questa mostra celebra quella storia rivoluzionaria, riaffermando il nostro impegno a sostenere gli artisti che continuano a spingere l’arte della rete in direzioni nuove e inaspettate”. Artport: A History of Internet Art è organizzato da Christiane Paul, Curatore di Arte Digitale, con David Lisbon, Assistente Curatoriale, e Colin Brooks, Responsabile dello Sviluppo Digitale.

Festival dei Cabanes

foto di Daniele Molajoli 

 

Nei giardini di Villa Medici si svolge fino al 28 settembre 2026, la sua quinta edizione del Festival dei Cabanes che riunisce sei creazioni inedite e una programmazione artistica multidisciplinare, al crocevia tra architettura e paesaggio.

Sin dalla sua creazione nel 2022, il festival trasforma ogni estate i giardini storici dell’Accademia di Francia a Roma in un laboratorio di sperimentazione e pratica architettonica. La nuova edizione presenta sei cabanes da visitare nei giardini, una libreria temporanea e una programmazione artistica multidisciplinare.

Le sei cabanes sono creazioni architettoniche originali ideate da sei team con pratiche e orizzonti diversi: Bento Architecture, l’ECAL/Ecole cantonale d’art de Lausanne con Mutina, la Fondation Huttopia, la NABA/Nuova Accademia di Belle Arti, PRÌA e VELIA, e salazarsequeromedina.

foto di Daniele Molajoli 

L’idea della cabane (capanna), che dà il nome al Festival, è il punto di partenza di un dialogo tra architetti, artisti, designer e paesaggisti su diverse tematiche: come proporre forme architettoniche non invasive? Quali soluzioni abitative sostenibili per il futuro?

Realizzate in legno, acciaio, mattoni o materiali di recupero, le cabanes sono collocate nei quadrati dello storico giardino, rettangoli di prato piantumati con pini, alcuni dei quali hanno quasi 200 anni, e delimitati da siepi di alloro, bosso, quercia verde e mirto. Passeggiare di capanna in capanna offre una nuova esperienza dei giardini di Villa Medici e invita a salire in alto per apprezzare il panorama mozzafiato su Roma.

foto di Daniele Molajoli 

Fiorire

 Vista dell'installazione, 2026 © Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Stefan Altenburger Photography, Zurigo

Fiorisci! è la prima mostra congiunta della Staatliche Kunsthalle Baden-Baden e del Badisches Landesmuseum.

Pochi motivi sono così onnipresenti, versatili ed espressivi come il fiore. Per millenni è stato presente nelle società umane come ornamento, attributo o simbolo. I fiori evocano emozioni intense, ricordi vividi e immagini potenti, plasmate dalla loro bellezza, dal loro profumo e dai loro molteplici significati.

Vista dell'installazione, 2026 © Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Stefan Altenburger Photography, Zurigo

Le posizioni artistiche contemporanee si confrontano con opere d'arte e oggetti storico-culturali provenienti dalle collezioni del Museo Statale del Baden. Nell'interazione tra arte contemporanea e reperti storici, i motivi floreali ridefiniscono costantemente il loro significato: come simboli di movimenti politici, come espressioni di desiderio e resistenza, o come portatori di memorie personali.

Bloom up! apre nuove prospettive sui significati culturali, sociali e personali dei fiori e rivela quanto arte, storia e presente siano strettamente intrecciati.

Artisti Ketuta Alexi-Meskhishvili Allora & Calzadilla Belia Zanna Geetha Bruckner Petrit Halilaj & Álvaro Urbano Jonas Mekas Willem de Rooij Taryn Simon Sissel Tolaas

Vista dell'installazione, 2026 © Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Stefan Altenburger Photography, Zurigo

Lawrence Weiner da De Carlo

Presso la galleria Massimo De Carlo di Milano è in corso un bella mostra su Lawrence Weiner dal titolo "E la massa determinata alla base di tutto".

Per oltre mezzo secolo ha inciso parole su muri, edifici, tombini, pelle, spesso con un carattere tipografico da lui stesso disegnato (Margaret Seaworthy Gothic), nella lingua del luogo in cui venivano lette. Le parole sono la scultura, e una scultura può vivere ovunque.

Ha eluso ogni etichetta che gli è stata affibbiata – proveniva dalla pittura, dalla scultura su tela e dalla performance, dagli stessi anni dell'Arte Povera e della Land Art – e ha mantenuto un istinto democratico in ogni momento: l'opera non richiede alcuna conoscenza pregressa, solo la volontà di leggerla. Il suo soggetto non è mai stata la frase in sé, ma ciò che la frase racchiude – il modo in cui un materiale incontra un altro.

Mel Chin al Moca di Hiroshima

foto della mostra di Kenichi Hanada

La città di Hiroshima, è stata la prima al mondo a subire un bombardamento atomico, per ricordare questo evento è stato istituito il Premio d'Arte di Hiroshima nel 1989 con l'obiettivo di trasmettere al mondo, attraverso l'arte, lo "Spirito di Hiroshima": il desiderio di una pace mondiale duratura e della prosperità dell'umanità. Il premio viene assegnato ogni tre anni.

Fino al 12 Ottobre il Museo d'Arte Contemporanea di Hiroshima presenta una mostra commemorativa dedicata a Mel Chin, vincitore del 12° Premio d'Arte di Hiroshima.

Mel Chin (1951–) è un artista che ha sviluppato idee ispirate a complesse problematiche sociali, tra cui quelle ambientali, esprimendole attraverso metodi personali che trascendono le categorie artistiche convenzionali. La sua opera, unica e variegata – che spazia dalla scultura al disegno, dalla pittura al video, dall'animazione ai videogiochi, fino alle installazioni pubbliche di grandi dimensioni – ha coinvolto un pubblico eterogeneo e promosso una maggiore consapevolezza sociale. 

foto della mostra di Kenichi Hanada

Ha inoltre intrapreso progetti a lungo termine che integrano la collaborazione con le comunità locali e approcci scientifici, esplorando come l'arte possa ispirare coscienza e responsabilità sociale. Questa mostra, la prima personale di Mel Chin in Giappone, offre una panoramica completa della sua carriera, riunendo molte delle sue opere più significative insieme a nuovi lavori creati appositamente per Hiroshima. Attraverso queste opere, la mostra mette in luce il potenziale dell'arte di catalizzare la trasformazione sociale e la trasformazione personale.

foto della mostra di Kenichi Hanada