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09/04/26

Torna Vita di Artista

Grazie al grande successo di pubblico prende avvio la seconda edizione della trasmissione Vita di Artista su Rai 3, condotta dallo storico dell’arte Jacopo Veneziani.

Sono 15 puntante che vedranno spaziare da Pierre-Auguste Renoir a Giorgio Vasari, se ne avete persa qualcuno c'è il comodo RAIplay che vi consente di recuperarle.

08/04/26

Molto bella la mostra che la galleria Gagosian ha realizzato nella sede di Roma dal titolo Mirrored Fiction , con una selezione di sculture di Duane Hanson, presentata in dialogo con opere realizzate con diversi media da altri artisti, tra cui Felix Gonzalez-Torres, Andreas Gursky, Jeff Koons, Adam McEwen e Bruce Nauman.

Mirrored Fiction invita a un dialogo sul realismo e le sue ripercussioni contemporanee: come il "reale" viene messo in scena, testimoniato, consumato e distribuito attraverso corpi, immagini e spazi sociali. Sebbene ogni artista affronti questo tema da una prospettiva diversa, tutti sono interessati alle forme, alle rappresentazioni e ai materiali della quotidianità.

Il fulcro della mostra sono le sculture iperrealistiche in bronzo dipinto di Duane Hanson, raffiguranti americani comuni. Realizzate inizialmente nel contesto di un rinnovato interesse per la figurazione, suscitato dall'emergere della Pop Art, queste opere, veri e propri monumenti al quotidiano, mettono alla prova il confine tra realtà e rappresentazione. Da sempre associate a temi come la visibilità sociale, il lavoro e l'incarnazione, le sculture di Hanson fungono al contempo da soggetti e testimoni dell'esperienza dello spettatore. Talvolta poco lusinghiere, ma comunque affettuose nella loro immediatezza osservativa, risultano familiari e al contempo toccanti, spesso in sintonia con tematiche sociopolitiche.

Nell'opera Window Washer (1984) di Hanson , un giovane vestito con pantaloncini sporchi, scarpe da ginnastica e una camicia a maniche corte sbottonata brandisce un tergivetro, con un secchio di plastica ai suoi piedi. L'opera fa parte di un'installazione al centro dello spazio principale ovoidale della galleria, con Politik II ( Politica II ) (2020) di Gursky appeso alla parete retrostante. Nell'inquadratura panoramica del fotografo, un gruppo di tredici politici tedeschi, tra cui Angela Merkel, è disposto come le figure dell'Ultima Cena di Leonardo da Vinci (circa 1495-98). All'interno della scena raffigurata, una veduta del dipinto Five Past Eleven (1989) di Ed Ruscha, che giustappone un quadrante di orologio parziale a una canna di bambù, fa da sfondo all'incontro. L'accostamento inaspettato incarna il fascino di Hanson per le classi sociali e l'esplorazione di Gursky dei sistemi umani che le definiscono.

L'opera di Koons " Donkey" , della serie Easyfun (1999), una lastra di acciaio inossidabile lucidato a specchio a forma di testa di animale dei cartoni animati, estende il piano visivo della galleria, mettendo in primo piano il desiderio, l'auto-riconoscimento e il consumo senza reciprocità. La sua immagine apparentemente spensierata suggerisce la prospettiva di un bambino, mentre la superficie riflettente allude a un nascente processo di scoperta di sé (e forse anche, secondo lo psicoanalista Jacques Lacan, di auto-alienazione). L'opera risponde anche a un impulso esplicitamente narcisistico: a Roma, è esposta di fronte a "Bodybuilder" (1989-90) di Hanson, una figura abbronzata ma affaticata, a torso nudo, in pantaloncini corti, con un asciugamano dall'aspetto sudato appoggiato su un braccio

07/04/26

The Phair | Photo Art Fair 2025

Nanda Lanfranco, Giuseppe Penone al Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli - Torino, 1991 Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli - Torino CRRI – Centro di Ricerca Castello di Rivoli Fondo Nanda Lanfranco

Immagine guida della VII Edizione

Nanda Lanfranco, Giuseppe Penone al Castello di Rivoli, 1991

Courtesy CRRI - Centro di Ricerca Castello di Rivoli

Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino

Anche quest'anno nelle giornate di Exposed si svolgerà The Phair | Photo Art Fair - la fiera internazionale dedicata alla fotografia e alle opere d'arte realizzate con l’uso del mezzo fotografico - annuncia le date della VII Edizione che si terrà a Torino, dal 22 al 24 maggio 2026. La manifestazione conferma così il ruolo centrale della Città come punto di riferimento per la fotografia contemporanea e per le pratiche artistiche che sperimentano il linguaggio fotografico in chiave interdisciplinare.

Ogni anno - attraverso la scelta di un’immagine guida - The Phair intende valorizzare il profondo legame tra Torino e la fotografia, attraverso la collaborazione con le principali istituzioni museali del territorio. La selezione dell’immagine guida orienta la visione curatoriale della fiera e racconta la relazione tra città, sguardo e ricerca artistica.

Per il 2026, The Phair presenta così un’opera proveniente dal Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea: una fotografia di Nanda Lanfranco che ritrae Giuseppe Penone (Garessio, 1947) negli spazi del Museo. L’immagine fa parte del Fondo Nanda Lanfranco, istituito nel 2025 dal CRRI – Centro di Ricerca Castello di Rivoli – ed è concessa gentilmente dal Museo.

L’opera scelta condensa in un unico gesto la relazione tra corpo, spazio e pensiero, incarnando quel dialogo tra linguaggi che definisce l’identità di The Phair e la sua vocazione alla ricerca e alla sperimentazione.

Nanda Lanfranco (Genova 1935 - Pieve Ligure 2023) è stata una fotografa e artista visiva che con i suoi scatti ha indagato il rapporto tra immagine, spazio e percezione. Lanfranco ha documentato performance, installazioni, esposizioni, spesso colte nel momento allestitivo, e soprattutto artisti e opere di decenni di arte contemporanea, utilizzando quasi esclusivamente il bianco e nero. Ha sviluppato così un linguaggio fotografico intimo e analitico, capace di trasformare la documentazione in visione e la visione in riflessione. Le sue opere esplorano i limiti tra realtà e rappresentazione, tra osservazione e partecipazione, facendo della fotografia un dispositivo di pensiero e di attraversamento.

Nella fotografia scelta, la figura di Giuseppe Penone è ritratta come corpo in movimento, che attraversa un confine immaginario tra permanenza e trasformazione, che varca una soglia ipotetica tra l’essere e il divenire. Nel fissare l’istante del passaggio, Lanfranco cattura un momento sospeso. Il camminare di Penone viene presentato non solo come spostamento nello spazio, ma come strumento per conoscere la realtà esterna attraverso il corpo e la continuità fra sé e l’ambiente.

Nel dialogo fra l’obiettivo e lo sguardo dell’artista, luce, corpo e spazio architettonico si mescolano, diventando simbolo dell’approccio curatoriale della fiera. The Phair infatti predilige i progetti espositivi caratterizzati dalla contaminazione tra linguaggi e discipline e la sperimentazione attraverso il mezzo fotografico.

Con questa immagine guida, The Phair invita il pubblico a esplorare la fotografia come territorio ibrido e in trasformazione, dove ogni linguaggio si apre all’altro, dove ogni sguardo diventa un passaggio, e ogni immagine una soglia da oltrepassare.

06/04/26

Un nuovo Rosso Fiorentino al MET

Il Metropolitan Museum of Art ha annunciato l'acquisizione di un dipinto recentemente riscoperto dell'artista rinascimentale Rosso Fiorentino (1494-1540), uno dei grandi maestri della maniera moderna , oggi nota come Manierismo. La Madonna con Bambino e San Giovanni Evangelista , ritenuta perduta per secoli, è stata identificata durante un recente intervento di restauro che ha rimosso uno strato di ridipintura dalla tela, rivelando la straordinaria figura di San Giovanni Evangelista in primo piano. La riemersione della figura – dopo forse secoli di ridipinture – ha chiarito che si tratta del dipinto fondamentale descritto nelle Vite dei più eccellenti pittori e architetti di Giorgio Vasari come l'opera che ha lanciato la carriera del giovane artista fiorentino.

"Questo dipinto è una rara e cruciale opera giovanile di uno dei più importanti pittori del XVI secolo, sorprendente per la sua ambizione sperimentale e l'intensità psicologica", ha affermato Max Hollein, Direttore e CEO del Met, titolare della cattedra Marina Kellen French. "Con la sua insolita disposizione delle figure e le pose audaci, Rosso trasforma un tipo devozionale familiare in un incontro carico di significato che coinvolge lo spettatore in una complessa interazione di visione, sentimento e fede. La riscoperta di quest'opera ridefinisce la nostra comprensione della produzione giovanile di Rosso e dell'emergere di composizioni più espressive e dinamiche nella pittura fiorentina del XVI secolo."

Stephan Wolohojian, curatore responsabile del Dipartimento di Pittura Europea, ha aggiunto: "I dipinti di Rosso sono estremamente rari, ne esistono solo una ventina circa, e molte delle sue opere più celebri rimangono non documentate o incompiute. La discussione su questo dipinto nelle Vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti del Vasari , spesso descritto come il primo libro di storia dell'arte, conferisce all'opera l'ulteriore distinzione di essere stata parte del discorso storico-artistico fin dagli albori della disciplina. Eseguito su tela e conservato in condizioni straordinariamente buone, è il dipinto più antico dell'artista di cui si abbia notizia. Quest'opera costituirà il fulcro della collezione di dipinti religiosi del XVI secolo del Met, un gruppo eccezionale e complementare che chiarisce gli sviluppi chiave della pittura per la devozione privata durante il primo quarto del XVI secolo in Italia."

Protagonista di spicco del primo Manierismo, Rosso Fiorentino è annoverato tra i più importanti artisti italiani del XVI secolo, influente sia come incisore che come pittore di ritratti avvincenti e opere religiose radicalmente espressive. Insieme a contemporanei come Pontormo e Parmigianino, Rosso fu pioniere di uno stile che riformulò l'armonia ordinata delle composizioni dell'Alto Rinascimento in configurazioni più dinamiche ed espressive, coinvolgendo lo spettatore attraverso sofisticate esplorazioni di colore, forma,e tensione pittorica.

Attivo principalmente a Firenze durante il primo decennio della sua carriera, Rosso si recò a Roma nel 1523, ma fuggì dalla città in seguito al Sacco del 1527, giungendo infine in Francia, dove ottenne un incarico alla corte di Francesco I. Lavorando al fianco di Francesco Primaticcio, divenne uno degli artisti di spicco del castello reale di Fontainebleau e contribuì a fondare quella che oggi è conosciuta come la Prima Scuola di Fontainebleau. Rosso rimase in Francia fino alla sua morte, avvenuta nel 1540. La

sua giovinezza è scarsamente documentata. Al di là di un numero limitato di riferimenti d'archivio – la sua nascita l'8 marzo 1494; la sua iscrizione all'Arte degli Speziali all'età di 23 anni nel 1517; e alcuni documenti familiari sparsi – si sa poco della sua formazione. Gli storici dell'arte hanno ipotizzato che possa aver studiato con Andrea del Sarto, di soli sette anni più anziano, sebbene le prove a riguardo siano inconcludenti. Vasari, invece, sottolineò l'indipendenza di Rosso dall'apprendistato formale, notando che in gioventù "disegnava dai cartoni di Michelangelo" e studiava "con pochi maestri, avendo una propria opinione che contrastava con il loro modo di dipingere".

Poco dopo essersi iscritto alla corporazione dei pittori, Rosso intraprese la sua prima commissione per una pala d'altare, la Pala di Santa Maria Nuova (1518), un'opera rivoluzionaria che rifiuta le armonie cromatiche e compositive equilibrate dell'Alto Rinascimento a favore di tensione, asimmetria e intensità espressiva. L'unica opera datata con certezza precedente a questa pala d'altare è l'affresco dell'Assunzione della Vergine nel Chiostrino dei Voti a Santissima Annunziata, commissionato nel novembre del 1513. Questo affresco dimostra che, già a questa età, Rosso aveva sviluppato un linguaggio visivo sorprendentemente indipendente, comprimendo lo spazio pittorico attraverso una complessa disposizione figurativa inserita in un ambiente privo di paesaggio o contesto architettonico.

Vasari riporta che Rosso si assicurò l'importante commissione dell'Annunziata presentando a Fra Jacopo dell'Ordine dei Servi di Maria "un dipinto della Madonna con Bambino e una figura a mezzo busto di San Giovanni Evangelista". La figura di San Giovanni, recentemente scoperta nel dipinto attualmente esposto al Met, conferma la sua identificazione con quest'opera cruciale, presentata dal giovane artista per dimostrare la sua prontezza ad accettare una commissione così importante. Il dipinto può quindi essere collocato immediatamente prima dell'affresco dell'Annunziata del 1513, ridefinendo così la comprensione accademica di questo momento cruciale all'inizio del XVI secolo a Firenze.

Dal punto di vista stilistico, l'opera mostra già le tensioni distintive della prima fase artistica di Rosso. L'immobilità ieratica e la grazia raffaelliana della Vergine contrastano con l'energico Bambino Gesù, la cui muscolatura esagerata e la posa instabile richiamano sia i rilievi sperimentali di Donatello che i nudi eroici di Michelangelo. Rosso accentua questo gioco di equilibrio e squilibrio attraverso l'insolita inclusione di San Giovanni Evangelista sulla soglia tra l'immagine devozionale della Madonna con Bambino e lo spettatore. Il santo è raffigurato in uno stato di visione profetica che rispecchia il coinvolgimento intenso dello spettatore con questo soggetto.

La Madonna con Bambino e San Giovanni Evangelista è attualmente in mostra nella galleria 609 del Met Fifth Avenue.

05/04/26

Una nuova galleria Consonni Radziszewski

Esterni della galleria , foto di NicolaGnesi

Uniti per rinnovare e crescere è il progetto dei galleristi Matteo Consonni (n. 1984) e Dawid Radziszewski (n. 1984) che uniscono le proprie ampi conoscenze e professionalità per dar vita a una rete di proposte dal respiro internazionale. Così oltre alle sedi prorie, a Lisbona e Varsavia, aprono uno spazio a Milano proprio nei giorni del miart-

Comunicato stampa

Matteo Consonni e Dawid Radziszewski sono lieti di annunciare la nascita di Consonni Radziszewski, nata dall'unione di due gallerie, Madragoa a Lisbona e Galeria Dawid Radziszewski a Varsavia. Unendo le loro filosofie distinte ma complementari, la nuova galleria amplia la propria presenza in tre capitali europee. Consolidando le fondamenta a Lisbona e Varsavia, Consonni Radziszewski inaugurerà la sua sede milanese il 26 marzo 2026 con una mostra personale di Buhlebezwe Siwani.

La partnership tra Matteo e Dawid affonda le radici in anni di collaborazione nelle fiere d'arte internazionali e in un'etica condivisa: sostenere i talenti emergenti e custodire l'eredità duratura degli artisti affermati. Quella che inizialmente era reciproca ammirazione si è evoluta in una visione comune dedicata a coltivare un dialogo autentico tra artisti e comunità, capace di trascendere i confini.

Lisbona e Varsavia erano un tempo scelte non convenzionali per il mercato dell'arte globale, ma entrambe le città hanno vissuto una crescita straordinaria negli ultimi anni, affermandosi come vivaci centri di produzione artistica. Madragoa e Galeria Dawid Radziszewski hanno attivamente promosso gli artisti locali sulla scena internazionale, portando al contempo prospettive globali alle rispettive comunità. Questo impegno costante è stato determinante nell'espansione del panorama dell'arte contemporanea in entrambe le regioni.

La decisione di aprire una galleria a Milano riflette un preciso posizionamento geografico strategico e formalizza il radicato rapporto dei galleristi con la cultura del collezionismo italiano.

La sede milanese sarà un fondamentale punto di scambio culturale , offrendo una piattaforma dedicata a costruire relazioni durature con istituzioni e collezionisti italiani. Situata nel cortile di un palazzo in stile Liberty del 1919, nel cuore della città, la nuova sede è un luogo architettonicamente significativo, pensato per incontri di valore. Con sedi dall'Atlantico all'Europa Centrale, Consonni Radziszewski crea una rete che connette l'energia creativa di Lisbona, il patrimonio culturale di Milano e la scena artistica in piena fioritura di Varsavia.

Consonni Radziszewski sviluppa un programma condiviso in tutte e tre le sedi, lavorando con un roster di 25 artisti: Adrián Balseca, Annette Barcelo, Sarah Benslimane, Jerzy Bereś, Sara Chang Yan, Enzo Cucchi, Tatjana Danneberg, Pablo Echaurren, Louisa Gagliardi, Emilio Gola, Krzysztof Grzybacz, Rodrigo Hernández, Steffani Jemison, Tomasz Kowalski, PawełKruk, Luís Lázaro Matos, Joanna Piotrowska, Agnieszka Polska, Adam Rzepecki,Şerban Savu, Buhlebezwe Siwani, Belén Uriel, Aleksandra Waliszewska, Jaime Welsh e Marcin Zarzeka.

Matteo Consonni è un gallerista milanese. Ha lavorato per gallerie internazionali come Kaufmann Repetto a Milano e Jan Mot a Bruxelles, e ha conseguito un MFA in Curating al Goldsmiths College di Londra nel 2010. Ha diretto la Galleria Franco Noero a Torino dal 2010 al 2015, supervisionando la produzione e la promozione del programma della galleria. Nel 2016 si è trasferito a Lisbona, dove ha aperto Madragoa nell'omonimo quartiere storico, sostenendo giovani artisti e instaurando un dialogo tra le pratiche artistiche globali e il contesto locale e il suo artigianato. Nel 2024, Madragoa ha ricevuto il Premio FEAGA per l'Innovazione e la Creatività, affermandosi come una delle realtà più innovative nella scena dell'arte contemporanea internazionale e portoghese. Nel corso degli anni, Madragoa ha ampliato la visibilità del suo programma attraverso una partecipazione costante alle principali fiere d'arte internazionali.

Dawid Radziszewski (n. 1984) è uno storico dell'arte e gallerista polacco. Nel 2005 ha fondato Galeria Pies a Poznań, e nel 2013 ha aperto la Dawid Radziszewski Gallery a Varsavia, diventata rapidamente una delle gallerie private più importanti dell'Europa Centrale. Il programma della galleria si concentra su artisti nati negli anni Ottanta, coinvolgendo al contempo artisti storici e introducendo artisti occidentali nel mercato dell'arte polacco. La galleria ha partecipato alle principali fiere d'arte internazionali, tra cui Art Basel a Basilea, Miami Beach e Parigi, Frieze a Londra, nonché Miart e Artissima in Italia.

04/04/26

Una casa grande come una conchiglia

foto di Manuel Carreon Lopez

La galleria Kandlhofer propone la mostra "Una casa grande come una conchiglia" che riunisce artisti che creano scene concentrate e autosufficienti con opere di piccolo formato. Ispirata allo scrittore Gaston Bachelard, la mostra esplora come piccoli spazi possano contenere interi mondi di memoria e immaginazione. Le opere hanno una scala che invita all'avvicinamento e all'attenta osservazione.

foto di Manuel Carreon Lopez

In miniatura, i dettagli vengono intensificati: un gesto, una superficie, la relazione tra un oggetto e l'altro. Gli spettatori sono incoraggiati ad adattare il proprio ritmo, ad avvicinarsi e a soffermarsi più a lungo. Il piccolo diventa un mezzo di intimità e di preservazione della complessità all'interno di uno spazio limitato. Come osservava Susan Sontag, siamo attratti dalla miniatura perché ci permette di tenere qualcosa vicino, come forma di connessione e desiderio di rimanere vicini. Queste opere dimostrano che il mondo può essere composto da frammenti, che l'immensità può dispiegarsi in qualcosa che sta nel palmo di una mano.