Prossimamente alla Fondation Louis Vuitton

Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh

Sulla scia delle mostre “Icone dell’arte moderna” , dedicate a importanti collezionisti come Sergei Shchukin, Mikhail e Ivan Morozov e Samuel Courtauld, la Fondation Louis Vuitton prosegue la sua esplorazione delle figure pionieristiche che hanno plasmato la storia dell’arte moderna con una mostra eccezionale: “Gustave Fayet: Collezionista – Artista Designer” , visitabile dal 9 ottobre 2026 all’8 marzo 2027.

Questa importante mostra, che occupa tutti gli spazi della Fondation Louis Vuitton, è suddivisa in due parti e analizza Gustave Fayet sia come collezionista che come artista e designer. Rivela come collezionismo, creazione e impegno artistico fossero profondamente intrecciati nel corso della sua vita e presenta una figura chiave della modernità di fine secolo, a lungo ingiustamente trascurata. 

Una mostra senza precedenti per dimensioni e portata, che riunisce, per la prima volta in un secolo, oltre 255 opere provenienti dalla straordinaria collezione di Gustave Fayet, oggi disperse in tutto il mondo. Queste sono presentate insieme a 375 sue creazioni, la maggior parte delle quali mai esposte prima e appositamente restaurate per l'occasione.

I punti salienti includono 10 dipinti di Vincent van Gogh, 78 opere di Paul Gauguin, 88 opere di Odilon Redon, oltre a dipinti e pastelli di Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard e Henri Matisse.

Frutto di diversi anni di ricerca, la mostra è stata realizzata grazie alla collaborazione di 64 istituzioni internazionali e 71 collezioni private.

Questa presentazione innovativa getta nuova luce su una figura di spicco caduta gradualmente nell'oblio: Gustave Fayet (1865-1925), appassionato collezionista, artista e prolifico designer, nonché instancabile ed eccezionale imprenditore e visionario nel campo delle arti decorative.

Sebbene oggi poco conosciuto, Fayet fu uno dei più influenti sostenitori e pionieri dell'avanguardia del suo tempo, un uomo che svolse un ruolo chiave nel portare l'arte moderna alla ribalta in tutte le sue forme. Fu tra i primi a collezionare opere di Van Gogh, a esporre Picasso e a fondare un "museo" dedicato a Gauguin nella sua casa nel cuore di Parigi, che ospitava una collezione di quasi 200 opere e attirava artisti e importanti collezionisti dell'epoca. In quanto amico intimo e fervente sostenitore di Odilon Redon, Fayet gli offrì l'opportunità di realizzare un monumentale complesso decorativo per la sua abbazia di Fontfroide, nel sud della Francia: un'opera straordinaria rimasta in gran parte sconosciuta per molti anni.

Gustave Fayet non fu solo un collezionista eccezionale, che radunò oltre 740 opere d'arte moderna di grande rilievo (escluse le stampe): nella parte finale della sua vita, fu anche un designer il cui successo lasciò un segno indelebile nelle arti decorative dell'inizio del XX secolo . Pittore, acquerellista, ceramista, arredatore d'interni, disegnatore di tappeti, tessuti e carte da parati, nonché illustratore di libri, rappresentò una generazione la cui vita fu permeata in ogni suo aspetto dall'arte.

Le sue creazioni, esposte nelle gallerie più prestigiose e nelle principali fiere d'arte, attirarono personalità influenti come Paul Poiret, Jacques Doucet e Jeanne Lanvin. Dall'Art Nouveau all'Art Déco, Fayet svolse un ruolo chiave nel plasmare una nuova estetica in cui arte figurativa e arte decorativa si fondevano armoniosamente. Per Fayet, collezionismo e creazione andavano di pari passo.

Questa prima grande mostra internazionale dedicata a questa figura singolare e, per molti versi, pionieristica, rivela un mondo ricco e multiforme e apre un nuovo capitolo nella storia delle arti moderne e decorative dei primi del Novecento .

Questo ambizioso progetto riunisce un totale di 767 opere e documenti, presentati nelle due sezioni della mostra.

I.                   Gustave Fayet: La collezione in mostra su tre piani della Fondation Louis Vuitton

Più di 250 opere di artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Odilon Redon, Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard e Henri Matisse.

Esempi di opere esposte in Francia per la prima volta.

Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh

Uno dei momenti salienti di questa mostra è il ritorno in Francia dell'Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh , che non veniva esposto in Francia dal 1937 e non era stato prestato per una mostra dal 1990. Dipinto all'indomani della drammatica rottura tra Paul Gauguin e Vincent van Gogh, quest'opera profondamente toccante ritrae un artista ferito ma determinato a continuare a dipingere. Viene presentato insieme all'Autoritratto con tavolozza di Paul Gauguin , mettendo a confronto due visioni radicalmente diverse dell'artista moderno in un dialogo senza precedenti.

Il Cristo Giallo, Autoritratto con il Cristo Giallo e Le Calvaire Breton: tre capolavori di Gauguin

La mostra riunisce Il Cristo Giallo (1889, Buffalo AKG Art Museum), Autoritratto con il Cristo Giallo (1890-1891, Musée d'Orsay, Parigi) e Il Calvario Bretone (1899, Musées royaux des Beaux Arts de Belgique, Bruxelles), opere che un tempo appartenevano a Gustave Fayet e ai suoi stretti collaboratori George Daniel de Monfreid e Maurice Fabre.

Tre dipinti e tre collezionisti del sud della Francia, uniti dalla comune passione per Gauguin, si ritrovano in una costellazione unica incentrata sull'autoritratto, a testimonianza del ruolo decisivo che Fayet ha svolto nel promuovere la notorietà dell'artista.

Giorno, Notte e Silenzio : uno straordinario insieme decorativo di Odilon Redon

Un altro punto culminante della mostra è la presentazione dei pannelli decorativi che Odilon Redon creò per la biblioteca dell'abbazia cistercense di Fontfroide, che Fayet acquistò nel 1908 con l'intento di restaurarla e trasformarla in una "opera d'arte totale". I pannelli sono tuttora conservati con cura in quel luogo.

Per la prima volta, Giorno, Notte e Silenzio – vere e proprie espressioni della visione artistica di Redon – vengono svelati al grande pubblico. Per Fayet, l'opera e l'amicizia con il pittore simbolista hanno contribuito ad aprire la strada a una concezione suggestiva e spirituale dell'arte che ha nutrito profondamente la sua pratica creativa.

II.                Gustave Fayet, l'artista-designer: un mondo ricco e variegato, un'eredità restaurata e svelata all'ultimo piano della Fondazione.

Una ricca collezione di opere riunite per la prima volta: 55 ceramiche, 20 disegni, 90 disegni su carta assorbente ad acquerello, 15 dipinti, pastelli e guazzo e 18 libri illustrati, tra cui le 72 tavole create ispirandosi a Mireille, il poema provenzale di Frédéric Mistral, e il suo ultimo album, Fleurs .

La seconda parte della mostra adotta un approccio altrettanto innovativo, esplorando le molteplici sfaccettature di un designer e imprenditore la cui variegata opera sfida ogni categorizzazione. Pittore paesaggista, trovò nella diversità dell'Art Nouveau e dell'Art Déco un vasto campo di sperimentazione che alimentò la sua insaziabile curiosità. Nel corso degli anni, si affermò come designer, immergendosi in ogni aspetto delle arti decorative – come ceramista, decoratore e disegnatore di tappeti, tessuti, carte da parati e libri illustrati – fondando al contempo una casa di moda. Questa straordinaria versatilità evoca l'aspetto del "touchatouismo" (tuttofare) descritto da Jean Cocteau.

A lungo inaccessibili, disperse o dimenticate, le sue creazioni vengono qui riunite per la prima volta. Esse rivelano una visione creativa vibrante e decisamente moderna, dove colore, motivi e innovazione dialogano con i principali movimenti artistici del suo tempo, gettando luce su un capitolo essenziale ma spesso trascurato della storia delle arti decorative.

Radicato nel movimento simbolista di fine Ottocento , Fayet ha svolto un ruolo chiave nella ridefinizione degli interni moderni durante i ruggenti anni Venti attraverso iniziative come Maison Della e l'Atelier de la Dauphine. Attraverso le commissioni per le vetrate di Richard Burgsthal all'Abbazia di Fontfroide, così come i suoi progetti per le residenze Igny, La Dragonne e Costebrune, Fayet ha coltivato un gusto per la fantasia che ha avuto un effetto addolcente sulla sobria geometria del design degli anni Venti. È particolarmente caratterizzato dal suo straordinario vocabolario floreale, inizialmente abbozzato su carta assorbente e successivamente trasformato in tessuti, carte da parati e tappeti.

La ceramica e la collaborazione con Louis Paul

Nel 1896, Gustave Fayet avviò la sua prima attività nel campo delle arti decorative. Insieme al pittore e scultore Louis Paul (1858-1922), ex allievo di Rodin, fondò un laboratorio di ceramica a Béziers. Entro il 1904, il laboratorio aveva prodotto più di cento pezzi in ceramica, molti dei quali furono esposti alla galleria di Siegfried Bing a Parigi nel giugno del 1898.

Acquerelli su carta assorbente

Intorno al 1912, dopo una pausa di quasi un decennio, Gustave Fayet tornò a dipingere. Come artista, subì una profonda trasformazione. L'estetica rigorosamente controllata dei suoi primi paesaggi della Linguadoca lasciò il posto a strane forme abbozzate ad acquerello su carta assorbente, dove i fiori sembravano emergere da un mondo astratto e indeterminato. Queste opere divennero presto il suo segno distintivo e in seguito apparvero su carta da parati, tessuti e tappeti.

I tappeti disegnati per l'Atelier de la Dauphine

Nel 1920, Gustave Fayet fondò a Parigi l'Atelier de la Dauphine per trasformare i disegni delle sue "carte assorbenti" in tappeti. Caratterizzati da motivi botanici privi di ornamenti geometrici, i suoi tappeti riscossero un successo immediato, attirando commissioni da clienti come Jeanne Lanvin, Jacques Doucet e Léon Losseau. Concepiti come dipinti, i tappeti di Fayet furono esposti al Salon d'Automne, al Pavillon de Marsan del Louvre e all'Esposizione Internazionale di Arti Decorative e Industriali Moderne del 1925.

Restauri importanti: arazzi, diagrammi preparatori, abiti

In concomitanza con la mostra, la Fondation Louis Vuitton ha intrapreso importanti progetti di restauro, tra cui i tappeti creati per la Maison Léon Losseau di Mons (Belgio) – un capolavoro dell'Art Nouveau – e una serie di disegni preparatori, che rivelano un aspetto straordinario del processo produttivo di Fayet. Sono stati inoltre ricostruiti e restaurati una decina di abiti, ispirati ai suoi legami con Paul Poiret, Jacques Doucet e Jeanne Lanvin. 

Con la mostra “Gustave Fayet, Collezionista – Artista Designer”, la Fondation Louis Vuitton riporta alla luce un capitolo dimenticato della storia dell'arte moderna e delle arti decorative: l'affascinante mondo di un uomo la cui intera vita sembra essere stata guidata dalle parole del suo amico André Suarès: “Ha fatto tutto con l'arte”.

Curatela, allestimento di mostre, pubblicazioni e programmazione correlata.

Sylvie Patry, “conservatrice générale du Patrimoine” (Conservatrice generale del patrimonio) e specialista di fama internazionale nell'arte di fine Ottocento e inizio Novecento , è la curatrice principale della mostra e si occupa del catalogo dedicato alla collezione di Gustave Fayet. Angeline Scherf, curatrice presso la Fondation Louis Vuitton, è responsabile della sezione dedicata a Fayet come stilista e del relativo catalogo.

Per valorizzare questo straordinario universo – composto da oltre 767 opere e materiali d'archivio presentati in 28 sezioni all'interno delle gallerie – la Fondation Louis Vuitton ha incaricato Robert Carsen di creare un allestimento espositivo suggestivo e coinvolgente. Attraverso una sottile interazione tra atmosfera, colore e design spaziale, la mostra dà vita ai molteplici mondi di Gustave Fayet: le sue case, le sue collezioni e le sue attività creative. Snodandosi attraverso una sequenza di ambienti distinti, esplora le diverse identità di Fayet – collezionista, mecenate, designer e imprenditore – rivelando al contempo la coerenza intrinseca della sua visione. Ogni sezione si concentra sull'evocazione piuttosto che sulla ricostruzione, catturando la ricchezza e la diversità del suo mondo.

Due libri, pubblicati in collaborazione con Gallimard, esploreranno le molteplici sfaccettature di Gustave Fayet come collezionista e designer, mentre un database accessibile al pubblico catalogherà circa 740 opere e 100 stampe identificate finora nella sua collezione, evidenziandone la ricchezza e la diversità. Un simposio internazionale darà ulteriore impulso a questo ambizioso progetto di ricerca e la mostra sarà accompagnata da un programma musicale che esplorerà i legami tra Fayet e i compositori del suo tempo.

Fragments and Futures: Contemporary Encounters with Ancient Worlds,

 Natalia Manta, TIME: A Faceless Entity, 2026 (dettaglio). Argilla, glassa, ossidazione dell'oro, catena e viti in metallo, 242 × 130 × 65 cm. Per gentile concessione dell'artista. Foto di Dimitra Tzanou.

Ogni estate, l'isola di Samos offre un incontro con strati di storia. Antichi santuari, resti archeologici e vita insulare contemporanea esistono fianco a fianco, creando un paesaggio dove il passato non è semplicemente conservato ma continuamente sperimentato. In questa stagione, la Fondazione Schwarz invita i visitatori a scoprire Fragments and Futures: Contemporary Encounters with Ancient Worlds, che apre a Art Space Pythagorion il 3 luglio 2026, con una celebrazione ufficiale di inaugurazione sabato 1 agosto.

A cura di Katerina Gregos e ioLi Tzanetaki, la mostra riunisce dodici artisti contemporanei il cui lavoro si impegna con i linguaggi visivi, i resti materiali e le narrazioni mitiche dell'archeologia classica. Attraverso la scultura, la pittura, l’installazione, il cinema, il collage e i media digitali, Framments and Futures esplora come le forme e i manufatti antichi continuino a plasmare la nostra immaginazione culturale, chiedendo al contempo cosa significhi “dissotterrare” il passato di oggi.

La mostra segna anche un importante traguardo: dieci anni del Visual Arts Programme della Fondazione Schwarz sotto la curatela di Katerina Gregos, in collaborazione con ioLi Tzanetaki. Negli ultimi dieci anni, Art Space Pythagorion è diventata una piattaforma distintiva per mostre che collegano la pratica artistica contemporanea con il contesto storico, politico e culturale unico di Samos.

Traendo ispirazione dal ricco patrimonio archeologico dell’isola di Samos, Fragments and Futures considera l’archeologia non come una registrazione fissa della storia ma come un processo attivo di interpretazione. In contrasto con le tradizionali presentazioni dell'antichità classica come canone chiuso di bellezza e ordine, la mostra esamina come le rovine, i frammenti e il materiale continuano a generare nuovi significati, rivelando i modi in cui la storia viene continuamente ricostruita, contestata e reinventata.

Al centro della mostra si trova un fascino per il frammento. Per gli artisti partecipanti, ciò che sopravvive dall'antichità è un punto di partenza per la narrazione e la critica. I frammenti diventano spazi di possibilità, dove l’assenza e l’incompletezza invitano a nuovi modi di comprendere il passato e a immaginare il futuro.

Rivisita anche il mito e il corpo classico attraverso le prospettive contemporanee. Figure e narrazioni familiari vengono reinterpretate attraverso lenti femministe, queer e postcoloniali, mentre le idee ereditate di bellezza e potere vengono messe in discussione e trasformate. Materiali antichi come marmo, argilla e pigmento entrano in dialogo con le tecnologie digitali, tra cui la scansione, la proiezione e la produzione 3D, rivelando sia la continuità che la rottura attraverso millenni.

Molti degli artisti impiegano pratiche basate sulla ricerca che assomigliano molto a quelle degli stessi archeologi, scavando archivi, documenti storici e cultura materiale per scoprire narrazioni trascurate e proporre storie alternative. Il loro lavoro rivolge anche un occhio critico verso il museo, esaminando come le collezioni vengono assemblate, esposte e interpretate, e chiedendo quali storie sono conservate, e le quali rimangono assenti.

La mostra presenta opere di Rosella Biscotti, Navine Dossos, Alexis Fidetzis, Hadjithomas & Joreige, Yiannis Hadjiaslanis, Natalia Manta, Chris Marker, Petros Moris, Panos Profitis, Theopisti Stylianou-Lambert & Alexia Achilleos, Lucia Tallová e Maarten Vanden Eynde. Insieme, esplorano come l’arte contemporanea possa illuminare la rilevantesità duratura dell’archeologia come mezzo per comprendere il presente e immaginare possibili futuri.

Situato su una delle isole storicamente più significative dell'Egeo, Fragments and Futures invita i visitatori a sperimentare l'arte contemporanea in dialogo con il paesaggio da cui emergono molte delle sue domande. Mentre Samos accoglie i visitatori durante tutta l'estate, la mostra offre l'opportunità di riflettere sulle storie che ereditiamo, sulle narrazioni che conserviamo e sul futuro che scegliamo di immaginare.

Frammenti e futures: gli incontri contemporanei con i mondi antichi sono in mostra dal 3 luglio al 30 settembre 2026 a Art Space Pythagorion, Samos, Grecia. 

Lo Spaced Out di Erik Saglia

Presso la Galleria Thomas Brambilla fino al 17 Luglio si svolge la terza mostra personale dell’artista italiano Erik Saglia (1989) intitolata Spaced Out.

In mostra sono esposte sette nuove opere in alluminio verniciato e LED che segnano una decisa evoluzione nel percorso dell’artista. Questi lavori si pongono in diretta continuità con la produzione pittorica precedente, preservando il contenuto formale e l’uso metodico della griglia modernista, già esplorati nella recente serie “Manifesti Satellite”. In questa nuova fase, Saglia non si limita a ribadire il rigore geometrico del passato, ma lo eleva attraverso l'integrazione della luce come materia costruttiva. La griglia, da perimetro organizzativo dell'immagine, si trasforma in un organismo vibrante: i pattern modulari evolvono in dispositivi capaci di irradiare luce e colore, mantenendo un’essenzialità strutturale dove la tecnologia diventa il prolungamento luminoso della forma.

La mostra si ispira al pensiero del filosofo hongkonghese Yuk Hui, il quale, attraverso i concetti di "cosmotecnica" e "tecnodiversità", invita a ripensare la tecnologia come uno strumento libero e poetico, capace di aprire il mondo ad infinite possibilità. Proprio in quest’ottica, il titolo "Spaced Out" evoca una spinta verso l’esterno, uno sconfinamento oltre i limiti della forma e della materia, verso una pluralità di visioni. Rielaborando le teorie di Hui, Saglia trasforma il LED da semplice componente industriale a elemento vitale e dinamico, capace di far “vibrare” la rigidità della griglia modernista e di proporre allo spettatore un orizzonte di infinite possibilità comunicative ispirando e radicandosi nella tradizione artistica novecentesca.

Se da un lato Dan Flavin viene ripreso nella sua capacità di trasformare l’ambiente circostante attraverso l’irradiazione cromatica e l’integrazione della luce all’interno della struttura stratificata dell’opera, dall’altro François Morellet viene evocato attraverso il rigore matematico e analitico, trasformando la griglia in un organismo pulsante e vivo. Tuttavia, il legame più evidente e profondo resta per Saglia il lavoro dell’americano Keith Sonnier che si manifesta in una leggerezza cromatica e formale unica. Il risultato finale del lavoro di Saglia trasforma il LED in un segno grafico dinamico in cui precisione formale ed energia luminosa si fondono in un’esperienza totale esattamente come in Sonnier stesso.

Festival di Verbier

Panoramica del Verbier 3-D Foundation Sculpture Park e n. 1387 Recinzione di Rana Begum (2024). Per gentile concessione di Melody Sky.

 Quest’estate, la Fondazione Verbier 3-D celebra quindici anni di sperimentazione artistica nel dialogo con il paesaggio, l’ecologia, il suono e la cultura contemporanea nelle Alpi. Dalla sua fondazione nel 2011, Verbier 3-D si è evoluto come Museo senza mura: una residenza per artisti, un parco di sculture e una piattaforma culturale in cui artisti, musicisti, poeti, architetti, ingegneri e pensatori ambientali si impegnano direttamente con l'ambiente montano.

La stagione 2026 segna una pietra miliare significativa per la Fondazione e un nuovo capitolo nel suo rapporto con la più ampia vita culturale di Verbier attraverso una serie di collaborazioni con il Festival e l'Accademia di Verbier.

Per la prima volta, Verbier 3-D è stato invitato da Hervé Boissière, Co-Direttore dell'Accademia del Festival di Verbier, a curare l'intervento scultoreo all'ingresso della Salle des Combins. L’opera selezionata, dell’artista svizzero/francese Mireille Fulpius, crea un potente dialogo tra arte contemporanea, architettura e luogo. La sua presenza minimalista risuona fortemente con il linguaggio di design del famoso architetto Kengo Kuma, la cui visione per il futuro centro culturale di Verbier cerca allo stesso modo di dissolvere i confini tra natura, cultura e spazio costruito.

La collaborazione riflette un impegno condiviso per espandere le esperienze culturali oltre i quadri istituzionali tradizionali e nel paesaggio alpino circostante.
 

DOVE INIZIA L'ACQUA

Al centro di questa stagione di anniversario è Where the Water Begins, la grande mostra estiva della Fondazione curata dall’Associate Curator Birta Ólafsdóttir e presentata in collaborazione con Protect Our Winters (POW), il movimento internazionale che mobilita la comunità outdoor per intraprendere azioni positive sui cambiamenti climatici.

Situata nella Val de Bagnes, la mostra esplora il rapporto dell’umanità con l’acqua, la forza essenziale che modella ogni aspetto della vita nelle Alpi. Dall'agricoltura e dal turismo all'energia idroelettrica e al patrimonio culturale, l'acqua proveniente dai ghiacciai sostiene i sistemi ecologici, sociali ed economici della regione. Eppure le proiezioni scientifiche indicano che almeno il 34% del ghiaccio alpino potrebbe scomparire entro il 2050, anche se oggi il riscaldamento globale fosse fermato.

Riunendo artisti che lavorano attraverso la fotografia, la scultura, il suono, la poesia e l'installazione ambientale, la mostra traduce i dati scientifici in esperienza emotiva e consapevolezza ambientale in impegno culturale.

A differenza di una mostra tradizionale, queste opere si incontrano direttamente all’interno del paesaggio stesso. Installate lungo il percorso di montagna tra La Croix de Cœur e Les Ruinettes, le opere d'arte entrano in conversazione con il terreno, i sistemi meteorologici, i ghiacciai e i corsi d'acqua a cui si rivolgono. Attraverso l’intervento artistico, i visitatori sono invitati non solo a osservare il cambiamento ambientale, ma a sentirne l’urgenza.

L'esperienza è ulteriormente approfondita attraverso un paesaggio sonoro immersivo dell'artista sonoro australiano Philip Samartzis, il cui lavoro cattura le frequenze nascoste e le atmosfere mutevoli di ambienti alpini fragili.

La mostra presenta:
● Carmen Campo Real — Poeta in residenza
● Anne-Chantal Pitteloud — Il padiglione dell'acqua
● Ragnar Axelsson
● Ian Van Coller
● Bernard Garo
● Jancsi Hadik
● Tobias Kaspar
● Chloe Dewe Mathews
● Cielo di melodia
● Josephine Vermilye

Passeggiata di Vernissage e Arte Guidata

La mostra si apre con una passeggiata guidata attraverso il Verbier 3-D Sculpture Park e installazioni site-specific recentemente commissionate, culminando in un vernissage al The Water Pavilion, a
nuovo lavoro permanente di Anne-Chantal Pitteloud.

Durante l'apertura, la Poeta in residenza Carmen Campo Real presenterà, per la prima volta, poesie scritte durante la sua residenza a Verbier. Il suo lavoro offre una risposta lirica ai temi della mostra di acqua, memoria, trasformazione e cambiamento ambientale.
 
VERBIER FESTIVAL x VERBIER 3-D
22 luglio | Dal palco al paesaggio: arte, musica e cultura a Verbier


Panoramica del Verbier 3-D Foundation Sculpture Park e Sempervivum di Cannupa Hanska Luger (2025). Per gentile concessione di Melody Sky.
Presentato in collaborazione con il Festival di Verbier, questo evento speciale riflette su come la creazione artistica possa andare oltre i confini istituzionali per creare nuove esperienze ecologiche e interdisciplinari radicate nella natura.

La conversazione riunirà l'artista Mireille Fulpius, il cui lavoro è installato all'ingresso della tenda dell'Accademia del Verbier, insieme ai direttori della Fondazione Verbier 3-D Madeleine Paternot e Kiki Thompson, moderata dal curatore Paul Goodwin.

Ispirata dall'evoluzione del panorama culturale di Verbier, tra cui il design di Kengo Kuma per il futuro centro culturale, la discussione esplorerà come l'arte, la musica, l'architettura e il pensiero ambientale possono intersecare per plasmare il futuro della produzione culturale nelle comunità montane.

L'evento si conclude con una sessione di domande e risposte con studenti del Verbier 3-D Mentors Programme in collaborazione con EDHEA e Vassar College (New York).
 
FONDAZIONE VERBIER 3-D
23 luglio | 15A CELEBRAZIONE DELL'ANNIVERSARIO

Celebrazione: giovedì 23 luglio, 11:00 - 15:00
Le celebrazioni dell'anniversario continuano nel Parco delle Sculture con una giornata dedicata all'arte, alla musica, alla poesia, al tutoraggio e alla comunità.

I punti salienti del programma includono:
● Interventi musicali da parte degli studenti del Festival di Verbier
Academy Lab eseguito in tutto il Parco delle Sculture
● Letture di poesie e performance di Carmen Campo
Reale
● DJ Brunch con NikoBeats e Reverence World
● Cocktail sponsorizzati da Verbier Gin

La celebrazione onora lo spirito che ha definito Verbier 3-D dal 2011: sperimentazione, collaborazione, mentorship e creazione artistica in dialogo diretto con la natura.

Mentre Verbier continua a evolversi come destinazione culturale internazionale, il programma del 15 ° anniversario della Fondazione apre nuove conversazioni tra discipline, generazioni e ambienti, riunendo artisti, musicisti, pensatori e pubblico per immaginare nuovi modi di vivere la cultura in montagna.
 
PROGRAMMAZIONE DELL'ANNIVERSARIO
16 luglio | UNLD Ballade Musicale: Arte en Alpage
Interpretazione di poesia di Verbier 3-D Poeta in-Residence Carmen Campo Real

CARTE BLANCHE AL PALL MALL 67
20 luglio | La poesia come attivismo ambientale
Conversazione con la Poeta in residenza Carmen Campo Real

21 luglio | Due fotografi, una casa di montagna
Come Verbier Ha Plasmato Le Loro Carriere Globali
Una conversazione con i fotografi Melody Sky e Jancsi Hadik che esplorano il ruolo del
Paesaggio alpino nel plasmare la pratica artistica e le prospettive internazionali.

22 luglio | Dal palco al paesaggio: arte, musica e cultura a Verbier

Prossimamente Artissima

 

Artissima Internazionale d’Arte Contemporanea di Torino, unica fiera in Italia in esclusiva all'arte contemporanea, annuncio le gallery che parteerannocip alla trentatreesima edizione diretta per il quinto anno da Luigi Fassi e realizzata con il supporto del Main Partner Intesa Sanpaolo.

Da venerdì 30 ottobre a domenica 1 novembre 2026 gli spazi dell’Oval di Torino accoglieranno le sezioni principali della fiera – Sezione Principale, Nuove Iscrizioni, Monologo/Dialogo e Art Editions – e le sezioni curate – Present Future, Back to the Future e Disegni.

L’edizione 2026 di Artissima vede ettanofia la partecipazione 180 galleria italiane e internazionali, 60di cui presenti 60 progetti di progetto monografici. L’offerta espositiva si disenzione per la capacità delle capacità di progettazione presentazione inediti e,ndo sia vitale giovani talenti si artisti già affermati. Un’ che aderisce perfetta all’identità della fiera e al suo stogene e al suo proiettata verso le più innovative, piattaforma confermandosi di incontro intenso e accelerato con l’arte contemporanea in tutte le sue forme, cometo nel tema di quest’edizione Fancy: A Flexible Acrobatic Body.

Vieni a invito all'interno del tema dell'edizione, la residenza poetessa Laura Accerboni apre il programma di iniziativa di Artissima 2026, cercare le risonanze tra parola e immagine in un aperto dialogo tra e arte vigile. Una si sino gli palazzo progettitria più speciali in calendario, immaginati dalla fiera per arricchire l'esperienza del del pubblico e consolidamento la capacità di Artissima di tessere sistema un sistema di relazioni internazionali e di dialogohi interdisciplinari.

LE GALLERIE

Le gallery a Artissima 20 provinceo26 da 35 Paesi e 4 continenti.
Il panorama internazionale della fiera nel 2026 si distingue per la presenza significativa di galleria dall’Asia — tra cui A+ Opere d’Arte (Kuala Lumpur), IAH e Vohm (Seul), Maki Fine Arts e Side 2 (Tokyo), Rossi & Rossi (Hong Kong), ss spazio spaziale (Taipei) e Vanguard (Shanghai) — e dall’America del Sud e Centrale, come A Gentil Carioca (RiSudafricaStati Uniti

Si conferma una partecipazione di galleria dall’Est Europa, da Francia, Germania,, Regno Portogallo, Spagna, Svizzera, ...

Espongono per la prima volta in fiera 33 galleria.
Nella sezione Nuova Iscrizioni, dedicata alle gallerie emergenti aperte da meno di cinque anni e presenti per la prima volta alla fiera, partecipazione 17 gallery da 4 continenti :

APARTAMENTO (Marsiglia), Aspekty (Varsavia), Biju (Cluj-Napoca), Brugger (Klaus in Vorarlberg), CERAVENTO (Pescara), Clauda (Praga), IAH (Seoul), Kim? Gallery (Riga), Lutnița (Chișinău), Marli Matsumoto (São Paulo), Saskia Neuman (Stoccolma), Night Café (Londra), ORMA (Milano, Sorrento), Andrew Reed (Miami), ss spazio spaziale (New Taipei City), WHOISPOLA (Warsaw), Mandy Zhang Art (Londra).

Scelgono ancora Artissima alcune gallerie di più della categoria di scena italiana e internazionale : Alfonso Artiaco, ChertLüdde, Continua, Raffaella Cortese, Thomas Dane, Cristina Guerra, Sylvia Kouvali, Franco Noero, Öktem Aykut, P420, Gregor Podnar, Lia Rumma, Rossi & Rossi, Sies+Höke, Tucci Russo, Studio Triso

Tornano in fiera Ex Elettrofonica, Tiziana Di Caro, Annet Gelink, Herald St, SIDE2, Janda, Management, Meessen, Federica Schiavo, SMAC...

Sino conferma galleria dalla vocazione di scouting e ricerca, fra cui: Alice Amati, Alma Pearl, ATM, Matèria, MATTA, TINA, Vohm, zazà.

 

IL COMITATO DI SELEZIONE E IL TEAM CURATORIALE
Artissima il conferma il comitato di selezione delle gallerie alle sezioni storiche della fiera — Sezione principale, Monologo/Dialogo, New Entries e Art Editions — composto da galleristi internazionali: Paola Capata (Monitor, Roma, Roma, e Pereto), Philippe Charpentier (mor charpentier, Parigi e Bogotá), Guido Costa Costa (Guido Costa Projects, Torino), Emanuel Layr (LaFrancesco LecciAntoine LeviElsa Ravazzolo Botner

Per le sezioni curate, venati confermati i team di curatori: Léon Kruijswijk (performance Curator al Mudam di 19lus98) e Joel Valabrega (curatrice di Porto e Milano) per Present Future ; Jacopo Crivelli Visconti (direttore della Fondazione Albuquerque di Sintra) e Heike Munder (curatrice indipendente e scrittore di Zurigo) per Zurigo Ritorno al futuro Irina Zucca AlessandrelliDisegni; Irina

FONDO ACQUISIZIONI E PREMI
La Fondazione Arte CRT conferma lo Fondo storico Acquisizioni, per un totale di 300.000 euro, un beneficio delle collezioni della GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna di Torino e del Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea. Nel corso degli anni, grazieacquirie alle attuative in Artissima, la Fondazione ha gruppo una collezione di quasi 1.000 opere di arte contemporanea, tra le più prestigiose a nazionale livello internazionale e, con un investimento superiore complessivo a 43 di euro. Il Comitato Scientifico, in con direttori del Castello di Rivoli e della GAM, seleziona le opere da durata della fiera per l’arrivente il patrimonio di entrambi i musei. Grazie a questo investimento, il Fondo Acquisizioni assumere un ruolo di particolare rilievo, che che abilitazione opere presenti in fiera di fabbrica parte delle collezioni pubbliche di istituzioni museali italiane di eccellenza. Grazie a consolidamento e sinergie a sinergie, la fiera presente anche per edizione à thegiorno il prestigio eto programma dei premi fra i quali: il Premio illy Present Future ; il Premio Diana Bracco - Imprenditrici ad Arte ; il Premio Orlane per l’arte ; il Premio Tosetti Valore per la fotografia; il Premio Opelle – Mediterraneo Antico ; il Premio Pista 500 ; il Premio Matteo Viglietta Premio; Premio Ettore e Ines Fico Artissima New Entries Fund.

LA DIREZIONE DI LUIGI FASSI
Nel corso delle cinque edizioni sotto la sua direzione, e secondo extrapelle una identità, Luigi Fassi ha consolidamento un di lavoro che ha definita Artissima come autorevole spazio di critica sul riflessione contemporanea e parallelamente ne hato la natura di vendita di commercio fiera da late, e di diplomazia culturale e internazionale di costituzione per l’arte contemporanea dall’altro.

Attraverso i temi individui per guida le ultime edizioni si è così delineato un tratto di esplorazione dell’arte di officina una marca di lettura dei identitari e delevoluzione dell’industria della fiera.

Con l’invito a la ricercaera artistica strumento di cultura e personale, Transformative Experience (2022) ha valorizzato la tensione del fiore all’occhiello tra stile tra stile, nodo di chirace un’identità internazionale attrattiva; Relazioni di Cura (2023) ha l ricordato l’importanza della relazione proposta di stampa culturale e politica sporte e politica di capite della camera della faccia della comunità; L’Era di Daydreaming (2024) ci ha ad Manuale Operativo per Nave Spaziale Terra anticipare È in questo quadro che si inserisce Fancy: Un corpo flessibile, acrobatico – il tema per l’edizione 2026 – in cui sviluppo della fiore alla scoperta del suo pieno più: Artissima è un organismo vivo e mutevole, spine di fabbricarsi funzione le sue primarie e osare contaminazioni inattese,ndo al tempo capisal coerenti con il transfer il passato nuove evoluzioni acrobatiche.

IL TEMA DELLA TRENTATREESIMA EDIZIONE
Il tema di Artissima 2026 si intitola Fancy: Un Corpo Flessibile, Acrobatico. Nasce da un’immagine della filosofa Martha C. Nussbaum per estremo che il linguaggio dell’arte, guida dalla fantasia - la promozione in della fantasia - non corpo flessibile e acrobatico, di poetico apparecchio complessiamente e e di avvicinari alla pluralità di chi è da noi.

L’arte non si limit a da forma a è questo che, ma apre il campo a postello che cosaintelligenza, editativo un’editoria pubblica, di nutrire e arricchire le istituzioni intiestate di una comunità. Artissima incarna questo estipari dell’immaginazione, orientato verso possibilità ancora invisibili: la fiera è un incontro fisico, e accelerato con le opere d’arte che ci a cavallo a ripensare il mio passo in modalità cue, abitiamo e il presente.

LAURA ACCERBONI, UNA RESIDENZA TRA ARTE E POESIA
Artissima presenta Moltitudini, un’inedita progettuale contaminazione che Laura Accerboni – figura di rilievo della poesia contemporanea italiana – confrontarsi con l’arte in un percorso di ricerca di, e ibridazione di. Una poetessa in residenza che aprio la sua poetica a una dimensione per dimensione e di ascolto dell’arte relazione contemporanea erlavo in e e attivi con artisti a Torino.

Attraverso una serie incontri di incontri, la residenza si configurerà un passo al momento dell’altra vista degli artisti che hanno Torino Torino come di vita e di ricerca ricerca ritrovato vitantata artistica e artestia e artestia e immateriale internazionale della città, più di richiamare artisti protagonisti contemporanei e nuove un livello globale. In questo contesto, Guglielmo Castelli, Sara Enrico, Giorgio Griffa, Marzia Migliora e Laura Pugno dialogoherano con Laura Accerboni in libero e spontaneo con il sottofondo tematico della scadenza della fiera, che permette di vedere Fancy una una volta ad ֟terissima Artissima di acrobazie interdisciplinari.

TUTTE LE GALLERIE PRESENTI IN FIERA

SEZIONE PRINCIPALE

102 tra le gallerie più prestigiose del panorama artistico protagonisti: affermati che offore a collezionisti e una visitatrice rassegna di altissima rassegna

1/9UNOSUNOVE Roma – 193 GALLERIA Parigi, Saint-Tropez, Venezia – A ARTE INVERNIZZI Milano – A GENTIL CARIOCA Rio DE Janeiro, SAN PAOLO – LUIS ADELANTADO Valencia – ALICE AMATI – ANNEX14ANNEX14 ARCH14, ZOLLIKOFEN – ROLANDO ALFONSO ARTIACOARTNOBLEARTOPIAENRICO ASTUNIPIERO ATCHUGARRYAV17 MARINA BASTIANELLO BIASUTTI & BIASUTTIBLANK PROJECTS BLISS THOMAS BRAMBILLA BREMOND CAPELA CAR GALLERYCARDELLI & FONTANAGIAN MARCO CASINI CHERTLÜDDECIACCIA LEVICLIMACOLLICA & PARTNERSCONTINUARAFFAELLA CORTESETHOMAS DANE DE' FOSCHERARIDEP ART EX ELETTROFONICAFRITTELLI FUOCHERELLOFUORICAMPO GALERISTGRAMMA_EPSILONHERALD STJOUSSE ENTREPRISEANSELMI ROMA – APALANZO ITALIA – EPARTITE DI LABS CONTEMPORARY ARTML FINE ART | MATTEO LAMPERTICOTENIZIA – LAYRO DI PORTO – LAYRO DI LAVERONICALAYRLUCE GALLERYLUNETTA11PORTO – LAYROS – LAYRO ITALIA – LAVENO ITALIA – LAVENTRO DI GENZIA – LAVENO DI PORTO, LA PORTOZO – LA PORTOFO, LA CORINA DI PORTO, LA PORTO DI GENIORI DI GENINA DI GENIORI, DI PORTO DI GENI – LA GIORNAZIA – LA PORTO DI GENI – LAVENTRO DI GENI – LABIRZO – LAVENARIO DI GENIOLA ITALIA – LAZIO ITALIA – GIORNALO ITALIA – GIORNALE, CENTRO DI PESCA – LAUCY ITALIA – Bologna, Venezia, Parigi – MAKI FINE ARTS Tokyo – PRIMO MARELLA Milano, Lugano – MATÈRIA Roma – MATTA Milano – MAZZOLENI Londra, Torino, Milano – MAZZOLI Modena, Berlino – ME VANUCCI PIÙ – MEESSEN DI BRUZZO – MESSENO ZABER – MENO ZARO ZORA – ANI NCONTEMPORARYFRANCO NOERONOME P420P74ALBERTA PANEGIORGIO PERSANO PINKSUMMER PROMETEO REPETTO RIBOT ROMERO PAPROCKI RONCHINI ROSSI & ROSSILIA RUMMASANDWICHSIDE 2SIMÓNDISOCIÉTÉ INTERLUDIOSOUPSPAZIOA STUDIO G7STUDIO TRISORIO TORNABUONI ARTETROTOARTUCCI RUSSOMOLNÁS – ANI MOLNOVAS – MONGO – TERZO ITALIA – PORTO DI PORTO – UNA VANGAR VERVE VISTAMAREVOHM PORTO DI PORTO WHATIFTHEWORLDZ2O SARA ZANINZAZÀ – ZILBERMAN– PORTO DI PORTO – – S TORINO – SUGO – SUGO – SUMO DI ZONI – S

NUOVE VOCI
17 giovani galleria internazionale, attività da meno di cinque anni e presenti per la prima volta in fiera per lingua lingua di una panoramica di nuovi linguaggi e visioni dalla scena artistica globale

APARTAMENTO Marsiglia – ASPEKTY Varsavia – BIJU Cluj-Napoca – BRUGGER Klaus – CERAVENTO Pescara – CLAUDA CLAUDA Praga – IAH Seoul – KIM? GALLERY Riga – LUTNIȚA Chișinău – MARLI MATSUMOTO São Paulo – SASKIA NEUMAN Stockholm – NIGHT CAFÉ London – ORMA Milano, Sorrento – ANDREW REED Miami – SS SPACE SPACE New Taipei City – WHOISPOLA Warsaw – MANDY ZHANG ART London.

MONOLOGO/DIALOGO
34 galleria dal sperimentale taglio, con proposte curate in forma di stand monografico o in dialogo tra due artisti
10 & ZERO UNO Venezia – GALERIA 111 Lisbona – 1301PE Los Angeles – 22,48 m 2 Romainville – A SUD Pescara – ACAPPELLA Napoli – ACA ANTONINI Roma FRANCESCA ANTONINI– ATM Gëón – GIGÓN – GALLERIA DI BALCONE Lisbona – BANDA MUNICIPALE CItta' – UMBERTO BENAPPI Torino – BOCCANERA GALLERIA Trento, – ÖKTEM ALIAMENTO – CRISTINA GUERRA DI CRISTINA – MARZO – MARTONA GIANDA – COLLICRISTINA GUERRAMARTIN JANDAKODLCONTEMPORARY GILDA LAVIALEHMANNLOHAUS ÖKTEM AYKUT RESERVOIR ROSA SANTOS FEDERICA SCHIAVO MARTINA SIMETI SMAC KODZA MUCCO DI SPALCIO – MULCO DI ROMA – LAVORO DI ROMA – LUCÒLUISA STRINATHE ADDRESSTRIANGOLOMAXIMILLIAN WILLIAMWIZARDZERO... Milano.

EDIZIONI D'ARTE
Gallerie, libreria e spazi no profit che presentano edizioni, timbra e moltiplica di artisti contemporanei 
COLOPHONARTE Belluno – DREIVIERTEL Bern – L’ARENGARIO Cellatica – MARTINCIGH Udine – DANILO MONTANARI Ravenna – STUDIO BRUNO TONINI Gussago

FUTURO PRESENTE
10 progetti monografici dedica ai talenti emergenti.
C. Mae Bloom, HANNAH BARRY London – Juliana Frontin, YEHUDI HOLLANDER-PAPPI São Paulo – Palabijik Gamze, VON & VON Nürnberg – Che-Yu Hsu, VANGUARD GALLERY Shanghai – Yun Hu, A+ OPERE D’ARTE Kuala Lumpur – Matisse Mesnil, ROMERO PAPROCKI Paris, Mary-Audrey RamirezMANAGEMENTGabriel RibeiroFOCOMilano SECCIScott YoungTINA–

Back to te Future
12 galleria e 10 stand monografici dedica alla riscoperta dei pionieri dell’arte contemporanea
Michel Auder, FONTI Napoli – Lenora de Barros, LOMBARDI-KARGL Vienna – Romany Eveleigh, RICHARD SALTOUN London, Roma, New York – Angela Ferreira, CRISTINA GUERRA Lisbona – Vadim Fishkin, GREGOR PODNAR Vienna – Nadia Gould, DIEFIRMA New York – Cathy Josefowicz, EAST CONTEMPORARY Milano e IMPORTRosa PanaroTIZIANA DI CAROMariuccia SecolGISELA CLEMENTMONOPOLLuigi ZuccheriLOVAY

DISEGNI
10 progetti monografici dedicati al disegno su carta
Marco Di Giovanni, IL CHIOSTRO ARTE E ARCHIVI Saronno – Flavio Favelli, STUDIO SALES DI NORBERTO RUGGERI Roma – Makiko Furuichi, LES FILLES DU CALVAIRE Paris – Maggi Hambling, THOMAS BRAMBILLA Bergamo – Tirdad Hashemi, ISABELLEISABELLE Dubai – Susanna Inglada, MAURITS VAN DE LAAR The HaKhaled JaradaP420Meiro KoizumiANNET GELINKGiorgina StarrALMA PEARLKatarzyna WiesiolekSZYDLOWSKY

Artissima è la principale fiera d’arte contemporanea in Italia. Sin dalla fondazione sua nel 1994, la unità nel mercato mercato internazionale a una grande per atige la sperimenta e la ricerca. L’organizzazione di Artissima è curata da Artissima srl, società della Fondazione Torino Musei, nel 2008 per i rapporto di amministrazione e commerciali della fiera. Il marchio di Artissima appartiene a Città di Torino, Regione Piemonte e Città Metropolitana di Torino. Artissima ha realizzato il sostegno dei tre Enti proprietari del marchio, una Fondazione CRT, Fondazione Arte CRT, Fondazione Compagnia di San Paolo e Camera di commercio di Torino.
Dal 2010, Artissima si svolge all’Oval Lingotto Fiere, gestione da GL events Italia: uno spazio di 20.000 m 2 in vetro e acciaio, nel 2006 per i Giochi Giochicipi Invernali di Torino e locatione nel cuore del polo fieristico del Lingotto.

ARTISSIMA - Internazionale d’Arte Contemporanea
+39 011 19744106
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#artissima 

Hypha Studios a Londra

 

Fra i tanti segnali di chiusure qualcuno che ha ancora ottimismo e apre, a Londra, in una posizione situata tra la Tate Modern e il Borough Market, ha aperto Hypha Studios, un vivace polo culturale. Ospiterà tre gallerie dedicate alle mostre e studi d'artista. Prende avvio con due esposizione collettiva e una mostra di sculture. 

Mohammad Alfaraj all'Open Space della Fondation Louis Vuitton

 Nell'ambito del suo programma Open Space, la Fondation Louis Vuitton ha invitato l'artista saudita Mohammad Alfaraj (nato nel 1993 in Arabia Saudita) a realizzare un'opera site-specific nella Galleria 8, segnando la sua prima mostra personale in un'istituzione francese.

Artista multidisciplinare, Mohammad Alfaraj sviluppa una pratica che spazia tra scrittura, video, fotografia, disegno e scultura, radicata nell'oasi di Al Ahsa, dove vive e lavora.

Attingendo alle tradizioni orali dell'Arabia Saudita, esplora le pratiche sociali, le architetture urbane e rurali e le narrazioni quotidiane per esaminare il rapporto tra l'uomo e la natura. Le sue opere assumono spesso la forma di favole poetiche che affrontano temi ecologici, sociali e culturali contemporanei.

La mostra " Preferirei essere una libellula piuttosto che un leone" riunisce una serie di video all'interno di un'installazione composta da oggetti, fotografie e disegni. Queste animazioni in stop-motion attingono all'immaginario collettivo del suo paese natale, dando forma a narrazioni poetiche che l'artista stesso scrive e interpreta.

Lavorando con una deliberata economia di mezzi, Mohammad Alfaraj si occupa di ogni fase del processo creativo, dalla scrittura alla creazione dei personaggi e delle scenografie, dalle riprese all'animazione.

Inserite nel contesto culturale di Al Ahsa, queste narrazioni uniscono immaginazione, memoria collettiva e mondo vivente, raggiungendo una risonanza universale.

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Spazio aperto n. 19

Mohammad Alfaraj

“Preferirei essere una libellula piuttosto che un leone”

9 ottobre 2026 – 18 gennaio 2027

Curatori: Claudia Buizza e Ludovic Delalande (Fondazione Louis Vuitton).

La mostra " Preferirei essere una libellula piuttosto che un leone" di Mohammad Alfaraj è presentata in collaborazione con Mathaf: Arab Museum of Modern Art, Doha (Qatar), che nel 2027 ospiterà una mostra personale dell'artista.

Mohammad Alfaraj (1993, Arabia Saudita) ha conseguito una laurea in Ingegneria Meccanica presso la King Fahd University of Petroleum and Minerals (KFUPM) nel 2017. La Fondazione Delfina presenterà una mostra personale del suo lavoro a partire dal 28 settembre 2026. Il suo lavoro è stato presentato in varie mostre personali e collettive internazionali, in particolare a Desert X (2026); la Biennale di Taipei (2025); la Biennale d'Arte Contemporanea di Diriyah (2024); la Biennale d'Arte Islamica (2023); Noor Riyadh (2023 e 2022); la 16a Biennale di Lione (2022); Jameel Arts Centre (2022); 21,39 Jeddah Arts (2020); Athr Gallery, Jeddah (2020 e 2018); lo Sharjah Islamic Festival (2019); la Sharjah Art Foundation (2019); Le Murate Pac, Firenze (2019); 21,39 Jeddah Arts (2017 e 2019); Saudi Film Festival, Dammam (2015) e Dubai International Film Festival (2014). Nel 2019 ha partecipato alla Can Serrat - International Art Residency a Barcellona, ​​Spagna, e più recentemente alla AlUla Art Residency nel 2022. L'Art Jameel Center gli ha dedicato la sua prima mostra personale istituzionale nel 2025-26, intitolata Seas are sweet, fish tears are salty .

 

Mohammad Alfaraj è rappresentato da Mennour, Parigi (Francia), e da Athr Gallery, Jeddah (Arabia Saudita).

GAM futura!

 LA DIAGONALE DI LUCE. Un attraversamento urbano all’interno del quartiere. GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino. Progetto architettonico: MVRDV + BALANCE. Credito fotografico: MVRDV 

Fondazione Torino Musei e Fondazione Compagnia di San Paolo, in collaborazione con la Città di Torino e con il supporto della Fondazione per l’architettura / Torino, insieme al gruppo vincitore del Concorso Internazionale di Progettazione – MVRDV di Rotterdam, Balance Architettura ed EP&S Group di Torino – hanno presentato ufficialmente oggi, nei prestigiosi spazi del Teatro Regio, il grande Piano di riqualificazione, rilancio e valorizzazione della GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino, illustrando la visione e l’impostazione della GAM del futuro.

Un intervento che nasce dalla volontà di cogliere le sfide contemporanee più attuali legate all’evoluzione dei musei e dei luoghi della cultura e che si configura come uno dei più rilevanti progetti di rigenerazione e innovazione in ambito museale in atto a livello nazionale ed europeo, con un investimento complessivo di 27,5 milioni di euro sostenuto da Fondazione Compagnia di San Paolo.

Prima galleria civica d’arte moderna nata in Italia, con una collezione di oltre 50.000 opere, la GAM di Torino avvia così un importante percorso di trasformazione che segna un passaggio strategico per la Città di Torino e per l’intero sistema museale italiano, mettendo al centro una visione capace di coniugare innovazione architettonica e tecnologica, sostenibilità ambientale, accessibilità e inclusione, per rinnovarsi guardando al futuro nel rispetto della propria identità storica e architettonica.

La GAM riafferma in questo modo la propria vocazione sperimentale, cogliendo l’eredità del progetto originario realizzato negli anni Cinquanta dagli architetti Carlo Bassi e Goffredo Boschetti, riconosciuto all’epoca come una tra le più avanzate esperienze museali del dopoguerra. Oggi quella stessa visione pionieristica viene reinterpretata attraverso un modello di museo contemporaneo pensato come una grande piazza civica, piattaforma culturale e luogo di incontro per le nuove generazioni.

Il progetto di oggi, inserito nel percorso pluriennale delineato dal Piano Strategico della Fondazione Torino Musei, nasce con l’ambizione di rilanciare quella visione per proiettarla nel futuro, con grande attenzione alla definizione del ruolo del museo come spazio culturale, pubblico e partecipato, nella consapevolezza della sua rilevanza sociale e dell’impegno delle istituzioni verso le generazioni dei visitatori di domani.

A sancire questo straordinario momento sono intervenuti al Teatro Regio il Sindaco di Torino Stefano Lo Russo, il Presidente della Fondazione Compagnia di San Paolo e Presidente della giuria Marco Gilli, il Presidente della Fondazione Torino Musei Massimo Broccio, con i rappresentati del team vincitore, Winy Maas e Bertrand Schippan per MVRDV, Alberto Lessan e Jacopo Bracco per Balance Architettura ed Elena Bo per EP&S Group – moderati dal Vice Direttore de La Stampa Federico Monga e dal Direttore Editoriale di DOMUS Walter Mariotti – alla presenza delle principali istituzioni cittadine e nazionali e un’ampia platea di partecipanti.

Dal 1° luglio 2026 la GAM presenta inoltre un’esposizione dedicata ai vincitori e ai quattro finalisti del Concorso Internazionale di Progettazione, per condividere con la città e con i visitatori il percorso di trasformazione in essere, scoprendo nel dettaglio il progetto vincitore del gruppo composto dallo studio olandese MVRDV e dagli italiani BALANCE Architettura, EP&S Group, Dott. Michelangelo Di Gioia e Prof. Filippo Busato, con Stratosferica e Giorgina Bertolino, e svelando le proposte finaliste di Kengo Kuma & Associates Europe, Guillermo Vázquez Consuegra Arquitecto SLP, Mario Cucinella Architects e ACPV Architects – Antonio Citterio Patricia Viel, selezionate tra 49 gruppi di progettazione provenienti da tutto il mondo. Un racconto per immagini che mette al centro il ruolo contemporaneo del museo come spazio culturale e urbano in continua evoluzione.

Siamo davvero molto soddisfatti di questo progetto di respiro internazionale, che apre ufficialmente una nuova fase della storia della GAM, per farne un modello culturale e di innovazione – dichiara il Sindaco di Torino Stefano Lo Russo. Tra gli obiettivi che, come amministrazione, ci siamo posti sin dall’inizio del nostro mandato vi è sicuramente il rilancio di quella che, non dimentichiamo, è stata la prima Galleria d’arte moderna d’Italia e riveste da sempre un ruolo strategico all’interno del sistema culturale della nostra città. Per la GAM è iniziato un percorso di rinnovamento che, anche attraverso il grande piano di riqualificazione architettonica che l’esito del concorso di progettazione sostenuto dalla Fondazione Compagnia di San Paolo permetterà di mettere in campo, la riporterà all’antico splendore, riprendendo quello spirito avanguardistico che caratterizzò la sua nascita arricchito di elementi nuovi e innovativi, per valorizzarne sempre di più il prestigio al livello nazionale ed internazionale. Investire nella cultura ha sempre un valore positivo, per la qualità della vita delle cittadine e dei cittadini e per la promozione della città.

La GAM è uno dei luoghi simbolo della cultura italiana e il suo rilancio rappresenta una grande opportunità per Torino. La Fondazione Compagnia di San Paolo ha scelto di sostenere questo percorso con una visione di lungo periodo, assumendo integralmente l'onere dell'investimento per il restauro e la riqualificazione del museo e mettendo a disposizione, oltre alle risorse economiche necessarie, competenze ed esperienza maturate nella promozione di concorsi internazionali di architettura per grandi istituzioni culturali. Come per il Museo Egizio e per la Cavallerizza Reale, crediamo che la valorizzazione del patrimonio debba misurarsi con le esigenze del presente e con le sfide del futuro: per questa ragione la rigenerazione della GAM rientra tra i Progetti di Sviluppo del Piano Strategico 2025-2028 della Fondazione. Il progetto architettonico selezionato restituisce alla GAM la sua vocazione innovatrice, rafforzandone il ruolo di infrastruttura culturale aperta, accessibile e internazionale. È un investimento sulla qualità della città, sulla sua capacità di attrarre talenti, generare conoscenza e offrire nuove opportunità di partecipazione culturale alle generazioni future – dichiara Marco Gilli, Presidente della Fondazione Compagnia di San Paolo e Presidente della giuria. 

La GAM, la più antica Galleria civica di arte moderna e contemporanea in Italia, mirabilmente ricostruita nel dopoguerra con un progetto, in allora, unico e visionario oggi si ripropone di fare altrettanto con uno sguardo verso il futuro – dichiara il Presidente della Fondazione Torino Musei Massimo Broccio. Il progetto di riqualificazione della GAM rappresenta il più importante investimento a livello nazionale e uno dei più rilevanti a livello internazionale per ambizione e impatto. Con lo straordinario supporto ideativo e finanziario di Fondazione Compagnia di San Paolo e grazie al fondamentale sostegno del Sindaco Lo Russo è stato possibile pianificare un complessivo progetto di rigenerazione della GAM che rappresenta anche un’eccezionale opportunità di riposizionamento del museo a livello internazionale. Innovazione e avanguardia rappresentano il filo conduttore che guida il più complessivo progetto di rigenerazione della GAM, riprendendo e facendo evolvere quello spirito innovativo che ha caratterizzato, raro esempio dell’epoca a livello internazionale, la nascita del Museo e l’ideazione dell’edificio. Il progetto affronta le principali sfide contemporanee legate alla evoluzione dei musei e dei luoghi di cultura: sostenibilità ambientale, risparmio energetico, innovazione architettonica e tecnologica, ma anche e soprattutto l’attuazione di nuovi modelli di fruizione museale orientati al pubblico di domani, nel fondamentale segno dell’inclusione e del ruolo sociale del museo e per la sua funzione di protagonista culturale. Un nuovo spazio civico, una nuova piazza e luogo di aggregazione Sono particolarmente grato a MVRDV con Balance Architettura e EP&S Group, vincitori del concorso e tra i più qualificati professionisti a livello internazionale, che con il loro progetto architettonico hanno saputo cogliere e valorizzare in modo esemplare lo spirito e la visione del progetto.

Per molti aspetti, il nostro progetto riprende le idee e l’ottimismo che hanno ispirato la realizzazione di questo edificio settant’anni fa – dichiara Winy Maas, socio fondatore di MVRDV. Il nostro obiettivo è ripulire e rendere il più accessibile possibile questo edificio, creando un dialogo tra passato e futuro. Mi piace pensare che se Carlo Bassi e Goffredo Boschetti potessero vedere oggi la nostra proposta sarebbero colpiti da come le nuove tecnologie, i materiali e i valori contemporanei possano spingere le loro intuizioni progettuali ancora oltre rispetto a quanto fosse possibile negli anni Cinquanta.

LA NUOVA DIMENSIONE DELL’ARTE. Uno spazio pubblico in cui arte, didattica e società si incontrano

GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino. Progetto architettonico: MVRDV + BALANCE. Credito fotografico: MVRDV

Il progetto vincitore della nuova GAM

Il gruppo di progettazione composto da MVRDV, BALANCE Architettura, EP&S Group, Dott. Michelangelo Di Gioia e Prof. Filippo Busato, con Stratosferica e Giorgina Bertolino, si è aggiudicato il primo posto del Concorso Internazionale di progettazione per il Piano di riqualificazione, rilancio e valorizzazione della GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino, il cui esito è stato annunciato lo scorso 20 dicembre.

La giuria del Concorso ha riconosciuto al progetto la capacità di affrontare la riqualificazione come riscrittura sensibile e critica dell’edificio e della sua relazione con la città.

La proposta vincitrice punta a rilanciare il ruolo e il prestigio della GAM a livello nazionale e internazionale, riprendendo e sviluppando quello spirito avanguardistico che ne caratterizzò la nascita, attraverso una nuova lettura dello spazio urbano. La Galleria viene ripensata come infrastruttura civica aperta, inclusiva e tecnologicamente avanzata, capace di moltiplicare le modalità di fruizione del museo e di intensificare il dialogo tra collezioni, architettura e città.

In questa prospettiva, la GAM non è concepita soltanto come luogo di conservazione ed esposizione, ma come motore relazionale di una nuova piazza civica per Torino: uno spazio aperto e permeabile, capace di favorire l’incontro tra persone, culture e generazioni, rafforzando il legame tra il museo e la vita quotidiana della città.

In questa visione, sostenibilità, efficienza energetica, innovazione architettonica e tecnologica, insieme a nuovi modelli di incontro con l’arte, diventano elementi centrali di una trasformazione che ridefinisce il museo contemporaneo, assumendo inclusione e ruolo civico come principi guida.

Al tempo stesso, il progetto riscopre e valorizza in chiave contemporanea l’essenza dell’impianto originario, uno dei rari edifici museali realizzati ad hoc in Italia, instaurando un equilibrio rinnovato tra autenticità storica e nuova architettura, a partire dagli interventi degli spazi esterni che puntano a ritrovare un dialogo sempre più stretto con la città attraverso la creazione di una grande piazza civica polifunzionale: aperta a visitatori e cittadini in ogni momento del giorno e dell'anno e destinata ad accogliere numerose iniziative all’aperto. Anche i giardini si rinnovano grazie a un incremento delle aree verdi, trasformando le opere d’arte all’aperto in elementi permanenti del paesaggio urbano.

L'ingresso principale conserva la collocazione storica all'angolo tra corso Galileo Ferraris e via Magenta, preservando la memoria dell’impianto originario, mentre un nuovo percorso pedonale – definito Diagonale di luce – attraversa il complesso, creando un collegamento diretto tra il centro cittadino e i quartieri più giovani ed emergenti di Torino.

All’interno, il progetto recupera la spazialità organica dell’impianto progettato nel 1951, attenuata nel tempo da stratificazioni successive, restituendole chiarezza e continuità, in un equilibrio tra funzioni pubbliche e museali. Le nuove soluzioni architettoniche, integrate in modo armonico, valorizzano la luce naturale e rafforzano il dialogo tra interno ed esterno. La riorganizzazione degli ambienti recupera una maggiore fluidità del percorso museale, rendendo gli spazi più aperti, leggibili e adatti alle esigenze contemporanee. In questo processo, la scala monumentale torna ad avere un ruolo centrale, sia come elemento scenografico sia come fulcro del percorso di visita.

 Attraverso un approccio congiunto, architettonico e museografico, il patrimonio sommerso della Galleria composto da oltre 50.000 opere, finora custodito nei depositi sotterranei, diventa finalmente accessibile al pubblico. Il piano interrato si trasforma in un nuovo Deposito Vivente - non solo spazio di conservazione ma luogo espositivo attivo - che si sviluppa attraverso un percorso accessibile, percepibile anche dall’esterno grazie all’utilizzo di superfici trasparenti. Un recupero fisico e concettuale delle fondamenta della Galleria che rende tangibile l’idea di un luogo di cultura aperto, partecipativo e democratico, in coerenza con la visione che ne aveva ispirato la costruzione.

Il corpo principale dell’edificio ospita le funzioni espositive e le attività complementari. Al piano terra gli spazi di accoglienza si affiancano all’area didattica, uno spazio polifunzionale che integra in modo dialettico le funzioni di un vero e proprio centro civico, aperto alle attività delle comunità, rafforzando il ruolo pubblico dell’istituzione. Sempre al piano terra, l‘innovativa area di ristorazione, ampia e luminosa e dotata di accesso indipendente, contribuisce a rendere la GAM un luogo vissuto da tutti durante l’intero arco della giornata, ampliando le occasioni di incontro tra arte, cultura e vita urbana. L’auditorium, un volume autonomo preceduto da un foyer aperto e adattabile e dotato di un ingresso indipendente, è pensato come spazio flessibile dedicato alle diverse espressioni performative dell’arte contemporanea e contribuisce ad ampliare le opportunità di partecipazione e produzione culturale offerte dal museo.

Tra il primo e il secondo piano si distribuiscono le collezioni permanenti e le aree per le mostre temporanee, progettati secondo criteri di flessibilità per rispondere alle diverse esigenze curatoriali ed espositive.

Nel dialogo ritrovato tra luce, architettura e contesto urbano, la GAM riafferma quindi la propria identità di museo aperto e polifunzionale, capace di generare nuove relazioni e opportunità per il pubblico e per la città.

In occasione dell’evento è stato annunciato anche un ricco Public Program che accompagnerà la fase di cantierizzazione dell’edificio fino all’estate 2027.

MVRDV

Lo studio di architettura MVRDV è stato fondato nel 1993 a Rotterdam da Winy Maas, Jacob van Rijs e Nathalie de Vries. Grazie al successo ottenuto sin dagli esordi con progetti quali la sede dell’emittente pubblica olandese Dutch Public Broadcaster VPRO e il complesso residenziale per anziani WoZoCo ad Amsterdam, MVRDV è diventato uno studio di fama internazionale. Oggi i tre soci fondatori guidano un team dinamico di oltre 300 persone insieme ai partner Frans de Witte, Fokke Moerel, Wenchian Shi e Bertrand Schippan. Con quattro sedi satellite a Shanghai, Parigi, Berlino e New York, MVRDV opera a livello globale progettando soluzioni in grado di affrontare le sfide architettoniche e urbane contemporanee.

MVRDV adotta un metodo progettuale fortemente collaborativo, basato sulla ricerca e il coinvolgimento di esperti di ogni settore, clienti e stakeholder nella propria rigorosa indagine tecnica e creativa. Il risultato è costituito da edifici, piani urbanistici, studi e oggetti di forte impatto, che consentono alle nostre città e ai nostri paesaggi di evolversi verso un futuro migliore. MVRDV lavora con il BIM e dispone di valutatori BREEAM e LEED ufficiali interni. In collaborazione con la Delft University of Technology, MVRDV gestisce The Why Factory, un think tank e istituto di ricerca indipendente focalizzato su un programma per l'architettura e l'urbanistica immaginando la città del futuro.

 BALANCE ARCHITETTURA

BALANCE è uno studio internazionale di architettura con sede a Torino fondato da Alberto Lessan e Jacopo Bracco nel 2011. Ha partecipato alla Biennale di Architettura di Venezia ed è stato vincitore del premio “Giovane Talento dell’Architettura Italiana 2022”, assegnato dal Consiglio Nazionale degli Architetti CNAPPC. Nel 2025 ha ricevuto la Menzione d’Onore di Architetto italiano dell’Anno. Dal 2011 si occupa di architettura, spazi di lavoro, grandi allestimenti e urbanistica. I progetti dello studio sono stati pubblicati sulle principali riviste di settore, tra cui Detail, Architectural Review, Platform, Domus, The Plan, Abitare, World Architecture e molte altre. Lo studio ha presentato i propri lavori in numerosi contesti nazionali e internazionali: Torino, Milano, Venezia, Roma, Parigi, New York, Lubiana, Kyoto, Tirana, Tashkent. Oggi il team è composto da Alberto Lessan, Jacopo Bracco, Giorgio Salza, Giulia Barbero, Alejandra Mora, Eudes Margaria, Claudio Carrieri, Marco Galli, Andrea Lombardi e Camilla Rogai. Lessan e Bracco affiancano l’attività professionale a quella accademica, insegnando progettazione architettonica e design presso il Politecnico di Milano, il Politecnico di Torino e l’IAAD. BALANCE crede che l’architettura sia innanzitutto composizione: l’assemblaggio di elementi e funzioni nelle tre dimensioni, attraverso l’organizzazione plastica di materiali primari.

 EP&S Group

Il Consorzio EP&S nasce nel 2013 dall’unione di SI.ME.TE., Prodim ed EL, tre società di ingegneria torinesi ognuna delle quali leader nei rispettivi ambiti di applicazione, al fine di creare un campione dell’ingegneria integrata.  Forte dei suoi 150 anni di esperienza nel settore pubblico e privato e di una pragmatica e strategica visione imprenditoriale, EP&S costituisce oggi una delle più solide, strutturate e rinomate realtà ingegneristiche del mercato italiano, soprattutto nota per il suo contributo fattivo a opere complesse fra cui infrastrutture, ospedali, industrie ed edifici di terziario avanzato.