I taccuini leonardesci del Codex Forster ora on-line

Ecco un'altro interessante motivo per apprezzare le nuove tecnologie. 

Da alcuni giorni il sito del V&A National Art Library di Londra ha messo on-line i famosi taccuini di Leonardo da Vinci noti come Codex Forster

Sono tre e sono stati scritti durante la permanenza alla corte del Duca di Milano Ludovico Sforza, fra il 1480 e il 1505.

Non resta che andare a questo link e leggerselo tranquillamente da casa! 


Famous worldwide as the painter of such masterpieces as the Mona Lisa, Leonardo da Vinci (1452 – 1519) is also renowned for his notebooks in which he recorded his thoughts and inventions. Five of these fascinating notebooks, bound into three small volumes, have been in our collection since 1876 when they were bequeathed to the Museum by John Forster.

Collectively known as Codex Forster, they date from about 1487 to 1505 and reflect Leonardo's highly inquisitive mind. Codex Forster I contains both the earliest notebook we hold (from folio 41, about 1487 – 90, Milan) and the latest (up to folio 40, 1505, Florence). Written in Leonardo's famous 'mirror-writing', the subjects explored within range from hydraulic engineering to a treatise on measuring solids.


L’Alterjinga di Leo Gilardi da Quasi Quadro

Prosegue l’attività espositiva dell'Associazione Quasi Quadro che presenta “Alterjinga”, mostra personale dell'artista torinese Leo Gilardi, il primo capitolo di una serie di esposizioni che analizzano il fenomeno della realtà digitale.

Altierjinga, ovvero ‘Tempo del Sogno", nella cultura aborigena è il nome di un mondo esistito prima della creazione, dove gigantesche creature totem attraversarono la Terra cantando di ciò che incontravano, portando così questi elementi alla creazione.

Leo Gilardi percepisce un'analogia tra la suddetta ideazione e la naturale predisposizione dell'uomo alla razionalizzazione e all’ordine visivo, che arriva ad un livello così avanzato da soggiogare l’occhio, creando delle alterazioni percettive che portano ad una sorta di cecità selettiva che dimostra l’impossibilità di comprendere la realtà differentemente dal criterio logico.

Le opere esposte in Alterjinga appartengono dunque al Tempo del Sogno pre-digitale, ossia quel mondo precedente al momento in cui l’avanzamento tecnologico ha permesso una svolta nel rapporto tra macchina e persona, creando un proprio ritaglio nella realtà personale del genere umano.

Elementi fatui, che rimangono in attesa di essere nominati, la cui forma non rispetta un'identificazione dal momento che la loro conformazione segue le indicazioni dettate dalla superficie, di cui è impossibile coglierne il reale aspetto a causa degli effetti ottici.

Secondo l'artista la razionalità senza la sua “contrapposizione naturale” guida la creazione in un modo sbilanciato, asettico, artificiale, disumanizzante, in cui sono gli stessi creatori a doversi adattare nell’esplorazione di un nuovo ambiente.

Leo Gilardi nasce nel 1987 a Torino, città in cui vive e lavora. La sua ricerca artistica approfondisce le connessioni tra sociale e naturale, tra artificiale ed emotivo. Come nel ricostruire la natura di un organismo la cui coerenza è mutevole, ed assoggettabile a parti di se, allo stesso modo in cui riesce a rivoluzionarsi.

Inaugurazione sabato 22 settembre h 18:00

22.09 - 20.10
Via Feletto 36
10155 - Torino

The Waves of the Oh!s and the Ah!s

Il prossimo 28 e 29 Settembre la TBA21-Academy organizza a Venezia, presso la Chiesa di San Lorenzo, due giornate di spettacoli e conferenze a cura di Chus Martínez, "Expedition Leader" parte del secondo ciclo di "The Current"; il primo dei tre Convegni annuali che esplorano il tema dell'oceano sferico.

Tra i partecipanti: Diva Amon, Julieta Aranda, Cecilia Bengolea, Claudia Comte, Francesca von Habsburg, Marah Hardt, Donna Kukama, Chus Martínez, Ingo Niermann, Markus Reymann, Mathilde Rosier, Georgia Sagri, Christina Tony e con i partecipanti dell'estate Scuola # 1

The Waves of the Oh!s and the Ah!s

Think about the Ocean as you think about a relationship. We know that humans are bad at being faithful, infidelity has a tenacity that faithfulness can only envy. If you ask about Nature or the Ocean, everyone would be ready to declare their love, or our dependency, and yet we cheat on the seas, on water, on resources, on the images, on life. Ocean Adultery has many forms, and historically it has been—as Anthony Burgess describes it—“the most creative of sins.” We deplore the many times and many ways we were unfaithful to the Ocean, and yet prohibition only fuels the eagerness with which we consume our forbidden apples—or better said, our forbidden waters, fish, corals, sea beds, and human lives…. We need to face this: If we keep failing to meet our own standards, the solution is simply to try harder. This exercise cannot happen without thinking through a question: Who is the injured party? One would say the Ocean, but would that be to demonize our actions without pausing to explore our motives? Without learning how to weather its occurrence?

Inspired by the history of fear, power abuse and its relation to the elements rather than only to the humans, and drawing on the thinking of many poets, writers, and philosophers about the importance of the complaint to raise awareness, the first day of our convening will be structured as a lament: a collective performance where activists and artists give body, form, and voice to what we lament. Lamenting the Ocean, but also current forms of inequality, considering how gender and racial inequality are in complete entanglement here.

On the second day, the lamenting voice will raise an Awe. Admiration, reverence, a series of acts, performances, and lectures on the issues we admire, on all in life that bring us to this strange space of generosity, since to admire means to go out of oneself. 

Chus Martínez PARTICIPANTS Diva Amon 
A marine biologist specialising in deep-sea biology currently a Marie Skłodowska-Curie Research Fellow at the Natural History Museum, London, UK. Interested in the weird and wonderful animals living in a range of deep-sea habitats and how our actions are impacting them.

Julieta Aranda
An artist whose work revolves around time, memory and how different media languages recall a more encompassed notion of life. 

Cecilia Bengolea is an artists choreographer and dancer that deals with empathy systems, ways of merging through the body and movement experience with nature, with the ocean.

Claudia Comte
An artist dealing with the memory of materials, with the wisdom of the rural, of nature, of the ways technology can serve to preserve the traditional through sculpture. 

Francesca von Habsburg
Founder and Executive Producer of Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21) and its sister organization TBA21–Academy. Francesca is of the belief that art has the power to serve as an agent of change. Most recently, Francesca has become increasingly engaged in environmental issues, with a particular emphasis on the oceans.

Markus Reymann
Director and Co-Founder of TBA21-Academy.  As a central programming unit of TBA21, TBA21-Academy’s mission is to foster interdisciplinary dialogue and exchange surrounding the most urgent ecological, social, and economic issues facing our oceans today.

Marah Hardt 
A scientist and storyteller, who works at the crossroads of research, creative communication, and strategy to build a sustainable future for people and the sea. Her last book is Sex and the Sea (2017). 

Donna Kukama
An artist that both through objects and performance addresses the possibility of introducing a completely new form of sensing that would help us to deal with the past, to renew our imagination, our words, our social behaviour. 

Chus Martínez
A writer and curator head of the Institut Kunst in Basel. She is currently also an Expedition Leader of the second cycle of TBA21–Academy fellowship The Current.

Ingo Niermann
A writer and the editor of the speculative book series Solution. He is currently writing a Solution Oceans well as about to release the sequel of Army of Love, a film he did together with Alexa Karolinski, film director. 

Mathilde Rosier
An artist whose work deals with how modification in life can be achieved. Working in painting, performance and film, she is interested in ways of trespassing, of life interpenetrating mater and vice-versa. 

Georgia Sagri 
An artist who has been focusing on performances and installation work dealing with empathy, mimicry, and the potentiality of transformation, both in the social and the biological sense. 

Christina Samoka Eu Tony 
Comes from a volcanic island that is currently active. Manam Island is located 13 kilometres off the Northern coast of Madang Province, Papua New Guinea. She works with the community-based Bismarck Ramu Group in the campaign's program with the aim of creating spaces for resistance communities to come together and share their stories.

Installazione di Armin Linke, Prospecting Ocean al CNR-ISMAR, Foto: Giulia Bruno

#SphericOcean #WavesOfTheOcean #TheCurrent #Convening1  #tba21academy #prospectingocean #venice


Il Castello di Rivoli e Slow Fish presentano La vita nell’oceano

Speciale evento domenica 23 settembre 2018, a partire dalle ore 14.00, presso il Teatro del Castello di Rivoli dove si terrà La vita nell’oceano, una giornata di studio tra arte, scienza e cibo con Dayne Buddo, Cooking Sections, Joan Jonas, Elena Mazzi, Jeffrey Peakall, Stush in the Bush.

In occasione di Terra Madre - progetto di Slow Food dedicato alla cultura del cibo inteso come atto responsabile - il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea presenta, in collaborazione con TBA21, La vita nell’oceanouna giornata di studio interdisciplinare dedicata alla scoperta dell’ecosistema marino, della sua biodiversità e del suo delicato equilibrio. L’evento coinvolgerà gli artisti Joan JonasCooking SectionsElena Mazzi, con il geologo Jeffrey Peakall, il biologo Dayne Buddoe l’azienda agricola Stush in the Bush.

Terra Madre Salone del Gusto 2018 si terrà dal 20 al 24 settembre a Torino, organizzato da Slow Food, la Città di Torino e la Regione Piemonte, in collaborazione con il Ministero delle Politiche Agricole Alimentari e Forestali e con la partecipazione del Ministero dei Beni Culturali e del Turismo, all’interno delle attività previste per “l’anno del cibo italiano”. Food for Change è il tema dell’edizione del 2018, partendo dal progetto stesso, diffuso e aperto, fino ai contenuti dei forum e delle conferenze. Una delle cinque aree tematiche di quest’anno è Slow Fish.

Secondo Terra Madre, nel 2014 nei paesi europei sono stati spesi 34,57 miliardi per acquistare prodotti ittici. In totale nei paesi europei si consumano 7,5 milioni di tonnellate di pesce all’anno (33,4 chili pro capite contro i 19,2 chili consumati in media a livello globale), di questi, 2,75 milioni di tonnellate sono pescati localmente, i restanti 5 milioni sono prodotti di importazione.

La vita nell’oceano, ospitato nel Teatro del Museo, sarà l’occasione per vedere in anteprima Moving off the Land: Oceans – Sketches and Notes, nuovo lavoro dell’artista americana Joan Jonas realizzato con il supporto di TBA21-Academy, istituzione nata dalla volontà di promuovere progetti transculturali.
Recentemente celebrata da una grande mostra retrospettiva alla Tate Modern di Londra, Joan Jonas è pioniera del video e della performance art emersa tra la fine degli anni ‘60 e l’inizio degli anni ‘70. Il Castello di Rivoli ha ospitato una mostra personale dell’artista nel 2006.

Prodotta da TBA21-Academy, l’opera è una combinazione ipnotica di immagini di vita sottomarina, suoni e disegni che confluirà, nella sua versione finale, nella mostra promossa dalla fondazione austriaca per l’estate del 2019 nella chiesa di San Lorenzo a Venezia, in concomitanza della 58. Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia.
Oltre a Joan Jonas interverranno personalità del mondo dell’arte, della scienza e dell’agricoltura sostenibile per un confronto transdisciplinare sul tema: Jeffrey Peakall, Professore dei Processi di Sedimentazione presso l’Università di Leeds, Dayne Buddo, ecologista e biologo marino esperto di biodiversità marina e in particolare di specie invasive, il duo di artisti Cooking Sections (Daniel Fernández Pascual & Alon Schwabe), l’artista italiana Elena Mazzi e Lisa e Christopher Binns, fondatori di Stush in the Bush in Jamaica. 

L’evento si concluderà con una tavola rotonda moderata da Carolyn Christov-Bakargiev, Direttore del Castello di Rivoli.

A Roma il Macro diventa Macro Asilo

Fra pochi giorni il Macro di Roma diventa Macro Asilo esperimento creativo proposto da Giorgio de Finis alla città. Trasformare il solito museo promozionale del mercato dell’arte in un luogo aperto e dinamico con la realtà quotidiana superando le solite proposte preconfezionate come fanno oramai tantissimi musei di arte contemporanea, motivo forse anche dello scarso interesse del pubblico.

Il progetto è articolato e pieno di speranza, vedremo se riuscirà a crescere.


Il 30 settembre con una festa aperta a tutti verrà inaugurato il progetto sperimentale Macro Asilo che caratterizzerà il Macro di via Nizza per 15 mesi, fino al 31 dicembre 2019. Il nuovo dispositivo ideato da Giorgio de Finis, curatore del progetto, trasformerà l’intero museo in un vero e proprio organismo vivente, “ospitale” e relazionale, che inviterà all'incontro e alla collaborazione persone, saperi e discipline in una logica di costante apertura e partecipazione della città e del pubblico. L’ingresso sarà, infatti, libero per tutti.

L’idea stessa di istituzione museale in questo percorso punta a essere rinnovata con l’intento di tessere una relazione nuova e prolifica tra l'arte e la città. La sperimentazione, in tal senso, riguarda proprio il Museo di arte contemporanea della città e ne indaga la sua funzione civica di istituzione che opera nel tempo presente sulla produzione di sapere, senso e conoscenza, che attraverso l’arte si riesce a mettere a disposizione delle persone. Il Macro Asilo è il primo tassello del Polo del Contemporaneo e del Futuro che si configura come presenza complementare rispetto alle altre istituzioni come MAXXI e Galleria Nazionale, per mettere a disposizione di chi abita in città uno spettro ricco di punti di vista ed esperienze.

È da questa sfida che è partito il lavoro di de Finis, in stretta collaborazione con l’Azienda Speciale Palaexpo, che dal 1 gennaio 2018 gestisce il Museo, e la Sovrintendenza Capitolina che, in quanto struttura di Roma Capitale, preserva la responsabilità sulla conservazione e valorizzazione della collezione del Museo nonché del suo Archivio e della Biblioteca.

Per consentire tutto questo si è partiti da un totale ripensamento degli spazi stessi del Museo e della sua articolazione. Il nuovo progetto di allestimento è stato realizzato dall’architetto Carmelo Baglivo.

Entrando nel Museo il pubblico si troverà di fronte a uno spazio profondamente diverso potendo attraversare in maniera libera e casuale tanti diversi ambienti tematici tra cui il salone dei forum, dove a parete verrà presentata con una grande quadreria una selezione delle opere della Collezione, una sorta di invito “visivo” a collaborare e stare insieme; al centro di questo salone, il “Tavolo dei tavoli” opera abitabile realizzata per l’occasione da Michelangelo Pistoletto.

Tra le nuove stanze anche quella dedicata a Rome (nome plurale di città), la stanza delle parole (dedicata al vocabolario del contemporaneo), quella di lettura, la stanza dei media e della radio, le stanze-atelier (quattro spazi gemelli progettati per gli artisti che realizzeranno un'opera all'interno del museo). Inoltre tre “ambienti” d'artista, stanze-opera che ospiteranno progetti partecipati, installazioni, performance, aggiungendo, nel corso del tempo, altri 50 ambienti a tema che si sommeranno a quelli già proposti dal museo.

Il Museo sarà aperto dal martedì alla domenica dalle 10 alle 20 e il sabato fino alle 22. La programmazione non prevederà quindi un tradizionale calendario di mostre, ma un palinsesto quotidiano di eventi, incontri, laboratori, installazioni, performances e più in generale ospiterà ogni altra forma e pratica che gli artisti, lavorando nel Museo, svilupperanno e sapranno quindi proporre ai visitatori.

Ogni giorno saranno previste proiezioni di video d’arte su un maxischermo appositamente allestito; incontri, “autoritratti”, convegni, presentazioni e rassegne nell’auditorium e nella sala cinema. È inoltre previsto un ciclo di lectio magistralis a cadenza settimanale, oltre ad una serie di eventi a carattere spettacolare che si terranno sul palco allestito nel foyer, che ospiterà in particolare il sabato sera, musica, danza e teatro.

Il lavoro portato avanti in questi mesi nella ricerca degli artisti è stato parte essenziale del complessivo ripensamento del dispositivo museale fino a qui descritto e ha portato ad oggi alla realizzazione di un programma che comprende: 250 artisti che realizzeranno un'opera negli atelier del museo, 400 opere di videoarte (1 video al giorno), 50 stanze d'artista, 100 parole x 10 incontri = 1000 lezioni (dizionario del contemporaneo), 60 concerti del sabato sera, 180 lectio magistralis e 900 autoritratti.

Tra gli artisti presenti in calendario nei primi mesi di attività figurano: Michelangelo Pistoletto, Daniel Buren, Dora Garcia, Krysztof Bednarski, Pietro Gilardi, Alberto Garutti, Marzia Migliora, Liliana Moro, Pablo Echaurren, Gianni Pettena, Melania Mazzucco, Elina Chauvet, Wim Wenders, Alfredo Pirri, Gianni Asdrubali, Giovanni Albanese, Gianfranco Notargiacomo, Ria Lussi, Piero Mottola, Giuseppe Stampone, Fabrizio Crisafulli, il collettivo Stalker.

Ognuno di questi artisti lascerà al Macro il segno del suo lavoro, una moltitudine di atti, pratiche e forme di ricerca che alimenteranno per accumulazione progressiva un vero e proprio archivio materiale di questa esperienza. Un archivio che oltre ad avere uno spazio fisico nel Museo avrà poi un costante rimando sulla rete e sui social per testimoniare e rappresentare, in maniera continuativa, e in qualche modo riproducibile, il lavoro che all’interno del Museo verrà portato avanti.

 A questi si aggiungono poi quelli che porteranno la loro testimonianza nelle lectio magistralis tra cui ad oggi Nicolas Bourriaud, Claire Bishop, Jacques Rancière, Paul Preciado, Mary Ann Caws, Don Thompson, Calum Storrie, Sally Price, Juan Josè Lahuerta, Paul Werner, Peter Weibel, Michel Maffesoli, Massimo Cacciari, Giacomo Marramao, Carlo Ratti, Alessandro Dal Lago e Serena Giordano.

 Il Museo si apre così alla città tutta a partire anche dalla sua relazione con il quartiere in cui si inserisce, per questo i suoi spazi saranno costantemente aperti e attraversabili in tutte le loro diverse articolazioni dall’ingresso storico di Via Reggio Emilia alla nuova ala di Via Nizza, valorizzando anche la qualità e vivibilità dei suoi grandi volumi, dalla piazza, alla galleria al foyer. Un museo che si fa città, quartiere e ancora di più esperienza collettiva.


Il bello è nella natura, Gustave Courbet in Italia al Palazzo dei Diamanti di Ferrara

Son passati già cinquant’anni, dall'ultima mostra italiana su Gustave Courbet, ora torna, al Palazzo dei Diamanti di Ferrara, in una retrospettiva dedicata a questo genio indiscusso dell’Ottocento e al suo rivoluzionario approccio alla pittura di paesaggio. Uomo dalla personalità forte e complessa, Courbet s’impose come padre del realismo, aprendo la strada alla modernità in pittura con lavori provocatori e antiaccademici la cui principale fonte d’ispirazione fu la natura.

La mostra presenterà una cinquantina di tele, tra cui molti capolavori dell’artista, come Buongiorno signor Courbet, l’autoritratto L’uomo ferito o le celebri Fanciulle sulle rive della Senna, provenienti dai più importanti musei del mondo e condurrà il visitatore in un percorso attraverso i luoghi e i temi della sua impressionante e appassionata rappresentazione del mondo naturale: dai panorami della sua terra alle spettacolari marine battute dalla tempesta, dalle misteriose grotte da cui scaturiscono sorgenti alle cavità carsiche che si spalancano nei torrenti, dai sensuali nudi immersi in una rigogliosa vegetazione alle sublimi scene di caccia della maturità.

Guardato come un maestro dagli impressionisti e venerato da Cézanne, Courbet sembra svelare forme in attesa di essere rese visibili, catturando i fenomeni naturali più elusivi e transitori.

I paesaggi della regione natale, la Franca Contea, occupano un posto particolare nel cuore dell’artista: la vallata lussureggiante della Loue, gli altipiani aridi, i fiumi impetuosi, il sottobosco e i cieli immensi sono rielaborati in infinite e sorprendenti varianti. Motivo d’ispirazione sono stati anche i luoghi dove ebbe modo di soggiornare o che visitò nel corso della sua vita, come le coste mediterranee nei pressi di Montpellier, i paesaggi rocciosi della regione della Mosa in Belgio, le marine della Normandia, con le onde rigonfie prima di infrangersi sugli scogli, o i laghi svizzeri dipinti in esilio in un’atmosfera carica di nostalgia. A questi soggetti si aggiungono i dipinti che hanno per tema i nudi e gli animali nel paesaggio, dove Courbet dimostra ancora una volta di essere portatore di uno sguardo originale sul mondo, ma anche di essere consapevole della grande tradizione pittorica occidentale, studiata al Louvre.

Con Courbet e la natura il pubblico italiano potrà quindi riscoprire l’opera di uno dei più grandi pittori dell’Ottocento, un artista che ha lasciato un segno indelebile sulla sua epoca traghettando l’arte francese dal sogno romantico alla pittura di realtà, e da questa a un nuovo amore per la natura.

Ferrara, Palazzo dei Diamanti
22 settembre 2018 – 6 gennaio 2019

Fondazione Ferrara Arte e Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara

A cura di Dominique de Font-Réaulx, Barbara Guidi, Maria Luisa Pacelli, Isolde Pludermacher e Vincent Pomarède

Informazioni e prenotazioni
tel. 0532 244949 |


Bando per curatori alla Fondazione Adolfo Pini di Milano

Al via la Call nazionale, indetta dalla Fondazione Adolfo Pini di Milano, per formare un team curatoriale - under 35 - di durata biennale. I cinque selezionati contribuiranno al progetto culturale @Pini - Casa dei saperi, a cura di Valeria Cantoni, che avrà inizio da febbraio 2019. 
Un progetto che vedrà la Fondazione protagonista di un palinsesto di incontri, workshop e master class, conversazioni e approfondimenti critici, per uno scambio generativo e multidisciplinare tra giovani studiosi, artisti, curatori, filosofi, musicisti, e per chiunque senta la necessità di avere uno dialogo culturale vivo e orizzontale. Il tema del 2019 sarà “Nuove Utopie”.
In linea con la missione della Fondazione, ci è sembrato urgente dedicare uno spazio, a Milano, all’incontro di diversi saperi e mestieri, dove giovani artisti, studiosi, appassionati o anche solo curiosi possono interrogare i maestri sulle loro pratiche e visioni e scambiarsi esperienze, pensieri e competenze su temi che attraversano la contemporaneità”, dichiara Valeria Cantoni, curatore del progetto e membro CdA della Fondazione Adolfo Pini. “Un luogo dove fermarsi a discutere, dove scoprire nuove passioni intellettuali o artistiche e conoscere persone con cui intraprendere un breve tragitto di strada insieme, anche fuori dalle accademie o dopo l’università. Un circolo aperto e inclusivo la cui missione è finalmente dare la parola ai giovani che hanno qualcosa da dire e da ascoltare”.
Il compito del team curatoriale, selezionato da una commissione composta dal board della Fondazione e annunciato a fine ottobre, sarà quello di proporre e delineare il programma di appuntamenti del 2019 e 2020. Più nel dettaglio, la Call è aperta a operatori culturali, studiosi e progettisti di diverse discipline che, con il supporto della Fondazione Adolfo Pini, dovranno sviluppare, articolare e definire i vari contenuti degli appuntamenti attorno al tema individuato ogni anno; selezionare i partecipanti delle varie iniziative; assistere e supportare la comunicazione con gli ospiti (gli artisti, le organizzazioni); e altro ancora. Lungo il proprio mandato, il gruppo di curatori avrà inoltre la possibilità di incontrare e attivare scambi di idee e di progettualità con gli artisti e gli operatori culturali italiani e internazionali già coinvolti nei progetti della Fondazione.
Filosofi, designer, antropologi, artisti, architetti, economisti, matematici, musicisti, ecc, saranno invitati negli spazi della Fondazione Adolfo Pini con l’obbiettivo di costruire un luogo aperto e inclusivo di relazioni fertili e trasversali; una vera e propria casa dove si incontrano i saperi e le esperienze e dove si può imparare attraverso la lettura, l’ascolto, il confronto, ma anche l’arte contemporanea inserita nel contesto ottocentesco in un dialogo che offre sempre meravigliose sorprese.
Il budget complessivo annuale assegnato dalla Fondazione per la realizzazione e la produzione delle attività del progetto @Pini - Casa dei Saperi 2019 è di euro 20.000. A tale importo si aggiunge il rimborso spese per ciascun componente del team curatoriale pari aeuro 1.000 nette.
Per maggiori informazioni:
Fondazione Adolfo Pini
T. 02 874502

Arte ed emozioni per il centro di Torino

 In centro sono comparse le prime barriere "artistiche" volute dal comune di Torino, ecco quelle in piazza Castello, idea semplice e simpatica.

"Oltre le Barriere" è un progetto sviluppato fra assessorato comunale alla Cultura, la Fondazione Contrada Torino, l’Accademia Albertina di Belle Arti e la Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per la Città Metropolitana con il supporto di Intesa Sanpaolo.

Intanto un gruppo di persone  allestiva un carro di Ratha Yatra per festeggiare Sri Jagannath.

La trasformazione e le percezioni hanno percorsi diversi per ognuno di noi e presso la galleria Almanac Inn ci sono due espressioni artistiche diverse ma egualmente emotive.

Al piano terra c’è un intervento di  Davide La Montagna che miscela minimalismo e percezioni odorose, al piano superiore il vissuto quotidiano  di Holly White che trova forma in una serie di rielaborazioni materiche.

Passaggio alla Cavallerizza Irreale con la sezione Spazio Parentesi il progetto "Soglie Formali" con installazioni e grafiche di Gianluca Maffoni e Marta Robiglio, acquerelli di Marco Memeo, a cura di Ennio Bertrand e Ivan Fassio.

Un attimo di relax al Circolo dei Lettori per un buon caffè. 

Raccoglie un diario di umanità la serie di opere  di Dimitris Taxis da Galo.

Andando al Pav incrocio un gruppo di writers per il progetto Murarte 


Altre presenze individuali da Crag con i piacevoli quadri di Tomas Tichy.

Presso il Pav si è svolta una due giorni del Teatrum Botanicum con gli artisti Enrico Boccioletti, Roberto Casti, Michela Depetris, Mimì Enna, Furlani-Gobbi, Sara Manente e Christophe Albertjin, Gabriele Rendina Cattani, Claudio Rocchetti, Youngboyswritinggroup,  con interventi giovanili e ludici.

Mutabilis Arte presenta il recente lavoro di Riccarda Montenero.

Un interessante collettiva suddivisa fra video e opere cartacee è in corso fino a fine Ottobre da Wild Mazzini.


Alla Tate Britain a Londra arriva il Turner Prize 2018

La Tate Britain ospita dal 26 Settembre al 6 Gennaio 2019 una nuova edizione del Turner Prize.

Per quest’anno hanno selezionato gli artisti collettivo Forensic Architecture, Naeem Mohaiemen, Charlotte Prodger e Luke Willis Thompson.

Come sempre a Dicembre verrà annunciato il vincitore di questo noto premio inglese con la collaborazione di Channel4.

La giuria di quest’anno è composta da Oliver Basciano critico e giornalista di ArtReview, Elena Filipovic, direttrice della Kunsthalle di Basilea, Lisa LeFeuvre, dell’ Henry Moore Institute e dallo scrittore e Tom McCarthy.