Gli eleganti e ampi spazi della White Cube a Bermondsey ospitano l'intervento scenografico di Klára Hosnedlová, "Echo", che è innanzitutto un'ampia meditazione sul tempo. Dove imponenti strutture artificiali appaiono abbandonate o inghiottite da massicce formazioni organiche. Considerando il tempo come iterazione e riverbero, gli ambienti costruiti da Hosnedlová evocano uno scavo archeologico di un futuro: "luoghi sperimentali" in cui i processi temporali mettono radici e si manifestano.
Facendo riferimento a nozioni di natura idealizzata e futuri creati dalle macchine, ma anche alla nostalgia di un passato artigianale, la ricerca di Hosnedlová abbraccia la fotografia, gli studi d'archivio e il lavoro con gli artigiani, rivitalizzando le modalità di produzione tradizionali. Dalle altezze della galleria 9x9x9 del White Cube, la luce naturale illumina Untitled (from the series Embrace) (2025), un'installazione emblematica composta da un enorme arazzo sfrangiato con viticci sciolti, realizzato in canapa grezza non lavorata. Sfumature variegate di marroni, ruggine e rame si combinano nella sua forma fibrosa e trapuntata, in cui è incastonata una grande cornice di arenaria. Ricordando un frammento osseo proveniente da uno scavo archeologico, la cornice scolpita, con il suo rilievo a coste, racchiude un ricamo fotorealistico, i cui fili raffinati contrastano con la massa irregolare e materica. Raffigurante delle dita che stringono un singolo fiammifero acceso, il ricamo è al contempo un riferimento al fuoco come tecnologia primitiva e simbolo di illuminazione, un'allusione alla brevità della vita umana in un contesto di vasti salti temporali. Di fronte, un altro ricamo è appeso, un complemento che appare al contempo istruttivo e carico di presagi. Invece di una singola fibra tessile accesa a un'estremità, l'opera trasmette un momento di conseguenze sospese, suggerendo il potenziale distruttivo del fuoco, una minaccia per la massa circostante.
Allo stesso modo in cui un'eco è un motivo ripetuto che si propaga a distanza, le nuove mostre di Hosnedlová sono sempre debitrici di quelle precedenti. Rifuggendo dalla mera ripetizione, la pratica dell'artista ricombina idee ed elementi installativi in configurazioni trasformate e adattate a ogni luogo. Centrale nella sua pratica è una specifica metodologia di lavoro che abbraccia i depositi del tempo. Mettendo in scena performance private all'interno delle sue elaborate scenografie, Hosnedlová documenta attentamente i movimenti di una piccola compagnia che muove i primi, incerti passi in un mondo alieno. Dirigendoli a compiere azioni semplici, Hosnedlová valorizza la naturale esitazione degli interpreti non professionisti che esplorano le condizioni del loro ambiente: "Questo tipo di non conoscenza è, per me, il più interessante". La composizione della scena e della coreografia funziona per lei in modo molto simile a come uno schizzo preparatorio potrebbe funzionare per un pittore: le immagini che queste performance producono entrano a far parte di un archivio, dal quale l'artista seleziona, ritaglia e traduce in ricami. Mentre queste immagini ricamate offrono una testimonianza parziale di un passato recente, le performance, a loro volta, infondono nelle installazioni di Hosnedlová deboli tracce di presenza umana: passi tra cumuli di foglie, segni di dita che scavano nell'argilla cruda.
La sala principale della galleria si apre su una piattaforma centrale in metallo, fiancheggiata da imponenti pareti metalliche, ciascuna ornata da prodigiose sculture in arenaria su cui sono incastonate ulteriori immagini ricamate. Realizzate con materiali industriali e compositi, le installazioni architettoniche di Hosnedlová spesso richiamano ambienti costruiti. Pensata per essere percorsa e utilizzata come seduta, la piattaforma quadrangolare a gradoni è composta da griglie metalliche, la cui forma trova un'eco nell'opera ricamata dell'artista, il gioiello dentale Grillz (2025). Mentre la piattaforma evoca l'apertura dello spazio pubblico urbano – esponendo, se non addirittura intimidendo, luoghi privi di ombra o protezione naturale – la griglia rimanda alla sua funzione in città come interfaccia tra il mondo terrestre e quello sotterraneo. Sparsi disordinatamente sulla piattaforma, come pelli mute, si trovano alcuni indumenti abbandonati; provenienti da una serie di costumi creati in collaborazione con Emily Fuhrmann, questi resti scartati sono indizi del passaggio degli artisti attraverso lo spazio. Al centro della piattaforma si trovano forme turgide e amorfe, le cui superfici sono avvolte in un substrato di micelio impregnato di funghi Reishi. Utilizzando un processo biologico incontrollabile come mezzo espressivo, l'artista considera la materia vivente come una performance di lunga durata.
Attorno e attraverso la piattaforma sono stati posizionati pali in acciaio inossidabile, ciascuno fissato con un ricamo incorniciato in acciaio. Sebbene l'artista sia stata inizialmente attratta dal ricamo a mano per la sua qualità immersiva e processuale che le permetteva di sfuggire al "calcolo del tempo", il risultato è inesorabilmente una propria misura temporale, segnata filo per filo. A tal proposito, Writing on the Back I e Lost Message (entrambi del 2025) raffigurano mani impegnate in atti di creazione di segni; in uno, un "messaggio perduto" è scritto con un pezzo di carbone, mentre in un altro polvere di carbone e grasso vengono applicati direttamente con la punta delle dita. Opere come queste postulano un'altra tecnologia antica, quella del disegno come ausilio mnemonico e sistema di registrazione storica, mentre altrove, l'astratto Shared Fire(2025) estende queste idee a quella di un'eredità collettiva del futuro. Ai margini dell'installazione, gli immensi bassorilievi a parete fanno da sentinella. Tinte di polvere di pietra e minerali, queste sculture ricordano reliquie screziate o resti corporei, la cui inquietante alterità biomorfa evoca i frammenti fossilizzati di una grande creatura non identificata. Tutt'intorno, una composizione sonora distorta, creata con Billy Bultheel, risuona nello spazio, immergendo ulteriormente i visitatori nella visione archeo-futuristica di Hosnedlová di questo mondo alternativo. Combinando registrazioni di stridii e gemiti metallici, nonché frammenti di rumore bianco e voci distorte – alcune delle quali balbettano la frase "corpo di conoscenza" – il brano sonoro collassa e sovrappone il tempo, per poi spazializzarlo.
Attraverso la dettagliata creazione di un ambiente totale da parte di Hosnedlová, la molteplicità della qualità del tempo viene messa in gioco nel pensiero, nel processo e nel registro unici dell'artista. In "Echo", il tempo resiste sia alla linearità che a qualsiasi definizione statica; l'opera dell'artista sostiene che il tempo sia un materiale malleabile, che può essere compresso, immagazzinato, recuperato e riprodotto. Pur impegnandosi a ricostituire passati personali, storici e recenti, "Echo" non è solo una mostra, ma un evento che anticipa già il successivo, seminando un ritornello per un futuro ancora sconosciuto.
