Prix Marcel Duchamp 2026,

 

Dal sito di VernissageTV 

Il Prix Marcel Duchamp 2026, uno dei premi d'arte contemporanea più prestigiosi di Francia (con un montepremi totale di 90.000 euro, di cui 35.000 destinati al vincitore), presenta opere dei quattro artisti finalisti, esposte gratuitamente nelle collezioni permanenti del museo fino al 7 febbraio 2027. (La sede abituale, il Centre Pompidou, è chiusa per lavori di ristrutturazione).

Vincitore: il duo di artisti Brognon Rollin (David Brognon, nato nel 1978 a Messancy, in Belgio, e Stéphanie Rollin, nata nel 1980 in Lussemburgo). Attivi tra Parigi e Lussemburgo dal 2006, hanno ricevuto il premio il 22 ottobre 2026 per la loro installazione 5,376 years, 1,892 months, 1,110 days, 1,201 hours.

L'opera consiste in macchine a gettoni da luna park riempite con gettoni della sobrietà (le medaglie che vengono date nei gruppi di recupero per celebrare i traguardi raggiunti nell'astinenza). L'opera affronta con delicatezza e forza i temi della dipendenza, del tempo, della vulnerabilità e dell'intima esperienza umana. Candidati:

• Joël Andrianomearisoa (nato nel 1977 ad Antananarivo, Madagascar) è noto per le sue opere tessili, cartacee, scultoree e installative.
• Laura Henno (nata nel 1976 a Croix, Francia) è fotografa e regista.
• Joséfa Ntjam (nata nel 1992 a Metz, Francia) è un'artista multidisciplinare, performer e scrittrice.

In questo video vi accompagno attraverso la mostra (curata da Odile Burluraux e Nicolas Liucci-Goutnikov) e condivido le mie impressioni sulla presentazione di ogni artista. Se vi è piaciuto il tour, mettete mi piace, commentate e iscrivetevi per altri contenuti sull'arte contemporanea da Parigi e non solo.

Napoli e Cecily Brown

La quarta mostra di Cecily Brown alla Thomas Dane Gallery, intitolata "Un tramonto, una rovina, una folla e una battaglia", cattura il calore e il tumulto che ogni estate si abbattono sull'Europa. Attraverso trenta nuovi dipinti e disegni, Brown fonde mito e archeologia con il clamore dei turisti contemporanei che si accalcano per scattare foto e sorseggiare cocktail nelle località estive più gettonate del continente.

 

Brown visitò Napoli per la prima volta all'inizio degli anni '90, prima di trasferirsi da Londra a New York, e rimase affascinata dall'energia della città, dalla limpidezza della luce sulla baia e dalle sue ombre intrecciate. Vi fece ritorno nel 2019 per la sua prima mostra alla Thomas Dane Gallery, "Naples, We Didn't Mean to Go to Sea" , un vortice di naufragi che univa la storia della pittura romantica alla straziante realtà delle migrazioni contemporanee. Per la sua seconda mostra nello spazio napoletano, Brown affronta ora l'inquietudine che si respira sulla terraferma. " A sunset, a ruin, a crowd, and a battle " (2025), da cui è tratto il titolo della mostra, condensa mille anni di storia in un puzzle di figure enigmatiche che emergono e scompaiono, proprio come la città si trasforma continuamente. Al contrario, "Sorrento Sunset " (2025-26) raffigura una scena di spiaggia europea più contemporanea, quella di una località turistica sovraffollata nel pieno della stagione estiva. Con una larghezza di quasi quattro metri, il dipinto avvolge lo spettatore nell'opprimente confusione che pervade questi scenari che dovrebbero essere idilliaci. L'energia delle pennellate di Brown rispecchia l'attrito dei turisti estivi che si accalcano per accaparrarsi il posto migliore dove gustare un aperitivo o scattare selfie al tramonto. Il romanticismo della paradisiaca vacanza estiva si dissolve, attraverso scontri inquietanti e scorci interrotti, in una scena infernale. Entrambi i dipinti sono epici per dimensioni e natura, ricchi di innumerevoli figure reinterpretate e prospettive che si dissolvono. Nelle mani di Brown, il banale diventa satirico e la futile lotta per la perfezione dà vita a un nuovo genere di pittura storica.

 

I dipinti di dimensioni più ridotte isolano scorci più discreti della stagione estiva, e la loro atemporalità emerge quando vengono visti nel loro insieme. Angelina, la cameriera della pizzeria (2025) appare come una risposta contemporanea a tre diverse raffigurazioni di Pandora, la prima donna creata dagli dei nella mitologia greca. Questo gruppo di opere allude alle parti della città non accessibili al turista e si ispira alla tradizione della Belle Époque dei dipinti da boudoir per suggerire una scena più opulenta che esiste al di fuori della portata del visitatore.

 

Accanto ai dipinti, Brown espone una serie di disegni e incisioni che traggono ispirazione dalla vibrante energia dell'estate. Reinterpreta le piazze spoglie e le statue di De Chirico come se fossero sovraffollate da turisti in competizione tra loro; e raffigura spiagge dove la sabbia è scomparsa sotto la folla. La frenesia del lungomare è particolarmente accentuata in una nuova coppia di incisioni: Tequila Sunrise e Tequila Sunset (entrambe del 2026) – realizzate in collaborazione con Two Palms – in cui Brown ha dipinto a mano una vivace velatura di colore che imita le sfumature brillanti dei cocktail zuccherini serviti lungo le spiagge europee per tutta l'estate.

Anselmo da Tucci

La galleria Tucci Russo, nella sua sede di Torre Pellice, in collaborazione con la Fondazione Giovanni e Alda Anselmo ETS, ospita una bella mostra su Giovanni Anselmo, che sin dagli anni Sessanta faceva parte della corrente artistica dell’Arte Povera,  la sua prima esposizione nella galleria fu nel 1978.

CS 

Protagonista della sua arte – che integra natura, percezione, filosofia e l’essere umano – è il concetto di energia, che si rivela nelle leggi fisiche che regolano l’universo come la gravità e il magnetismo. Come lui stesso afferma, i suoi lavori sono «la fisicizzazione della forza di un’azione, dell’energia di una situazione o di un evento, ecc. non l’esperienza di ciò a livello di annotazione o di segno o di natura morta soltanto. È necessario, per esempio, che l’energia di una torsione viva con la vera forza, non vivrebbe certo con la sua sola forma. Penso che per operare in questa direzione, poiché l’energia esiste sotto le più svariate apparenze e situazioni, vi sia la necessità della più assoluta libertà di scelta o di uso dei materiali […] 

I miei oggetti sono energia fisica; le forze vengono convogliate e dirette in un punto in modo che ne risulti, di volta in volta, una situazione di equilibrio instabile, di movimento potenziale, di tensione, di compressione cui le strutture e gli elementi visivi dei miei oggetti sono subordinati». […]

Meridiana in Basilea

 A Basilea la Kunsthalle ospita sulle pareti esterne l'intervento di Samuel Guerrero (nato nel 1997). Questa installazione site-specific trasforma la parete di fondo in una meridiana ingrandita. Rispondendo ai movimenti stagionali, segna il corso mutevole dell'anno. 

Ispirandosi ai sistemi mesoamericani di misurazione del tempo e di osservazione, l'artista indaga il tempo come struttura sociale e politica, rendendolo tangibile nello spazio urbano attraverso fenomeni di luce e ombra.

Più bianco del bianco

La galleria di Bologna P420 propone il progetto Più bianco del bianco , la seconda mostra personale di Francis Offman (Butare, Ruanda, 1987 – vive e lavora a Bologna) negli spazi della galleria. 

Una mostra inizia quasi sempre con un accordo implicito, come spiega lo stesso artista, con il pubblico che osserva e con lo spazio che garantisce la presenza di qualcosa da riconoscere. In Più bianco del bianco Offman ha scelto di sospendere tale garanzia. Non per negare l'opera, ma per vedere cosa succede quando l'opera non si presenta immediatamente. 

Fin dall'inizio, la ricerca di Offman ha intrecciato ricordi personali, storia coloniale e narrazioni collettive con la sua personale ricerca di identità attraverso una pratica prevalentemente pittorica che sfida le gerarchie tradizionali tra sostegno e surplus, materiali e scarti. Sulle sue tele, rigorosamente senza telaio, l'artista combina campi di colore con frammenti di carta e tessuti di recupero, gesso di Bologna – un chiaro riferimento al territorio che lo ha accolto – e fondi di caffè, elemento che funge da traccia e testimonianza della sua storia personale. 

Nelle opere più recenti, realizzate appositamente per questa mostra, si aggiungono oggetti di uso quotidiano, come le zanzariere, viste come un filtro permeabile che setaccia la sostanza marginale pur consentendo il passaggio dell'aria: un'immagine materiale e concreta del concetto di confine. Inoltre, la recente sperimentazione di Offman con le trame jacquard implica una costante esplorazione di motivi e stratificazioni. Attraverso questo processo, campioni di lavoro e frammenti tessili vengono recuperati e trasformati in basi strutturali originali per le sue composizioni.

In netto contrasto con tale densità visiva e materiale, il progetto per P420 opta invece per la via della sottrazione: la consueta tangibilità della sua opera si ritira dalla piena visibilità, e il caffè – privato della sua forma oggettiva – si diffonde negli ambienti come puro aroma, fungendo da catalizzatore per un dialogo inaspettato tra i visitatori.

La mostra non offre garanzie né istruzioni per l'uso.

Più bianco del bianco non chiede al pubblico di trovare una risposta corretta, ma invita gli spettatori a riconoscere le proprie aspettative, a soffermarsi sul dubbio e a decidere autonomamente quanto avvicinarsi, a guardare oltre la prima impressione. Alzare la mano, toccare, spostarsi e decidere di fare quel passo avanti, diventa un'assunzione di responsabilità.

Sul fondo dello spazio espositivo, grandi tele di lino dipinte con diverse tonalità di bianco si fondono visivamente con le pareti. La loro tonalità bianca,

lungi dall'essere pura o innocente, è concepita come una soglia che mantiene minime differenze, tempi e stratificazioni. Il titolo della mostra fa riferimento e modifica il celebre motto della Tyrell Corporation nel film Blade Runner, "Più umano dell'umano". Offman trasferisce questo paradosso sulla superficie dipinta, interrogandosi su chi stabilisca la misura della purezza, della neutralità e del confine.

Un arco gigante

L'avevo visto la prima volta a Venezia alcuni decenni fa con una sua piccola installazione, ma ora Jacob Hashimoto crea installazioni affascinanti e molto più complesse attraverso la ripetizione e la composizione che l'hanno reso famoso. Ogni opera è composta da migliaia di aquiloni realizzati a mano in bambù e carta giapponese, sospesi insieme in assemblaggi complessi che sembrano fluttuare nell'aria. 

Unendo scultura, design e ambiente, questi aquiloni formano gruppi, alcuni lisci o a tinta unita, altri stratificati con grafiche colorate realizzate con la tecnica del collage. Al SFMOMA, Hashimoto creerà l'opera più grande della sua carriera, mescolando quasi 75.000 elementi in una coltre di nuvole che ricoprirà la Roberts Family Gallery dal pavimento al soffitto e da parete a parete.

Palazzetto Marcello a Venezia

A Venezia ha aperto Palazzetto Marcello, una nuova realtà culturale che apre con una mostra di Luca Bertolo, curata da Elena Volpato, dal titolo "L’inizio ci assale".

Un progetto che nasce come luogo di incontro tra arte, patrimonio e ricerca. Attraverso la collezione permanente, le mostre temporanee e le attività culturali, si propone come uno spazio di dialogo e di confronto, capace di offrire nuove prospettive ed interpretazioni.

L’architettura di Palazzetto Marcello è parte integrante della sua identità. Situato nel sestiere di Castello, il palazzo tardogotico custodisce le tracce di secoli di trasformazioni. Il progetto di restauro ne valorizza le stratificazioni storiche, ricercando un equilibrio tra conservazione e rinnovamento. Attraversando le sue stanze, si scopre una convivenza di epoche, materiali e linguaggi diversi, in cui ciò che permane incontra ciò che si trasforma. È proprio questa tensione, mai definitiva, che rende il palazzo uno spazio aperto al presente e alle sue evoluzioni.

CS
L’inizio ci assale, titolo di questa prima esposizione ospitata a Palazzetto Marcello, sono parole tratte da un verso di Milo De Angelis con le quali Bertolo, già in passato, aveva intitolato alcuni suoi dipinti: tele, intonse o preparate, che accolgono qualche elemento o qualche sparuta traccia della volontà dell’artista di dare inizio a un’opera.

È convinzione comune che gli innumerevoli inizi di cui si compone una vita, così come i molti inizi nel percorso di un artista, siano perlopiù piccoli o grandi atti di volontà, piccole o grandi scelte coraggiose o conservative. Si è soliti dire che bisogna affrontare la tela bianca, così come diciamo che si affronta la pagina bianca. Le parole di De Angelis rovesciano l’assunto: ad agire è l’inizio e noi siamo la sua tela.

Tutte le opere selezionate e realizzate per questa mostra sono rappresentazioni dell’inizio o dell’ambiguo rapporto che congiunge la dimensione dell’inizio con quella della fine. L’evocazione di alcuni caratteri “tribali”, in particolar modo nella serie dei Bastoni, presentata per la prima volta estesamente, è un ulteriore modo di riflettere sulla catena di inizi e fini della nostra cultura tardo moderna e di come l’arte degli ultimi anni abbia la possibilità di smarcarsi dalla superficialità degli attuali tribalismi politici e dalle banalizzazioni estetiche delle culture metropolitane.

abracadabra

Nelle sue sculture, installazioni, performance, disegni e testi, l'artista di Glasgow Caspar Heinemann (nato nel 1994 a Londra) trasforma linguaggio, narrazioni e frammenti storici in forme materiali e spaziali. Spesso combina storie queer e controculturali con riferimenti ad un'arte non convenzionale, ad architetture non realizzate secondo progetti professionali, nonché a tradizioni spirituali e letterarie che custodiscono narrazioni e personaggi inaspettati. A sottolineare il suo interesse per l'artigianato e la materialità, la mostra alla Kunsthalle Zürich si sviluppa attorno a una nuova installazione di grandi dimensioni in cui Heinemann guarda al cielo notturno – un motivo ricorrente nel suo lavoro – per esplorare questioni di continuità e pensiero magico.

ABRACADABRA (2026), un'installazione sviluppata appositamente per la mostra, comprende pallet di legno e una pesante tenda fonoassorbente ricamata a mano che divide in due lo spazio della Kunsthalle Zürich. Ricordando un allestimento teatrale improvvisato in una scuola o in una sala comunale, la struttura assume la forma di due palcoscenici identici installati schiena contro schiena, ciascuno con una scalinata. Non c'è, tuttavia, un vero e proprio fronte o retro, né la tipica area dietro le quinte del teatro. La separazione è un'illusione; il retro di ciascun palco funge da fronte dell'altro.

Come la semplice costruzione di pallet di legno che la sorreggono, la tenda nera segue un'estetica volutamente artigianale. Cucite con una varietà di tessuti e decorate con stelle applicate con punti grezzi, le tende lasciano a vista fili e cuciture, richiamando l'esperienza di Heinemann con le culture punk, DIY e dell'occupazione abusiva e il loro utilizzo di materiali facilmente reperibili. I processi di creazione, riparazione e introduzione deliberata del patchwork sono volutamente ambigui. Il cielo notturno funziona qui come un concetto, un dispositivo allegorico che complica il divario tra la cosa e la sua rappresentazione: mentre poche stelle su uno sfondo nero sono sufficienti a evocare l'immagine di un cielo notturno, ciò che cercano di rappresentare sfugge in definitiva alla raffigurazione. Come motivo che è allo stesso tempo geograficamente specifico e universale, il cielo notturno diventa una superficie su cui gli esseri umani possono immaginare, proiettare e dare significato a qualcosa di in definitiva incomprensibile.

Apre Casa FIAF a Torino

La Federazione Italiana Associazioni Fotografiche apre Casa FIAF,  una nuova sede a Torino, nel quartiere Lingotto, in via Varaita 3/C,  con 4 giorni di festa. 

Venerdì 4 dicembre 2026, dalle ore 10:00 alle 18:00: Open Day per i giornalisti e per il quartiere con la mostra “Una comunità di sguardi - Visioni creative dai Maestri alle nuove generazioni”  dal 4 dicembre 2026 al 6 gennaio 2027

Casa FIAF, una palazzina di 3 piani, con uno spazio di oltre 700 mq, in via Varaita 3 c, è la nuova sede della Federazione Italiana Associazioni Fotografiche - FIAF ETS, nata a Torino nel 1948 .

Torino ha fatto della cultura dell’immagine una parte importante della propria identità. In questo contesto, Casa FIAF vuole contribuire offrendo un nuovo spazio d'arte aperto alla città e al mondo. È un luogo dinamico nato con obiettivi chiari: integrarsi nel tessuto urbano e consolidarsi come un polo d’eccellenza culturale e un punto di contatto tra la fotografia e il cittadino. 

L’inaugurazione della Casa FIAF è pensata come una grande festa lunga 4 giorni e vuole coinvolgere cittadini, appassionati e istituzioni. Il fulcro è la mostra fotografica, con con un ricco programma tra musica, speeches e momenti conviviali (specificare nel dettaglio). I festeggiamenti per l’ inaugurazione dureranno 4 giorni:

Venerdi 4 dicembre dalle 10 alle 18: open day per il quartiere

Sabato 5 dicembre alle ore 18,00: presentazione con autorità e istituzioni

Domenica 6 dicembre dalle 10:00 alle 19:00 e lunedì 7 dicembre dalle 10:00 alle 19:00: apertura al pubblico 

UNA STORIA LUNGA QUASI OTTANT’ANNI

La FIAF – Federazione Italiana Associazioni Fotografiche nacque il 19 dicembre 1948 a Torino, quando otto club fotografici si unirono con l’obiettivo di creare una rete di scambio, confronto e crescita. Da allora è iniziato un lungo percorso d’impegno nella diffusione della fotografia come forma di espressione creativa, contribuendo a riconoscerne l’autonomia e il valore culturale nel panorama delle arti visive.

Il calendario dei 4 giorni di festa:

OPEN DAY per il quartiere

Venerdì 4 dicembre 2026, dalle 10 alle 18

Casa FIAF – Via Varaita 3/C, Torino

PRESENTAZIONE CON AUTORITÀ E ISTITUZIONI

Sabato 5 dicembre alle 18:00

Casa FIAF – Via Varaita 3/C, Torino 

APERTURA AL PUBBLICO

Domenica 6 e lunedì 7 dicembre 2026 – dalle 10 alle 19 

Casa FIAF – Via Varaita 3/C, Torino 

INFORMAZIONI

Segreteria FIAF · Tel. 011 5629479 · segreteria@fiaf.net

Alberto Garutti

Vista dell'installazione Alberto Garutti alla  Galleria Massimo Minini, Brescia, foto di Andrea Rossetti

Presso la galleria Massimo Minini a Brescia è in corso la sesta mostra personale di Alberto Garutti (Galbiate, 1948 – Milano, 2023) – cinquant'anni dopo la prima  – riunisce una selezione di opere e materiali d'archivio, scelti e curati dallo Studio Archivio Alberto Garutti con l'obiettivo di presentare al pubblico due temi strettamente intrecciati e centrali nella pratica dell'artista milanese: in primo luogo, il paesaggio come luogo del presente – un insieme, semplice e complesso al tempo stesso, costituito da fatti concreti, natura, urbanità e la società a cui apparteniamo – e, in secondo luogo, lo sguardo, l'atto di guardare come principale forza motrice del processo artistico.

Vista dell'installazione Alberto Garutti alla  Galleria Massimo Minini, Brescia, foto di Andrea Rossetti