Turner Prize 2026

 

MIMA, Centre Square, Middlesbrough (immagine di Rachel Deakin, per gentile concessione di MIMA) 

Il Turner Prize 2026, alla sua 42 edizione, presenta i quattro finalisti del premio, che sono: Simeon Barclay, Kira Freije, Marguerite Humeau e Tanoa Sasraku.

Quest'anno le opere saranno presentate presso il MIMA a Middlesbrough, dal 26 settembre 2026 al 29 marzo 2027, un premio che da sempre si caratterizza per la capacità di seguire e promuovere gli artisti che inglesi o che operano in Gran Bretagna alle prime arme. 

CS

Simone Barclay

Nominato per la sua performance The Ruin , commissionata dal Roberts Institute of Art e presentata anche all'Institute of Contemporary Arts (ICA) di Londra, all'Hepworth Wakefield nel West Yorkshire e al New Art Exchange di Nottingham. La performance di spoken word della durata di un'ora, con percussioni dal vivo di James Larter e corno di Isaac Shieh, trae ispirazione dalla sua infanzia a Huddersfield e dalla sua esperienza diretta del paesaggio industriale del nord dell'Inghilterra. La giuria ha elogiato la performance d'esordio di Barclay per la sua esplorazione dell'identità britannica, della classe sociale, della razza e dell'identità maschile, attraverso un uso evocativo e sperimentale del linguaggio e un paesaggio sonoro psicologicamente coinvolgente.

Roberts Institute of Arts presents Simeon Barclay, The Ruin, The Hepworth Wakefield., May 2025. Photo_ Peter Rupschl. Courtesy of the Artist & Workplace

Kira Freije

Nominata per la sua prima importante mostra personale, "Unspeak the Chorus" presso The Hepworth Wakefield, nel West Yorkshire, Freije utilizza metallo, tessuto e materiali di recupero per creare sculture che esplorano le emozioni umane universali. Il suo tableau teatrale presenta figure a grandezza naturale costruite con armature metalliche a vista e volti espressivi in ​​pietra fusa in pose che sono al contempo inquietanti e bellissime. La giuria ha elogiato la profondità emotiva del lavoro di Freije, evidenziando il suo vocabolario scultoreo unico di materiali e forme, nonché il modo suggestivo ed espressivo in cui ha trasformato lo spazio attraverso la disposizione delle figure.

Installation view of Kira Freije_ Unspeak the Chorus, The Hepworth Wakefield, November 2025. Photo © Lewis Ronald.

Margherita Humeau

Nominata per la sua mostra personale Torches, presentata all'ARKEN Museum of Contemporary Art di Copenaghen e all'HAM Helsinki Art Museum, l'opera di Humeau esplora la formazione della vita, la storia antica dell'umanità e mondi futuri immaginari. Le sue sculture combinano riferimenti a specifiche specie naturali e forme ultraterrene, immerse in un ciclo continuo di luce e suono. L'installazione esprime una profonda affinità con il mondo naturale, adottando una prospettiva ecocentrica piuttosto che antropocentrica. La giuria è rimasta colpita dalla sua capacità di realizzare l'allestimento cinematografico e dal suo approccio a temi ecologici ed esistenziali attraverso forme innovative, scenari speculativi e dinamici cambiamenti di scala.

 Marguerite Humeau, “Torches” at ARKEN Museum, 2025 © Marguerite Humeau. Photography by Mathilde Agius. Courtesy of the artist

Tanoa Sasraku

Nominata per la sua mostra personale Morale Patch presso l'Institute of Contemporary Arts (ICA) di Londra. L'installazione esplora idee geopolitiche attraverso sculture-oggetto e opere su carta. La mostra si concentra sulla storia politica e militare recente del petrolio attraverso un'installazione altamente concettuale che prende in prestito il linguaggio visivo del mondo aziendale. La giuria ha elogiato la precisione e la raffinatezza dell'installazione, sottolineando come affronti complesse questioni storiche con forti risonanze contemporanee e il suo utilizzo di un allestimento clinico e minimalista che trasmette al contempo ironia e serietà.

Tanoa Sasraku, Morale Patch installation view, Institute of Contemporary Arts, London, 2025-26. Image © Jack Elliot Edwards, courtesy the artist and Vardaxoglou Gallery, London. 

Il Turner Prize, uno dei premi più prestigiosi al mondo per le arti visive, si propone di promuovere il dibattito pubblico sui nuovi sviluppi dell'arte britannica contemporanea. Istituito nel 1984, il premio prende il nome dal pittore radicale JMW Turner (1775-1851) e viene assegnato ogni anno a un artista britannico per una mostra o altra presentazione eccezionale della sua opera. Il vincitore del Turner Prize riceverà un premio di 25.000 sterline, mentre gli altri artisti finalisti riceveranno 10.000 sterline ciascuno.

La Tate Britain collabora frequentemente con musei e gallerie in tutto il Regno Unito per portare il Turner Prize al pubblico più ampio possibile. Dal 2011 la mostra è stata allestita a Gateshead, Derry-Londonderry, Glasgow, Hull, Margate, Coventry, Liverpool, Eastbourne e Bradford. Il premio è un pilastro del dinamico programma di collaborazioni nazionali della Tate, che comprende anche mostre itineranti, progetti di ricerca e il prestito di centinaia di opere d'arte a sedi britanniche, dove vengono ammirate da oltre 3 milioni di persone all'anno.

Alex Farquharson, direttore della Tate Britain e presidente della giuria del Turner Prize, ha dichiarato: "È un privilegio annunciare questa straordinaria rosa di finalisti: congratulazioni a tutti e quattro gli artisti nominati. Il Turner Prize continua a offrire al pubblico un'avvincente riflessione sull'ampiezza e la vitalità dell'arte britannica contemporanea. La selezione di quest'anno presenta una gamma ricca e diversificata di opere, che spaziano tra installazioni e performance, con una forte enfasi sulla pratica scultorea. Ogni artista ci invita in scenari attentamente costruiti, sia reali che immaginari, che offrono prospettive distinte attraverso le quali esplorare il mondo che ci circonda e riflettere sul nostro posto al suo interno."

La dottoressa Laura Sillars, direttrice del MIMA e preside della Facoltà di Cultura e Creatività della Teesside University, ha dichiarato: "Questa rosa di finalisti promette una straordinaria mostra del Turner Prize presso il MIMA, cuore pulsante della cultura della Teesside University. Non vediamo l'ora di collaborare con gli artisti nei prossimi mesi a Middlesbrough, una città con una forte e crescente fiducia nella propria cultura. Essendo il primo Turner Prize in ambito universitario, questo momento crea un contesto speciale, in cui l'arte contemporanea può ispirare discussioni, dialoghi e nuove prospettive."

I membri della giuria del Turner Prize 2026 sono: Sarah Allen, responsabile dei programmi della South London Gallery, Joe Hill, direttore e amministratore delegato dello Yorkshire Sculpture Park, Sook-Kyung Lee, direttrice del Whitworth e professoressa di pratiche curatoriali presso l'Università di Manchester, e Alona Pardo, direttrice dell'Arts Council Collection, Regno Unito. La giuria è presieduta da Alex Farquharson, direttore della Tate Britain. 

LETIA per la GAM di Milano

View of Παρνασσός Parnassus 2024-2026 golden epoxy cotated aluminium structure six Calendars of different diameters and one Globe golden tassel red trimming cord  overall dimensions, cm 350 x 520 x 338. Courtesy the Artist, ph. Michele Nastas

 

La GAM Galleria Arte Moderna di Milano accoglie nella Sala del Parnaso Παρνασσός Parnassus, l’opera site-specific di LETIA – Letizia Cariello visibile fino a domenica 5 luglio 2026, trasforma lo spazio in una struttura attraversabile di luce e tempo.
 
Il progetto presenta per la prima volta alla città di Milano, in un contesto museale pubblico, il lavoro dell’artista che qui vive e lavora dagli anni della sua formazione.
 
L’installazione di LETIA – Letizia Cariello si configura come un’ampia struttura in alluminio dorato abitata dagli elementi più rappresentativi della poetica dell’artista, aperta su tutti i lati, completamente attraversabile dallo sguardo, in dialogo costante con gli ambienti della Sala del Parnaso e con lo spazio esterno del giardino visibile dalle finestre. Un dialogo che si genera spontaneamente, in un intuitivo gioco di equilibrio e dinamismo.
 
Come racconta l’artista:
«Si tratta di una struttura quadrilatera, leggera. Costruita con un sistema a incastro di tubi di alluminio giallo oro. La grande opera-giostra che si materializza mentre disegno. Ricorda un gazebo ma potrebbe essere anche lo scheletro di qualcosa di abitabile. Qualcosa di ideale e insieme di primario. Come la struttura scheletrica di una casa oppure una specie di serra. È tutte queste cose ma nessuna in particolare. Risponde a un pensiero di casa, una casa sottile: interiore quanto visibile, attraversabile tutta in un colpo con lo sguardo anche se non percorsa fisicamente.»
 
La musica rappresenta un elemento fondamentale nella ricerca artistica di Cariello. Per questo motivo, il 21 maggio, presso il Parnasetto della Sala del Parnaso, è previsto un concerto a cura di Le Dimore del Quartetto. Dalle ore 18 alle 19.30, i musicisti eseguiranno brani in dialogo con l’installazione, accompagnando i visitatori liberi di muoversi nella sala e di fruire simultaneamente opera e musica.
 
La Sala del Parnaso
L’opera Παρνασσός Parnassus nasce in stretto dialogo con la Sala del Parnaso, che prende il nome dall’affresco di Andrea Appiani (Milano, 1754 – 1817) sul soffitto della sontuosa ex sala da pranzo della Villa. Datato 1811 e ultima testimonianza del pittore, l’affresco recupera – innovandolo – il tema classico del dio della musica Apollo circondato dalle nove Muse, rappresentanti delle arti, sul Monte Parnaso. L’opera costituisce un esempio preminente del Neoclassicismo italiano.
 
Uno spazio interiore: l’opera di LETIA – Letizia Cariello
La ricerca di LETIA si concentra sull’energia, sullo spazio e sul tempo, con particolare attenzione alla possibilità di rendere visibile il tempo stesso. Il suo lavoro esplora la sottile linea di confine tra la terza e la quarta dimensione, attraverso un approccio rigoroso che coinvolge il corpo e una vasta gamma di mezzi espressivi.
Nel disegno, come nelle opere tridimensionali, nelle installazioni e nei video, l’artista presta un’attenzione costante al gesto e all’uso delle mani, integrando nei propri progetti anche musica e suono. Lo spazio interiore e lo spazio esteriore sono concepiti come un’unica dimensione, in un dialogo continuo tra percezione e materia.
 
Architettura e musica sono intese come ambiti affini, accomunati dal principio della vibrazione: ogni azione può essere espressa come fenomeno vibratorio. La musica, in particolare, è concepita come capace di generare spazi interiori, stanze mentali in cui tempo e spazio si fondono, fino a coincidere.
All’interno di questo quadro, Παρνασσός Parnassus si configura come una grande struttura leggera in alluminio dorato, una sorta di “gabbia” aperta e attraversabile con lo sguardo in ogni direzione. La sua trasparenza invita a una fruizione mobile, basata sullo spostamento continuo del punto di vista.
 
L’opera accoglie al suo interno quattro elementi principali: tre coppie di calendari e un globo sospeso. I calendari, montati su telai circolari e accoppiati schiena contro schiena, sono sempre visibili nel loro recto e disposti secondo differenti modalità: due coppie sono integrate nella struttura e attivate da sistemi che ne permettono la rotazione lungo assi verticale e orizzontale, mentre una terza coppia è collocata lungo uno dei lati perimetrali, con un sistema che richiama il disegno delle vetrate piombate.
Il globo, realizzato in carta da parati serigrafata con motivo calendario e arricchito da inserti di rose essiccate provenienti dal giardino della GAM, è costruito su una struttura a centine di legno di risonanza curvate. Sospeso nello spazio, il globo è completato da una grande nappa pendente, volutamente sproporzionata, che introduce un elemento di discontinuità e accentua la tensione tra ordine e deviazione.
La struttura si pone in dialogo costante con la Sala del Parnaso, con le sue forme architettoniche, con la presenza dell’affresco di Appiani e con l’esterno del giardino, visibile attraverso le finestre. Trasparenza, leggerezza e apertura diventano così strumenti per attivare una relazione dinamica tra interno ed esterno, tra spazio costruito e spazio naturale.
 
In questo contesto, il lavoro di Cariello ruota attorno all’idea di srotolare un messaggio attraverso il flusso del tempo e dello spazio nella materia. Ogni gesto diventa così un atto di esplorazione continua, un’indagine reiterata sui confini tra le dimensioni.
 
Genesi dell’opera
Per la realizzazione di Παρνασσός Parnassus, Letizia Cariello va alle origini, recuperando il significato ittita di parna, ovvero “casa”, “dimora”, termine da cui deriva il toponimo anatolico Parnašša, affine al Monte Parnaso. Nella cultura greca, il Parnaso era consacrato ad Apollo e alle Muse, descritto come un paesaggio montuoso giallognolo, sede di una fonte purificatrice che fungeva da passaggio per gli inferi.
L’artista riprende nella sua opera il concetto di casa-attraversamento, in un confronto diretto con l’affresco di Appiani, ma anche con gli altri elementi decorativi della stanza – lampadari, pavimenti – e con il giardino all’inglese della Villa.
 
Trasparenza, leggerezza e relazione con l’esterno sono gli elementi fondamentali che hanno guidato la creazione di questo luogo, strettamente relazionato con l’ambiente in cui è inserito.
In Παρνασσός Parnassus è chiaramente riscontrabile anche l’interesse dell’artista per la musica: suono e ritmo sono, nel suo linguaggio – come nella cultura classica greca e latina – strettamente connessi allo spazio, alla proporzionalità degli ambienti, e possono essere misurati e resi visibili anche nella planimetria di un’abitazione.
Il Concerto
L’esposizione intende trovare estensione della dimensione ritmica e sonora presente in Παρνασσός Parnassus, per cui è previsto un intervento musicale che non si configura come evento collaterale, ma come elemento strutturale dell’opera. Il 21 maggio, presso la zona denominata “Parnasetto” della Sala del Parnaso, Le Dimore del Quartetto eseguiranno un concerto articolato in due set, dalle ore 18.00 alle 18.35 e dalle ore 18.55 alle 19.30.
 
I visitatori possono muoversi liberamente nello spazio, costruendo un’esperienza personale in cui percezione visiva e ascolto si intrecciano. La musica accompagna e allo stesso tempo modifica la relazione con l’opera, incidendo sulla percezione della luce, dei materiali e dei movimenti potenziali degli elementi.
 
Il programma musicale è stato selezionato per affinità con i riferimenti culturali e formali del progetto. Alcuni brani richiamano il contesto del Neoclassicismo italiano – come La Primavera di W. A. Mozart – mentre altri instaurano un dialogo più diretto con la ricerca dell’artista sulla dilatazione del tempo e sulla tensione verso l’infinito, come il Quartetto n. 8 in mi minore, op. 59 n. 2 II di L. van Beethoven.
In particolare, quest’ultimo, nato dalla contemplazione della volta celeste, restituisce una tensione verso l’immenso e l’irraggiungibile che trova corrispondenza con l’opera di LETIA – Letizia Cariello. La musica diventa così un mezzo per amplificare la dimensione mentale dell’installazione, generando una “stanza” in cui esperienza sensibile e immaginazione coincidono.
 
Il Catalogo
La mostra è accompagnata da un catalogo edito da SilvanaEditoriale, con testi di Letizia Cariello, della curatrice e critica d’arte Lea Vergine (Napoli, 1936 – Milano, 2020) e dell’architetto Sonia Calzoni, docente di Progettazione architettonica al Politecnico di Milano, presidente di In-arch Lombardia e progettista del futuro ampliamento al Secondo Arengario del Museo del Novecento di Milano. Oltre che di Gianfranco Maraniello, Direttore Musei d’Arte Moderna e Contemporanea del Comune di Milano, e di Paola Zatti, Conservatore responsabile GAM, con un’intervista all’artista.

Un'avventura incredibile, Peggy Guggenheim a Londra.

 Peggy Guggenheim a Londra. Nascita di una collezionista, 25.04. – 19.10.2026, Collezione Peggy Guggenheim. Ph. Matteo De Fina

Da pochi giorni si è avviata la mostra Peggy Guggenheim a Londra. Nascita di una collezionista a cura di Gražina Subelytė, Curator, Collezione Peggy Guggenheim, e Simon Grant, Guest Curator, allestita negli spazi espositivi della CollezionePeggy Guggenheim che sta suscitando molto interesse, sarà visitabile fino al 19 ottobre, 2026.

 

La direttrice Karole P. B. Vail ha sottolineato l’importanza di questo prezioso omaggio a Peggy Guggenheim, che aggiunge un tassello fondamentale e assolutamente poco noto nella storia del collezionismo della mecenate. "Si tratta della più grande mostra mai realizzata in ambito museale dedicata all’avventura londinese di Peggy Guggenheim e della sua prima galleria, Guggenheim Jeune, attiva a Cork Street tra il 1938 e il 1939" spiega Vail. "Nell’arco di diciotto mesi, dal gennaio del 1938 al giugno del 1939, la galleria Guggenheim Jeune sarà un punto di riferimento per le avanguardie dell’epoca, nota per la promozione e valorizzazione di artisti locali e internazionali, molti dei quali legati alle tendenze artistiche dell’astrazione e del Surrealismo. Credo oggi non ci sia luogo migliore per questo tributo se non la Collezione Peggy Guggenheim".

 

"Questa mostra, che nasce oltre sei anni fa, getta finalmente luce sul momento determinante in cui Guggenheim inizia la sua attività di collezionista, mecenate e gallerista" prosegue la curatrice Subelytė. "Nonostante l’attività di Guggenheim Jeune, un nome arguto, sia drasticamente interrotta dallo scoppio della Seconda guerra mondiale, la galleria esercita un impatto duraturo sulla scena artistica moderna e contemporanea londinese. Nella capitale non mancano le gallerie che espongono arte moderna, ma le istituzioni tendono ad adottare un atteggiamento più tradizionale. Non è esagerato affermare che l’arrivo di Guggenheim a Londra segna un nuovo inizio e un momento decisivo per l’arte moderna e contemporanea britannica". 

 

"L'organizzazione di questa mostra ci ha offerto l’impareggiabile opportunità di riesaminare gli anni che Peggy Guggenheim trascorre in Gran Bretagna e la storia della sua galleria Guggenheim Jeune, e quindi di aprire nuove strade alla ricerca", conclude Grant, guest curator. "Quanto abbiamo compreso, ha plasmato in maniera profonda e duratura questo progetto. Siamo veramente grati a chi si è unito a noi nel rinnovare l’attenzione su questo momento essenziale della storia di Peggy Guggenheim"

 

Peggy Guggenheim a Londra. Nascita di una collezionista, 25.04. – 19.10.2026, Collezione Peggy Guggenheim. Ph. Matteo De Fina

L’esposizione riunisce un centinaio di opere chiave, provenienti da importanti istituzioni internazionali e collezioni private, esposte in occasione di quelle mostre pionieristiche, oltre a lavori simili appartenenti allo stesso periodo, e a opere di artisti che Guggenheim avrebbe successivamente collezionato. Tra questi figurano, tra gli altri, Eileen Agar, Jean (Hans) Arp, Barbara Hepworth, Vasily Kandinsky, Rita Kernn-Larsen, Piet Mondrian, Henry Moore, Cedric Morris, Sophie Taeuber-Arp e Yves Tanguy. Il percorso espositivo include dipinti, sculture, opere su carta, fotografie, pupazzi e materiali d’archivio, restituendo la straordinaria varietà dei linguaggi presentati nella galleria e documentando un’epoca di intensa sperimentazione artistica e fermento culturale, segnata da profonde tensioni sociali e politiche alle soglie della Seconda guerra mondiale. Centrale è anche la dimensione relazionale dell’esperienza londinese di Guggenheim: la mostra mette in luce il ruolo determinante delle sue amicizie e collaborazioni con figure chiave del modernismo, tra cui Arp, Samuel Beckett, Marcel Duchamp, Roland Penrose, Herbert Read, e Mary Reynolds nonché l’importanza della rete di galleristi e intellettuali attivi nella Londra di quegli anni.

 

Peggy Guggenheim a Londra. Nascita di una collezionista, 25.04. – 19.10.2026, Collezione Peggy Guggenheim. Ph. Matteo De Fina

Il percorso espositivo si apre con opere chiave dell’astrazione e del Surrealismo esposte durante la breve ma intensa attività di Guggenheim Jeune, che riflettono le principali tendenze artistiche alla base del programma della galleria. Le sale successive sono dedicate alle singole esposizioni organizzate in questo spazio, tra cui quelle consacrate a Kandinsky, all’artista russa Marie Vassilieff, creatrice del genere delle “bambole artistiche” e figura di riferimento per una pratica transdisciplinare, e alla mostra di scultura contemporanea, che rappresentò un evento di primo piano nella storia culturale londinese del periodo prebellico, dimostrando il ruolo determinante di Guggenheim nella promozione e nell’accettazione dell’arte moderna e astratta in Gran Bretagna. Si prosegue con i ritratti di Cedric Morris, artista gallese al centro della scena dell’avanguardia britannica, mentre una sala sarà dedicata alle esposizioni del pittore statunitense Charles Howard, dello scultore tedesco Heinz Henghes, e alla mostra dello Studio 17, laboratorio di incisione fondato da Stanley William Hayter. Segue un omaggio alla storica esposizione Abstract and Concrete Art, con opere di artisti quali Mondrian, Taeuber-Arp e Van Doesburg. Non mancherà una sala dedicata ai ritratti fotografici a colori di Gisèle Freund, presentati originariamente a Guggenheim Jeune in forma di proiezione: una modalità espositiva che l’artista predilesse per tutta la vita per mostrare le sue trasparenze a colori dedicate ad artisti e intellettuali. Le sale finali riuniscono infine opere di quegli artisti inclusi nella mostra sul collage e nelle diverse esposizioni dedicate al Surrealismo, tra cui Kernn-Larsen, André Masson, Reuben Mednikoff, Wolfgang Paalen, Grace Pailthorpe, Man Ray, Tanguy e John Tunnard.

 

La mostra vuole inoltre essere un omaggio all’amore che legò Peggy Guggenheim all’Inghilterra, che sempre considerò propria patria spirituale e con cui mantenne numerosi legami. In un’intervista del 1976, riflettendo sulla propria vita, dichiarò: “Sono innamorata di Venezia da cinquant’anni. Se non vivessi qui, vivrei nella campagna inglese”.

 

Peggy Guggenheim a Londra. Nascita di una collezionista, 25.04. – 19.10.2026, Collezione Peggy Guggenheim. Ph. Matteo De Fina

Peggy Guggenheim a Londra. Nascita di una collezionista è accompagnata da un ricco catalogo illustrato, edito da Collezione Peggy Guggenheim e distribuito da Marsilio Arte, che include nuovi saggi critici di numerosi studiosi e storici dell’arte.

  Completa l’esposizione un articolato programma di attività collaterali gratuite, volte ad approfondire e interpretare il percorso espositivo, realizzate grazie alla Fondazione Araldi Guinetti, Vaduz.

  Dopo la tappa veneziana, Peggy Guggenheim a Londra. Nascita di una collezionista sarà presentata alla Royal Academy of Arts di Londra dal 21 novembre 2026 al 14 marzo 2027, rafforzando il dialogo internazionale attorno a una figura centrale della storia dell’arte del XX secolo e al contesto che ne ha segnato la formazione, e al Guggenheim New York dal 16 aprile al 12 settembre, 2027.

  A Venezia la mostra è resa possibile grazie al generoso sostegno di The KHR McNeely Family Foundation, Kevin, Rosemary e Hannah Rose McNeely.

Niloufar Emamifar alla Kunsthalle di Zurigo

 

foto di Gina Folli

Preso la Kunsthalle Zürich è in corso "Offcut" la prima mostra personale istituzionale di Niloufar Emamifar in Svizzera. Sviluppata in loco, la mostra è concepita come una sintassi spaziale articolata attraverso l'indeterminatezza di scala, prossimità e durata.

La mostra è incentrata su un intervento architettonico che innalza di alcuni centimetri il pavimento della Kunsthalle Zürich. Rifinito con una superficie elastica nera, come quella solitamente utilizzata dal Balletto di Zurigo, questo piano rialzato funge sia da elemento autonomo che da ricalibrazione spaziale attraverso cui si sviluppa una serie di nuove opere.

A cura di Fanny Hauser.

La mostra di Niloufar Emamifar è resa possibile grazie al sostegno di SüdKulturFonds.

Un ringraziamento speciale a Otto Bonnen, Fredi Fischli, Gina Folly, Janis Frank, Seline Fülscher, David Ganzoni, Jacqueline Granwehr, Mike Guyer, Salome Hohl, Sara Izzo, Lily Koper, Moritz Lehner, Shehrazade Mahassini, Julia Mangisch, Christina Maria Mayer, Beat Marti, Monika Milakovic, Tine Milz, Niels Olsen, Attila Panczel, Alex Ritter, Aoife Rosenmeyer, Andrina Roth, Rose Schuller, Sabeth Tödtli, Laura Vuille, Florian Wagner, Judith Welter, Michael Zimmermann e Jörg Zielinski.

foto di Gina Folli

Niloufar Emamifar è un'artista che vive e lavora a New York. Le sue opere sono state esposte presso istituzioni quali la Künstlerhaus Stuttgart (2023); il Kunstverein Kevin, Vienna (2023); il MoMA PS1, New York (2022); la Renaissance Society, Chicago (2022); lo SculptureCenter, New York (2021); l'Hammer Museum, Los Angeles (2021); il Museum of Fine Arts, Houston (2020); Human Resources, Los Angeles (2019); Los Angeles Contemporary Exhibitions (2017); e la Biennale di Architettura di Venezia (2016). La sua mostra personale più recente è stata Disjecta presso Progetto, Lecce, Italia (2025). Ha partecipato a programmi tra cui il Whitney Independent Study Program; la Capp Street Fellowship presso il Wattis Institute, San Francisco; il Core Residency Program presso il Museum of Fine Arts, Houston; la Amant Foundation, New York; e il London College of Communication. Emamifar ha conseguito una laurea in Architettura presso la Soore School of Architecture di Teheran, in Iran, e un master in Arti Visive presso l'Università della California, Irvine.

Biennale di Venezia 2026

 

Per la Biennale di Venezia, che prenderà avvio fra poco, come sempre vi segnalo il mio blog speciale  https://biennalediveneziaarte.blogspot.com/  che da anni segue questo importante evento culturale. 

Sono oramai oltre 25 anni che frequesto questo momento di riflessione unico sull'arte contemporanea che quest'anno è caratterizzato da un tentativo di spaziare per le forme meno commercializzate, anche se poi si nota che alla fine il mercato arriva oramai ovunque e tanti di questi artisti dai nomi esotici vivono nelle capitali economiche dove potersi promuovere al meglio. 

GAM Torino alla quarta risonanza

 

Con la QUARTA RISONANZA la GAM di Torino prosegue il suo percorso di indagine sui linguaggi dell’arte, esplorando i temi del disegno, del segno e del tratto, forme essenziali della ricerca attraverso cui ogni artista, in modo autentico, annota visioni ed elabora studi. La carta diventa il materiale privilegiato di queste pratiche, configurandosi come uno spazio sperimentale in cui è possibile esercitare piena libertà espressiva. In questo contesto, segno e tratto si caricano di un valore immediato e spontaneo, restituendo la dimensione più diretta e vitale del gesto artistico.

In questo quadro si inseriscono la mostra Un altro Novecento. Opere su carta dalle collezioni della GAM, che riunisce per la prima volta le opere del Novecento su carta presenti in Collezione. All’interno della mostra troviamo l’Intruso di questa Risonanza, l’artista romano Pesce Khete. Utilizzando il supporto cartaceo e un insieme di tecniche tra disegno e pittura, si porrà in dialogo con i fondi grafici del museo. Il segno graffiato che diventa disegno nella ricerca di Vincenzo Agnetti sarà presentato nella mostra Oggi è un secolo dedicata al centenario della nascita e alla sua ricerca sperimentale sul mezzo fotografico. Infine, negli spazi della Collezione si sviluppa il progetto Lisetta Carmi. Erotismo e autoritarismo a Staglieno che raccoglie 15 fotografie entrate a far parte della Collezione grazie all’aggiudicazione del bando Strategia Fotografia 2025.

 

 

UN ALTRO NOVECENTO

OPERE SU CARTA DALLE COLLEZIONI DELLA GAM

mostra a cura di Fabio Cafagna ed Elena Volpato

GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino

21 maggio – 1° novembre 2026

 

La GAM di Torino, nell'ambito della QUARTA RISONANZA, dedica un’ampia esposizione alle proprie raccolte di opere su carta del Novecento, presentandole per la prima volta in un percorso espositivo unitario che prende le mosse dai primi anni del secolo e dalle temperie della Secessione per giungere alle opere della generazione artistica degli anni novanta.

La selezione, a cura di Fabio Cafagna ed Elena Volpato, comprende oltre 600 disegni, acquerelli, incisioni, stampe e dipinti su carta – molti dei quali acquisiti grazie al sostegno della Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris e della Fondazione Arte CRT – per restituire un diverso aspetto del secolo passato, offrendo al pubblico la possibilità di entrare in contatto con il più libero e il più intimo laboratorio degli artisti.

  

VINCENZO AGNETTI

OGGI È UN SECOLO

mostra a cura di Chiara Bertola con Virginia Lupo

 

GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino

21 maggio – 1° novembre 2026

La GAM di Torino presenta Vincenzo Agnetti. Oggi è un secolo, una mostra a cura di Chiara Bertola con Virginia Lupo, realizzata nell’ambito della QUARTA RISONANZA in collaborazione con l’Archivio Vincenzo Agnetti, per celebrare il centenario della nascita dell’artista, tra le figure più rilevanti dell’arte concettuale italiana del secondo Novecento.

Il progetto espositivo, che si sviluppa nello spazio accanto alla Videoteca, prende avvio dall’opera Photo-graffia (1980), appartenente alla Collezione della GAM e acquisita nel 2024 grazie alla Fondazione Arte CRT. A partire da quest’opera della Collezione, la mostra raccoglie una selezione di lavori legati alla sperimentazione dell’artista sul mezzo fotografico, realizzate tra gli anni Settanta e Ottanta.

  

LISETTA CARMI

EROTISMO E AUTORITARISMO A STAGLIENO

mostra a cura di Elena Volpato

 

GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino

21 maggio – 1° novembre 2026

La mostra a cura di Elena Volpato presenta l’ingresso di un corpus di fotografie di Lisetta Carmi nella collezione della GAM, nell’ambito del progetto sostenuto da Strategia Fotografia 2025, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Le opere acquisite, tratte dalla serie Erotismo e autoritarismo a Staglieno, del 1966-76, saranno esposte in dialogo con quattro sculture della collezione GAM, scelte dalla raccolta di statuaria del secondo Ottocento e di primo Novecento.

 

L’INTRUSO. PESCE KHETE

a cura di Fabio Cafagna ed Elena Volpato

 

GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino

21 maggio – 1° novembre 2026

La GAM è felice di annunciare il progetto di Pesce Khete come Intruso della QUARTA RISONANZA.

L’artista è stato invitato a inserirsi con le proprie opere nelle sale della mostra Un altro Novecento. Opere su carta delle collezioni della GAM istituendo dei dialoghi inediti tra il suo lavoro e quello di alcune figure principali del Novecento come Alberto Savinio, Luigi Spazzapan e Lucio Fontana.

Tra gli artisti italiani della sua generazione Pesce Khete è colui che ha scelto la carta come suo supporto elettivo, trovando nella fisicità del foglio la possibilità d’inattese “cuciture” di nastro adesivo e insieme l’eccedenza del bianco come silenzio, da rispettare o da infrangere.

  

50 PS1

 Quest'anno per festeggiare i 50 anni di attività l'ingresso al MoMA PS1 è gratuito, eliminando le barriere economiche all'accesso per i prossimi tre anni. Questo è reso possibile da una donazione dell'imprenditrice creativa Sonya Yu, l'estensione del programma di ingresso gratuito per i newyorkesi a tutti i visitatori renderà il PS1 il più grande museo gratuito di New York. Questa iniziativa viene lanciata in occasione del 50° anniversario del MoMA PS1 nel 2026 e offre a tutti i visitatori l'ingresso gratuito ai programmi più importanti, tra cui Greater New York , che aprirà il 16 aprile 2026.

“Per cinquant'anni, il MoMA PS1 ha reso le opere degli artisti viventi rilevanti e accessibili”, ha dichiarato Connie Butler, direttrice titolare della cattedra Agnes Gund. “Sono profondamente grata per il sostegno trasformativo di Sonya Yu, che renderà possibile a tutti l'accesso gratuito alla nostra oasi di arte e cultura contemporanea qui nel Queens. Grazie alla straordinaria donazione di Sonya, potremo invitare ancora più newyorkesi e visitatori da tutto il mondo a partecipare al nostro programma.” 

“Ho sempre creduto che costruire comunità creative autentiche sia una potente forza di cambiamento sociale”, ha affermato Sonya Yu. “Ecco perché sostenere il MoMA PS1 è così importante per me. Sotto la guida di Connie Butler, l'impegno del PS1 nella creazione di comunità autentiche e nell'ampliamento dell'accesso è un fulgido esempio di come le istituzioni possano costruire ponti e promuovere una vera inclusione. Come orgogliosa immigrata cinese e madre, ho visto in prima persona come l'accesso all'arte possa plasmare direttamente l'immaginazione e cambiare le prospettive. Spero che questo contributo aiuti a ispirare le nuove generazioni a riconoscersi nell'arte e a sperimentarne l'incredibile potere al PS1.”

L'ingresso gratuito amplia le recenti iniziative del museo volte a migliorare l'accessibilità, tra cui i servizi linguistici in inglese, spagnolo e cinese, i biglietti gratuiti per gli eventi riservati ai residenti di Long Island City e il rafforzamento delle collaborazioni con le organizzazioni locali. Oltre alla mostra "Greater New York" , i visitatori potranno accedere gratuitamente a tutte le mostre e i programmi in programma per il 50° anniversario.

San Francesco santità contemporanea

Molto interessante la mostra "Vita minore. San Francesco e la santità dell'arte contemporanea"  proposta presso il Palazzo Collicola a Spoleto. L'esposizione è curata da Gianni e Giuseppe Garrera che propongono una lettura inedita del pensiero francescano attraverso le opere di artisti contemporanei. 



CS

"Vita minore. San Francesco e la santità dell’arte contemporanea" è il titolo della mostra collettiva realizzata in occasione dell’ottavo centenario della morte di San Francesco d’Assisi. A cura di Gianni e Giuseppe Garrera, il progetto propone una rilettura in chiave contemporanea della figura del Santo, profondamente legato al territorio umbro e spoletino: Francesco scelse infatti Monteluco, la montagna che s’innalza di fronte a Spoleto, come luogo di preghiera e contemplazione e, secondo la tradizione, pronunciò la celebre frase «Nihil jucundius vidi valle mea spoletana» – «Non vidi mai nulla di più gioioso della mia valle spoletana» – che ancora oggi testimonia il suo rapporto privilegiato con il contesto.

La mostra, allestita al piano terra di Palazzo Collicola, ripercorre l’esempio radicale e impraticabile di San Francesco – dell’avventura e della parabola del Santo – attraverso frammenti luminosi rintracciabili in opere d’arte contemporanea. Immaginando l’impossibilità di fatto di poter avere un contatto diretto con San Francesco, se ne rinvengono solo le schegge, come di un vaso infranto e da ricomporre, incastonate in momenti speciali e autentici della ricerca contemporanea. Il percorso espositivo, concepito come uno scambio di segni tra memoria storica e sensibilità contemporanea, si fonda su prestiti dalle collezioni private dei curatori, frutto di attenta raccolta e selezione nel corso degli ultimi vent’anni, arricchita da prestiti nazionali e internazionali e da opere site-specific realizzate per gli spazi storici del palazzo.

La mostra, a partire dal concetto di “minorità”, intesa come sfida alla società e rifiuto di tutti i suoi principi per "farsi minori" e mettersi al servizio del prossimo, tenta di evocare e reinterpretare i valori fondamentali di San Francesco – povertà assoluta, farsi minori, corporeità e nudità, abdicazione dell’umano di fronte agli animali, amore per le creature – non attraverso immagini della tradizione, ma mediante l’“esempio” di pratiche artistiche contemporanee articolate in sezioni dedicate ai diversi temi: la presenza esclusiva del Vangelo; la condanna radicale di ogni aspetto della ricchezza; il linguaggio come strumento di controllo e potere da demolire; la sottomissione alla natura e al creato fino alla gloria della fraternità con la morte. Il percorso si sofferma, inoltre, con particolare dedizione, sulla santità attiva, fondata dai miracoli, e sul privilegio femminile, con riferimenti a Santa Chiara e alla clausura come scelta di introspezione e resistenza.

Le foto sono di Giuliano Vaccai  

Artisti storicizzati come Alberto Burri, Gino De Dominicis, Jimmie Durham, Leoncillo, Yoko Ono, Giulio Paolini, Salvo, Anna Torelli, insieme ad altri di generazioni successive come Luca Bertolo, Antonio Del Donno, Matteo Fato, Flavio Favelli, Cesare Pietroiusti, Tomas Saraceno, Luca Vitone, per citarne solo alcuni, offrono al visitatore interpretazioni inedite e suggestive del pensiero francescano, trasformando Palazzo Collicola in uno spazio in cui la storia dialoga con il contemporaneo.

Ogni sala diventa così luogo di esercizio spirituale, di meditazione, contemplazione e stupore, dove l’eredità estetica di San Francesco si intreccia con la sensibilità artistica contemporanea, offrendo un’esperienza che rinnova la percezione del sacro e del vivere nel mondo contro il mondo stesso.

"Vita minore. San Francesco e la santità dell’arte contemporanea" include opere, documenti e testi di: Vincenzo Accame, Mirella Bentivoglio, Luca Bertolo, Alain Bornain, Paolo Bufalini, Alberto Burri, John Cage, Cristina Campo, Ugo Carrega, Gea Casolaro, Ugo Celada da Virgilio, Laura Cingolani, Claudio Costa, Gino De Dominicis, Antonio Del Donno, Jimmie Durham, Matteo Fato, Flavio Favelli, Albino Galvano, Alessandro Gamba, Augusto Garau, Fabio Giorgi Alberti, Marco Giovenale, Francesco Gioacchini, Elisabetta Gut, Jannis Kounellis, Giovanni Korompay, Fabio Lapiana, Leoncillo, Jochen Lemberg, Carla Lonzi, Claude Maillard, Miltos Manetas, Cristina Maulini, Olivier Messiaen, Elisa Montessori, Elsa Morante, Magdalo Mussio, Maurizio Nannucci, Gualtiero Nativi, Richard Nonas, Giancarlo Norese, Martino Oberto, Yoko Ono, Anna Maria Ortese, Giulio Paolini, Pier Paolo Pasolini, Luca Maria Patella, Cesare Pietroiusti, Lamberto Pignotti, Juha-Matti Pitkanen, Fabrizio Prevedello, Giustina Prestento, Giuseppe Pulvirenti, Domenico Purificato, Antonietta Raphäel Mafai, Mauro Reggiani, Max Renkel, Salvo, Tomas Saraceno, Alba Savoi, Greta Schödl, Augusto Strindberg, Alfonso Talotta, Michele Tocca, Mario Tozzi, Luca Trevisani, Luca Vitone, Alberto Ziveri. 

La mostra "Vita minore. San Francesco e la santità dell’arte contemporanea" è realizzata con il patrocinio dell’Assemblea legislativa della Regione Umbria, il contributo del Consorzio BIM, della Fondazione Cassa di Risparmio di Spoleto e dell'associazione Amici di Palazzo Collicola.

Il Sodoma, allegorie di bellezza

 Le belle giornate primaverili invogliano a scoprire la preziosa e molto ben curata mostra su Giovanni Antonio Bazzi, detto il Sodoma, alla Fondazione Accorsi-Ometto di Torino, in via Po, che si apre con la stupenda figura dell' "Ecce Homo", uno sguardo intenso che ci interroga e annuncia un'immersione in antichi tempi di fede e bellezza.

Il percorso della ricercata esposizione inizia all'interno della Bottega di Giovanni Martino Spanzotti tra Casale e Vercelli dove il Sodoma avvia la sua esperienza artistica.

Seguono una serie di lavori della scuola dello Spanzotti tra cui è presente quella che probabilmente la prima opera giovanile del Sodoma una "Sacra Famiglia con San Giovanni Battista e un angelo" datato probabilmente fra il 1495 e il 1496.

Si prosegue così per le città che hanno visto nel tempo la presenza dell'artista, disegnando un percorso che dalla bottega dello  Spanzotti, va a Milano, dove rimarrà sicuramente influenzato dal grande maestro Leonardo da Vinci, spostandosi poi per realizzare  i cicli di affreschi in Sant'Anna in Camprena (1503-1504) e nel chiostro di Monteoliveto (1505-1508), fino alle opere romane realizzate grazie alla committenza di Agostino Chigi. 

Un'immersione di eleganti opere che conquistano come il bellissimo "Cristo in pietà sorretto da quattro angeli" che il Giovanni Antonio Bazzi, detto il Sodoma, realizza intorno al 1500 e ora giunto in mostra dalla Venerabile Arciconfraternita di Santa Maria dell'Orto, a Roma. Un'opera dall'intenso patos emotivo realizzata con una stupenda raffinatezza. 

La mostra, realizzata in sette sezioni, è stata curata da Serena D'Italia, Luca Mana e Vittorio Natale, con un comitato scientifico composto da Roberto Bartalini, Francesco Frangi ed Edoardo Villata, guarda alla produzione iniziale del pittore, dalla quale emerge l'elaborazione delle diverse esperienze maturate dall'artista che gli hanno permesso di sviluppare un linguaggio del tutto personale.

Nel complesso sono presenti oltre cinquanta opere, un'occasione speciale per vedere alcune inedite o mai esposte, provenienti da prestigiose collezioni private e importanti istituzioni pubbliche, come l'Accademia Carrara di Bergamo;  il Musée Jacquemart-André di Parigi; i Musei Vaticani e la Pinacoteca Capitolina di Roma; la Collezione Chigi Saracini e tanti altri. 
Vi consiglio di seguire il sito e i social del museo che propongono per quest'esposizione una bella carrellata di eventi collaterali, dalle visite guidate a occasioni di approfondimento sulle tecniche e sulle opere, ma anche momenti conviviali e musicali.

INFORMAZIONI PER IL PUBBLICO
Giovanni Antonio Bazzi detto il Sodoma
Fino al 6 Settembre  2026
MUSEO DI ARTI DECORATIVE ACCORSI-OMETTO
Via Po 55 | Torino  
fondazioneaccorsi-ometto.it
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ORARI
Martedì, mercoledì e venerdì 10-18 │ Giovedì 10-20
Sabato, domenica e festivi 10-19
La biglietteria chiude mezz’ora prima. Lunedì chiuso
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TARIFFE
BIGLIETTO UNICO (comprensivo di ingresso al Museo):
intero € 14,00; ridotto € 12,00 (dai 19 ai 26 anni; over 65)
RIDOTTO € 10,00: dagli 11 ai 18 anni; convenzioni
RIDOTTO € 6,00: insegnanti
GRATUITO: fino a 10 anni; possessori Abbonamento Musei e Torino + Piemonte
card; possessori tessera ICOM; persone con disabilità + 1 accompagnatore; giornalisti
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Etel Adnan

"Au coeur du silent", Galerie Lelong, 19 marzo - 7 maggio 2026 © Nicolas Brasseur

La galleria Lelong propone una mostra sull'artista Etel Adnan, che si avviò già all' iniziò al disegno, quando era in California nell'autunno del 1959 su piccoli ritagli di carta, utilizzando pastelli e matite colorate avanzati. La sua amica Ann O'Hanlon, collega e insegnante d'arte al Dominican College di San Rafael, le aveva praticamente imposto di dedicarsi al disegno se voleva continuare a insegnare estetica. Quando vide i primi risultati, Ann ne fu piena di ammirazione e disse a Etel che in fondo non aveva più nulla da insegnarle e che poteva intraprendere una carriera artistica.

Per 60 anni, Etel Adnan ha continuato a lavorare su carta. Utilizzando inchiostro di china, matite, pastelli a olio, acquerelli e guazzo, ha sperimentato numerose tecniche, applicandole a fogli bianchi o colorati, leporelli e persino carte asiatiche. Montagne, naturalmente, ma anche astrazioni cosmiche, ciotole di frutta, fiori, orizzonti, collage geometrici... I soggetti abbondano in questa parte essenziale del suo lavoro, che è stata esposta relativamente poco, in particolare le opere realizzate durante il suo primo soggiorno in America.

Nella mostra sono inclusi anche due arazzi, poiché è importante ricordare che furono realizzati da artigiani sulla base di un "cartone" prodotto su carta dall'artista in preparazione alla tessitura.

Per celebrare il centenario della nascita di Etel Adnan lo scorso anno, la Galerie Lelong di New York ha organizzato la prima retrospettiva della sua opera su carta negli Stati Uniti. Questa nuova mostra a Parigi offre ai visitatori la possibilità di scoprire alcune opere mai esposte prima.

"Au coeur du silent", Galerie Lelong, 19 marzo - 7 maggio 2026 © Nicolas Brasseur

L'artista, poetessa e saggista libanese-americana Etel Adnan è nata a Beirut nel 1925. Da documenta13 nel 2012, la sua opera pittorica ha ottenuto riconoscimenti internazionali. Le opere di Etel Adnan sono presenti in numerose collezioni, tra cui il MNAM – Centre Pompidou, Parigi; Mathaf, Doha, Qatar; MoMA, New York; M+, Hong Kong; Royal Jordanian Museum, Amman; MACAM Tunisi; Sursock Museum, Beirut; Institut du monde arabe, Parigi; British Museum, Londra; Tate Gallery, Londra; World Bank Collection, Washington DC; Museo Nazionale delle Donne nelle Arti, Washington DC; SFMOMA, San Francisco; Museo Solomon R. Guggenheim, New York.