Il Salone di Diana a Versailles

 

Tempi di vacanze, chissà quanti andranno a visitare la meravigliosa Reggia di Versailles, allora eccovi questo bel documentario sul restauro del Salone di Diana.

Questa nuova fase dei lavori mette in risalto le straordinarie decorazioni della parte inferiore del salone: ​​i marmi, le dorature, le porte monumentali – ogni elemento è oggetto di un meticoloso restauro. Marmisti, doratori, carpentieri e restauratori uniscono le loro competenze per restituire tutto lo splendore a una delle sale più belle della Reggia di Versailles.

Il restauro del Salone di Diana è stato reso possibile grazie al mecenatismo di Dior e degli Amici Americani di Versailles, con il supporto della Société des Amis de Versailles.

Dal Melograno a Picasso alla Fondazione Rovati

 

La Fondazione Luigi Rovati prosegue il suo ricercato programma di mostra con "Storia di un gesto. Il mito di Meleagro dall’arte classica a Warburg, a Picasso" esposizione curata da Salvatore Settis.

Fulcro dell’esposizione è la prima presentazione al pubblico della fronte di un sarcofago romano databile al 170–180 d.C., raffigurante la Morte di Meleagro e altri episodi del mito. Proveniente da Firenze, dove appartenne per secoli alle collezioni di Palazzo Montalvo, e successivamente entrato nella collezione Brenta-Torno a Milano, il rilievo è noto quasi esclusivamente agli specialisti. L’opera si inserisce in una ristretta serie di sarcofagi dedicati al mito di Meleagro, articolati in sequenze narrative che comprendono la caccia al cinghiale di Calidone, il conflitto con gli zii e la tragica morte dell’eroe, causata dalla madre Altea. Tra gli esemplari noti, il sarcofago Brenta-Torno si distingue per qualità formale e per la data precoce del reimpiego medievale.

Nella mostra sono esposti anche i due rilievi laterali originali, oggi conservati al Museo Archeologico Nazionale di Firenze, proponendone per la prima volta il confronto diretto con la fronte principale. Questa ricomposizione consente di verificare l’unità originaria del monumento e di comprenderne appieno la costruzione narrativa. Un ulteriore elemento di rilievo è lo studio dell’iscrizione del XIII secolo, che attesta il riutilizzo medievale del sarcofago e ne consente una più precisa contestualizzazione storica.

Accanto alla dimensione archeologica, la mostra sviluppa una riflessione sulla “biografia” di un gesto: una figura, generalmente femminile, che irrompe nella scena con le braccia protese all’indietro, espressione codificata di disperazione. Nato in età romana e attestato in un vaso d’argento da Pompei, esposto in mostra e proveniente dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli, questo gesto scompare per oltre un millennio, per riemergere improvvisamente nel XIII secolo.

La sua ricomparsa è documentata in opere fondamentali della storia dell’arte, dalla Strage degli Innocenti di Nicola Pisano alla Lamentazione di Giotto nella Cappella degli Scrovegni, fino alle reinterpretazioni moderne, tra cui Guernica di Pablo Picasso, documentata in mostra attraverso una selezione di disegni preparatori e il manifesto della storica esposizione milanese del 1953 a Palazzo Reale.

Nel percorso, infine, un riferimento al pensiero di Aby Warburg, che individuò in questo gesto un caso emblematico di trasmissione delle forme espressive dell’antico, sintetizzato nel concetto di Pathosformel. Pur concentrandosi su un riuso più tardo, in un monumento funebre (ca. 1485) attribuito a Giuliano da Sangallo per la Cappella Sassetti in Santa Trinita a Firenze, Warburg fu tra i primi a riconoscere nella figura dolente dei sarcofagi di Meleagro una fonte decisiva per la riattivazione di questo stesso gesto dopo un lungo oblio. Questo passaggio è rappresentato in mostra nelle tre tavole del Bilderatlas Mnemosyne, nella più recente ricostruzione di Axel Heil e Roberto Ohrt.
La mostra Storia di un gesto propone dunque un’indagine che unisce archeologia, storia dell’arte e teoria dell’immagine, offrendo al pubblico una prospettiva inedita sulla continuità e trasformazione dei linguaggi figurativi dall’antichità al contemporaneo.

Frida da artista a icona

Molto interessante la mostra che la Tate Modern dedica all'immagine dell'artista Frida Kahlo, di come sia diventata una delle artiste più influenti di tutti i tempi, un fenomeno culturale e un'icona commerciale riconosciuta a livello internazionale.

La mostra "Frida: La nascita di un'icona"  presenta oltre 30 delle opere più iconiche di Kahlo, che ne svelano le "molteplici identità": la moglie devota, l'intellettuale, l'artista moderna e l'attivista politica. Accanto a preziosi abiti, gioielli, fotografie e cimeli, sono esposte oltre 200 opere dei suoi contemporanei e degli artisti che ha ispirato nelle generazioni successive, a celebrazione del suo duraturo impatto su coloro che continuano a reinterpretare e a riscoprire la sua straordinaria storia.

La mostra culmina con l'esplorazione della "Fridamania". La trasformazione di Kahlo in un marchio globale, rappresentato  attraverso oltre 200 oggetti commerciali che racchiudono la sua arte, la sua immagine, il suo stile e la sua personalità.

Intraprendete un viaggio assolutamente unico nel suo genere, dedicato a questa artista audace e rivoluzionaria, che offre una visione affascinante del potere trasformativo della vita e dell'opera di Frida, dell'intrigante concetto di fandom e della diversità delle comunità che la considerano parte integrante della propria cultura.

Frida: The Making of an Icon è organizzata dal Museum of Fine Arts di Houston, in collaborazione con la Tate Modern. La mostra è realizzata in partnership con il Lead Global Supporter, Bank of America. Con il supporto di John J. Studzinski CBE. Ulteriore supporto da The Dyers' Company. Con il supporto aggiuntivo del Frida: Making of an Icon Supporters Circle e dei membri della Tate.

Prossimamente alla Fondation Louis Vuitton

Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh

Sulla scia delle mostre “Icone dell’arte moderna” , dedicate a importanti collezionisti come Sergei Shchukin, Mikhail e Ivan Morozov e Samuel Courtauld, la Fondation Louis Vuitton prosegue la sua esplorazione delle figure pionieristiche che hanno plasmato la storia dell’arte moderna con una mostra eccezionale: “Gustave Fayet: Collezionista – Artista Designer” , visitabile dal 9 ottobre 2026 all’8 marzo 2027.

Questa importante mostra, che occupa tutti gli spazi della Fondation Louis Vuitton, è suddivisa in due parti e analizza Gustave Fayet sia come collezionista che come artista e designer. Rivela come collezionismo, creazione e impegno artistico fossero profondamente intrecciati nel corso della sua vita e presenta una figura chiave della modernità di fine secolo, a lungo ingiustamente trascurata. 

Una mostra senza precedenti per dimensioni e portata, che riunisce, per la prima volta in un secolo, oltre 255 opere provenienti dalla straordinaria collezione di Gustave Fayet, oggi disperse in tutto il mondo. Queste sono presentate insieme a 375 sue creazioni, la maggior parte delle quali mai esposte prima e appositamente restaurate per l'occasione.

I punti salienti includono 10 dipinti di Vincent van Gogh, 78 opere di Paul Gauguin, 88 opere di Odilon Redon, oltre a dipinti e pastelli di Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard e Henri Matisse.

Frutto di diversi anni di ricerca, la mostra è stata realizzata grazie alla collaborazione di 64 istituzioni internazionali e 71 collezioni private.

Questa presentazione innovativa getta nuova luce su una figura di spicco caduta gradualmente nell'oblio: Gustave Fayet (1865-1925), appassionato collezionista, artista e prolifico designer, nonché instancabile ed eccezionale imprenditore e visionario nel campo delle arti decorative.

Sebbene oggi poco conosciuto, Fayet fu uno dei più influenti sostenitori e pionieri dell'avanguardia del suo tempo, un uomo che svolse un ruolo chiave nel portare l'arte moderna alla ribalta in tutte le sue forme. Fu tra i primi a collezionare opere di Van Gogh, a esporre Picasso e a fondare un "museo" dedicato a Gauguin nella sua casa nel cuore di Parigi, che ospitava una collezione di quasi 200 opere e attirava artisti e importanti collezionisti dell'epoca. In quanto amico intimo e fervente sostenitore di Odilon Redon, Fayet gli offrì l'opportunità di realizzare un monumentale complesso decorativo per la sua abbazia di Fontfroide, nel sud della Francia: un'opera straordinaria rimasta in gran parte sconosciuta per molti anni.

Gustave Fayet non fu solo un collezionista eccezionale, che radunò oltre 740 opere d'arte moderna di grande rilievo (escluse le stampe): nella parte finale della sua vita, fu anche un designer il cui successo lasciò un segno indelebile nelle arti decorative dell'inizio del XX secolo . Pittore, acquerellista, ceramista, arredatore d'interni, disegnatore di tappeti, tessuti e carte da parati, nonché illustratore di libri, rappresentò una generazione la cui vita fu permeata in ogni suo aspetto dall'arte.

Le sue creazioni, esposte nelle gallerie più prestigiose e nelle principali fiere d'arte, attirarono personalità influenti come Paul Poiret, Jacques Doucet e Jeanne Lanvin. Dall'Art Nouveau all'Art Déco, Fayet svolse un ruolo chiave nel plasmare una nuova estetica in cui arte figurativa e arte decorativa si fondevano armoniosamente. Per Fayet, collezionismo e creazione andavano di pari passo.

Questa prima grande mostra internazionale dedicata a questa figura singolare e, per molti versi, pionieristica, rivela un mondo ricco e multiforme e apre un nuovo capitolo nella storia delle arti moderne e decorative dei primi del Novecento .

Questo ambizioso progetto riunisce un totale di 767 opere e documenti, presentati nelle due sezioni della mostra.

I.                   Gustave Fayet: La collezione in mostra su tre piani della Fondation Louis Vuitton

Più di 250 opere di artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Odilon Redon, Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard e Henri Matisse.

Esempi di opere esposte in Francia per la prima volta.

Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh

Uno dei momenti salienti di questa mostra è il ritorno in Francia dell'Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh , che non veniva esposto in Francia dal 1937 e non era stato prestato per una mostra dal 1990. Dipinto all'indomani della drammatica rottura tra Paul Gauguin e Vincent van Gogh, quest'opera profondamente toccante ritrae un artista ferito ma determinato a continuare a dipingere. Viene presentato insieme all'Autoritratto con tavolozza di Paul Gauguin , mettendo a confronto due visioni radicalmente diverse dell'artista moderno in un dialogo senza precedenti.

Il Cristo Giallo, Autoritratto con il Cristo Giallo e Le Calvaire Breton: tre capolavori di Gauguin

La mostra riunisce Il Cristo Giallo (1889, Buffalo AKG Art Museum), Autoritratto con il Cristo Giallo (1890-1891, Musée d'Orsay, Parigi) e Il Calvario Bretone (1899, Musées royaux des Beaux Arts de Belgique, Bruxelles), opere che un tempo appartenevano a Gustave Fayet e ai suoi stretti collaboratori George Daniel de Monfreid e Maurice Fabre.

Tre dipinti e tre collezionisti del sud della Francia, uniti dalla comune passione per Gauguin, si ritrovano in una costellazione unica incentrata sull'autoritratto, a testimonianza del ruolo decisivo che Fayet ha svolto nel promuovere la notorietà dell'artista.

Giorno, Notte e Silenzio : uno straordinario insieme decorativo di Odilon Redon

Un altro punto culminante della mostra è la presentazione dei pannelli decorativi che Odilon Redon creò per la biblioteca dell'abbazia cistercense di Fontfroide, che Fayet acquistò nel 1908 con l'intento di restaurarla e trasformarla in una "opera d'arte totale". I pannelli sono tuttora conservati con cura in quel luogo.

Per la prima volta, Giorno, Notte e Silenzio – vere e proprie espressioni della visione artistica di Redon – vengono svelati al grande pubblico. Per Fayet, l'opera e l'amicizia con il pittore simbolista hanno contribuito ad aprire la strada a una concezione suggestiva e spirituale dell'arte che ha nutrito profondamente la sua pratica creativa.

II.                Gustave Fayet, l'artista-designer: un mondo ricco e variegato, un'eredità restaurata e svelata all'ultimo piano della Fondazione.

Una ricca collezione di opere riunite per la prima volta: 55 ceramiche, 20 disegni, 90 disegni su carta assorbente ad acquerello, 15 dipinti, pastelli e guazzo e 18 libri illustrati, tra cui le 72 tavole create ispirandosi a Mireille, il poema provenzale di Frédéric Mistral, e il suo ultimo album, Fleurs .

La seconda parte della mostra adotta un approccio altrettanto innovativo, esplorando le molteplici sfaccettature di un designer e imprenditore la cui variegata opera sfida ogni categorizzazione. Pittore paesaggista, trovò nella diversità dell'Art Nouveau e dell'Art Déco un vasto campo di sperimentazione che alimentò la sua insaziabile curiosità. Nel corso degli anni, si affermò come designer, immergendosi in ogni aspetto delle arti decorative – come ceramista, decoratore e disegnatore di tappeti, tessuti, carte da parati e libri illustrati – fondando al contempo una casa di moda. Questa straordinaria versatilità evoca l'aspetto del "touchatouismo" (tuttofare) descritto da Jean Cocteau.

A lungo inaccessibili, disperse o dimenticate, le sue creazioni vengono qui riunite per la prima volta. Esse rivelano una visione creativa vibrante e decisamente moderna, dove colore, motivi e innovazione dialogano con i principali movimenti artistici del suo tempo, gettando luce su un capitolo essenziale ma spesso trascurato della storia delle arti decorative.

Radicato nel movimento simbolista di fine Ottocento , Fayet ha svolto un ruolo chiave nella ridefinizione degli interni moderni durante i ruggenti anni Venti attraverso iniziative come Maison Della e l'Atelier de la Dauphine. Attraverso le commissioni per le vetrate di Richard Burgsthal all'Abbazia di Fontfroide, così come i suoi progetti per le residenze Igny, La Dragonne e Costebrune, Fayet ha coltivato un gusto per la fantasia che ha avuto un effetto addolcente sulla sobria geometria del design degli anni Venti. È particolarmente caratterizzato dal suo straordinario vocabolario floreale, inizialmente abbozzato su carta assorbente e successivamente trasformato in tessuti, carte da parati e tappeti.

La ceramica e la collaborazione con Louis Paul

Nel 1896, Gustave Fayet avviò la sua prima attività nel campo delle arti decorative. Insieme al pittore e scultore Louis Paul (1858-1922), ex allievo di Rodin, fondò un laboratorio di ceramica a Béziers. Entro il 1904, il laboratorio aveva prodotto più di cento pezzi in ceramica, molti dei quali furono esposti alla galleria di Siegfried Bing a Parigi nel giugno del 1898.

Acquerelli su carta assorbente

Intorno al 1912, dopo una pausa di quasi un decennio, Gustave Fayet tornò a dipingere. Come artista, subì una profonda trasformazione. L'estetica rigorosamente controllata dei suoi primi paesaggi della Linguadoca lasciò il posto a strane forme abbozzate ad acquerello su carta assorbente, dove i fiori sembravano emergere da un mondo astratto e indeterminato. Queste opere divennero presto il suo segno distintivo e in seguito apparvero su carta da parati, tessuti e tappeti.

I tappeti disegnati per l'Atelier de la Dauphine

Nel 1920, Gustave Fayet fondò a Parigi l'Atelier de la Dauphine per trasformare i disegni delle sue "carte assorbenti" in tappeti. Caratterizzati da motivi botanici privi di ornamenti geometrici, i suoi tappeti riscossero un successo immediato, attirando commissioni da clienti come Jeanne Lanvin, Jacques Doucet e Léon Losseau. Concepiti come dipinti, i tappeti di Fayet furono esposti al Salon d'Automne, al Pavillon de Marsan del Louvre e all'Esposizione Internazionale di Arti Decorative e Industriali Moderne del 1925.

Restauri importanti: arazzi, diagrammi preparatori, abiti

In concomitanza con la mostra, la Fondation Louis Vuitton ha intrapreso importanti progetti di restauro, tra cui i tappeti creati per la Maison Léon Losseau di Mons (Belgio) – un capolavoro dell'Art Nouveau – e una serie di disegni preparatori, che rivelano un aspetto straordinario del processo produttivo di Fayet. Sono stati inoltre ricostruiti e restaurati una decina di abiti, ispirati ai suoi legami con Paul Poiret, Jacques Doucet e Jeanne Lanvin. 

Con la mostra “Gustave Fayet, Collezionista – Artista Designer”, la Fondation Louis Vuitton riporta alla luce un capitolo dimenticato della storia dell'arte moderna e delle arti decorative: l'affascinante mondo di un uomo la cui intera vita sembra essere stata guidata dalle parole del suo amico André Suarès: “Ha fatto tutto con l'arte”.

Curatela, allestimento di mostre, pubblicazioni e programmazione correlata.

Sylvie Patry, “conservatrice générale du Patrimoine” (Conservatrice generale del patrimonio) e specialista di fama internazionale nell'arte di fine Ottocento e inizio Novecento , è la curatrice principale della mostra e si occupa del catalogo dedicato alla collezione di Gustave Fayet. Angeline Scherf, curatrice presso la Fondation Louis Vuitton, è responsabile della sezione dedicata a Fayet come stilista e del relativo catalogo.

Per valorizzare questo straordinario universo – composto da oltre 767 opere e materiali d'archivio presentati in 28 sezioni all'interno delle gallerie – la Fondation Louis Vuitton ha incaricato Robert Carsen di creare un allestimento espositivo suggestivo e coinvolgente. Attraverso una sottile interazione tra atmosfera, colore e design spaziale, la mostra dà vita ai molteplici mondi di Gustave Fayet: le sue case, le sue collezioni e le sue attività creative. Snodandosi attraverso una sequenza di ambienti distinti, esplora le diverse identità di Fayet – collezionista, mecenate, designer e imprenditore – rivelando al contempo la coerenza intrinseca della sua visione. Ogni sezione si concentra sull'evocazione piuttosto che sulla ricostruzione, catturando la ricchezza e la diversità del suo mondo.

Due libri, pubblicati in collaborazione con Gallimard, esploreranno le molteplici sfaccettature di Gustave Fayet come collezionista e designer, mentre un database accessibile al pubblico catalogherà circa 740 opere e 100 stampe identificate finora nella sua collezione, evidenziandone la ricchezza e la diversità. Un simposio internazionale darà ulteriore impulso a questo ambizioso progetto di ricerca e la mostra sarà accompagnata da un programma musicale che esplorerà i legami tra Fayet e i compositori del suo tempo.

Fragments and Futures: Contemporary Encounters with Ancient Worlds,

 Natalia Manta, TIME: A Faceless Entity, 2026 (dettaglio). Argilla, glassa, ossidazione dell'oro, catena e viti in metallo, 242 × 130 × 65 cm. Per gentile concessione dell'artista. Foto di Dimitra Tzanou.

Ogni estate, l'isola di Samos offre un incontro con strati di storia. Antichi santuari, resti archeologici e vita insulare contemporanea esistono fianco a fianco, creando un paesaggio dove il passato non è semplicemente conservato ma continuamente sperimentato. In questa stagione, la Fondazione Schwarz invita i visitatori a scoprire Fragments and Futures: Contemporary Encounters with Ancient Worlds, che apre a Art Space Pythagorion il 3 luglio 2026, con una celebrazione ufficiale di inaugurazione sabato 1 agosto.

A cura di Katerina Gregos e ioLi Tzanetaki, la mostra riunisce dodici artisti contemporanei il cui lavoro si impegna con i linguaggi visivi, i resti materiali e le narrazioni mitiche dell'archeologia classica. Attraverso la scultura, la pittura, l’installazione, il cinema, il collage e i media digitali, Framments and Futures esplora come le forme e i manufatti antichi continuino a plasmare la nostra immaginazione culturale, chiedendo al contempo cosa significhi “dissotterrare” il passato di oggi.

La mostra segna anche un importante traguardo: dieci anni del Visual Arts Programme della Fondazione Schwarz sotto la curatela di Katerina Gregos, in collaborazione con ioLi Tzanetaki. Negli ultimi dieci anni, Art Space Pythagorion è diventata una piattaforma distintiva per mostre che collegano la pratica artistica contemporanea con il contesto storico, politico e culturale unico di Samos.

Traendo ispirazione dal ricco patrimonio archeologico dell’isola di Samos, Fragments and Futures considera l’archeologia non come una registrazione fissa della storia ma come un processo attivo di interpretazione. In contrasto con le tradizionali presentazioni dell'antichità classica come canone chiuso di bellezza e ordine, la mostra esamina come le rovine, i frammenti e il materiale continuano a generare nuovi significati, rivelando i modi in cui la storia viene continuamente ricostruita, contestata e reinventata.

Al centro della mostra si trova un fascino per il frammento. Per gli artisti partecipanti, ciò che sopravvive dall'antichità è un punto di partenza per la narrazione e la critica. I frammenti diventano spazi di possibilità, dove l’assenza e l’incompletezza invitano a nuovi modi di comprendere il passato e a immaginare il futuro.

Rivisita anche il mito e il corpo classico attraverso le prospettive contemporanee. Figure e narrazioni familiari vengono reinterpretate attraverso lenti femministe, queer e postcoloniali, mentre le idee ereditate di bellezza e potere vengono messe in discussione e trasformate. Materiali antichi come marmo, argilla e pigmento entrano in dialogo con le tecnologie digitali, tra cui la scansione, la proiezione e la produzione 3D, rivelando sia la continuità che la rottura attraverso millenni.

Molti degli artisti impiegano pratiche basate sulla ricerca che assomigliano molto a quelle degli stessi archeologi, scavando archivi, documenti storici e cultura materiale per scoprire narrazioni trascurate e proporre storie alternative. Il loro lavoro rivolge anche un occhio critico verso il museo, esaminando come le collezioni vengono assemblate, esposte e interpretate, e chiedendo quali storie sono conservate, e le quali rimangono assenti.

La mostra presenta opere di Rosella Biscotti, Navine Dossos, Alexis Fidetzis, Hadjithomas & Joreige, Yiannis Hadjiaslanis, Natalia Manta, Chris Marker, Petros Moris, Panos Profitis, Theopisti Stylianou-Lambert & Alexia Achilleos, Lucia Tallová e Maarten Vanden Eynde. Insieme, esplorano come l’arte contemporanea possa illuminare la rilevantesità duratura dell’archeologia come mezzo per comprendere il presente e immaginare possibili futuri.

Situato su una delle isole storicamente più significative dell'Egeo, Fragments and Futures invita i visitatori a sperimentare l'arte contemporanea in dialogo con il paesaggio da cui emergono molte delle sue domande. Mentre Samos accoglie i visitatori durante tutta l'estate, la mostra offre l'opportunità di riflettere sulle storie che ereditiamo, sulle narrazioni che conserviamo e sul futuro che scegliamo di immaginare.

Frammenti e futures: gli incontri contemporanei con i mondi antichi sono in mostra dal 3 luglio al 30 settembre 2026 a Art Space Pythagorion, Samos, Grecia. 

Lo Spaced Out di Erik Saglia

Presso la Galleria Thomas Brambilla fino al 17 Luglio si svolge la terza mostra personale dell’artista italiano Erik Saglia (1989) intitolata Spaced Out.

In mostra sono esposte sette nuove opere in alluminio verniciato e LED che segnano una decisa evoluzione nel percorso dell’artista. Questi lavori si pongono in diretta continuità con la produzione pittorica precedente, preservando il contenuto formale e l’uso metodico della griglia modernista, già esplorati nella recente serie “Manifesti Satellite”. In questa nuova fase, Saglia non si limita a ribadire il rigore geometrico del passato, ma lo eleva attraverso l'integrazione della luce come materia costruttiva. La griglia, da perimetro organizzativo dell'immagine, si trasforma in un organismo vibrante: i pattern modulari evolvono in dispositivi capaci di irradiare luce e colore, mantenendo un’essenzialità strutturale dove la tecnologia diventa il prolungamento luminoso della forma.

La mostra si ispira al pensiero del filosofo hongkonghese Yuk Hui, il quale, attraverso i concetti di "cosmotecnica" e "tecnodiversità", invita a ripensare la tecnologia come uno strumento libero e poetico, capace di aprire il mondo ad infinite possibilità. Proprio in quest’ottica, il titolo "Spaced Out" evoca una spinta verso l’esterno, uno sconfinamento oltre i limiti della forma e della materia, verso una pluralità di visioni. Rielaborando le teorie di Hui, Saglia trasforma il LED da semplice componente industriale a elemento vitale e dinamico, capace di far “vibrare” la rigidità della griglia modernista e di proporre allo spettatore un orizzonte di infinite possibilità comunicative ispirando e radicandosi nella tradizione artistica novecentesca.

Se da un lato Dan Flavin viene ripreso nella sua capacità di trasformare l’ambiente circostante attraverso l’irradiazione cromatica e l’integrazione della luce all’interno della struttura stratificata dell’opera, dall’altro François Morellet viene evocato attraverso il rigore matematico e analitico, trasformando la griglia in un organismo pulsante e vivo. Tuttavia, il legame più evidente e profondo resta per Saglia il lavoro dell’americano Keith Sonnier che si manifesta in una leggerezza cromatica e formale unica. Il risultato finale del lavoro di Saglia trasforma il LED in un segno grafico dinamico in cui precisione formale ed energia luminosa si fondono in un’esperienza totale esattamente come in Sonnier stesso.

Festival di Verbier

Panoramica del Verbier 3-D Foundation Sculpture Park e n. 1387 Recinzione di Rana Begum (2024). Per gentile concessione di Melody Sky.

 Quest’estate, la Fondazione Verbier 3-D celebra quindici anni di sperimentazione artistica nel dialogo con il paesaggio, l’ecologia, il suono e la cultura contemporanea nelle Alpi. Dalla sua fondazione nel 2011, Verbier 3-D si è evoluto come Museo senza mura: una residenza per artisti, un parco di sculture e una piattaforma culturale in cui artisti, musicisti, poeti, architetti, ingegneri e pensatori ambientali si impegnano direttamente con l'ambiente montano.

La stagione 2026 segna una pietra miliare significativa per la Fondazione e un nuovo capitolo nel suo rapporto con la più ampia vita culturale di Verbier attraverso una serie di collaborazioni con il Festival e l'Accademia di Verbier.

Per la prima volta, Verbier 3-D è stato invitato da Hervé Boissière, Co-Direttore dell'Accademia del Festival di Verbier, a curare l'intervento scultoreo all'ingresso della Salle des Combins. L’opera selezionata, dell’artista svizzero/francese Mireille Fulpius, crea un potente dialogo tra arte contemporanea, architettura e luogo. La sua presenza minimalista risuona fortemente con il linguaggio di design del famoso architetto Kengo Kuma, la cui visione per il futuro centro culturale di Verbier cerca allo stesso modo di dissolvere i confini tra natura, cultura e spazio costruito.

La collaborazione riflette un impegno condiviso per espandere le esperienze culturali oltre i quadri istituzionali tradizionali e nel paesaggio alpino circostante.
 

DOVE INIZIA L'ACQUA

Al centro di questa stagione di anniversario è Where the Water Begins, la grande mostra estiva della Fondazione curata dall’Associate Curator Birta Ólafsdóttir e presentata in collaborazione con Protect Our Winters (POW), il movimento internazionale che mobilita la comunità outdoor per intraprendere azioni positive sui cambiamenti climatici.

Situata nella Val de Bagnes, la mostra esplora il rapporto dell’umanità con l’acqua, la forza essenziale che modella ogni aspetto della vita nelle Alpi. Dall'agricoltura e dal turismo all'energia idroelettrica e al patrimonio culturale, l'acqua proveniente dai ghiacciai sostiene i sistemi ecologici, sociali ed economici della regione. Eppure le proiezioni scientifiche indicano che almeno il 34% del ghiaccio alpino potrebbe scomparire entro il 2050, anche se oggi il riscaldamento globale fosse fermato.

Riunendo artisti che lavorano attraverso la fotografia, la scultura, il suono, la poesia e l'installazione ambientale, la mostra traduce i dati scientifici in esperienza emotiva e consapevolezza ambientale in impegno culturale.

A differenza di una mostra tradizionale, queste opere si incontrano direttamente all’interno del paesaggio stesso. Installate lungo il percorso di montagna tra La Croix de Cœur e Les Ruinettes, le opere d'arte entrano in conversazione con il terreno, i sistemi meteorologici, i ghiacciai e i corsi d'acqua a cui si rivolgono. Attraverso l’intervento artistico, i visitatori sono invitati non solo a osservare il cambiamento ambientale, ma a sentirne l’urgenza.

L'esperienza è ulteriormente approfondita attraverso un paesaggio sonoro immersivo dell'artista sonoro australiano Philip Samartzis, il cui lavoro cattura le frequenze nascoste e le atmosfere mutevoli di ambienti alpini fragili.

La mostra presenta:
● Carmen Campo Real — Poeta in residenza
● Anne-Chantal Pitteloud — Il padiglione dell'acqua
● Ragnar Axelsson
● Ian Van Coller
● Bernard Garo
● Jancsi Hadik
● Tobias Kaspar
● Chloe Dewe Mathews
● Cielo di melodia
● Josephine Vermilye

Passeggiata di Vernissage e Arte Guidata

La mostra si apre con una passeggiata guidata attraverso il Verbier 3-D Sculpture Park e installazioni site-specific recentemente commissionate, culminando in un vernissage al The Water Pavilion, a
nuovo lavoro permanente di Anne-Chantal Pitteloud.

Durante l'apertura, la Poeta in residenza Carmen Campo Real presenterà, per la prima volta, poesie scritte durante la sua residenza a Verbier. Il suo lavoro offre una risposta lirica ai temi della mostra di acqua, memoria, trasformazione e cambiamento ambientale.
 
VERBIER FESTIVAL x VERBIER 3-D
22 luglio | Dal palco al paesaggio: arte, musica e cultura a Verbier


Panoramica del Verbier 3-D Foundation Sculpture Park e Sempervivum di Cannupa Hanska Luger (2025). Per gentile concessione di Melody Sky.
Presentato in collaborazione con il Festival di Verbier, questo evento speciale riflette su come la creazione artistica possa andare oltre i confini istituzionali per creare nuove esperienze ecologiche e interdisciplinari radicate nella natura.

La conversazione riunirà l'artista Mireille Fulpius, il cui lavoro è installato all'ingresso della tenda dell'Accademia del Verbier, insieme ai direttori della Fondazione Verbier 3-D Madeleine Paternot e Kiki Thompson, moderata dal curatore Paul Goodwin.

Ispirata dall'evoluzione del panorama culturale di Verbier, tra cui il design di Kengo Kuma per il futuro centro culturale, la discussione esplorerà come l'arte, la musica, l'architettura e il pensiero ambientale possono intersecare per plasmare il futuro della produzione culturale nelle comunità montane.

L'evento si conclude con una sessione di domande e risposte con studenti del Verbier 3-D Mentors Programme in collaborazione con EDHEA e Vassar College (New York).
 
FONDAZIONE VERBIER 3-D
23 luglio | 15A CELEBRAZIONE DELL'ANNIVERSARIO

Celebrazione: giovedì 23 luglio, 11:00 - 15:00
Le celebrazioni dell'anniversario continuano nel Parco delle Sculture con una giornata dedicata all'arte, alla musica, alla poesia, al tutoraggio e alla comunità.

I punti salienti del programma includono:
● Interventi musicali da parte degli studenti del Festival di Verbier
Academy Lab eseguito in tutto il Parco delle Sculture
● Letture di poesie e performance di Carmen Campo
Reale
● DJ Brunch con NikoBeats e Reverence World
● Cocktail sponsorizzati da Verbier Gin

La celebrazione onora lo spirito che ha definito Verbier 3-D dal 2011: sperimentazione, collaborazione, mentorship e creazione artistica in dialogo diretto con la natura.

Mentre Verbier continua a evolversi come destinazione culturale internazionale, il programma del 15 ° anniversario della Fondazione apre nuove conversazioni tra discipline, generazioni e ambienti, riunendo artisti, musicisti, pensatori e pubblico per immaginare nuovi modi di vivere la cultura in montagna.
 
PROGRAMMAZIONE DELL'ANNIVERSARIO
16 luglio | UNLD Ballade Musicale: Arte en Alpage
Interpretazione di poesia di Verbier 3-D Poeta in-Residence Carmen Campo Real

CARTE BLANCHE AL PALL MALL 67
20 luglio | La poesia come attivismo ambientale
Conversazione con la Poeta in residenza Carmen Campo Real

21 luglio | Due fotografi, una casa di montagna
Come Verbier Ha Plasmato Le Loro Carriere Globali
Una conversazione con i fotografi Melody Sky e Jancsi Hadik che esplorano il ruolo del
Paesaggio alpino nel plasmare la pratica artistica e le prospettive internazionali.

22 luglio | Dal palco al paesaggio: arte, musica e cultura a Verbier

Prossimamente Artissima

 

Artissima Internazionale d’Arte Contemporanea di Torino, unica fiera in Italia in esclusiva all'arte contemporanea, annuncio le gallery che parteerannocip alla trentatreesima edizione diretta per il quinto anno da Luigi Fassi e realizzata con il supporto del Main Partner Intesa Sanpaolo.

Da venerdì 30 ottobre a domenica 1 novembre 2026 gli spazi dell’Oval di Torino accoglieranno le sezioni principali della fiera – Sezione Principale, Nuove Iscrizioni, Monologo/Dialogo e Art Editions – e le sezioni curate – Present Future, Back to the Future e Disegni.

L’edizione 2026 di Artissima vede ettanofia la partecipazione 180 galleria italiane e internazionali, 60di cui presenti 60 progetti di progetto monografici. L’offerta espositiva si disenzione per la capacità delle capacità di progettazione presentazione inediti e,ndo sia vitale giovani talenti si artisti già affermati. Un’ che aderisce perfetta all’identità della fiera e al suo stogene e al suo proiettata verso le più innovative, piattaforma confermandosi di incontro intenso e accelerato con l’arte contemporanea in tutte le sue forme, cometo nel tema di quest’edizione Fancy: A Flexible Acrobatic Body.

Vieni a invito all'interno del tema dell'edizione, la residenza poetessa Laura Accerboni apre il programma di iniziativa di Artissima 2026, cercare le risonanze tra parola e immagine in un aperto dialogo tra e arte vigile. Una si sino gli palazzo progettitria più speciali in calendario, immaginati dalla fiera per arricchire l'esperienza del del pubblico e consolidamento la capacità di Artissima di tessere sistema un sistema di relazioni internazionali e di dialogohi interdisciplinari.

LE GALLERIE

Le gallery a Artissima 20 provinceo26 da 35 Paesi e 4 continenti.
Il panorama internazionale della fiera nel 2026 si distingue per la presenza significativa di galleria dall’Asia — tra cui A+ Opere d’Arte (Kuala Lumpur), IAH e Vohm (Seul), Maki Fine Arts e Side 2 (Tokyo), Rossi & Rossi (Hong Kong), ss spazio spaziale (Taipei) e Vanguard (Shanghai) — e dall’America del Sud e Centrale, come A Gentil Carioca (RiSudafricaStati Uniti

Si conferma una partecipazione di galleria dall’Est Europa, da Francia, Germania,, Regno Portogallo, Spagna, Svizzera, ...

Espongono per la prima volta in fiera 33 galleria.
Nella sezione Nuova Iscrizioni, dedicata alle gallerie emergenti aperte da meno di cinque anni e presenti per la prima volta alla fiera, partecipazione 17 gallery da 4 continenti :

APARTAMENTO (Marsiglia), Aspekty (Varsavia), Biju (Cluj-Napoca), Brugger (Klaus in Vorarlberg), CERAVENTO (Pescara), Clauda (Praga), IAH (Seoul), Kim? Gallery (Riga), Lutnița (Chișinău), Marli Matsumoto (São Paulo), Saskia Neuman (Stoccolma), Night Café (Londra), ORMA (Milano, Sorrento), Andrew Reed (Miami), ss spazio spaziale (New Taipei City), WHOISPOLA (Warsaw), Mandy Zhang Art (Londra).

Scelgono ancora Artissima alcune gallerie di più della categoria di scena italiana e internazionale : Alfonso Artiaco, ChertLüdde, Continua, Raffaella Cortese, Thomas Dane, Cristina Guerra, Sylvia Kouvali, Franco Noero, Öktem Aykut, P420, Gregor Podnar, Lia Rumma, Rossi & Rossi, Sies+Höke, Tucci Russo, Studio Triso

Tornano in fiera Ex Elettrofonica, Tiziana Di Caro, Annet Gelink, Herald St, SIDE2, Janda, Management, Meessen, Federica Schiavo, SMAC...

Sino conferma galleria dalla vocazione di scouting e ricerca, fra cui: Alice Amati, Alma Pearl, ATM, Matèria, MATTA, TINA, Vohm, zazà.

 

IL COMITATO DI SELEZIONE E IL TEAM CURATORIALE
Artissima il conferma il comitato di selezione delle gallerie alle sezioni storiche della fiera — Sezione principale, Monologo/Dialogo, New Entries e Art Editions — composto da galleristi internazionali: Paola Capata (Monitor, Roma, Roma, e Pereto), Philippe Charpentier (mor charpentier, Parigi e Bogotá), Guido Costa Costa (Guido Costa Projects, Torino), Emanuel Layr (LaFrancesco LecciAntoine LeviElsa Ravazzolo Botner

Per le sezioni curate, venati confermati i team di curatori: Léon Kruijswijk (performance Curator al Mudam di 19lus98) e Joel Valabrega (curatrice di Porto e Milano) per Present Future ; Jacopo Crivelli Visconti (direttore della Fondazione Albuquerque di Sintra) e Heike Munder (curatrice indipendente e scrittore di Zurigo) per Zurigo Ritorno al futuro Irina Zucca AlessandrelliDisegni; Irina

FONDO ACQUISIZIONI E PREMI
La Fondazione Arte CRT conferma lo Fondo storico Acquisizioni, per un totale di 300.000 euro, un beneficio delle collezioni della GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna di Torino e del Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea. Nel corso degli anni, grazieacquirie alle attuative in Artissima, la Fondazione ha gruppo una collezione di quasi 1.000 opere di arte contemporanea, tra le più prestigiose a nazionale livello internazionale e, con un investimento superiore complessivo a 43 di euro. Il Comitato Scientifico, in con direttori del Castello di Rivoli e della GAM, seleziona le opere da durata della fiera per l’arrivente il patrimonio di entrambi i musei. Grazie a questo investimento, il Fondo Acquisizioni assumere un ruolo di particolare rilievo, che che abilitazione opere presenti in fiera di fabbrica parte delle collezioni pubbliche di istituzioni museali italiane di eccellenza. Grazie a consolidamento e sinergie a sinergie, la fiera presente anche per edizione à thegiorno il prestigio eto programma dei premi fra i quali: il Premio illy Present Future ; il Premio Diana Bracco - Imprenditrici ad Arte ; il Premio Orlane per l’arte ; il Premio Tosetti Valore per la fotografia; il Premio Opelle – Mediterraneo Antico ; il Premio Pista 500 ; il Premio Matteo Viglietta Premio; Premio Ettore e Ines Fico Artissima New Entries Fund.

LA DIREZIONE DI LUIGI FASSI
Nel corso delle cinque edizioni sotto la sua direzione, e secondo extrapelle una identità, Luigi Fassi ha consolidamento un di lavoro che ha definita Artissima come autorevole spazio di critica sul riflessione contemporanea e parallelamente ne hato la natura di vendita di commercio fiera da late, e di diplomazia culturale e internazionale di costituzione per l’arte contemporanea dall’altro.

Attraverso i temi individui per guida le ultime edizioni si è così delineato un tratto di esplorazione dell’arte di officina una marca di lettura dei identitari e delevoluzione dell’industria della fiera.

Con l’invito a la ricercaera artistica strumento di cultura e personale, Transformative Experience (2022) ha valorizzato la tensione del fiore all’occhiello tra stile tra stile, nodo di chirace un’identità internazionale attrattiva; Relazioni di Cura (2023) ha l ricordato l’importanza della relazione proposta di stampa culturale e politica sporte e politica di capite della camera della faccia della comunità; L’Era di Daydreaming (2024) ci ha ad Manuale Operativo per Nave Spaziale Terra anticipare È in questo quadro che si inserisce Fancy: Un corpo flessibile, acrobatico – il tema per l’edizione 2026 – in cui sviluppo della fiore alla scoperta del suo pieno più: Artissima è un organismo vivo e mutevole, spine di fabbricarsi funzione le sue primarie e osare contaminazioni inattese,ndo al tempo capisal coerenti con il transfer il passato nuove evoluzioni acrobatiche.

IL TEMA DELLA TRENTATREESIMA EDIZIONE
Il tema di Artissima 2026 si intitola Fancy: Un Corpo Flessibile, Acrobatico. Nasce da un’immagine della filosofa Martha C. Nussbaum per estremo che il linguaggio dell’arte, guida dalla fantasia - la promozione in della fantasia - non corpo flessibile e acrobatico, di poetico apparecchio complessiamente e e di avvicinari alla pluralità di chi è da noi.

L’arte non si limit a da forma a è questo che, ma apre il campo a postello che cosaintelligenza, editativo un’editoria pubblica, di nutrire e arricchire le istituzioni intiestate di una comunità. Artissima incarna questo estipari dell’immaginazione, orientato verso possibilità ancora invisibili: la fiera è un incontro fisico, e accelerato con le opere d’arte che ci a cavallo a ripensare il mio passo in modalità cue, abitiamo e il presente.

LAURA ACCERBONI, UNA RESIDENZA TRA ARTE E POESIA
Artissima presenta Moltitudini, un’inedita progettuale contaminazione che Laura Accerboni – figura di rilievo della poesia contemporanea italiana – confrontarsi con l’arte in un percorso di ricerca di, e ibridazione di. Una poetessa in residenza che aprio la sua poetica a una dimensione per dimensione e di ascolto dell’arte relazione contemporanea erlavo in e e attivi con artisti a Torino.

Attraverso una serie incontri di incontri, la residenza si configurerà un passo al momento dell’altra vista degli artisti che hanno Torino Torino come di vita e di ricerca ricerca ritrovato vitantata artistica e artestia e artestia e immateriale internazionale della città, più di richiamare artisti protagonisti contemporanei e nuove un livello globale. In questo contesto, Guglielmo Castelli, Sara Enrico, Giorgio Griffa, Marzia Migliora e Laura Pugno dialogoherano con Laura Accerboni in libero e spontaneo con il sottofondo tematico della scadenza della fiera, che permette di vedere Fancy una una volta ad ֟terissima Artissima di acrobazie interdisciplinari.

TUTTE LE GALLERIE PRESENTI IN FIERA

SEZIONE PRINCIPALE

102 tra le gallerie più prestigiose del panorama artistico protagonisti: affermati che offore a collezionisti e una visitatrice rassegna di altissima rassegna

1/9UNOSUNOVE Roma – 193 GALLERIA Parigi, Saint-Tropez, Venezia – A ARTE INVERNIZZI Milano – A GENTIL CARIOCA Rio DE Janeiro, SAN PAOLO – LUIS ADELANTADO Valencia – ALICE AMATI – ANNEX14ANNEX14 ARCH14, ZOLLIKOFEN – ROLANDO ALFONSO ARTIACOARTNOBLEARTOPIAENRICO ASTUNIPIERO ATCHUGARRYAV17 MARINA BASTIANELLO BIASUTTI & BIASUTTIBLANK PROJECTS BLISS THOMAS BRAMBILLA BREMOND CAPELA CAR GALLERYCARDELLI & FONTANAGIAN MARCO CASINI CHERTLÜDDECIACCIA LEVICLIMACOLLICA & PARTNERSCONTINUARAFFAELLA CORTESETHOMAS DANE DE' FOSCHERARIDEP ART EX ELETTROFONICAFRITTELLI FUOCHERELLOFUORICAMPO GALERISTGRAMMA_EPSILONHERALD STJOUSSE ENTREPRISEANSELMI ROMA – APALANZO ITALIA – EPARTITE DI LABS CONTEMPORARY ARTML FINE ART | MATTEO LAMPERTICOTENIZIA – LAYRO DI PORTO – LAYRO DI LAVERONICALAYRLUCE GALLERYLUNETTA11PORTO – LAYROS – LAYRO ITALIA – LAVENO ITALIA – LAVENTRO DI GENZIA – LAVENO DI PORTO, LA PORTOZO – LA PORTOFO, LA CORINA DI PORTO, LA PORTO DI GENIORI DI GENINA DI GENIORI, DI PORTO DI GENI – LA GIORNAZIA – LA PORTO DI GENI – LAVENTRO DI GENI – LABIRZO – LAVENARIO DI GENIOLA ITALIA – LAZIO ITALIA – GIORNALO ITALIA – GIORNALE, CENTRO DI PESCA – LAUCY ITALIA – Bologna, Venezia, Parigi – MAKI FINE ARTS Tokyo – PRIMO MARELLA Milano, Lugano – MATÈRIA Roma – MATTA Milano – MAZZOLENI Londra, Torino, Milano – MAZZOLI Modena, Berlino – ME VANUCCI PIÙ – MEESSEN DI BRUZZO – MESSENO ZABER – MENO ZARO ZORA – ANI NCONTEMPORARYFRANCO NOERONOME P420P74ALBERTA PANEGIORGIO PERSANO PINKSUMMER PROMETEO REPETTO RIBOT ROMERO PAPROCKI RONCHINI ROSSI & ROSSILIA RUMMASANDWICHSIDE 2SIMÓNDISOCIÉTÉ INTERLUDIOSOUPSPAZIOA STUDIO G7STUDIO TRISORIO TORNABUONI ARTETROTOARTUCCI RUSSOMOLNÁS – ANI MOLNOVAS – MONGO – TERZO ITALIA – PORTO DI PORTO – UNA VANGAR VERVE VISTAMAREVOHM PORTO DI PORTO WHATIFTHEWORLDZ2O SARA ZANINZAZÀ – ZILBERMAN– PORTO DI PORTO – – S TORINO – SUGO – SUGO – SUMO DI ZONI – S

NUOVE VOCI
17 giovani galleria internazionale, attività da meno di cinque anni e presenti per la prima volta in fiera per lingua lingua di una panoramica di nuovi linguaggi e visioni dalla scena artistica globale

APARTAMENTO Marsiglia – ASPEKTY Varsavia – BIJU Cluj-Napoca – BRUGGER Klaus – CERAVENTO Pescara – CLAUDA CLAUDA Praga – IAH Seoul – KIM? GALLERY Riga – LUTNIȚA Chișinău – MARLI MATSUMOTO São Paulo – SASKIA NEUMAN Stockholm – NIGHT CAFÉ London – ORMA Milano, Sorrento – ANDREW REED Miami – SS SPACE SPACE New Taipei City – WHOISPOLA Warsaw – MANDY ZHANG ART London.

MONOLOGO/DIALOGO
34 galleria dal sperimentale taglio, con proposte curate in forma di stand monografico o in dialogo tra due artisti
10 & ZERO UNO Venezia – GALERIA 111 Lisbona – 1301PE Los Angeles – 22,48 m 2 Romainville – A SUD Pescara – ACAPPELLA Napoli – ACA ANTONINI Roma FRANCESCA ANTONINI– ATM Gëón – GIGÓN – GALLERIA DI BALCONE Lisbona – BANDA MUNICIPALE CItta' – UMBERTO BENAPPI Torino – BOCCANERA GALLERIA Trento, – ÖKTEM ALIAMENTO – CRISTINA GUERRA DI CRISTINA – MARZO – MARTONA GIANDA – COLLICRISTINA GUERRAMARTIN JANDAKODLCONTEMPORARY GILDA LAVIALEHMANNLOHAUS ÖKTEM AYKUT RESERVOIR ROSA SANTOS FEDERICA SCHIAVO MARTINA SIMETI SMAC KODZA MUCCO DI SPALCIO – MULCO DI ROMA – LAVORO DI ROMA – LUCÒLUISA STRINATHE ADDRESSTRIANGOLOMAXIMILLIAN WILLIAMWIZARDZERO... Milano.

EDIZIONI D'ARTE
Gallerie, libreria e spazi no profit che presentano edizioni, timbra e moltiplica di artisti contemporanei 
COLOPHONARTE Belluno – DREIVIERTEL Bern – L’ARENGARIO Cellatica – MARTINCIGH Udine – DANILO MONTANARI Ravenna – STUDIO BRUNO TONINI Gussago

FUTURO PRESENTE
10 progetti monografici dedica ai talenti emergenti.
C. Mae Bloom, HANNAH BARRY London – Juliana Frontin, YEHUDI HOLLANDER-PAPPI São Paulo – Palabijik Gamze, VON & VON Nürnberg – Che-Yu Hsu, VANGUARD GALLERY Shanghai – Yun Hu, A+ OPERE D’ARTE Kuala Lumpur – Matisse Mesnil, ROMERO PAPROCKI Paris, Mary-Audrey RamirezMANAGEMENTGabriel RibeiroFOCOMilano SECCIScott YoungTINA–

Back to te Future
12 galleria e 10 stand monografici dedica alla riscoperta dei pionieri dell’arte contemporanea
Michel Auder, FONTI Napoli – Lenora de Barros, LOMBARDI-KARGL Vienna – Romany Eveleigh, RICHARD SALTOUN London, Roma, New York – Angela Ferreira, CRISTINA GUERRA Lisbona – Vadim Fishkin, GREGOR PODNAR Vienna – Nadia Gould, DIEFIRMA New York – Cathy Josefowicz, EAST CONTEMPORARY Milano e IMPORTRosa PanaroTIZIANA DI CAROMariuccia SecolGISELA CLEMENTMONOPOLLuigi ZuccheriLOVAY

DISEGNI
10 progetti monografici dedicati al disegno su carta
Marco Di Giovanni, IL CHIOSTRO ARTE E ARCHIVI Saronno – Flavio Favelli, STUDIO SALES DI NORBERTO RUGGERI Roma – Makiko Furuichi, LES FILLES DU CALVAIRE Paris – Maggi Hambling, THOMAS BRAMBILLA Bergamo – Tirdad Hashemi, ISABELLEISABELLE Dubai – Susanna Inglada, MAURITS VAN DE LAAR The HaKhaled JaradaP420Meiro KoizumiANNET GELINKGiorgina StarrALMA PEARLKatarzyna WiesiolekSZYDLOWSKY

Artissima è la principale fiera d’arte contemporanea in Italia. Sin dalla fondazione sua nel 1994, la unità nel mercato mercato internazionale a una grande per atige la sperimenta e la ricerca. L’organizzazione di Artissima è curata da Artissima srl, società della Fondazione Torino Musei, nel 2008 per i rapporto di amministrazione e commerciali della fiera. Il marchio di Artissima appartiene a Città di Torino, Regione Piemonte e Città Metropolitana di Torino. Artissima ha realizzato il sostegno dei tre Enti proprietari del marchio, una Fondazione CRT, Fondazione Arte CRT, Fondazione Compagnia di San Paolo e Camera di commercio di Torino.
Dal 2010, Artissima si svolge all’Oval Lingotto Fiere, gestione da GL events Italia: uno spazio di 20.000 m 2 in vetro e acciaio, nel 2006 per i Giochi Giochicipi Invernali di Torino e locatione nel cuore del polo fieristico del Lingotto.

ARTISSIMA - Internazionale d’Arte Contemporanea
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Hypha Studios a Londra

 

Fra i tanti segnali di chiusure qualcuno che ha ancora ottimismo e apre, a Londra, in una posizione situata tra la Tate Modern e il Borough Market, ha aperto Hypha Studios, un vivace polo culturale. Ospiterà tre gallerie dedicate alle mostre e studi d'artista. Prende avvio con due esposizione collettiva e una mostra di sculture. 

Mohammad Alfaraj all'Open Space della Fondation Louis Vuitton

 Nell'ambito del suo programma Open Space, la Fondation Louis Vuitton ha invitato l'artista saudita Mohammad Alfaraj (nato nel 1993 in Arabia Saudita) a realizzare un'opera site-specific nella Galleria 8, segnando la sua prima mostra personale in un'istituzione francese.

Artista multidisciplinare, Mohammad Alfaraj sviluppa una pratica che spazia tra scrittura, video, fotografia, disegno e scultura, radicata nell'oasi di Al Ahsa, dove vive e lavora.

Attingendo alle tradizioni orali dell'Arabia Saudita, esplora le pratiche sociali, le architetture urbane e rurali e le narrazioni quotidiane per esaminare il rapporto tra l'uomo e la natura. Le sue opere assumono spesso la forma di favole poetiche che affrontano temi ecologici, sociali e culturali contemporanei.

La mostra " Preferirei essere una libellula piuttosto che un leone" riunisce una serie di video all'interno di un'installazione composta da oggetti, fotografie e disegni. Queste animazioni in stop-motion attingono all'immaginario collettivo del suo paese natale, dando forma a narrazioni poetiche che l'artista stesso scrive e interpreta.

Lavorando con una deliberata economia di mezzi, Mohammad Alfaraj si occupa di ogni fase del processo creativo, dalla scrittura alla creazione dei personaggi e delle scenografie, dalle riprese all'animazione.

Inserite nel contesto culturale di Al Ahsa, queste narrazioni uniscono immaginazione, memoria collettiva e mondo vivente, raggiungendo una risonanza universale.

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Spazio aperto n. 19

Mohammad Alfaraj

“Preferirei essere una libellula piuttosto che un leone”

9 ottobre 2026 – 18 gennaio 2027

Curatori: Claudia Buizza e Ludovic Delalande (Fondazione Louis Vuitton).

La mostra " Preferirei essere una libellula piuttosto che un leone" di Mohammad Alfaraj è presentata in collaborazione con Mathaf: Arab Museum of Modern Art, Doha (Qatar), che nel 2027 ospiterà una mostra personale dell'artista.

Mohammad Alfaraj (1993, Arabia Saudita) ha conseguito una laurea in Ingegneria Meccanica presso la King Fahd University of Petroleum and Minerals (KFUPM) nel 2017. La Fondazione Delfina presenterà una mostra personale del suo lavoro a partire dal 28 settembre 2026. Il suo lavoro è stato presentato in varie mostre personali e collettive internazionali, in particolare a Desert X (2026); la Biennale di Taipei (2025); la Biennale d'Arte Contemporanea di Diriyah (2024); la Biennale d'Arte Islamica (2023); Noor Riyadh (2023 e 2022); la 16a Biennale di Lione (2022); Jameel Arts Centre (2022); 21,39 Jeddah Arts (2020); Athr Gallery, Jeddah (2020 e 2018); lo Sharjah Islamic Festival (2019); la Sharjah Art Foundation (2019); Le Murate Pac, Firenze (2019); 21,39 Jeddah Arts (2017 e 2019); Saudi Film Festival, Dammam (2015) e Dubai International Film Festival (2014). Nel 2019 ha partecipato alla Can Serrat - International Art Residency a Barcellona, ​​Spagna, e più recentemente alla AlUla Art Residency nel 2022. L'Art Jameel Center gli ha dedicato la sua prima mostra personale istituzionale nel 2025-26, intitolata Seas are sweet, fish tears are salty .

 

Mohammad Alfaraj è rappresentato da Mennour, Parigi (Francia), e da Athr Gallery, Jeddah (Arabia Saudita).