Giornate milanesi - Villa Necci Campiglio

Green Carnation

Nell'ambito della serie Spotlight, mostre a carattere monografico, la galleria GAVLAK presenta in questi giorni "Green Carnation" , con i nuovi dipinti dell'artista canadese Kris Knight. Composta da una serie di intimi dittici, la mostra approfondisce il lungo impegno di Knight con l'identità queer, la ritrattistica e le forme di comunicazione codificate, dove convergono intimità, memoria e simbolismo.

Ispirandosi alla floriografia, il "linguaggio dei fiori" dell'epoca vittoriana in cui alle piante venivano attribuiti significati specifici, Green Carnation abbina ritratti di uomini a nature morte floreali selezionate per riflettere ogni soggetto attraverso un'associazione crittologica. Storicamente utilizzata per trasmettere sentimenti che non potevano essere espressi ad alta voce, la floriografia offriva un sistema di comunicazione discreto, profondamente in sintonia con le storie queer plasmate dalla segretezza, dalla sopravvivenza e dal riconoscimento codificato.

La mostra prende il titolo da un evento del 1892, quando Oscar Wilde ordinò ai suoi amici gay di indossare garofani verdi sui risvolti delle giacche all'inaugurazione del Ventaglio di Lady Windermere . Il fiore tinto, emblema di artificio e "innaturalità", divenne un sottile segnale di desiderio omosessuale, circolando come un codice queer silenzioso ma provocatorio. Knight attinge a questa discendenza di linguaggio codificato, collocando il suo lavoro all'interno di una più ampia storia di segnali LGBTQ+, dalle metafore floreali ai lessici visivi di abiti, gesti e stile che da tempo hanno permesso alla comunità queer di trovare se stessa.

Con questo nuovo corpus di opere, Knight amplia la sua pratica ritrattistica, continuando a esplorare il confine labile tra documentazione e autobiografia. Dipinge gli uomini che lo circondano – prevalentemente creativi queer – sia come soggetti che come surrogati, inscenandoli all'interno di mondi attentamente composti e pieni di luce. Sebbene radicati in relazioni reali, i ritratti resistono a una somiglianza diretta. Knight descrive invece i suoi modelli come "attori" e "veicoli", attraverso i quali frammenti della sua storia, della sua memoria e del suo desiderio vengono silenziosamente rivelati.

Knight si definisce un "pittore lento", che lavora a partire da fotografie, schizzi e lunghe conversazioni piuttosto che da sedute dirette. Il tempo trascorso con i suoi soggetti – parlando, ascoltando, ricordando – indugia nei dipinti anche dopo che questi lasciano lo studio. Attraverso i dittici, dettagli biografici affiorano come sussurri: ricordi di giardini d'infanzia, momenti di tormento e perdita, la morte prematura del primo fidanzato. Queste opere funzionano come atti di ricordo – registrazioni di esperienze vissute che si muovono fluidamente tra confessione personale e memoria queer collettiva.

Le nature morte floreali di "Green Carnation" fungono da estensioni cruciali dei ritratti di Knight, offrendo una visione metaforica attraverso il linguaggio simbolico delle piante. Fiori e piante, motivi ricorrenti nella pratica di Knight, rispecchiano la bellezza fugace e la vulnerabilità emotiva che definiscono la sua opera figurativa. La sua caratteristica tavolozza di pastelli gessosi è qui ampliata per includere tonalità e toni più innaturali, che rimandano ai garofani tinti di Wilde e rafforzano i temi della mostra: artificio, desiderio ed espressione codificata.

Informazioni su Spotlight

Spotlight è la serie di presentazioni monografiche mirate di GAVLAK, ciascuna pensata per mettere in luce momenti o temi cruciali all'interno della pratica di un artista. Parallelamente alla programmazione regolare della galleria, la serie offre una piattaforma per indagini mirate e formati sperimentali, tra cui progetti in situ e installazioni pubbliche. Mettendo in primo piano aspetti specifici del lavoro di un artista, Spotlight amplia i modelli espositivi tradizionali e reinventa il modo in cui l'arte viene vissuta e contestualizzata.

troppa arte?

Anche quest'anno il meccanismo del mercato dell'arte parte con la solita rassegna di fiere che sempre più bruciano rapidamente manufatti artistici in poche giornate, spesso proposte a seguito di mostre nelle medesime gallerie presenti negli stand. 

Quest'anno ci saranno circa 250 fiere d'arte che vedono una media di 80 gallerie (alcune vi partecipano in diverse location) ognuna mediamente porta una 15 di lavori, per cui anche quest'anno si immetteranno sul mercato oltre 300.000 lavori.... 

qualcuno che grida all'inquinamento artistico?

Soprattutto, ma che se ne fa la gente di tutta questa roba?

E ne vale il valore economico speso, spesso sproporzionato?

Segnali di un lento declino sono sempre più evidenti, gallerie che chiudono, riemersione dai magazzini di artisti di una volta riproposti come outsider e tante manfrine per cercare di giustificare e "enfatizza" il valore artistico...

Alberto Giacometti alla Kunsthaus Zurich

La Kunsthaus Zurich ha inaugurato da pochi giorni una stupenda mostra su Alberto Giacometti, che durerà fino all'autunno del 2026; successivamente sarà oggetto di una nuova curatela e sarà notevolmente ampliata, estendendosi su quattro sale dell'edificio rinnovao dallo studio Chipperfield.

 

Una mostra che raccoglie opere chiave del periodo surrealista, nonché di sculture di fama mondiale degli anni successivi al 1945. È  concepita per essere il punto di partenza di un progetto più ampio, infatti nell'autunno del 2026, la mostra sarà rinnovata e notevolmente ampliata per presentare l'intera opera artistica dell'artista in quattro sale consecutive.

UN GRANDE DEL XX SECOLO

Alberto Giacometti è uno dei principali artisti del XX secolo. Nato nel 1901 in Val Bregaglia, nei Grigioni, lavorò come scultore, pittore e disegnatore a Parigi, raggiungendo la fama mondiale. Giacometti riveste un'importanza fondamentale anche per il Kunsthaus Zürich: grazie ai prestiti a lungo termine della Alberto Giacometti-Stiftung, la fondazione ospita la più importante collezione museale al mondo dedicata alle sue opere.

Il patrimonio della fondazione comprende opere di ogni fase della sua carriera, e al Kunsthaus è completato da opere provenienti dalla collezione del Kunsthaus e da altre di proprietà dei Kunstfreunde Zürich. Fondata a Zurigo nel 1965, la Alberto Giacometti-Stiftung si basa su importanti acquisizioni provenienti dalla collezione dell'industriale americano G. David Thompson e da opere donate dallo stesso Alberto Giacometti poco prima della sua morte. Nel corso degli anni è stata costantemente ampliata, in particolare grazie alle cospicue donazioni di Bruno Giacometti, fratello dell'artista, e di sua moglie Odette.

 

TRASFERIMENTO NELL'EDIFICIO CHIPPERFIELD

Dopo cinque anni di esposizione nell'edificio Müller del 1976, Giacometti si trasferirà nell'edificio Chipperfield da febbraio 2026. La mostra inaugurale, allestita in due sale al secondo piano, si concentra sulle principali opere surrealiste e sulle sculture iconiche del dopoguerra. Dall'autunno 2026 in poi, questa presentazione sarà rinnovata e ampliata per presentare l'intera opera di Giacometti in quattro sale, dalle prime creazioni al suo periodo tardo.

UNA VITA D'ARTISTA TRA PARIGI E LA VAL BREGAGLIA 

Incoraggiato fin da piccolo dal padre Giovanni, Alberto Giacometti ha sviluppato il suo linguaggio artistico unico a Parigi. I suoi oggetti e sculture innovativi lo collocano saldamente all'interno dell'avanguardia surrealista. Durante la Seconda Guerra Mondiale, tornò a un'intensa esplorazione della figura umana e sviluppò lo stile inconfondibile che gli portò fama mondiale: figure alte e fragili e busti sorprendenti che ridefiniscono il rapporto tra essere umano e spazio. Eppure, nonostante la sua carriera internazionale, Giacometti mantenne stretti legami con la regione della Val Bregaglia.

UN NUOVO PRESTITO SPETTACOLARE

Un momento clou della mostra inaugurale è la prima presentazione di un nuovo prestito dalla Alberto Giacometti-Stiftung e da una collezione privata svizzera: un bronzo raffigurante l'opera chiave del Surrealismo 'L'Objet invisible' (1934/35). Questa celebre scultura raffigura una figura femminile stilizzata, le cui mani sembrano reggere un oggetto invisibile; è un'opera centrale del modernismo che ci permette di cogliere l'invisibile e l'ignoto.

La presentazione è completata da una selezione di dipinti di compagni e contemporanei di Giacometti provenienti dalla collezione del Kunsthaus di Zurigo.

GIACOMETTI 2026

La mostra, che è stata inaugura a febbraio 2026, è esplicitamente concepita come una rampa di lancio. Con il grande ampliamento della mostra nell'autunno del 2026, il Kunsthaus Zürich si posiziona come centro internazionale leader per la ricerca, la mediazione e la presentazione dell'opera di Alberto Giacometti, artista di fama mondiale con forti radici in Svizzera.

Tutte le foto sono viste dell'installazione presso il Kunsthaus Zürich, 2026 scatti di Franca Candrian, Kunsthaus Zurich © Succession Alberto Giacometti / 2026, ProLitteris, Zurich

Le sette sculture primaverili di Ruud Kuijer

 

Presso la Galleria Slewe di si è appena conclusa la mostra dello scultore olandese Ruud Kuijer (*1959), che ha presentato le sue opere per il Padiglione Rietveld nel famoso parco delle sculture del Museo Kröller-Müller, presentate poi la prossima estate, serie chiamate "Sculture di Primavera" (Veerbeelden).

Nel 2023, Ruud Kuijer ha iniziato quella che è diventata una serie di sette sculture. Per anni ha cercato un modo per utilizzare la molla - fatta di ferro, ma flessibile - in modo espressivo all'interno delle sue sculture. I risultati di questa esplorazione sono ora visibili alla Galleria Slewe.

Un santuario per l'acqua

 

Da diverso tempo Tomás Saraceno e il suo staff sta realizzando un importante progetto un "Santuario dell'Acqua" con una popolazione indigenena  del nord dell'Argentina, le comunità di Salinas Grandes, con la rete Red Atacama .

Si tratta di una complesso di spazi realizzati in uno stagno nelle saline di Salinas Grandes. Questo progetto sarà presentato in una mostra Haus der Kunst di Monaco di Baviera nel mese di Luglio. 

Le Olimpiadi attraverso il tempo

Nei giorni olimpici milanesi la Fondazione Luigi Rovati ospita, nei suoi eleganti spazi, una stimolante mostra dedicata alla millenaria storia di questo momento corale di passione sportiva. 

In un emozionante percorso si attraversano gli accoglienti spazi della fondazione in un intreccio fra passato e presente che raccontano, con ricercati manufatti artistici ma non solo, l'evoluzione e lo spirito olimpico, dalla antica tradizione greca alla riattivazione voluta da Pierre de Coubertin. 

Un'occasione per vedere e indagare il cambiamento espressivo e formale, per riscoprire un'approccio socio-culturale, che dall'antichità e giunto ora in forme nuove e inaspettate. 

Il percorso espositivo è articolato in cinque sezioni tematiche tra piano nobile e ipogeo, la mostra affianca reperti archeologici e materiali dei Giochi moderni, mettendo in relazione pratiche sportive, ruolo dell’atleta, disciplina, premi e cerimoniali.

Emozionante confrontare gli strigili e unguentari greci ed etruschi con i kit distribuiti agli atleti del XX secolo, da Helsinki 1952 a Innsbruck 1964, confermando la persistenza di gesti e rituali legati alla preparazione atletica. 

La mostra offre l'occasione unica di vedere preziosi manufatti e reperti antichi provenienti da importanti istituzioni internazionali come il Museo Archeologico Nazionale di Tarquinia, il Museo Olimpico di Losanna e i Musei Vaticani.

La mostra è visibile fino al 22 Marzo 2026.

Foto di Daniele Portanome 

Sophie Taeuber-Arp da Hauser & Wirth

 Amo molto le mostre a carattere storico e questa, dal forte impatto visivo, "Sophie Taeuber-Arp. La règle des courbes (La regola delle curve)", curata da Briony Fer, è la prima personale che la galleria Hauser & Wirth , nella sede parigina, dedicata all'opera di Taeuber-Arp, con oltre 45 opere che coprono un periodo di quattro decenni, dal 1916 al 1942. Provenienti dalla Fondazione tedesca Arp (Stiftung Hans Arp und Sophie-Taeuber-Arp eV) e da importanti collezioni private e pubbliche, la mostra include dipinti, disegni, gouache, rilievi in ​​legno e un'iconica testa dada. La mostra pone l'attenzione sul vocabolario formale della curva dell'artista, che ha utilizzato in modi innovativi per allungare, piegare e deformare il linguaggio dell'astrazione geometrica.

Sophie Taeuber-Arp è una delle artiste più importanti dell'avanguardia del XX secolo. Smantellando le opposizioni convenzionali tra Dada e astrazione geometrica, belle arti e oggetti d'uso, "La règle des courbes" mostra come Taeuber-Arp si sia confrontata con audacia con il contesto culturale del modernismo internazionale.

La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione bilingue, "Sophie Taeuber-Arp: La règle des courbes /The Rule of Curves", edita da Hauser & Wirth Publishers, che conterrà nuovi testi critici di Briony Fer e Jenny Nachtigall che gettano nuova luce sulla produzione artistica di Taeuber-Arp.

Informazioni sulla mostra

 La formazione di Taeuber-Arp nelle arti applicate, con un'enfasi sui tessuti piuttosto che sulla pittura e sulla scultura, fece sì che molteplici interessi si unissero e si intrecciassero con altre forme visive e culturali prevalenti all'epoca. Il suo lavoro si muoveva tra arte e design, diagrammatico e decorativo, distruzione e costruzione, campi positivi e negativi, parti e interi. Amalgamò i linguaggi della decorazione e della tecnologia, così come quelli del Dadaismo e del Costruttivismo, ignorando i protocolli più rigidi stabiliti da altri. Il risultato fu un corpus di opere al tempo stesso giocoso e speculativo, in cui curve e cerchi offrivano una misura alternativa per calibrare lo spazio tra opera e mondo. Taeuber-Arp contrapponeva curve e cerchi alla struttura della griglia modernista, un tropo dominante della pittura astratta nei primi decenni del XX secolo. La mostra svela le possibilità radicali dei primi esperimenti di Taeuber-Arp, come 'Composition à forme “U”' (1918), fino ai cerchi spezzati dei suoi cosiddetti 'ultimi' disegni come 'Construction géométrique (Costruzione geometrica)' (1942).

All'apice dell'interesse per il movimento costruttivista, caratterizzato all'epoca dalla sua rigorosa geometria, realizzò alcune delle sue opere più curvilinee, traducendo volute decorative e arabeschi in forme semplici. I metodi distintivi da lei sviluppati sono probabilmente la continuazione di un modello di astrazione dadaista, un progetto sempre incompleto, anche quando le parti componenti sembrano appartenere a un kit di strumenti costruttivista. Le ragioni di ciò hanno molto a che fare con le tecniche da lei utilizzate, radicate nella sua formazione di designer e dominate da strumenti da disegno di ogni tipo.

Il titolo della mostra si riferisce sia a una regola come principio organizzativo, sia a uno strumento utilizzato per misurare lunghezze e distanze, come un righello. Taeuber-Arp utilizzava un'ampia gamma di strumenti da disegno come estensione della mano, tra cui curve francesi e altri modelli, nonché righelli flessibili e dritti. Le opere esposte degli anni Trenta mostrano il suo lavoro diventare sempre più organico, con forme curve che suggeriscono – come nella serie Coquille – una preoccupazione per le forme e le strutture naturali. Ciò dà origine a un paradosso centrale dell'opera: più diventa organica, più utilizza modelli da disegno per tracciare il suo disegno.

Una delle serie più avvincenti che esemplifica il linguaggio della curvatura di Taeuber-Arp è il piccolo sottoinsieme dei dipinti Curve chiamato Echelonnements (Gradazioni), iniziato nel 1934. Queste opere esaltano sia i bordi curvi che le linee rette, rivelando gli effetti cumulativi della pila di forme irregolari che si rovesciano. Le "forme" in "Echelonnement" (1934) sono bianche, a suggerire che siano state ritagliate dallo sfondo blu, come negativi piuttosto che positivi.

In mostra sono esposte anche alcune delle ultime opere di Taeuber-Arp, realizzate nel 1942 e generalmente definite "costruzioni geometriche". Questa serie di disegni è composta da inchiostro nero su carta, realizzati con righello e compasso. Taeuber-Arp dipingeva piccole sezioni con vernice bianca, oltre a ritagliare e ruotare alcune sezioni, con i tagli che fungevano da linee orizzontali o diagonali, creando così un movimento circolare dai frammenti. Sebbene le forme con cui lavora siano sempre semplici, i suoi metodi di stratificazione e fusione le rendono infinitamente variabili.

Impalpabilità

 

In questi giorni alla galleria Building di Milano, in via Monte di Pietà 23, ci sono due belle mostre d'arte.  Partendo dal terzo piano si incontra il progetto La danza del sale di Virginia Zanetti, curata da Giulia Bortoluzzi.

L’esposizione riunisce una selezione di opere fotografiche, video e scultoree, che documentano e sviluppano il tema dell’impermanenza e della trasformazione di stato che l’artista ha avviato con l’intervento site-specific e le performance collettive nella salina di Margherita di Savoia (BT). Zanetti offre una narrazione collettiva nella quale l’ambiente naturale – caratterizzato in questo caso dalla presenza del sale – e il tessuto sociale della comunità, che si esprime nell’attività di raccolta del composto cristallino, convergono in un processo comune di trasformazione.

 

Scendendo ai piani inferiori c'è il bel dialogo creativo fra Alice Cattaneo e Marco Andrea Magni raccolto sotto il titolo "Un mondo tutto all’aperto" con la curatela di Giovanni Giacomo Paolin.  L’esposizione è un delicato dialogo a due voci tra opere scultoree e installazioni, in cui si intrecciano lavori preesistenti e nuove produzioni, forme molto diverse ma sensibilità affini.

Aperitivo in arte...

Molto interessante la proposta che in occasione della mostra "Depero Space to Space. La Creazione della Memoria", il Museo Bagatti Valsecchi riapre idealmente il ViBiBar, il leggendario locale ideato nel 1937 da Fortunato Depero per le Cantine Cavazzani di Bolzano. Il nome, Vino Birra Bar, evocava già allora un luogo in cui arte e piacere dell’incontro si fondono in un’unica esperienza sensoriale.

Da questa suggestione nasce il format ViBiBar Depero. L’aperitivo futurista al Museo Bagatti Valsecchi: cinque serate che trasformano il Museo in un elegante bar futurista, tra luci soffuse, musica jazz dal vivo e atmosfera d’altri tempi. La visita alla mostra si accompagna a un ricco aperitivo concepito come omaggio allo spirito creativo di Depero e alla convivialità futurista. Un brindisi al Futurismo e alla sua inesauribile energia.