Kunsthaus Zürich e la salute

«Connect» im Kunsthaus Zurich Foto © Franca Candrian, Kunsthaus Zürich

L'arte può fare molto più che ispirare: può connettere, responsabilizzare e trasformare. Con una gamma sempre più ampia di iniziative all'incrocio tra arte, salute e società, la Kunsthaus Zürich sta ulteriormente ampliando il suo ruolo di luogo attivo di incontro e partecipazione.

La Kunsthaus Zürich intende l'arte come una forza vitale nel cuore della società. In quanto istituzione artistica con una missione pubblica, persegue l'obiettivo non solo di presentare l'arte, ma anche di renderla accessibile come mezzo di scambio, coesione e sviluppo personale. Attraverso programmi e collaborazioni innovative, la Kunsthaus crea spazi in cui le persone possono incontrarsi, scoprire nuove prospettive e sviluppare le proprie forme di espressione.

L'attenzione si concentra su iniziative che collegano l'arte con ambiti come la medicina, lo sviluppo personale e l'impegno sociale. Ne risulta un programma diversificato che dimostra come l'arte possa fornire un impulso concreto al benessere individuale e alla coesione sociale.

ART.IN

Un esempio chiave è il nuovo programma art.in, che supporta i giovani in momenti di crisi attraverso il potere trasformativo dell'arte, della danza e della musica.

Sviluppato in collaborazione tra la Kunsthaus Zürich, la Children Action Foundation e PUK-Life – il programma di intervento in situazioni di crisi per i giovani,

un'iniziativa del Dipartimento di Psichiatria e Psicoterapia dell'Infanzia e dell'Adolescenza dell'Ospedale Psichiatrico Universitario di Zurigo – combina la pratica artistica con il potenziamento emotivo. Basati sul modello di successo di Artopie a Ginevra e supportati dall'esperienza del Teatro dell'Opera di Zurigo, i laboratori offrono uno spazio sicuro in cui i giovani possono partecipare attivamente, accrescere la propria autostima ed esplorare nuove prospettive.

LABORATORI AL KISPI

La Kunsthaus Zürich è anche direttamente coinvolta nel settore sanitario: Insieme all'Ospedale Pediatrico di Zurigo, è stato sviluppato un format di laboratorio per giovani pazienti.

Il progetto è stato avviato nel 2025 dall'artista Monster Chetwynd con un progetto performativo che ha offerto a bambini e ragazzi della clinica di riabilitazione Affoltern una via di fuga creativa dalla routine ospedaliera quotidiana. In breve tempo, lo spazio si è trasformato in un vivace laboratorio dove hanno creato, sperimentato e riso: un esempio lampante dell'impatto immediato dei processi artistici.

STORIE D'ARTE RISVEGLIATE 

Altri programmi sono specificamente dedicati a diverse situazioni di vita: dal 2012, Storie d'Arte Risvegliate invita persone con demenza a sviluppare in modo collaborativo storie e poesie ispirate a opere d'arte: l'attenzione è rivolta all'esperienza condivisa, non alla mera rievocazione. Sviluppato in collaborazione con il Centro di Gerontologia e l'area di ricerca "Dinamiche dell'invecchiamento sano" dell'Università di Zurigo.

Riparte la Fusion Gallery di Torino

In questo periodo di chiusure a Torino una buona notizia, ha riaperto la Fusion Gallery di Piazza Peyron 9g,  fondata da Walter Vallini, ora con la direzione di Michele Bramante.

La nuova stagione della Galleria si propone con la mostra collettiva "Lo sguardo verificato. Pittura e natura contro la falsa visione", visitabile fino al 30 settembre (chiusura estiva dal 19 luglio al 2 settembre). 

Orario: mercoledì 10-13, giovedì 16-19, venerdì 10-13 e sabato 16-19 .

Anni napoletani

Preso il Madre di Napoli prosegue il formato espositivo in progress Gli anni che si sviluppa in capitoli ed è dedicato all’esplorazione di episodi di storia dell’arte dei decenni più recenti a Napoli. La collezione del Madre dialoga con importanti collezioni pubbliche e private, principalmente della città, per evocare, attraverso opere emblematiche, momenti e produzioni artistiche di rilievo avvenute in questo territorio. Il primo capitolo espositivo si è tenuto dal 19 dicembre 2024 al 30 giugno 2025.

Il titolo Gli anni si riferisce all’omonimo romanzo della scrittrice Annie Ernaux, premio Nobel per la letteratura 2022, nel quale la descrizione di fotografie e le memorie di momenti importanti di una singola vita diventano al contempo affresco autobiografico e cronaca collettiva e storiografica. Il romanzo avverte che immagini e ricordi privati sono destinati a scomparire nel flusso della storia; questa mostra propone di considerare le opere d’arte come un antidoto a questo processo di dissoluzione. Nel corso del tempo, passata l’urgenza del rapporto con l’attualità in cui sono state concepite, le opere sono in grado di raccontare tanto la propria ricerca estetica e linguistica, quanto il contesto in cui sono state prodotte ed esposte. A loro volta, le collezioni nelle quali sono conservate possono essere considerate, da questo punto di vista, depositi di storie, avvenimenti e passaggi che fanno parte di un vissuto comune.

La narrazione costruita, scandita in momenti ed episodi, viene segnalata mediante l’apposizione di poster indicanti gli anni in cui le opere scelte sono state esposte in Campania, offerte alla memoria condivisa che questa mostra celebra. A completamento di questa traiettoria e a conferma della vitalità della ricerca costantemente condotta dal Madre sul presente, Gli anni include anche artisti che espongono a Napoli per la prima volta: per questo secondo capitolo, Eva Giolo. Inoltre, continua la sperimentazione di un modello espositivo in cui viene offerto a un artista del territorio campano, in questo caso Giorgia Garzilli, di curare una mostra di una stanza a partire dalla collezione del Madre, intesa come bacino di riferimento culturale formativo e ideativo.

Il percorso di mostra, come la struttura dei ricordi, non è cronologico.
Affinché ciascun opera diventi, oltre che emblema di una ricerca artistica e di un determinato momento socio-politico, anche antidoto alla sparizione della memoria storica condivisa (pericolo descritto da Ernaux), la mostra ha nel suo public program un vero e proprio elemento costitutivo. Durante il periodo espositivo, incontri, conversazioni e visite rendono conto della vivacità della scena artistica napoletana nella storia dell’arte recente, contestualizzandola in una prospettiva storiografica più ampia. Le opere esposte diventano così un palinsesto su cui costruire narrazioni storico-artistiche, politiche, antropologiche e sociologiche, in linea con una concezione del museo come luogo di produzione di pensiero trans-disciplinare.

 Artisti partecipanti:
Carlo Alfano (Napoli, 1932 – 1990) / Thomas Bayrle (Berlino, 1937) / Luciano Fabro (Torino, 1936 – Milano, 2007) / Simone Fattal (Damasco, 1942) / Giorgia Garzilli (Napoli, 1992) / Eva Giolo (Bruxelles, 1991) / Piero Golia (Napoli, 1974) / Mimmo Jodice (Napoli, 1934 – 2025) / Rashid Johnson (Chicago, 1977) / Allan Kaprow (Atlantic City, 1927 – Encinitas, 2006) / Rosa Panaro (Casal di Principe, 1935 – Napoli, 2022) / Lorenzo Scotto di Luzio (Pozzuoli, 1972) / Cindy Sherman (New Jersey, 1954) Frances Stark (Newport Beach, 1967) / Eric Wesley (Los Angeles, 1973)

Il museo immaginario della Fondazione CRT

Lo scorso fine settimana la Fondazione CRT ha aperto le sale di Palazzo Perrone di San Martino, uno stupendo gioiello storico-architettonico della città e sede della Fondazione, per rendere visibili al pubblico alcune prestigiose opere della collezione Arte CRT, nell’ambito del progetto espositivo Museo Immaginario.

Il percorso di visita – con ingresso da via XX Settembre 31 – ha permesso di attraverso le sale auliche del palazzo, di origine tardo seicentesca e rinnovato nel XVIII secolo: dallo Scalone al Salone d’Onore, dalla Sala del Consiglio di Indirizzo alla balconata, ornata dai simboli della città, della laboriosità e del risparmio, fino alla Sala Presidenti e alla Sala del Consiglio di Amministrazione.

Spazi in cui sono accolte parte della vasta collezione della Fondazione CRT, spesso date in comodato alla GAM e al Castello di Rivoli, e presenti ora negli spazi della Fondazione. Il progetto espositivo Museo Immaginario, curato da Clemente Miccichè e ispirato al Musée Imaginaire di André Malraux, mette in dialogo artisti di epoche e linguaggi diversi con la storia barocca di Palazzo Perrone di San Martino, creando suggestive connessioni tra passato e presente.

Tra i punti salienti del percorso espositivo figurano opere di alcuni dei più importanti protagonisti dell’arte e della fotografia del Novecento e contemporanea. Le immagini di Gianni Berengo Gardin raccontano con straordinaria sensibilità l’Italia e l’Europa del secondo dopoguerra, trasformando la quotidianità in memoria collettiva, mentre gli scatti di Ugo Mulas, Uliano Lucas, Ferdinando Scianna e Luigi Ghirri restituiscono uno sguardo poetico e insieme critico sul paesaggio culturale italiano del Novecento. Centrale anche il dialogo con le pratiche performative e concettuali internazionali, rappresentate dalle opere di Vito Acconci, che indagano il corpo, lo spazio e la percezione come strumenti di relazione con il pubblico. 

Il percorso attraversa inoltre le ricerche pittoriche del secondo Novecento con lavori di Mimmo Paladino, Afro Basaldella, Asger Jorn, Karel Appel e Mario Nigro, fino alle riflessioni contemporanee di Luca Bertolo, Flavio Favelli e Paola Pivi, che affrontano temi legati alla memoria, alla sovrabbondanza delle immagini e alla fragilità del presente. Completa il percorso una selezione di opere che mettono in dialogo arte, fotografia e gesto performativo, tra cui lavori di Ketty La Rocca, Anna Maria Maiolino, Claudio Abate e Aurelio Amendola.

Zurich Art Weekend

 Da venerdì 12 a domenica 14 giugno 2026, lo Zurich Art Weekend torna per la sua nona edizione, riunendo la comunità artistica mondiale a Zurigo in vista di Art Basel.

Distribuito su oltre 70 sedi, il programma curato presenta più di 75 mostre e oltre 150 eventi, riunendo più di 150 artisti e operatori culturali internazionali. Le mostre costituiscono il fulcro, sviluppandosi in una città interconnessa e facilmente percorribile a piedi, mentre conferenze, visite guidate, performance, passeggiate artistiche, workshop e format interdisciplinari creano le condizioni per incontri diretti e scambi tra artisti, curatori, collezionisti e pubblico.

Gratuito e aperto al pubblico, lo Zurich Art Weekend offre accesso a un ecosistema artistico altamente interconnesso, che unisce istituzioni, gallerie, spazi espositivi, case editrici, edizioni, università, collezioni e fondazioni. È una piattaforma di scambio al crocevia del mondo dell'arte internazionale, dove idee, prospettive e pratiche si incontrano e circolano.

Un grande insieme di istituzioni, gallerie, università, spazi espositivi alternativi, collezioni, fondazioni, case editrici e case editrici, Zurich Art Weekend che presentano oltre 75  mostre  in tutta la città.

Trasloco

La galleria Marc Straus è lieta di presentare Moving Day , una mostra personale di nuove sculture da parete e da pavimento di Lucia Hierro. Attraverso una serie di scatole, contenitori e recinzioni scultoree, Hierro esplora lo spostamento, la memoria e la fragile stabilità della casa nel contesto mutevole della realtà economica della New York contemporanea.

La mostra prende il titolo da una tradizione storica newyorkese che risale all'epoca coloniale. Per oltre due secoli, quasi tutti i contratti di locazione residenziali della città scadevano simultaneamente il 1° maggio alle 9 del mattino, costringendo migliaia di residenti a trasferirsi all'improvviso. Le strade si riempivano di carri, carretti e mobili mentre le famiglie trasportavano frettolosamente i propri averi attraverso la città in un momento di sconvolgimento collettivo. Conosciuto come "Moving Day" (il giorno del trasloco), l'evento trasformava la città in uno scenario di caos e rinnovamento ogni anno, fino a quando la pratica non si estinse durante la Seconda Guerra Mondiale.

Hierro traccia un parallelo tra questo fenomeno storico e le attuali realtà del panorama culturale di New York. L'aumento degli affitti, le mutevoli pressioni economiche e la costante scomparsa di piccole imprese e spazi per artisti hanno reso sempre più difficile il mantenimento di una stabilità a lungo termine. I quartieri plasmati da artisti e operatori culturali vengono spesso trasformati dagli stessi investimenti che la loro presenza attrae, creando cicli di spostamento che continuano a rimodellare la città. Per Hierro, queste forze non sono astratte. Dopo la tragica perdita dei suoi genitori nel corso dell'ultimo anno e mezzo, le opere in mostra rendono omaggio sia alla madre che al padre, entrambi scomparsi, e pongono una profonda indagine su cosa accada a una persona di fronte a circostanze di questo tipo. Una situazione con cui, universalmente, ognuno di noi dovrà prima o poi fare i conti. 

In tutta la mostra, il gesto di fare le valigie diventa sia letterale che metaforico. Le opere suggeriscono un processo di chiusura di un capitolo e di preparazione di un altro: imballare gli oggetti, le immagini e le identità che un tempo definivano un luogo o un momento. Così facendo, Hierro cattura un'esperienza profondamente personale ma ampiamente condivisa: l'incertezza di vivere e lavorare in una città in costante trasformazione economica e culturale.

Le opere di Moving Day riflettono questo momento di sconvolgimento. Attingendo al linguaggio formale che ha definito la pratica di Hierro nell'ultimo decennio – con riferimenti alla Pop Art, al Minimalismo e all'Arte Concettuale – le sculture incorporano echi visivi di artisti come Claes Oldenburg, Donald Judd e Tom Wesselmann. Tuttavia, mentre questi riferimenti storici plasmano la forma dell'opera, il suo contenuto rimane radicato nell'esperienza vissuta dall'artista.

Le opere scultoree di Hierro funzionano simultaneamente come contenitori e immagini: depositi per i frammenti che compongono una vita in movimento. Al loro interno sono racchiusi i resti visivi che da tempo ricorrono nel suo lavoro: cianfrusaglie della diaspora, oggetti effimeri personali e i simboli riconoscibili del vernacolo urbano di New York. In un'opera, Cliché Paradox, un sacco della spazzatura nero contiene stivali Timberland e un berretto da baseball degli Yankees, oggetti che sono diventati sinonimo di una particolare identità culturale, rivelando al contempo i complessi strati che si celano dietro tali stereotipi.

Moving Day riflette in definitiva un momento di transizione, non solo per l'artista ma per la stessa New York. Gli artisti sono stati storicamente tra i primi a immaginare il potenziale dei quartieri prima ancora che arrivassero gli investimenti. Eppure, con l'aumento dei costi che continua a rimodellare la città, le comunità che un tempo conferivano a questi luoghi il loro carattere sono sempre più costrette a trasferirsi altrove. Attraverso queste opere, Hierro documenta quella fragile soglia tra la partenza e la possibilità. Anche in mezzo alla precarietà e allo sradicamento, l'atto del trasloco suggerisce la possibilità di un rinnovamento. Ciò che appare come una fine potrebbe anche essere l'inizio di qualcosa che si sta ancora svolgendo.

Prossimamente Artissima

Il tempo vola e Artissima sta lavorando alacremente per la prossima edizione. Si tratta dell'unica fiera italiana esclusivamente dedicata all’arte contemporanea, giunta alla trentatreesima edizione: un appuntamento che coincide con il quinto anno della direzione di Luigi Fassi e che invita a leggere le passate edizioni come un percorso curatoriale progressivo e coerente.
 
Nel corso di queste cinque edizioni, e secondo una precisa identità progettuale, Fassi ha consolidato un metodo di lavoro che ha definito Artissima come spazio autorevole di riflessione critica sul contemporaneo e parallelamente ne ha rafforzato la duplice natura di fiera commerciale da un lato, e di piattaforma di diplomazia culturale internazionale e istituzione di fiducia per l’arte contemporanea dall’altro.
 
Artissima oggi mette in relazione gallerie, artisti, istituzioni, geografie e identità differenti e crea nuove possibilità di dialogo tra il territorio e una dimensione globale, confermandosi come uno spazio di sensibilità e confronto, in cui l’arte agisce come pratica di immaginazione, relazione e trasformazione dello sguardo.
 
Anno dopo anno, Fassi ha disegnato per Artissima un itinerario di esplorazione dell’arte, interrogata come strumento per indagare l’ignoto, attraversare la complessità del presente e immaginare nuove possibilità di relazione e di esperienza condivisa.
 
Artissima si svolgerà da venerdì 30 ottobre a domenica 1 novembre 2026, con il sostegno del Main Partner Intesa Sanpaolo e con le Gallerie d’Italia – Torino, museo della Banca, che affiancherà Artissima per il settimo anno. Le quattro storiche sezioni della fiera — Main Section, New Entries, Monologue/Dialogue e Art Editions — e le tre sezioni curate — Present Future, Back to the Future e Disegni — prenderanno vita nei luminosi spazi dell’Oval Lingotto Fiere di Torino.

LE PRIME NOVITÀ DEL 2026

IL TEMA

Il tema di Artissima 2026 è Fancy: A Flexible, Acrobatic Body. Nasce da un’immagine della filosofa Martha C. Nussbaum per affermare che il linguaggio dell’arte, guidato dalla fancy - la proiezione in avanti della fantasia - possiede un corpo flessibile e acrobatico, capace di attraversare poeticamente complessità e differenze e di avvicinarci alla pluralità di chi è altro da noi.

L’arte non si limita a dare forma a ciò che esiste, ma apre il campo a ciò che potrebbe esistere, diventando un’intelligenza pubblica cruciale, capace di nutrire e arricchire le istituzioni democratiche di una comunità. Artissima incarna questo esercizio acrobatico dell’immaginazione, orientato verso possibilità ancora invisibili: la fiera è un incontro fisico, intenso e accelerato con le opere d’arte che ci allena a ripensare il modo in cui vediamo, abitiamo e condividiamo il presente.
 
Nelle parole di Luigi Fassi: “Il tema di quest’anno racconta la qualità acrobatica della fancy, la forza proiettiva dell’immaginazione resa possibile dall’arte. Secondo Martha C. Nussbaum, la fancy è un linguaggio che va continuamente allenato: una facoltà capace di spingersi oltre l’evidenza, trascendere l’oggetto e aprire uno sguardo più benevolo verso l’altro nelle nostre relazioni morali, politiche e civili. In questa capacità trasformativa risiede una delle funzioni più profonde dell’arte: modificare chi guarda, affinando la possibilità di riconoscersi nell’esperienza altrui. È la forma stessa dell’arte — corporea, complessa, mobile — a guidarci verso questa apertura, in un esercizio democratico dello sguardo, che si oppone a rigidità e chiusure attraverso il movimento libero della fantasia. Artissima è da sempre un luogo in cui il pensiero prende forma attraverso incontri inattesi: tra opere, corpi, idee e sensibilità differenti. Fancy ci sembra allora una parola capace di raccontare non solo l’energia dell’arte contemporanea, ma anche il movimento continuo della fiera stessa, il suo essere uno spazio vivo di sperimentazione, intuizione e scoperta.”

COMITATO DI SELEZIONE

Artissima conferma il comitato di selezione 2026 delle gallerie partecipanti alle sezioni storiche — Main Section, Monologue/Dialogue, New Entries e Art Editions — composto da galleristi internazionali: Paola Capata (Monitor, Roma, Lisbona e Pereto), Philippe Charpentier (mor charpentier, Parigi e Bogotá), Guido Costa (Guido Costa Projects, Torino), Emanuel Layr (Layr, Vienna), Francesco Lecci (Clima, Milano), Antoine Levi (Ciaccia Levi, Parigi e Torino) e Elsa Ravazzolo Botner (A Gentil Carioca, Rio de Janeiro e San Paolo).

Main Section è la sezione dedicata alle gallerie più affermate sulla scena internazionale, per offrire a collezionisti e pubblico una rassegna di altissima qualità. New Entries accoglie le gallerie internazionali emergenti più interessanti, con meno di cinque anni di attività, alla loro prima partecipazione alla fiera. Monologue/Dialogue è riservata alle gallerie emergenti e/o con approccio sperimentale che intendono presentare uno stand monografico o il dialogo tra i lavori di due artisti. Art Editions è la sezione speciale dedicata alle gallerie e agli spazi non profit che presentano edizioni, stampe e multipli di artisti contemporanei.
 

IL TEAM CURATORIALE

Artissima conferma nuovamente il team di curatori che lavorerà sulle tre sezioni curate – Present Future, Back to the Future e Disegni – la cui esperienza in fiera si concretizza con stand monografici.

Per il terzo anno, Léon Kruijswijk (performance Curator al Mudam di Lussemburgo) e Joel Valabrega (curatrice indipendente di Porto e Milano) sono i curatori di Present Future, la sezione dedicata ai talenti emergenti e che ospita progetti monografici con l’obiettivo di mettere in risalto le nuove tendenze che caratterizzano il panorama artistico internazionale.
Jacopo Crivelli Visconti (direttore della Albuquerque Foundation di Sintra) e Heike Munder (curatrice indipendente e scrittrice di Zurigo) sono riconfermati per il terzo anno i curatori di Back to the Future, la sezione di Artissima che presenta progetti monografici di pionieri dell’arte contemporanea che in momenti e luoghi diversi, tra gli anni 1930-1990, hanno avuto il coraggio di opporsi a ciò che ritenevano sbagliato.

Per Disegni, è confermata la curatela per il quinto anno di Irina Zucca Alessandrelli (curatrice della Collezione Ramo di Milano e della Milano Drawing Week). La sezione, unica nelle fiere italiane dedicata al mezzo espressivo del disegno, presenta progetti concepiti come mostre personali che valorizzano l’autenticità e l’autonomia dell’opera su carta.
 

L’IDENTITÀ VISIVA DI ARTISSIMA 2026

Artissima rinnova la collaborazione con lo studio grafico torinese FIONDA per il nono anno consecutivo. Per il 2026 l’immagine coordinata interpreta il tema Fancy: A Flexible, Acrobatic Body: gli storici loghi, diventati parentesi, si trasformano in un sistema visivo in continua evoluzione. Le forme si piegano, si moltiplicano e generano traiettorie inattese, suggerendo apertura, trasformazione e possibilità. Un’identità visiva che rilegge la propria storia per aprirsi a nuove possibilità e immaginari futuri.

Sweet Revenge

 Il museo Reina Sofia di Madrid propone la mostra Sweet Revenge  con le opere di Felix Gonzalez-Torres (1957-1996), artista cubano-americano. La dimensione emotiva e politica della sua pratica, profondamente attuale, continua a risuonare in noi.

Madrid era un luogo emotivamente complesso per Gonzalez-Torres, un'esperienza che esplorò nelle sue prime opere e a cui fece riferimento nel corso della sua breve carriera. Nel 1971 fu inviato in Spagna nell'ambito di un programma di evacuazione di bambini da Cuba. Vi rimase per un breve periodo prima di trasferirsi a Porto Rico e successivamente a New York, dove avrebbe vissuto per gran parte della sua vita adulta. Non tornò a Madrid fino al 1991, per una mostra collettiva. In quell'occasione presentò per la prima volta "Senza titolo (Vendetta)", una scultura realizzata con caramelle blu cristalline. Ricordando quel primo ritorno, scrisse: "Sono tornato a Madrid dopo quasi vent'anni: dolce vendetta".

La mostra utilizza l'idea di "dolce vendetta" come strumento metodologico per affrontare il suo lavoro. Attraverso questa prospettiva, cerca di comprendere il suo potente utilizzo della differenza, della contraddizione e del paradosso nei vari gruppi di opere che la compongono. La raffinata bellezza del suo vocabolario estetico è spesso sfumata o intensificata dagli elementi che compaiono tra parentesi nei titoli delle sue opere, evocando riferimenti a temi diversi come l'amore, la guerra e la malattia, nonché a complesse narrazioni sociali e politiche, non sempre esplicitamente visive. Allo stesso modo, i protocolli che regolano le sue pile di carta e i suoi mucchi di caramelle, pensati per essere riforniti all'infinito man mano che il pubblico li prende, così come l'installazione delle sue tende, dei cartelloni pubblicitari e delle file di luci (di cui alcuni esempi sono inclusi nella mostra), combinano struttura e flessibilità. Il suo lavoro lascia spazio alla contingenza, alla trasformazione e alla reinterpretazione. Il fulcro di  Sweet Revenge  consiste nel mostrare come l'opera di Gonzalez-Torres sostenga simultaneamente molteplici condizioni, spesso apparentemente opposte. La tensione tra questi termini non è casuale, bensì costitutiva dell'opera stessa, ed è ciò che ne attiva la capacità di generare riflessione critica.

In quanto artista queer attivo durante gli anni più bui della crisi dell'AIDS e in un contesto politico dominato dalla destra conservatrice negli Stati Uniti, Gonzalez-Torres ha sviluppato un linguaggio visivo volutamente instabile, partecipativo e profondamente personale. La morte del suo compagno per AIDS nel 1991 è stata cruciale per la sua opera elegiaca, in cui lega indissolubilmente il dolore alla celebrazione dell'amore. Consapevole della propria imminente morte a causa della stessa malattia, Gonzalez-Torres ha prefigurato il futuro del suo lavoro e ha lasciato un'eredità influente in cui le forme estetiche diventano veicoli di risonanza emotiva e urgenza politica.

La FSRR a Venezia!

La Fondazione Sandretto Re Rebaudengo da sempre artefice del futuro, prosegue la sua crescita con un nuovo spazio che lo scorso 7 maggio 2026 ha inaugurato ufficialmente la nuova sede sull’isola di San Giacomo, nella Laguna Nord di Venezia: un progetto che unisce arte contemporanea, ricerca e sostenibilità, nato dal recupero e dalla trasformazione di un luogo di straordinario valore storico e ambientale.

San Giacomo entra così a far parte delle sedi della Fondazione insieme a Torino e Guarene, proponendosi come laboratorio internazionale dedicato alla sperimentazione artistica e alle pratiche ecologiche.

Il programma inaugurale ha aperto con Fanfare/Lament, mostra personale di Matt Copson curata da Hans Ulrich Obrist; con la collettiva Don’t Have Hope, Be Hope!, che presenta opere della Collezione Sandretto Re Rebaudengo; e con Isola di San Giacomo 2022–2026. A Story in Images, con fotografie di Giovanna Silva e Antonio Fortugno dedicate al restauro dell’isola.

Il percorso si estende anche al giardino, che ospita installazioni permanenti di Claire Fontaine, Mario García Torres, Hugh Hayden, Goshka Macuga, Pamela Rosenkranz e Thomas Schütte, in dialogo con la storia e il paesaggio lagunare.

Al momento non è possibile accedere all’isola. L’apertura al pubblico avverrà progressivamente: modalità di visita, prenotazioni e tutte le informazioni utili saranno comunicate prossimamente attraverso i canali ufficiali della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.

Venice Climate Week

 A Venezia dal 3 all’8 giugno 2026 si svolgerà la grande Venice Climate Week - Planet Aqua, Planet Peace, nata da un’idea del giornalista Riccardo Luna e curata insieme a Sara Roversi, Future Food Institute e Cristiano Seganfreddo, FlashArt. La manifestazione, alla sua seconda edizione, si consolida come punto di riferimento per la rigenerazione ecologica e la diplomazia climatica.

 

Planet Aqua, Planet Peace riflette su una prospettiva ancora più ampia e radicale: l’acqua come chiave attraverso cui leggere le grandi trasformazioni contemporanee – dalle città costiere alle filiere alimentari, dalla governance globale all’innovazione tecnologica, fino ai temi della salute, delle migrazioni e della sicurezza. Venezia diventa non solo scenario emblematico della vulnerabilità ambientale contemporanea, ma anche spazio di sperimentazione per immaginare forme innovative di convivenza tra ecosistemi, comunità e sviluppo.

 

Sei giorni, dieci sedi, oltre cento speaker internazionali tra scienziati, policy maker, imprenditori, artisti e attivisti che condividono una riflessione sui nuovi modelli di sostenibilità e sulle strategie in corso attraverso incontri, panel, installazioni, spettacoli, musica, una mostra di fotografia e diversi momenti partecipativi.

 

Qui gli interlocutori di Venice Climate Week 2026:

Benno Albrecht, Giulia Assogna, Bertrand Badré, Cardinal Fabio Baggio, Carlo Barbante, Andrea Barbarella, Federica Barbera, Timothy Beatley, Nicola Berghinz, Pietrangelo Buttafuoco, Francesco Bruni, Carlo Carraro, Stefano Ciafani, Simona Ciancio, Giorgio Cini, Alessandro Codognato, Thomas Crowther, Mario Cucinella, Laura D’Aprile, Paolo D’Aprile, Roberto Danovaro, Massimo Deandreis, Ottavio Dibrizzi, Sandrine Dixson-Decleve, Giuseppe Dodaro, Merijn Dols, Sylvia Earle, Cynthia Echave Martínez, Olafur Eliasson, Khaled El-Enany, Michele Falcone, Giordano Fatali, Ignasi Fontanals, Fabrizio Fonte, Giulia Foscari, Daniele Franco, Fabio Fritelli, Maria Alessandra Gallone, Giulia Genuardi, Enrico Giovannini, Rosalba Giugni, Cristiano Godano, Hanley Ha, Nick Hurd, Licypriya Kangujam, David Laborde, Gabriele Laffranchi, Marco Lambertini, Iñigo Larraya Tejero, Gigi Lazzaro, Lucrezia Lenardon, Stefano Liberti, Piero Lionello, Hunter Lovins, Riccardo Luna, Chiara Luzzana, Kaveh Madani, Laura Maida, Gaetano Manfredi, Maurizio Martina, Giovanna Melandri, Luca Mercalli, Paola Mercogliano, Marianne Mirage, Stefano Monni, Davide Monteleone, Daniele Moretti, Francesco Musco, Paolo Naldini, Iris Nicomedi, Yigyeong Oh, Jan Pachner, Elisa Palazzi, Eugenio Panaro, Marco Paolini, Maria Giovanna Parisi, Gunter Pauli, Massimo Perotti, Francesco Perrini, Gilberto Pichetto Fratin, Telmo Pievani, Fabrizio Pilo, Stefano Pisani, Michelangelo Pistoletto, Paul Polman, Fabio Pompei, Emiliano Ponzi, Kilaparti Ramakrishna, Jeremy Rifkin, Andrea Rinaldo, Edo Ronchi, Gabriele Rossi, Jessika Roswall, Sara Roversi, Sébastien Ruiz, Francesca Santoro, Toshikazu Sawa, Sara Segantin, Lucia Silva, Andrea Sironi, Luca Sofri, Mario Sprovieri, Alberto Stefani, Barbara Tagliaferri, Massimo Tavoni, Elisabetta Tola, Silvia Torresan, Emma Ursich, Ersilia Vaudo, Karmenu Vella, Sebastiano Venneri, Erica Villa, Elisa Zambito Marsala.

 

Sedi: La Casa di The Human Safety Net alle Procuratie in Piazza San Marco, Ocean Space, Università IUAV di Venezia, CNR – Biodiversity Gateway e Arsenale, Teatro Goldoni, Fondazione Giorgio Cini, Casa Sanlorenzo, il centro SEA BEYOND – UNESCO sull’isola di San Servolo e Fabbrica H3 Chiesa Santi Cosma e Damiano alla Giudecca.