Michael Heizer due negativi

 foto di Maris Hutchinson

Sta per concludersi la stupenda mostra che la galleria Gagosian ha dedicato alle due nuove sculture negative di  Michael Heizer, Convoluted Line A e Convoluted Line B  (entrambe del 2024), presso la galleria al 522 West 21st Street, New York. Sono inoltre esposta una piccola selezione di disegni giovanili correlati. Le sculture rappresentano l'apice di una tradizione artistica che risale alle prime sculture all'aperto realizzate da Heizer negli anni '60 nei deserti del Nevada e della California. 

Tra le sculture a linea negativa più complesse dell'artista, Convoluted Line A e Convoluted Line B  sono sinuose strutture in acciaio inserite in un pavimento di cemento rialzato. Curvate con la delicatezza di una linea tracciata, riflettono l'interesse dell'artista per la precisione del segno su scala monumentale e le possibilità della linea come forma scultorea. Concepite pensando agli ampi spazi interni della galleria e collocate l'una rispetto all'altra, si estendono per 26,7 metri di lunghezza e formano un ambiente unitario che incoraggia un'esperienza di fruizione immersiva.

 foto di Maris Hutchinson

La continua ricerca di Heizer sulle possibilità formali di linea, dimensione e spazio negativo ebbe inizio negli anni '60 con tele sagomate composte da passaggi geometrici più chiari e più scuri per suggerire l'assenza e la presenza della forma. Nel 1967, iniziò ad applicare questi concetti alle sculture tridimensionali, scavando nella terra. Tra le prime sculture a linea negativa si annoverano le Nine Nevada Depressions  (1968, non più esistenti), molteplici scavi a forma di anelli, intersezioni, zigzag e linee spezzate che si estendono per 520 miglia di terreno, culminando in Double Negative (1969), due tagli profondi 50 piedi in due pareti di mesa opposte vicino al fiume Virgin in Nevada.

Sebbene le Nine Nevada Depressions si siano deteriorate o siano state smantellate, negli anni '70 Heizer iniziò a realizzarne versioni in acciaio corten. Tra queste figurano Dissipate (1968/1970), Rift (1968/1982) e Isolated Mass/Circumflex (2)  (1968/1978) (Menil Collection, Houston). Tornò anche a lavori precedenti come Compression Line (1968/2016) (Glenstone, Potomac, Maryland), una scultura negativa concava in acciaio con pareti curve costrette a "baciarsi" dalla pressione del terreno circostante, realizzata per la prima volta in legno nel 1968. Le eleganti curve delle nuove opere esposte alla Gagosian culminano la ricerca di Heizer sui limiti fisici dell'acciaio rigido e sul suo conseguente potenziale estetico.
Dal 1970 al 2022, Heizer ha anche realizzato la City . Situata nella parte centro-orientale del Nevada, l'opera comprende tumuli e depressioni delimitati da sinuosi cordoli di cemento. Per vivere appieno la City , i visitatori devono attraversarne il terreno impervio e abbandonarsi alla sua sublime vastità, scala e solitudine. Convoluted Line A e Convoluted Line B  richiamano i percorsi tortuosi della  City ; allo stesso modo, la relazione tra il corpo dello spettatore e la scala delle sculture è fondamentale per il loro impatto sensoriale.

 foto di Maris Hutchinson

Nel 2022, Heizer è stato invitato a partecipare alla costruzione di Wadi AlFann (Valle delle Arti), la nuova destinazione culturale dell'Arabia Saudita, nel deserto di AlUla. Lì installerà una serie di incisioni lineari di dimensioni architettoniche, che si rifanno ai petroglifi scolpiti nella roccia arenaria.

Le Porcellane di Koons

Foto di Maris Hutchinson della mostra di Jeff Koons presso la galleria Gagosian

Il percorso artistico di Jeff Koons si avvia sempre più in una declinazione che potremmo dire post-barocca in cui le forme diventano magma espressivo, lo evidenzia molto bene la recente mostra di sculture e dipinti nuovi, intitolata "Porcelain Series", ora in corso presso la galleria di Gagosian a New York, 541 West 24th Street.

Foto di Maris Hutchinson della mostra di Jeff Koons presso la galleria Gagosian

In queste opere, soprattutto quelle in porcellana, l'artista si avvale di tecniche di produzione contemporanea di alto livello per esplorare concetti consolidati di bellezza; ogni scintillante manufatto è il risultato di un ampio e meticoloso processo di acquisizione e rifinitura digitale, ingegneria meccanica, fresatura, stampa laser, pittura e lucidatura. Le opere completate manifestano l'apprezzamento dell'artista per il modo in cui l'acciaio inossidabile lucidato a specchio combina la resistenza fisica con una maggiore riflettività.

Foto di Maris Hutchinson della mostra di Jeff Koons presso la galleria Gagosian

I Picasso secondo Paloma

2025 estate of Pablo Picasso - foto Owen Conway

Gli spazi della sede di Gagosian in Madison Avenue a New York ospitano una grande mostra su Picasso realizzata con gli eredi dell'artista. Un'occasione per vedere rare opere e materiale documentativo su questo importante artista del secolo scorso. 

2025 estate of Pablo Picasso - foto Owen Conway

Comunicato stampa

Mi vedi qui, eppure sono già cambiato, sono già altrove.
—Pablo Picasso, 1963

Gagosian è lieta di annunciare  Picasso: Tête-à-tête , presentata in collaborazione con la figlia dell'artista, Paloma Picasso. Offrendo un'opportunità unica di ammirare oltre cinquanta dipinti, sculture e disegni raramente esposti, che coprono l'intero arco della carriera dell'artista, dal 1896 al 1972, la mostra includerà quasi una dozzina di opere esposte al pubblico per la prima volta e altre che non venivano esposte da decenni. Tratte in gran parte dal lascito di Picasso, Picasso: Tête-à-tête aprirà il 18 aprile e sarà l'ultima mostra ospitata nella galleria principale di Gagosian, al 980 di Madison Avenue.

Ho avuto la fortuna di presentare più di venti mostre dedicate a Pablo Picasso nel corso della mia carriera, e mi sembra giusto che una mostra di grande successo dedicata all'artista concluda la nostra esperienza al 980 Madison. È incredibilmente emozionante collaborare con Paloma alla sua prima grande mostra internazionale e portare alla luce così tante opere mai esposte prima.  —  Larry Gagosian

Sono stata felicissima quando Larry ha proposto di collaborare a una mostra importante. Mostrare l'opera di mio padre come lui voleva che fosse vista – dialogando tra temi e periodi diversi – è un omaggio appropriato alla sua eredità. Molte delle opere che abbiamo selezionato non sono state esposte da quando mio padre le teneva nel suo studio e vederle riunite insieme a importanti esempi provenienti da altre collezioni sarà un evento davvero speciale.    —   Paloma Picasso

2025 estate of Pablo Picasso - foto Owen Conway

Esistono documenti di due mostre allestite da Picasso stesso, la prima delle quali fu la sua retrospettiva del 1932 alla Galerie Georges Petit di Parigi. In quell'occasione, anziché tentare di dimostrare una tesi accademica o di organizzare una presentazione rigorosamente cronologica, espose insieme opere di epoche e stili diversi, facilitando il dialogo tra loro. Con lo stesso spirito, Picasso: Tête-à-tête  accosta dipinti, sculture e disegni dell'artista proteiforme, incoraggiando gli spettatori a scoprire nuove connessioni e continuità personali. La mostra includerà capolavori provenienti dalla collezione personale di Picasso, insieme ad opere provenienti da altre fonti di rilievo.

Gagosian pubblicherà un catalogo interamente illustrato della mostra, che include una conversazione tra Paloma Picasso e l'artista Peter Doig. È inclusa anche la traduzione di un articolo contemporaneo di Eric Tériade sull'installazione parigina di Picasso del 1932.

Chris Burden da Gagosian a New York

 

Oggi si conclude negli spazi della Galleria Gagosian di New York una approfondita mostra su Chris Burden.

CS

Gagosian è lieta di presentare Cross Communication , una mostra di cimeli, film e opere video di Chris Burden, oltre ad altri materiali che documentano le sue prime esibizioni.

Nelle sue performance e nei suoi lavori audio/video degli anni '70 e '80, Burden ha sfidato i propri limiti mentali e fisici mentre esplorava la costruzione dell'agire e dell'intento. Affascinato dalla mediazione del linguaggio visivo nelle pubblicità televisive e dalle formule di fama che sembravano rappresentare, ha cercato di riflettere la violenza emergente e la complessità della società americana. Impiegando tattiche di guerriglia non convenzionali per mettere in discussione l'ampia accettazione della cultura del consumo, Burden ha messo il pubblico di fronte alla propria colpevolezza morale. E nel corso della sua carriera, è passato da performance in cui il proprio corpo fungeva da medium a spettacolari sculture e installazioni su larga scala, molte delle quali utilizzano parti di giocattoli o veicoli reali.

Molte delle prime esibizioni di Burden vedono l'artista mettersi in situazioni pericolose o scomode che ha investito sia con impatto viscerale che con morso metaforico. Nel filmato Super-8 del famigerato Shoot (1971), viene mostrato mentre viene colpito al braccio sinistro da un amico con un fucile, mentre in 220 (1971), lui e altri tre si appollaiano su scale in una galleria allagata, poi cadono una linea elettrica a 220 volt nell'acqua sottostante. In Back to You (1974), un volontario infila degli spilli nello stomaco e nel piede dell'artista mentre giace sul pavimento di un ascensore, mentre Through the Night Softly (1973) lo trova strisciare attraverso i vetri rotti su Main Street.

Altri film rivelano che Burden si scontra con forze elementali, mette alla prova i suoi poteri di resistenza o semplicemente sfida la fortuna. In Fire Roll (1973), spegne con il suo corpo un paio di pantaloni in fiamme e in Icarus (1973), si alza da sotto due lastre di vetro fiammeggianti. In Velvet Water (1974), fa ripetuti tentativi di respirare liquidi al posto dell'aria, mentre BC Mexico (1973) lo vede sopravvivere per undici giorni solitari su una spiaggia remota. Bed Piece (1972) mostra Burden sdraiato in un letto singolo, dove rimase per circa ventidue giorni; in Deadman (1972), è nascosto sotto un telone nel luogo del tutto più rischioso dell'affollato La Cienega Boulevard di Los Angeles.

Anche le performance di Burden Wiretap (1977), Send Me Your Money (1979) e Atomic Alphabet (c. 1979–80) — qui rappresentate da registrazioni audio — sono documentate da oggetti e da ciò che lui chiamava "reliquie". La fotoincisione The Atomic Alphabet  (1980) elenca ventisei parole relative alla distruzione atomica pronunciate dall'artista durante lo sproloquio del titolo, e una reliquia della performance del 1979 conserva la giacca di pelle che indossava mentre lo faceva. Relics of Solaris  (1980) include un tavolo da gioco e un walkie-talkie che rappresentava il "controllo della missione" durante un'esibizione in cui Burden si tuffava nell'oceano aperto, come se svanisse nello spazio. La reliquia della sua performance del 1971  Disappearingè una vetrina vuota che commemora tre giorni durante i quali è semplicemente scomparso senza preavviso o spiegazione.

TV Ad (1973), la prima delle opere commerciali televisive di Burden, originariamente trasmessa su KHJ-Channel 9 di Los Angeles ogni sera per un mese, include filmati di Through the Night Softly , mentre lo spot di dieci secondi Poem for LA (1975) trasmette i messaggi ancora pertinenti "LA SCIENZA HA FALLITO", "IL CALORE È VITA" e "IL TEMPO UCCIDE". Full Financial Disclosure (1977) regala agli spettatori i dettagli delle entrate e delle spese annuali dell'artista, e Chris Burden Promo (1976) giustappone ironicamente il suo nome a quelli di Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rembrandt, van Gogh e Picasso.

Nel 2022, Gagosian ha pubblicato Poetic Practical: The Unrealized Work of Chris Burden , che documenta sessantasette progetti di varia portata e ambizione che l'artista non è stato in grado di completare durante la sua vita.

Cy Twombly a Los Angeles

 

Gli spazi della galleria Gagosian di Beverly Hills ospitano una stupenda mostra su Cy Twombly. 

CS

Gagosian is pleased to announce an exhibition of paintings, sculptures, and works on paper by Cy Twombly, organized in association with the Cy Twombly Foundation. Marking the first appearance of the artist’s work at the Beverly Hills gallery since Cy Twombly: The Last Paintings in 2012, it gathers art produced in the final decade of Twombly’s life.

Gagosian’s exhibition coincides with Cy Twombly: Making Past Present, at the J. Paul Getty Museum from August 2 through October 30, 2022. The first institutional presentation in Los Angeles dedicated to the artist in nearly three decades, Making Past Present explores Twombly’s engagement with the art, culture, and history of the ancient Mediterranean, and will travel to the Museum of Fine Arts, Boston, in 2023.

Working in Gaeta, Italy, and Lexington, Virginia, Twombly returned to painting at a large scale in the 2000s. The shift followed his 1994 retrospective at the Museum of Modern Art, New York, and the critical success of Lepanto, a suite of twelve paintings first shown at the 49th Biennale di Venezia in 2001. In these works, he adopted a new approach to color with palettes of lush, saturated hues. Slender lines and loops of paint balance expressive dynamism and elegance, while denser strokes evoke the petals of peonies and chrysanthemums. The paintings are imbued with the uninhibited spirit of Bacchanalia and the vivacity of fresh blossoms; at once vital and elegiac, they meditate on poetry, history, and myth.

One highlight is a set of six panels composed with verdant greens and luminous white, Untitled I–VI (Green Painting) (2002–03), which was presented only once before as part of the Metropolitan Museum of Art’s 2016 exhibition Unfinished: Thoughts Made Visible. Also included are Twombly’s works on paper, which blur the distinctions between painting, drawing, and writing, and his sculptures, which extend his concerns with geometry, gesture, and materiality into three dimensions. Assembled from plaster, wood, and scraps found in his studio, these objects suggest fragments of the monumental architectonic and sculptural forms of ancient Egypt, Rome, and Greece. Twombly often painted the sculptures white or cast them in bronze, unifying their disparate forms while retaining the tactility of their surfaces.

A fully illustrated catalogue will accompany the exhibition, with a conversation on Twombly between artists Tacita Dean and Julie Mehretu.

Un 2 Giugno con Gagosian e La Fondazione

Domani, 2 Giugno la galleria Gagosian e La Fondazione si affiancheranno per un continuum d'arte che animerà giorno e notte via Francesco Crispi.

Si svolgeranno 24 ore pensate come un omaggio a Roma e ai suoi abitanti, ma anche un invito a lasciarsi travolgere dall'energia dell'arte.

In questa fase di rinascita e ripartenza Gagosian e La Fondazione si affiancano proponendo per i prossimi mesi, a partire da martedì 2 giugno, un continuum d’arte a coprire l’intero arco delle 24 ore.

Le due istituzioni, grazie alla decisione di condividere una comune intenzione, animeranno per tutta la giornata e la notte via Francesco Crispi dai civici 16 e 18, grazie all’alternanza dell’apertura dei reciproci progetti espositivi, celebrando l’arte contemporanea e il desiderio di ritornare a fruirne in libertà e sicurezza.

A dare il via martedì 2 giugno alle 18.00 La Fondazione che presenterà ogni settimana un artista diverso, appartenente alla generazione nata a cavallo tra anni Ottanta e Novanta del Novecento. Un progetto unboxing tutto da scoprire svelato ogni venerdì precedente sul canale Instagram @LaFondazione_Roma.

Dalle 11.00 di mercoledì 3 giugno raccoglie il testimone Gagosian, dove sarà possibile visitare uno speciale allestimento dedicato alla scoperta dell’opera di Stanley Whitney sino alle 18.00.

Allo spegnersi delle luci di Gagosian al civico 16, si illumina il video de La Fondazione al civico 18, alternandosi in un ciclo continuo di contenuti e arte

Gagosian online

Il sito della galleria Gagosian, ha implementato molto la sezione informativa «Gagosian Quarterly» in particolare l'area «Artist Spotlight», che ogni mercoledì indaga, con diverso materiale, un'artista della galleria.

Continuing Abstraction

Il gruppo Gagosian Gallery parteciperà con un grande stand ad Art Basel, e sponsorizzerà alcuni interventi per la sezione Unlimited ma soprattutto aprirà un progetto espositivo presso il Rheinsprung 1 dal titolo "Continuing Abstraction" con artisti dal dopoguerra a presente.

Si tratta di una grande iniziativa, che durerà dall'11 al 16 Giugno, che conferma il ruolo di forte promotore artistico di questo grande gruppo di distribuzione d'arte mondiale.

CS
Gagosian is pleased to present Continuing Abstraction, a group exhibition opening on the occasion of Art Basel 2019. The exhibition will be held at Rheinsprung 1, Basel.

The exhibition explores the trajectory of abstraction in the United States and Europe from the immediate postwar period to the present, tracing artists’ diverse approaches to materiality and gesture—from the dripped and poured paint of Abstract Expressionism to the multireferential innovations at the forefront of painting today.

The earliest works included are by Willem de Kooning: January (1947–48) and Untitled (1948). These paintings serve as a fulcrum between the observation-based abstraction set in motion by Cubism and Expressionism and the nonobjectivity that characterized much of postwar American abstraction. In de Kooning’s paintings, biomorphic forms appear as fragments that transform into thick painterly strokes; while in Jackson Pollock’s Moon Vibrations (c. 1953–55), the figure disappears entirely, and the canvas becomes a record of an event—the act of painting itself. In Helen Frankenthaler’s With Blue from the same year, the events unfold more slowly, with areas of semitransparent paint soaked into the canvas over time; and in works by Cy Twombly and Robert Ryman from the late 1950s and early ’60s, gesture teeters between legibility and obfuscation, pattern and chaos. Mark Grotjahn’s Untitled (Capri 50.85) (2018) takes repetitive gesture to a new extreme, with its arcs of thick paint evoking sedimentary cross sections or horizonless landscapes.

For Mark Rothko and Brice Marden, the materiality of paint and the evocative nature of color are key, pulling the viewer into seemingly immeasurable voids. The meditative power of color in these works is countered by the measured seriality of Donald Judd’s aluminum wall sculptures and by the delicate and imperfect geometries of Agnes Martin’s untitled canvas completed around 1999, wherein carefully rendered graphite lines create horizontal bands of luminous, pale blue space. In Mary Weatherford’s Ruby, Ruby (2011), a red neon light casts an artificial glow across the canvas, combining the industrial coolness of Minimalism with the unique tactility of Flashe paint, applied in thin transparent layers.

Roy Lichtenstein plays off of the Minimalist trope of the grid in Plus and Minus VI (1988), using the visual idiom of Ben day dot printing, hand-painted, to evoke Piet Mondrian’s geometric compositions. This spirit of art historical reference and translation continues in works by Joe Bradley and Albert Oehlen, who combine prior modes of abstraction in order to reconsider the distinctions between genre and media, spontaneity and calculation.

More than just a demonstration of formal possibilities, this exhibition attests to the ways in which abstraction has allowed artists to charge even the most basic compositional structures with new meaning. The vertical bands in Theaster Gates’s Civic Study in Yellow (2017) echo the thick, columnar strokes of black etching ink in Richard Serra’s works on paper. However Gates’s assemblage derives its color and form not from art but from reality: utilizing decommissioned fire hoses as a pointed reference to use of brutal force by authorities to subdue Black Americans in civil rights demonstrations. In this way, Gates returns us to the question of objectivity that de Kooning’s corporeal abstractions seem to grapple with: can abstraction ever be detached from lived experience?

The exhibition will be accompanied by an illustrated catalogue, with an essay by art historian Sydney Stutterheim.

A Roma Gagosian propone Sarah Sze

Sarah Sze, Untitled , 2018 (Dettaglio). Olio, acrilico, carta d'archivio, stabilizzatori UV, adesivo, scotch, inchiostro e polimeri acrilici, gommalacca, vernice ad acqua su legno. Courtesy Sarah Sze e Gagosian Nell’era dell’immagine, un dipinto è una scultura. Una scultura è un segno nel tempo.— Sarah Sze La sede romana di Gagosian presenta, per la stagione autunnale, una mostra di nuove opere dell’artista americana Sarah Sze, la prima in Italia dopo le sue partecipazioni alla Biennale di Venezia nel 2013 come rappresentante degli Stati Uniti e nel 2015 nella mostra principale. L’arte di Sze utilizza vere e proprie strutture generative, nelle quali intricati sistemi di elementi uniscono costellazioni di immagini attraverso molteplici dimensioni e medium, dalla scultura alla pittura, al disegno, all’incisione e alla video-installazione. Operando su un’inesauribile scorta di materiale tratto dalla vita quotidiana, Sze, nota per aver trasformato radicalmente le possibilità della scultura, analizza l’aspetto e la natura di tutto ciò con cui viene a contatto e lavora per proteggerli, alterarli o amplificarli. Allo stesso modo le sue immagini, selezionate tra innumerevoli fonti primarie e secondarie, mutano nel passaggio dallo schermo adattandosi ad ogni altra forma di supporto fisico, o semplicemente manifestandosi come luce. Con una video installazione, l’ultima della serie Timekeeper iniziata nel 2015, Sze trasformerà l’ovale della galleria in una grande “lanterna magica”, un ambiente immersivo sospeso tra i mondi della scultura e del cinema. In queste indagini sull’immagine in movimento, allo stesso tempo comunicative ed intime, Sze esplora tempo, spazio, distanza e costruzione del ricordo tramite un flusso ipnotico di immagini proiettate, sia personali che trovate. Come una sorta di “Caverna di Platone” il nuovo lavoro confronta il visitatore da diversi punti di vista simultaneamente: immagini in movimento di persone, animali, scene e azioni accadono, baluginando ed orbitando casualmente, come avviene nel pensiero o nella vita stessa. La luce si materializzerà anche tramite macchie di colore applicate direttamente dall’artista sul pavimento come opera in situ: un trait d’union tra l’ovale oscurato trasformato in video gallery e lo spazio attiguo destinato ai dipinti realizzati di recente. In questa nuova serie di dipinti Sze ha adattato la sensibilità del suo linguaggio scultoreo alle caratteristiche del supporto piano del collage. Con delicati ma corposi strati di pittura, inchiostro, carta, stampe e oggetti, le tre dimensioni della scultura aderiscono alla bidimensionalità del collage. Qui il colore trae le sue energie sostanziali tanto dall’essenza stessa delle immagini trovate quanto dalla pittura e dall’inchiostro. Superfici statiche, macchie e vortici cosmici emergono dal materiale d’archivio e dal lavoro quotidiano dell’artista nel suo studio in infinite mutazioni visive che collidono e si sovrappongono in un’abbondanza di dettagli.A novembre Sze presenterà in galleria la sua prima scultura da esterno, un grande masso di pietra diviso a metà come un geode. Su ciascuna superficie un cielo al tramonto evoca le immagini presenti in alcune pietre cinesi gongshi e nei soggetti spirituali del Rinascimento. Per l'occasione la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma ospiterà venerdì 12 ottobre alle ore 19:00 l'artista in una conversazione con il noto curatore e scrittore Okwui Enwezor. La conversazione si terrà in lingua inglese. Sze e Enwezor hanno instaurato negli anni una collaborazione proficua che include importanti progetti quali la partecipazione di Sze a All the World’s Futures, mostra principale della 56a Biennale di Venezia (2015) e Centrifuge, installazione site-specificall’Haus der Kunst di Monaco di Baviera nel 2017. Nel dialogo incluso nella monografia sul lavoro di Sze, pubblicata da Phaidon nel 2016, l’artista e Enwezor discutono della relazione tra scultura e architettura, e delle molteplici influenze ed esperienze che alimentano le opere multimediali dell’artista. Due anni dopo, Sze e Enwezor rivisiteranno ed amplieranno questi argomenti alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, in occasione della prima mostra personale dell’artista in una galleria in Italia, e alla luce delle nuove interessanti direzioni intraprese dal suo lavoro. Sarah Sze è nata a Boston nel 1969 e vive e lavora a New York. Il suo lavoro è incluso nelle seguenti collezioni: Museum of Modern Art, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Museum of Contemporary Art, Chicago; San Francisco Museum of Modern Art; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; e Fondation Cartier pour l’art contemporain, Parigi. Tra le recenti mostre personali si annoverano Triple Point , Padiglione USA, 55a Biennale di Venezia (2013, poi esposta al Bronx Museum of the Arts, New York, nel 2014); Fabric Workshop and Museum, Philadelphia (2013–14); 56a Biennale di Venezia (2015); 5a Triennale di Guangzhou, Cina (2015); Sarah Sze : Timekeeper , Rose Art Museum, Brandeis University, Waltham, MA (2016, poi in mostra al Copenhagen Contemporary, Danimarca, nel 2017); Triennale ARoS, Aarhus, Danimarca (2017); e Centrifuge , Haus der Kunst, Monaco di Baviera (2017). Sze è stata insignita del MacArthur Fellowship nel 2003 e del Radcliffe Fellowship nel 2005, e da quest’anno è membro dell’American Academy of Arts and Letters. Le sue commissioni pubbliche includono Still Life with Landscape (Model for a Habitat) , Ekebergparken, Oslo (2011); e Blueprint for a Landscape , Metropolitan Transportation Authority, commissione per la metropolitana di New York (2016). Il 19 novembre 2018 un’importante installazione,Seamless (1999), sarà inaugurata alla Tate Modern, Londra. SARAH SZE 13 ottobre 2018 – 12 gennaio 2019 Inaugurazione: sabato 13 ottobre, 18:00 – 20:00 Gagosian, via Francesco Crispi 16, Roma Talk: Sarah Sze/Okwui Enwezor venerdì 12 ottobre, 19:00 Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea viale delle Belle Arti 131, Roma #SarahSze #GagosianRoma #Gagosian

Gagosian on line nei giorni di Frieze

Gagosian gioca sempre di più la carta multimediale anche nei giorni di Frieze lanciando l'iniziativa di https://gagosianviewingroom.com/ che per otto giorni, dal 1 all'8 Ottobre attiva una vendita online visitabile direttamente dal sito . 

Ora son già più di 50.000 le visualizzazioni ma sicuramente sarà un successo, forse anche di vendita.

Ma se siete più tradizionalisti allora potete andare a visitare la fiera di Frieze mentre nei suoi spazi londinesi propone Urs Fischer con il dolce omaggio alla collezionista Dasha o la proposta più storica  con Chris Burden, mentre oggi inaugura la mostra su Joe Bradley.

Garage Italia per Gagosian a Milano

Il modernissimo Garage Italia, recentemente rinnovato dall’ architetto Michele De Lucchi, nella settimana del mobile milanese sviluppa una nuova iniziativa di promozione artistica in collaborazione col gruppo Gagosian, una mostra di Blair Thurman, titolata "Nell’acqua azzurra”, che si inaugurerà il prossimo 16 Aprile.

CS

"Blair Thurman: Nell’Acqua Azzurra" at Garage Italia, Milano, Milan, Italy.

On view April 17 through May 17, 2018.

There has to be something nominally personal, autobiographical . . . I try to put a little soul into my work, which is, I guess, a very old-fashioned idea, like preferring a used car to this year’s model.

—Blair Thurman

Garage Italia and Gagosian are pleased to present “Blair Thurman: Nell’Acqua Azzurra,” the American artist’s first solo exhibition in Milan. This unique collaboration between Garage Italia and Gagosian is part of a long tradition of exchange between fine art and the automobile industry, from the Italian Futurist movement at the beginning of the twentieth century to the work of modern and contemporary artists including Alexander Calder, John Chamberlain, Roy Lichtenstein, and Andy Warhol.

Thurman’s influences range from Pop art and Minimalism to relics from childhood, popular music, and 1970s cinema. His standardized forms, pulled from slot-car racetracks, architectural frameworks, and found shapes from daily life take on a nostalgic register, the fascinations of boyhood working to render abstract geometries more idiosyncratic and accessible. Thurman transposes the formal details of these everyday objects into the subliminal realm of abstraction.

Lapo Elkann opened Garage Italia in Milan in November 2017 in the iconic former petrol station Agip Supercortemaggiore, restored by Michele De Lucchi. Creativity, design, and Italian excellence gather together in the headquarters of this creative hub, which also houses a café and a restaurant by Michelin Star Chef Carlo Cracco. Garage Italia conceives of and develops automotive and tailor-made projects, products, and unique experiences for brands, businesses and private customers, serving as a creative platform for the intersection of motion, art, and style.

Blair Thurman was born in 1961 in New Orleans, Louisiana, and currently lives and works in New York. He received his BFA from the Nova Scotia College of Art and Design, Canada, and his MFA from the University of Massachusetts at Amherst. His work is featured in the collections of the Centre national des arts plastiques, Paris; Fonds régional d’art contemporain, France; and the Syz Collection, Switzerland. Recent solo exhibitions include Le Magasin—Centre National d’Art Contemporain, France (2014); and “Honeybadgers,” Oklahoma City Museum of Art (2015). Thurman’s work was included in the 46th Biennale di Venezia in 1995.

I nuovi pallini di Damien Hirst da Gagosian

I pallini ordinati e intesi sono stati una delle cifre di grande successo dell'artista Damien Hirst, che ora però, ha aggiornato in uno stile più libero e cromatico, in puro stile Pointillista, praticamente un omaggio a Georges Seurat, una marea di colori che paiono perfetti per le case più eleganti. 

Prima grande mostra di questa nuova serie dal suo vecchio amico Gagosian, nei stupendi locali di Los Angeles, che dire, sicuramente sarà un grande successo commerciale! 

CS

A veil is a barrier, a curtain between two things, something that you can look at and pass through, it’s solid yet invisible and reveals and yet obscures the truth, the thing that we are searching for.

—Damien Hirst

Gagosian will present Damien Hirst’s latest series, “The Veil Paintings” as the 2018 Oscars show, a much-anticipated annual fixture in the Los Angeles cultural calendar. Hirst’s last exhibition in Los Angeles was “The Complete Spot Paintings” in 2012.

Following “Treasures from the Wreck of the Unbelievable,” his highly ambitious sculpture exhibition at the Palazzo Grassi and Punta della Dogana in Venice last year, Hirst was drawn towards the immediacy of painting and a return to the studio. This new series takes the Visual Candy paintings of the 1990s as a point of departure and embraces color and gestural painting on a large scale. Referencing both Impressionism and Abstract Expressionism, “The Veil Paintings” layer brushstrokes and bright dabs of heavy impasto, enveloping the viewer in vast fields of color.

Inspired partly by the Pointillist innovations of Georges Seurat and the post-Impressionist paintings of Pierre Bonnard, Hirst continues his examination of color and its effect on the eye in “The Veil Paintings.” While in the Spot Paintings and Medicine Cabinet series, his use of color was contained within the formality of the grid and the minimalist pharmaceutical packaging, here it is given free reign, with joyous results.

“The Veil Paintings” coincides with “Colour Space,” a solo exhibition of new paintings from 2016 and sculptures at Houghton Hall in Norfolk, England (March 25–July 15, 2018).

Damien Hirst was born in 1965 in Bristol, England, and lives and works in London and Devon. Collections include The Broad, Los Angeles; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Museum of Modern Art, New York; Museo Jumex, Mexico City; Tate, London; Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main; Museum Brandhorst, Munich; Museo d’Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), Naples; Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), Madrid; Stedelijk Museum, Amsterdam; Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst, Oslo; Gallery of Modern Art (GoMA), Glasgow; Israel Museum, Jerusalem; National Centre for Contemporary Arts (NCCA), Moscow; and 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. Institutional exhibitions include “For the Love of God,” Rijksmuseum, Amsterdam (2008, traveled to the Palazzo Vecchio, Florence in 2010); “No Love Lost,” Wallace Collection, London (2009); “Requiem,” PinchukArtCenter, Kiev (2009); “Cornucopia,” Oceanographic Museum of Monaco (2010); Tate Modern, London (2012); “Relics,” Qatar Museums Authority, Al Riwaq, Qatar (2013); “Signification (Hope, Immortality and Death in Paris, Now and Then),” Deyrolle, Paris (2014); Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo (2015); “Damien Hirst: New Religion,” Museum of Contemporary Art of Republika of Srpska, Banja Luka, Bosnia & Herzegovina (2016, traveled to Museum of Contemporary Art Vojvodina, Novi Sad, Serbia); “Damien Hirst: The Last Supper,” National Gallery of Art, Washington, DC (2016); and “Treasures from the Wreck of the Unbelievable,” Palazzo Grassi and Punta della Dogana, François Pinault Foundation, Venice (2017). Hirst received the Turner Prize in 1995.

For further information please contact the gallery at losangeles@gagosian.com or at +1.310.271.9400. All images are subject to copyright. Gallery approval must be granted prior to reproduction. 

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Anselm Kiefer e Carsten Höller​ da Gagosian a New York

A New York la Gagosian Gallery propone negli spazi al 522 di West 21st Street una raccolta di opere di Anselm Kiefer raccolte sotto il titolo "Transition from cool to warm".

Mentre al 555 di West 24th Street c'è la grande istallazione "Reason" di Carsten Höller​.

CS

What interests me is the transformation, not the monument. I don't construct ruins, but I feel ruins are moments when things show themselves. A ruin is not a catastrophe. It is the moment when things can start again.

—Anselm Kiefer

Gagosian is pleased to present new paintings, artists’s books, and watercolors by Anselm Kiefer. 

Employing broad-ranging and erudite literary sources, from the Old and New Testaments to the poetry of Paul Celan, Kiefer’s oeuvre makes palpable the movement and destruction of human life and, at the same time, the persistence of the delicate, lyrical, or divine.

Central to the exhibition are more than forty unique artists’s books, their pages painted with gesso to mimic marble, displayed in an installation of glass vitrines. Erotically charged female nudes and faces emerge from the pages. Artists’s books are an integral part of Kiefer’s oeuvre; over time they have ranged in scale from the intimate to the monumental, and in materials, from lead to dried plant matter. In this selection of books, the sequences of narrative information and visual effect evoke the fragile endurance of the sacred and the spiritual through the female figures on the marbled pages. They are a reminder perhaps of the sculptures of Auguste Rodin, and even of Michelangelo’s belief that his figures were “freed” from the stone with which he worked.

The large array of new watercolors in this exhibition marks a significant return in Kiefer's work to the elusive and sensuous medium. The exhibition’s title, “Transition from Cool to Warm,” refers to a celebrated book of watercolors that he produced from 1974 to 1977, in which cool, blue marine land and seascapes transform into warm female nudes. Kiefer's fascination for eidetic process, rather than teleological outcome is underscored by the alchemical effects he achieves in these new works—aleatory, and as luminescent as the natural forms they evoke.

The watercolors and books are complemented by romantic landscape paintings, in which lakes can be glimpsed through screens of trees or where surfaces of splashed molten lead peel back to reveal the sea or landscape depicted beneath.

“Transition from Cool to Warm” is accompanied by a fully illustrated publication with essays by Karl Ove Knausgaard and James Lawrence, and an interview with Kiefer by Louisa Buck.

Anselm Kiefer was born in 1945 in Donaueschingen, Germany, and lives and works in France. His work is collected by museums worldwide. Recent institutional exhibitions include Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Denmark (2010); “Shevirat Hakelim,” Tel Aviv Museum of Art, Israel (2011); “Beyond Landscape,” Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (2013); Royal Academy of Arts, London (2014); “L’Alchimie du livre,” Bibliothèque nationale de France, Paris (2015); Centre Georges Pompidou, Paris (2015). In 2009, he directed and designed the sets for Am Anfang (In the Beginning) at the Opéra national de Paris. “Kiefer Rodin” will be on view at the Musée Rodin, Paris until October 2017, subsequently traveling to the Barnes Foundation, Philadelphia. In November 2017, Kiefer will receive the J. Paul Getty medal for his contribution to the arts.

CS

I start with a formula to get a process going, then the formula takes over and continues into infinity on its own. It is not about creative decisions anymore; there is no choice, only reason.

—Carsten Höller

Gagosian is pleased to present “REASON,” an exhibition of recent work by Carsten Höller, his first in New York since “Experience” at the New Museum in 2011.

Giant mushrooms, mirrored revolving doors, abstract paintings, hyperreal little fishes, an environment for children in the form of a huge dice: Höller unites art, play, and phenomenology to transform the gallery into a laboratory that is equal parts rationality and incomprehensibility. Trained in the natural sciences, he has long been fascinated by the methods through which we seek to understand the world, studying the unique attributes and behaviors of humans, fungi, insects, and animals by imposing standardized systems of logic. Revolving Doors (2004/16), constructed according to triadic division, engulfs the viewer in a mise-en-abîme of ever-changing, turning reflections. Beyond this, the overall scheme for the two galleries is predicated on binary, asymptotic division—with color gradations, light intensity, and the placement of the works themselves following a pattern of diminishing halves. The Divisions paintings, as well as the murals that fully cover two adjacent walls of the gallery, follow this same logic. Divisions (Rose-grain Aphid and Surface) (2017) provides the geometric structure with a biological equivalent, revealing the parthenogenesis of a female rose aphid against a red background. The aphid produces offspring autonomously through division, while the vivid red sections become smaller and less intense, moving from left to right.

The Giant Triple Mushroom (2014–15) sculptures—an organic corollary to the planar environment of the Revolving Doors—combine enlarged cross-sections of three different fungal species, hybrids that seem at once empirical and surreal. Fly agaric mushrooms always make up at least half of these sculptures, with two other species attached in quarters; like many of Höller’s topics, they are both formally and conceptually captivating, as incarnations of “irrationality with a method.” When ingested, fly agaric mushrooms can induce hallucinogenic effects—as seen in Muscimol 3. Versuch(1997), an early video that Höller made while under the influence. Flying Mushrooms (2015) is a giant stabile with moving parts, which turns when its lowest arm is pushed, causing a crop of seven fly agaric replicas to orbit slowly through the air, exemplifying their name. Each mushroom is cut vertically down the middle, then reassembled so that one half is upright and the other upended, the distinctive white-spotted red caps spinning like propellers at either end of their stems. Eliminating subjectivity, Höller instead allows divisional formulae to determine each composition. He searches for reason only to escape or disprove it, providing a model for infinity through dispassionate yet exquisite symmetry.