Etel Adnan

"Au coeur du silent", Galerie Lelong, 19 marzo - 7 maggio 2026 © Nicolas Brasseur

La galleria Lelong propone una mostra sull'artista Etel Adnan, che si avviò già all' iniziò al disegno, quando era in California nell'autunno del 1959 su piccoli ritagli di carta, utilizzando pastelli e matite colorate avanzati. La sua amica Ann O'Hanlon, collega e insegnante d'arte al Dominican College di San Rafael, le aveva praticamente imposto di dedicarsi al disegno se voleva continuare a insegnare estetica. Quando vide i primi risultati, Ann ne fu piena di ammirazione e disse a Etel che in fondo non aveva più nulla da insegnarle e che poteva intraprendere una carriera artistica.

Per 60 anni, Etel Adnan ha continuato a lavorare su carta. Utilizzando inchiostro di china, matite, pastelli a olio, acquerelli e guazzo, ha sperimentato numerose tecniche, applicandole a fogli bianchi o colorati, leporelli e persino carte asiatiche. Montagne, naturalmente, ma anche astrazioni cosmiche, ciotole di frutta, fiori, orizzonti, collage geometrici... I soggetti abbondano in questa parte essenziale del suo lavoro, che è stata esposta relativamente poco, in particolare le opere realizzate durante il suo primo soggiorno in America.

Nella mostra sono inclusi anche due arazzi, poiché è importante ricordare che furono realizzati da artigiani sulla base di un "cartone" prodotto su carta dall'artista in preparazione alla tessitura.

Per celebrare il centenario della nascita di Etel Adnan lo scorso anno, la Galerie Lelong di New York ha organizzato la prima retrospettiva della sua opera su carta negli Stati Uniti. Questa nuova mostra a Parigi offre ai visitatori la possibilità di scoprire alcune opere mai esposte prima.

"Au coeur du silent", Galerie Lelong, 19 marzo - 7 maggio 2026 © Nicolas Brasseur

L'artista, poetessa e saggista libanese-americana Etel Adnan è nata a Beirut nel 1925. Da documenta13 nel 2012, la sua opera pittorica ha ottenuto riconoscimenti internazionali. Le opere di Etel Adnan sono presenti in numerose collezioni, tra cui il MNAM – Centre Pompidou, Parigi; Mathaf, Doha, Qatar; MoMA, New York; M+, Hong Kong; Royal Jordanian Museum, Amman; MACAM Tunisi; Sursock Museum, Beirut; Institut du monde arabe, Parigi; British Museum, Londra; Tate Gallery, Londra; World Bank Collection, Washington DC; Museo Nazionale delle Donne nelle Arti, Washington DC; SFMOMA, San Francisco; Museo Solomon R. Guggenheim, New York.

Alexander Calder a Parigi

ALEXANDER CALDER, « Oggetti dispersi con gong di ottone », 1948

Laiton, feuille de métal, fil de fer et peinture, 48,3 x 167,6 cm. Collezione Shirley Family Calder, donazione promessa al Seattle Art Museum. © 2026 Calder Foundation, New York / ADAGP, Parigi. Per gentile concessione di Calder Foundation, New York / Art Resource, New York

Fra poche settimane prende avvio una grande mostra in occasione del centenario di Alexander Calder  a Parigi presso lo spazio della Fondazione Louis Vuitton in Francia, e del cinquantesimo anniversario della sua morte, dal titolo “Calder. Rêver en Equilibre”.

Questa mostra ripercorre mezzo secolo di attività creativa, dalla fine degli anni '20 e dalla prima messa in scena degli spettacoli del Cirque Calder che affascinarono l'avanguardia parigina, fino alle sculture monumentali che ridefinirono l'arte pubblica negli anni '60 e '70. Alla Fondation, i mobile di Calder – sospesi all'interno dell'architettura di Frank Gehry – trasformano la mostra in una danza coreografata.

Una delle mostre più importanti mai dedicate ad Alexander Calder, “ Calder. Rêver en Equilibre ” è stata concepita in stretta collaborazione con la Fondazione Calder, principale prestatrice. L'esposizione comprende anche prestiti da istituzioni internazionali e importanti collezionisti privati, riunendo quasi 300 opere: stabili e mobile – per usare la terminologia calderiana per astrazioni statiche e cinetiche – così come ritratti in filo metallico, figure in legno intagliato, dipinti, disegni e persino gioielli, concepiti come sculture uniche. Lungo un percorso cronologico che si estende su oltre 3.000 m², la mostra metterà in luce le tematiche artistiche fondamentali di Calder: il movimento prima di tutto, ma anche la luce, il riflesso, i materiali umili, il suono, l'effimero, la gravità, la performance e l'interazione tra spazio positivo e negativo.

Intorno ai venticinque anni, Alexander Calder riscoprì la tradizione artistica della sua famiglia (figlio di un pittore e scultore, nipote di uno scultore) dedicandosi inizialmente alla pittura e al disegno. Dopo aver studiato all'Art Students League di New York, si trasferì a Parigi nel 1926. Nel quartiere di Montparnasse, allora epicentro del mondo artistico internazionale, entrò rapidamente a far parte di una fiorente comunità creativa. Lì presentò opere innovative – sculture figurative e minimaliste in filo metallico che riscossero il plauso della critica – e un circo in miniatura. Grazie a un prestito eccezionale del Whitney Museum of American Art, il primo in 15 anni, il Cirque Calder torna a Parigi, la città in cui nacque. Al centro di questa innovativa performance artistica, Calder orchestrava acrobati, clown e cavalieri in miniatura per un pubblico sempre più numeroso. Tra gli spettatori figuravano Fernand Léger, Jean Hélion, Le Corbusier, Jean Arp, Joan Miró e Piet Mondrian.

Foto di Ugo Mulas

La visita di Calder allo studio di Mondrian nel 1930, dove rimase profondamente colpito dall'installazione ambientale, segnò una svolta decisiva verso l'astrazione, prima nella pittura e poi nella scultura. Marcel Duchamp suggerì il termine "mobile" nel 1931 per le composizioni astratte cinetiche di Calder, presentate dall'artista nel 1932 alla Galerie Vignon di Parigi. Inizialmente azionate meccanicamente e in seguito messe in movimento dalla minima brezza, queste opere traevano " la loro vita dalla vita indistinta dell'atmosfera ", come scrisse Jean-Paul Sartre nel 1946. In particolare, in risposta alla terminologia di Duchamp, Arp propose il termine "stabile" per gli oggetti statici di Calder dei primi anni Trenta.

Sebbene Calder fosse tornato negli Stati Uniti nel 1933, continuò a viaggiare in Europa, partecipando in particolare al Padiglione della Repubblica Spagnola nel 1937 insieme a Miró e Picasso. Dopo la guerra tornò in Francia e nel 1953 aprì uno studio nel piccolo borgo di Saché, nella Valle della Loira. Con un piede in ciascun paese, Calder ampliò la definizione stessa di scultura fino alla sua morte nel 1976. Attraverso il movimento, certamente, ma anche attraverso un vocabolario dinamico impiegato su tutte le scale – da delicati assemblaggi metallici animati dal minimo soffio a costruzioni monumentali – creò sculture non oggettive che esistevano simultaneamente in parallelo con la natura. Come commentano Dieter Buchhart e Anna Karina Hofbauer, curatori ospiti della mostra: " L'approccio innovativo di Calder ha ampliato le dimensioni della scultura fino a includere il tempo come quarta dimensione essenziale " .

Chiaroscuro

La Bourse de Commerce attingendo a un centinaio di opere della Collezione Pinault – e, per la prima volta, a diverse opere moderniste – propone la mostra Clair-obscur esplora l'eredità del chiaroscuro e la sua risonanza nel presente.

Il progetto prende avvio dalla frase del filosofo Giorgio Agamben «Il contemporaneo è colui che fissa saldamente lo sguardo sul proprio tempo per percepirne non la luce, ma l'oscurità. Tutte le epoche, per chi vive la contemporaneità, sono oscure. Il contemporaneo è proprio colui che sa vedere questa oscurità, che è capace di scrivere intingendo la penna nell'oscurità del presente»

La mostra trae ispirazione per l'idea e dalla tecnica del chiaroscuro, emersa per la prima volta nei dipinti manieristi e barocchi del XVI secolo, in particolare nelle opere di Caravaggio, che ne intensificò l'uso, immergendo il mondo terreno in una profonda oscurità penetrata da raggi di luce che accentuano il senso di tensione drammatica e gli interrogativi spirituali alla base dei suoi dipinti. In continuazione di questo viaggio nel cuore delle tenebre, Goya ha espresso tutta l'oscurità dell'umanità nelle sue opere, e il chiaroscuro da lui perfezionato continua a influenzare le opere contemporanee con il suo senso di profondità e mistero.

Joseph Cornell a Parigi

The House on Utopia Parkway: studio di Joseph Cornell ricreato da Wes Anderson (foto di Thomas Lannes; tutte le immagini © 2025 The Joseph and Robert Cornell Memorial Foundation/Concesse in licenza da VAGA presso Artists Rights Society (ARS)
 

A Parigi presso la galleria Gagosian è in corso un interessante progetto espositivo ideato col noto regista Wes Anderso, si tratta della mostra "The House on Utopia Parkway: Joseph Cornell's Studio Re-Created by Wes Anderson".

CS

Una mostra ideata dal curatore Jasper Sharp e dall'acclamato regista americano. Aperta lo scorso 16 dicembre 2025, la mostra porta lo studio newyorkese dell'artista nel cuore di Parigi, trasformando la galleria al numero 9 di rue de Castiglione in un tableau meticolosamente allestito – in parte capsula del tempo, in parte scatola delle ombre a grandezza naturale – per la prima presentazione personale dell'opera di Cornell a Parigi in oltre quarant'anni.

Joseph Cornell (1903-1972) non sapeva disegnare, dipingere o scolpire e non ricevette alcuna educazione artistica formale, eppure produsse uno dei corpus di opere più originali e straordinari di qualsiasi artista del XX secolo. Sebbene non avesse mai lasciato gli Stati Uniti, la città di Parigi viveva vividamente nella sua immaginazione. Vagava per le sue strade tra cartoline, guide turistiche e conversazioni con l'amico Marcel Duchamp, e dedicò decine di opere d'arte ai suoi poeti, palazzi e protagonisti storici. Nella modesta casa di famiglia in Utopia Parkway nel Queens, a New York, che condivideva con la madre e il fratello, lavorava in uno studio seminterrato pieno di scaffali pieni di scatole da scarpe e barattoli imbiancati, pieni di oggetti raccolti durante le sue incursioni tra librerie di Manhattan, negozi di antiquariato e negozietti di quartiere. Si riferiva a questa collezione di stampe, piume, mappe, biglie, giocattoli, conchiglie e altri oggetti effimeri come al suo "reparto pezzi di ricambio". Ha fornito la materia prima per collage intricati, assemblaggi e shadow box che avrebbero influenzato generazioni di artisti, da Yayoi Kusama, Robert Rauschenberg, Betye Saar, Carolee Schneemann e Andy Warhol a molti artisti contemporanei.

The House on Utopia Parkway: studio di Joseph Cornell ricreato da Wes Anderson (foto di Thomas Lannes; tutte le immagini © 2025 The Joseph and Robert Cornell Memorial Foundation/Concesse in licenza da VAGA presso Artists Rights Society (ARS)

È questo mondo che Anderson e diversi suoi collaboratori di lunga data, insieme alla curatrice della mostra Cécile Degos, danno ora vita a Parigi attraverso oltre trecento oggetti e curiosità provenienti dalla collezione personale di Cornell. In questa suggestiva cornice, sono esposti diversi esempi delle shadow box dell'artista – poetici reliquiari della memoria e dell'immaginazione – tra cui Pharmacy (1943), un tempo di proprietà di Teeny e Marcel Duchamp, ispirata a un antico mobile da farmacia. Untitled (Pinturicchio Boy) (c. 1950), un'opera iconica della celebre serie Medici di Cornell , incornicia dietro un vetro color ambra diverse riproduzioni del Ritratto di ragazzo di Bernardino Pinturicchio (c. 1480-82), accostandole a mappe stradali italiane e giocattoli di legno. "Un camerino per Gille" (1939) rende omaggio al Pierrot (1718-19) di Jean-Antoine Watteau, noto anche come Gilles , conservato al Musée du Louvre, a pochi passi dalla galleria. E "Blériot II" (c. 1956) rende omaggio a Louis Blériot, l'inventore francese che fu il primo a compiere un volo a motore attraverso la Manica. Accanto a queste opere, si trovano prestiti dal Joseph Cornell Study Center dello Smithsonian American Art Museum di Washington, DC, tra cui una serie di scatole incompiute dell'artista che offrono un raro scorcio sul suo processo creativo.

La Casa di Utopia Parkway  può essere ammirata attraverso la finestra della galleria che si affaccia sulla strada, trasformando lo spazio in una scatola di Cornell a grandezza naturale. Illuminata soffusamente dall'interno, ricorda le molte ore che Cornell trascorse a lavorare fino a tarda notte.

Nel numero invernale di Gagosian Quarterly , Sharp presenta il resoconto di Sarah Lea sui visitatori dello studio di Cornell, tra cui Tony Curtis, John Lennon, Susan Sontag e Billy Wilder, oltre a numerosi artisti.

The House on Utopia Parkway: studio di Joseph Cornell ricreato da Wes Anderson (foto di Thomas Lannes; tutte le immagini © 2025 The Joseph and Robert Cornell Memorial Foundation/Concesse in licenza da VAGA presso Artists Rights Society (ARS)

Joseph Cornell nacque nel 1903 a Nyack, New York, e morì nel Queens, New York, nel 1972. Le sue opere sono presenti nelle collezioni del Centre Pompidou di Parigi, della Tate di Londra, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, del Museum of Modern Art di New York, della National Gallery of Art di Washington, DC, dell'Art Institute of Chicago e del Los Angeles County Museum of Art. Cornell espose per la prima volta alla Julien Levy Gallery di New York, nella storica mostra del 1932 "Surréalisme" . Le sue opere sono state esposte anche al Pasadena Art Museum (1966-67), al Museum of Modern Art di New York (1980-81, poi alla Whitechapel Gallery di Londra, alla Kunsthalle di Düsseldorf, Germania, a Palazzo Pitti di Firenze, Italia, al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris e all'Art Institute of Chicago, 1981-82); Navigating the Imagination , Smithsonian American Art Museum, Washington, DC (2006–07); Wanderlust , Royal Academy of Arts, Londra (2015, trasferita al Kunsthistorisches Museum, Vienna, 2015–16); e Birds of a Feather , Metropolitan Museum of Art, New York (2018). 

Lo sceneggiatore, regista e produttore  Wes Anderson è nato nel 1969 a Houston, in Texas. Tra i suoi film figurano Bottle Rocket (1996), Rushmore (1998), I Tenenbaum (2001), Le avventure acquatiche di Steve Zissou  (2004), Il treno per il Darjeeling (2007), Fantastic Mr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012), Grand Budapest Hotel (2014), Isle of Dogs (2018), The French Dispatch (2021) e Asteroid City (2023), oltre alla raccolta di cortometraggi The Wonderful Story of Henry Sugar and Three More (2024). Il suo ultimo film è The Phoenician Scheme , distribuito quest'anno da Focus Features.

Parallelamente alla mostra, il 21 novembre 2025 verrà inaugurata al Design Museum di Londra una mostra che ripercorre la carriera cinematografica di Anderson fino a oggi, esponendo oggetti di scena, costumi e altri oggetti provenienti dal suo archivio personale.

Musée Picasso 2030

Foto ©Museo Picasso - Voyez-Vous (Chloe Vollmer-Lo)

Parigi si rinnova e dopo le recenti notizie sul futuro Louvre e sui lavori avviati per il  rinnovo del Centre Pompidou e la volta del Musée Picasso che amplierà i suoi spazi con un grande giardino con sculture e la realizzazione di una nuova ala per le mostre temporanee. 

Il tutto grazie alla collaborazione fra enti pubblici e privati, con l'obiettivo di trasformare il museo in un centro più dinamico e comunitario, con nuovi servizi come un caffè e la riorganizzazione dell'area pedonale e dei giardini. 

Jean Dubuffet e l'Hourloupe

A Parigi la galleria Opera propone una interessante mostra dal titolo  "Jean Dubuffet: L'Hourloupe et son sillage (1962–1982)",  dedicata a una delle figure più influenti dell'arte del XX secolo. In concomitanza con la Paris Art Week 2025 e in occasione del 40° anniversario della scomparsa di Dubuffet, la mostra esplora la genesi, l'apice e l'eredità del radicale ciclo L'Hourloupe di Dubuffet e il suo impatto duraturo sull'arte moderna e contemporanea.
 

Il ciclo di L'Hourloupe

Nel luglio del 1962, durante una conversazione telefonica informale, Jean Dubuffet iniziò a scarabocchiare con una penna a sfera. Da questo gesto apparentemente banale nacque  L'Hourloupe , un sistema visivo rivoluzionario che lo avrebbe impegnato per oltre un decennio (1962-1974). Caratterizzato da toni piatti rossi e blu, vuoti bianchi e spessi contorni neri, questo linguaggio grafico distintivo decostruì la realtà per costruire un universo alternativo di forme cellulari, figure ambigue e paesaggi onirici.

Più che una serie,  L'Hourloupe si estese attraverso pittura, scultura, performance, letteratura e persino architettura. Il suo culmine fu  Coucou Bazar  (1971-1974), la celebre "pittura animata" di Dubuffet che fondeva pittura, costumi, coreografia e suono in un'opera d'arte totale e immersiva.
 

Da L'Hourloupe alla sua eredità (1962-1982)

La mostra presenta opere che coprono un arco temporale di 20 anni, ripercorrendo la metamorfosi di L'Hourloupe nelle serie successive, tra cui  Coucou Bazar, Sites tricolores, Théâtres de mémoire, Psycho-sites  e  Sites aléatoires . Tra i pezzi forti , Échec à l'être (1971), un monumentale ritaglio dipinto da  Coucou Bazar , eseguito per la prima volta al Museo Guggenheim nel 1973, e Site au Défunt (1982), un collage dai  Sites aléatoires , in cui figure e paesaggi si fondono in composizioni casuali e cariche di emozioni.

Insieme, queste opere dimostrano come il linguaggio di Dubuffet si sia evoluto pur rimanendo radicato nella sua ricerca di liberare l'arte dalle convenzioni e creare una forma di espressione universale.
 

Jean Dubuffet: un visionario dell'arte del dopoguerra

Nato a Le Havre nel 1901, Jean Dubuffet è celebrato come il fondatore dell'Art Brut. Rifiutando le tradizioni accademiche, abbracciò materiali grezzi e non raffinati e trasse ispirazione dall'arte outsider, dai bambini e dai pazienti psichiatrici. La sua sperimentazione radicale ha influenzato generazioni di artisti e continua a risuonare nelle pratiche artistiche contemporanee odierne.

Minimal Bourse

Fino al 19 Gennaio 2026 la Bourse de Commerce ospita una grande mostra dedicata all'arte minimalista, con oltre cento opere di grande rilievo che illustrano la diversità di questo movimento a partire dagli anni '60, quando un'intera generazione di artisti ha avviato un approccio radicale all'arte. Accanto ai capolavori della Collezione Pinault, prestiti provenienti da prestigiose collezioni evidenziano l'importanza storica e la risonanza internazionale dei temi affrontati. La mostra "Minimal" esplora l'evoluzione globale e internazionale di questo movimento che, a partire dai primi anni Sessanta, ha radicalmente riconsiderato lo status dell'opera d'arte.

Caratterizzata da un'economia di mezzi, un'estetica raffinata e una riconsiderazione della posizione dell'opera in relazione allo spettatore, un'intera generazione di artisti in tutto il mondo ha avviato questo approccio che invita all'interazione corporea. Nacque così il "minimal", una forma d'arte che cercava di rivolgersi direttamente allo spettatore attraverso la presentazione di materiali e forme universali, senza ricorrere all'imitazione, al simbolismo o alla narrazione. Questi artisti si appropriarono quindi di materiali naturali o artificiali – spesso i più semplici e accessibili – per creare situazioni in cui il corpo del visitatore veniva sollecitato direttamente, attirando inoltre l'attenzione sul luogo stesso della mostra. L'opera non si situa più tanto a livello del suo contenuto quanto nell'esperienza concreta che offre. 

Attraverso sette sezioni tematiche – Luce, Mono-ha, Equilibrio, Superficie, Griglia, Monocromo, Materialismo – la mostra “Minimal” ripercorre la diversità di questo movimento, esplorandone le dimensioni nordamericana (Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Ryman, ecc.), sudamericana (Lygia Pape), asiatica (Lee Ufan, Nobuo Sekine, Kishio Suga, ecc.), mediorientale (Rasheed Araeen) ed europea (Gunther Uecker, François Morellet, ecc.), basandosi su un'eccezionale collezione di opere della Pinault Collection e prestiti della Dia Art Foundation e di altre collezioni private e pubbliche.

Opere di : Rasheed Araeen / McArthur Binion / Chryssa / Mary Corse / Walter De Maria / Melvin Edwards / Koji Enokura / Dan Flavin / Felix Gonzalez-Torres / Hans Haacke / Maren Hassinger / Mary Heilmann / Eva Hesse / Nancy Holt / Robert Irwin / Donald Judd / On Kawara / Susumu Koshimizu / David Lamelas / Seung-Taek Lee / Lee Ufan / Sol LeWitt / Francesco Lo Savio / Bernd Lohaus / Brice Marden / Enzo Mari / Agnes Martin / François Morellet / Senga Nengudi / Helio Oiticica / Pauline Oliveros / Blinky Palermo / Lygia Pape / Howardena Pindell / Charlotte Posenenske / Steve Reich / Bridget Riley / Dorothea Rockburne / Robert Ryman / Nobuo Sekine / Richard Serra / Keith Sonnier / Michelle Stuart / Kishio Suga / Jiro Takamatsu / Anne Truitt / Günther Uecker / Yoshi Wada / Merrill Wagner / Meg Webster / Jackie Winsor / Iannis Xenakis - Curatrice: Jessica Morgan, direttrice della Dia Art Foundation

Café Bleu

 

Il mondo dell'arte diversifica sempre più l'offerta e anche le gallerie private puntano su nuovi servizi aggiuntivi come la Thaddaeus Ropac,che ha aperto da poco il Café Bleu.

CS
Il nuovo Café Bleu di Thaddaeus Ropac a Pantin ha aperto i battenti venerdì 23 maggio. Il Café Bleu, di recente progettazione, può ospitare più di 40 persone a pranzo ed è aperto dalle 10:00 alle 18:00, dal martedì al sabato.

Il caffè-bistrot contemporaneo è stato ideato e progettato dal direttore artistico Pierre Pelegry, fondatore di Ligne Blanche Paris. Ligne Blanche unisce il mondo dell'arte contemporanea e dell'arte di vivere. La galleria Thaddaeus Ropac ha selezionato per Café Bleu porcellane e candele di Ligne Blanche, con opere di alcuni dei più grandi artisti contemporanei, da Andy Warhol a Jean-Michel Basquiat, da Robert Mapplethorpe a James Rosenquist.

Volevo creare uno spazio urbano a metà strada tra un tradizionale bistrot francese e un caffè contemporaneo. Una selezione di piatti salutari, serviti con piatti artistici, in un ambiente artistico unico. Sono stata felice di collaborare con l'architetto Marine Bonnefoy per creare un ambiente accogliente e conviviale.

— Pierre Pelegry

Café Bleu è profondamente legato alla visione artistica della galleria. Nuove presentazioni di opere d'arte saranno svelate ogni sei mesi, con la prima installazione inaugurale che presenta una serie intima di fotografie dell'artista americano Jack Pierson che esplorano le correnti emotive nascoste della vita quotidiana parigina.

Café Bleu è la più recente aggiunta alla sede della galleria a Parigi Pantin, un'ampia fabbrica di ferro dei primi del XX secolo, riqualificata per ospitare importanti mostre d'arte e aperta al pubblico per la prima volta nel 2012. La sua posizione nel nord-est di Parigi, nel quartiere della Filarmonica di Parigi, ha aperto nuove prospettive alla galleria, favorendo interazioni e collaborazioni con la comunità culturale.

Orari di apertura:
dal martedì al sabato, dalle 10:00 alle 18:00
In occasione del Paris Gallery Weekend, il Café Bleu sarà aperto domenica 25 maggio dalle 14:00 alle 18:00.

Prenotazioni
+33 1 55 89 01 13
cafebleu@ropac.net

69 Avenue du Général Leclerc
93500 Pantin

Francis Picabia

 

L'omaggio che la galleria Hauser & Wirth, nella sede di Parigi realizza, in collaborazione con il Comité Picabia, alle opere postbelliche di Francis Picabia, è stupendo.

La mostra curata da Beverley Calté e Arnauld Pierre, affronta l'ultimo periodo di Picabia, al rientro a Parigi nel 1945 fino all'anno prima della sua morte nel 1953. 

Emerge così quella trasformazione che artista fa abbandonando i suoi famosi Nudi del tempo di guerra,per sviluppare un percorso più sperimentale sulle superfici e la texture. 

Rithika Merchant x Dior

Interessante l'iniziativa della Dior di realizzare per le sfilate primavera-estate 2025,durante la Paris Fashion Week, un padiglione temporaneo, commissionando all'artista Rithika Merchant l'intervento decorativo e renderlo poi fruibile, fino al febbraio, al pubblico che visita il Museo Rodin, dove lo spazio è stato collocato. 

L'artista ha progettato nove grandi pannelli tessili realizzati dai laboratori Chanakya, rappresentazione di un paesaggio visivo immersivo che intreccia storie di donne di diverse generazioni.

Fotografie dell'agenzia fotografica del Museo Rodin - Pauline Hisbacq

Aggiungere all'Orsay

 Per la prima volta il Museo d’Orsay di Parigi vede un intervento artistico nei suoi spazi storici. Si tratta della mostra “L’Addition” ideata dal duo artistico Elmgreen & Dragset. Dall'inizio della loro collaborazione, questo duo, ama riconfigurare gli spazi espositivi in ​​tutto il mondo creando scene avvincenti che sfidano le nostre idee su luoghi e oggetti familiari, nonché sulle modalitàpresentazione di opere d'arte. 

Il titolo, “L’Addition”, evoca l’approccio degli artisti che consiste nell’impossessarsi del piano terra del museo per installare  le loro opere in questi spazi già ricchi di lavori artistici. Per fare questo, hanno costruito un nuovo luogo che si affaccia su parte della navata delle sculture, dove hanno collocato opere aggiuntive in luoghi inaspettati, creado suggestioni e relazioni fra il passato e il presente.

Foto: Elmgreen & Dragset ©

Takis a Parigi da White Cube

 

Presso gli spazi parigini di White Cube è in corso la mostra "The Void", dedicata al rapporto tra il defunto artista greco Takis (1925-2019) e la città di Parigi. Nato Panayiotis Vassilakis ad Atene nel 1925, Takis emigrò a Parigi nel 1954, attratto dalla vivacità intellettuale della città. Qui conobbe Alberto Giacometti, già una grande influenza, e altri innovatori del nascente movimento artistico cinetico, tra cui Alexander Calder e Jean Tinguely. Parigi fu il luogo in cui iniziarono alcune delle più importanti esplorazioni artistiche di Takis, stimolate da due epifanie che avrebbero gettato le basi per la sua ossessione per le forme di comunicazione non verbali e i regni extrafisici. La prima di queste ebbe luogo nel 1955, quando l'artista vide per la prima volta le luci di segnalazione in una stazione ferroviaria di Calais, un incontro che si sarebbe sviluppato nella sua serie "Signals". Poi, nel 1958, Takis iniziò a sperimentare il magnetismo nel suo lavoro come mezzo per manifestare la "quarta dimensione" o le energie intangibili dell'universo. Riconoscendo la passione di Takis per la scienza della tecnologia, Marcel Duchamp lo soprannominò liricamente "l'aratore dei campi magnetici".

Questa mostra, la prima a Parigi dopo la morte di Takis nel 2019, narra l'immenso contributo dell'artista all'arte contemporanea attraverso una serie di momenti formativi che sgorgano dalla serie "Signals". Sebbene ispirate al sistema di segnalazione ferroviaria e agli esperimenti con la ferramenta che Takis intraprese a Montparnasse, nel sud di Parigi, le forme sottili e simili ad antenne dei "Signals" parlano anche dell'arte cicladica dell'antica Grecia e dei suoi primi lavori che fanno riferimento a Giacometti. Composte da basi a blocchi da cui si estendono alti steli, le opere di questa vasta serie sono variamente sormontate da frammenti di apparecchiature elettroniche, frammenti di bombe esplose della guerra civile greca degli anni '40, archi simili a falci o luci funzionanti. Preveggenti per il loro tempo e di natura orfica, i "Signals" incanalano le vibrazioni ambientali con oscillazioni e tremori in risposta al movimento circostante, come se restituissero le energie ambientali della stanza.

Promuovendo il suo interesse per le invisibili macchinazioni della comunicazione e della connettività, nel 1958 Takis intraprese quello che sarebbe diventato un altro esperimento durato una vita con le sculture "telemagnetiche". Preceduto da tele-, che in greco significa "raggiungere una distanza", il titolo della serie fu coniato dallo scrittore francese Alain Jouffroy dopo aver incontrato un eccitato Takis nelle strade di Parigi quello stesso anno. "The Void" presenta diverse opere esemplari di questo tipo, ciascuna delle quali comprende un pannello fissato con un potente magnete al quale vengono tirate senza speranza parti di componenti metalliche, come viti, chiavi inglesi, occhielli. Tuttavia, queste parti non riescono mai a toccare il magnete, ma vengono tenute in sospensione da cavi metallici tesi e dai rispettivi punti di fissaggio, dando origine a geometrie compositive. L'introduzione del magnetismo da parte di Takis nella sua pratica artistica segnò una svolta nella sfera delle arti cinetiche; fino ad allora, le frequenze energetiche tra forme, oggetti e corpi erano state solo rappresentate visivamente piuttosto che utilizzate attivamente. Soprattutto, le sculture 'telemagnetiche' riecheggiano la valutazione quasi spirituale dell'artista dell'elettromagnetismo come 'una cosa infinita, invisibile, che non appartiene solo alla Terra'.(1)

Più che una mera analogia o metafora per la natura ineffabile delle relazioni umane, Takis credeva che "il magnete e l'attrazione dell'amore sono una cosa sola".(2) Nel 1974, al suo ritorno a Parigi dopo un periodo come ricercatore ospite al Massachusetts Institute of Technology, USA, l'equiparazione di magnetismo e attrazione da parte di Takis ha ispirato la sua serie figurativa "Erotic": calchi in bronzo di parti del corpo maschile e femminile, che ricordano i reperti degli scavi archeologici nella sua Grecia natale. Contemporaneamente alle opere "Erotic", Takis ha iniziato a esplorare il potenziale acustico della scultura telemagnetica nella sua serie "Musicals", opere a parete in cui gli elettromagneti vengono utilizzati per azionare un ago che colpisce una corda amplificata. Nonostante la sua affiliazione con John Cage, tuttavia, Takis non si considerava un musicista; piuttosto che strumenti musicali, l'artista potrebbe aver inteso queste opere come macchine sensoriali.

Takis era profondamente affascinato dalle macchinazioni invisibili che animano la vita moderna, ma le sue sculture sono anche incarnazioni di idee con distinte qualità formali e tattilità ponderata. Incentrate sulle principali preoccupazioni di Takis, dall'interpersonale all'extra-fisico, le opere d'arte selezionate ratificano il contributo sostanziale dell'artista ai campi dell'arte e del pensiero scientifico, evidenziando allo stesso tempo i suoi sforzi duraturi. Collocando Takis nel contesto dei suoi pari, amici e attività artistica nella città di Parigi, "The Void" celebra i momenti cruciali che hanno avuto un impatto sull'artista pioniere, punti di riferimento a cui sarebbe tornato per tutto il resto della sua carriera artistica.

Dagli anni '60, Takis ha partecipato a numerose mostre internazionali, tra cui Documenta a Kassel, Germania (1977 e 2017); la Biennale di Venezia (1995); e la Biennale di Parigi, dove gli è stato assegnato il primo premio nel 1985. Più di recente, il suo lavoro è stato esposto in importanti mostre personali presso lo Stavros Niarchos Foundation Cultural Centre (SNFCC), Kallithea, Grecia (2021); il MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona (2019); la Tate Modern, Londra (2019); il Palais de Tokyo, Parigi (2015); e la Menil Collection, Houston (2015). Tra i musei che ospitano le sue opere ci sono il Centre Pompidou, Parigi; il MoMA e il Guggenheim Museum, New York; la Menil Collection, Houston; la Tate, Londra; e la Peggy Guggenheim Collection, Venezia. Nel 1987 Takis ha completato Foret Lumineuse (Foresta luminosa) , un'installazione in 39 parti nell'Esplanade de La Défense, Parigi e la più grande commissione d'arte pubblica della città.

(1) Takis in L'oeil du Décorateur , n. 199, novembre 1964, p. 39, citato e tradotto in Tony Kamps, Takis , White Cube, Londra, 2023, p. 64.
(2) 2 Takis in conversazione con Maïten Bouisset, in Guy Brett e Micheal Wellen (a cura di), Takis , Tate Publishing, Londra, 2019, p. 116.

Art Basel Paris 2024

Pochi giorni è si apre Art Basel Paris con tante novità e proposte tra cui un'importante partnership con Miu Miu. Eccovi alcuni dettagli tra cui ovviamente l'annunciare che l'iconico marchio di moda Miu Miu è partner ufficiale del programma pubblico per la sua prossima edizione parigina. Miu Miu metterà in scena un progetto speciale, intitolato "Tales & Tellers", al Palais d'Iéna nell'ambito del programma.

Diversi siti parigini storici accoglieranno mostre, installazioni, sculture monumentali e progetti curatoriali liberamente accessibili di prestigiosi artisti francesi e internazionali, tra cui Jesse Darling, Jean-Charles de Quillacq, Niki de Saint Phalle, Yayoi Kusama e Thomas Schütte.

Cinque nuove sedi, tra cui il Domaine national du Palais-Royal e il Petit Palais, saranno aggiunte al programma di quest'anno, sottolineando il profondo legame di Art Basel con la città e il suo eccezionale patrimonio culturale. Ulteriori informazioni sulle prossime presentazioni delle gallerie nei settori Galeries, Emergence e Premise della mostra, tra cui i riflettori sul Surrealismo e l'Arte povera, stand tematici e grandi vetrine di luminari moderni e contemporanei, sono ora disponibili anche per i rappresentanti dei media. La mostra ospiterà anche la seconda iterazione di The Art Basel Shop, un nuovo concept store curato da Sarah Andelman e che presenta una selezione di prodotti lifestyle su misura che celebrano e ampliano l'esperienza di Art Basel. In questa occasione, una linea di prodotti con opere nello stile del collettivo di artisti Claire Fontaine sarà disponibile esclusivamente alla mostra. 

Oh La La!, la nuova iniziativa di Art Basel Paris che celebra i re-allestimenti di opere d'arte inaspettate o insolite, riunirà 33 gallerie, creando un itinerario stimolante attraverso il Grand Palais durante la seconda metà della settimana della mostra. Alimentando una settimana movimentata di eventi culturali e mostre di livello mondiale nella capitale francese, Art Basel Paris si svolgerà dal 18 al 20 ottobre 2024, con VIP Preview Days il 16 e 17 ottobre.

Questi alcuni dettagli di una rassegna che offre un'intera città piena di stupende occasioni d'arte contemporanea. 

La collezione Torlonia al Louvre

 

Dopo il grande successo della mostra a Roma e a Milano, la meravigliosa collezione dei Marmi Torlonia ha iniziato un lungo percorso di attenzione internazionale, che ora li vede proposti presso il più famoso museo d'arte del mondo, il Louvre a Parigi. 

Presso gli spazi degli appartamenti d'estate di Anna d'Austria, da poco restaurati, accolgono una selezione dei capolavori della storica raccolta di sculture antiche dei principi romani. Scaturita dalla passione per l’arte antica dei principi Torlonia, eredi delle pratiche nobiliari della Roma papale, la collezione Torlonia ambiva, in particolare con l’apertura del Museo Torlonia negli anni Settanta dell’Ottocento, a rivaleggiare con i grandi musei pubblici: Musei Vaticani, Musei Capitolini e Museo del Louvre. 

Dal 2020 la collezione Torlonia è oggetto di una serie di mostre-evento che offrono al pubblico la possibilità di riscoprire , dopo una lunga eclissi, l’eccezionale raccolta di sculture del Museo istituito da Alessandro Torlonia nel 1876 e chiuso a metà del Novecento. 

Le prime due tappe della mostra, sono state a Roma e Milano, con la curatela di Salvatore Settis e Carlo Gasparri con l’alta sorveglianza della Soprintendenza Speciale di Roma, ricostruivano la storia della collezione a ritroso. La mostra parigina nasce dalla volontà di presentare al pubblico, in un luogo carico di storia, questa collezione poco conosciuta in Francia e invita a compiere un viaggio estetico e archeologico fra le opere che la compongono, instaurando un dialogo con le collezioni del Louvre. 

Il percorso espositivo si sviluppa su alcuni temi come il ritratto, con il capolavoro della Fanciulla di Vulci, o sulla pratica delle copie celebri come il fantastico cratere della collezione Torlonia, ma ci sono anche i meravigliosi lavori ispirati alla danza. Una mostra di meraviglie antiche che si potranno visitare fino all'11 Novembre. 

 Immagini : Capolavori della Collezione Torlonia al Louvre Copyright Fondazione Torlonia foto di  Agostino Osio

Mark Rothko alla Fondazione Louis Vuitton

 

Mark Rothko, Slow Swirl at the Edge of the Sea, 1944 Oil on canvas 191.1 x 215.9 cm Museum of Modern Art, New York Bequest of Mrs. Mark Rothko through The Mark Rothko Foundation, Inc. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

L'autunno 2023 della Fondazione Louis Vuitton sarà all'insegna di una fantastica mostra su Mark Rothko (1903-1970), la prima importante retrospettiva in Francia su questo amato artista di questi ultimi decenni.

Saranno proposte, in un percorso cronologico, 115 opere provenienti dalle più grandi collezioni internazionali, istituzionali e private, tra cui la National Gallery of Art di Washington D.C., la famiglia dell'artista e dalla Tate di Londra.

La mostra si aprirà con scene intime e paesaggi urbani - come le visioni della metropolitana di New York - che dominano la produzione di Rothko negli anni '30, prima del suo passaggio a un repertorio ispirato ai miti antichi e al surrealismo con cui Rothko esprime la dimensione tragica dell'umano condizione durante la guerra.

Mark Rothko,No. 9 (White and Black on Wine),1958 Oil on canvas 266.7 cm x 428.63 cm Glenstone Museum, Potomac, Maryland © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

 

Dal 1946, Rothko compie un importante spostamento verso l'espressionismo astrattista. La prima fase di questo passaggio è quella di Multiforms, dove le masse cromatiche sono sospese in una sorta di equilibrio sulla tela. A poco a poco questi diminuiscono di numero e l'organizzazione spaziale della sua pittura evolve rapidamente verso le opere “classiche” di Rothko degli anni Cinquanta, dove le forme rettangolari si sovrappongono secondo un ritmo binario o ternario, caratterizzato da sfumature di giallo, rosso, ocra, arancio, ma anche blu, bianco...

 

Nel 1958, Rothko viene incaricato di produrre una serie di pitture murali per il ristorante Four Seasons progettato da Philip Johnson per il Seagram Building di New York, la cui costruzione è supervisionata da Ludwig Mies van der Rohe. Rothko in seguito decide di non consegnare i dipinti e conserva l'intera serie. Undici anni dopo, nel 1969, l'artista dona nove di questi dipinti - che si differenziano dai precedenti per le intense sfumature rosse - alla Tate, che dedica una sala delle sue collezioni esclusivamente a Rothko. Questa serie è presentata eccezionalmente nella mostra della Fondation Louis Vuitton.

 

Nel 1960 la Phillips Collection dedica all'artista una galleria permanente, la prima “Rothko Room”. La stanza è stata progettata in stretta collaborazione con lui ed è anche presente nella mostra. Nel 1961 il Museum of Modern Art di New York organizza la prima grande retrospettiva, mostra che successivamente si sposta in diverse città europee (Londra, Basilea, Amsterdam, Bruxelles, Roma e Parigi). Negli anni '60, Rothko accetta altre nuove commissioni, in particolare la cappella fondata da John e Dominique de Menil a Houston, che viene inaugurata nel 1971 e denominata Rothko Chapel.

Mark Rothko, Blue and Gray, 1962 Oil on canvas 201.3 x 175.3 cm  Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Beyeler Collection © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko -  Adagp, Paris, 2023

 

Se Rothko predilige toni più scuri e contrasti tenui sin dalla fine degli anni Cinquanta, l'artista non abbandona mai del tutto la sua tavolozza di colori accesi, come testimoniano diversi dipinti del 1967 e l'ultimo dipinto rosso rimasto incompiuto nel suo studio. Anche nel caso della serie Black and Grey del 1969-1970, è meglio evitare un'interpretazione semplicistica dell'opera, che associ il grigio e il nero alla depressione e al suicidio.

 

L'inaugurazione nei magnifici spazi dell'edificio di Frank Gehry, sarà il prossimo 18 ottobre 2023, parallelamente ad una presentazione con le figure scultoree di Alberto Giacometti, nei saloni superiori, creando così un ambiente che è vicino a quello che Rothko aveva in mente per una commissione UNESCO mai realizzata. 

Curano il progetto Suzanne Pagè e Christopher Rothko, con Francois Michaud e Ludovic Delalande, Claudia Buizza, Magdalena Gemra, Cordélia de Brosses.

Stazione Giacometti a Parigi

 

Future Museum & School, Fondation Giacometti, Paris © Luc Castel

E' una notizia molto interessante e stimolante quella della Fondazione Giacometti che rileverà nel 2026 l'edificio storico dell'ex stazione ferroviaria degli Invalides e il seminterrato della spianata per creare il Giacometti Museum & School. Un nuovo tipo di istituzione, il sito comprenderà un museo che mette in mostra una collezione patrimoniale eccezionale, spazi espositivi multidisciplinari e una scuola d'arte che sarà aperta a tutti. Idealmente situato nel cuore di Parigi, questo museo e scuola di 6.000 m2 reinventerà il concetto di fondazione di un artista e sarà dedicato a favorire il dialogo tra il pubblico, gli artisti e le diverse modalità di espressione creativa.

L'edificio ei suoi annessi sotterranei, realizzati per l'Esposizione Universale del 1900, saranno completamente ristrutturati. L'architetto di fama internazionale Dominique Perrault, insieme all'architetto del patrimonio Pierre-Antoine Gatier e all'architetto paesaggista Louis Benech, concepirà la trasformazione di questo sito storico. Il Gruppo Emerige, in collaborazione con Nexity, co-vincitore del progetto, guiderà la costruzione di questo innovativo museo internazionale.

Attraverso questo ambizioso progetto, la Fondation Giacometti creerà l'opportunità unica di stabilire a Parigi, in modo permanente, la più grande collezione al mondo di opere dell'artista, comprendente quasi 10.000 opere, la maggior parte delle quali non sono attualmente esposte al pubblico. Sarà anche in grado di condividere le sue molteplici attività e metodi didattici innovativi.

Il Museo esporrà in permanenza una selezione di diverse centinaia di opere di Alberto Giacometti, tra sculture in gesso e in bronzo, dipinti, disegni e oggetti d'arte decorativa. L'architettura dell'edificio, inondata di luce naturale, offrirà un ambiente eccezionale per la presentazione delle opere.

Lo studio di Alberto Giacometti, inscindibile dal mito dell'artista, permetterà ai visitatori di immergersi completamente nel suo processo creativo. Gli archivi della Fondazione, la sua biblioteca e la sua quadreria saranno accessibili al pubblico.

Le diverse gallerie espositive ospiteranno anche ambiziosi progetti che coinvolgono altri artisti moderni e contemporanei.

Legata organicamente al museo, la School of Creation for All fornirà un approccio originale all'arte, basato sullo spirito dello studio e sulla creatività, trascendendo le barriere tra belle arti, arti applicate, artigianato e pratica professionale e amatoriale.

L'offerta sarà ulteriormente arricchita dalla ricca e articolata programmazione culturale della Fondazione, unitamente allo sviluppo delle sue attività di ricerca e didattica, come l'École des Modernités e il Giacometti Lab.

La Fondation Giacometti offrirà ai suoi visitatori un'esperienza completa in un ambiente unico e conviviale, con un cortile alberato, caffè, ristoranti, libreria, concept store, …

"Siamo lieti di iniziare la costruzione di questo grande progetto, che ci consentirà di condividere l'eccezionale collezione di opere della Fondation Giacometti con quante più persone possibile", afferma Emmanuel Grégoire, primo vicesindaco di Parigi responsabile dell'urbanistica, dell'architettura , la Grande Parigi, la trasformazione delle politiche pubbliche ei rapporti con gli arrondissements.

"L'espansione di questa fondazione, dedicata al lavoro di un grande artista, e l'apertura di una scuola attestano il dinamismo artistico di Parigi. Siamo lieti che amplierà anche la sua influenza internazionale", aggiunge Carine Rolland, Deputy Sindaco di Parigi responsabile della cultura.

"Questo è un passo importante nello sviluppo della Fondation Giacometti. Sono profondamente grato alla Città di Parigi per aver reso possibile questo progetto ambizioso e per averci offerto questo sito eccezionale. Non vedo l'ora di intraprendere questo progetto con i nostri partner. Lo faremo essere lieto di lavorare con l'ufficio del sindaco e tutti gli attori culturali del 7° arrondissement per garantire che lo spirito di Giacometti, un artista umanitario, generoso e creativo, sopravviva", commenta Catherine Grenier, direttrice della Fondation Giacometti.