Solaris di Anselm Kiefer all'Opera di Vienna

Anche quest'anno il teatro dell'Opera di Vienna ha coinvolto un artista per far realizzare il sipario, quest'anno è  Anselm Kiefer.

Si tratta del 26° progetto »Safety Curtain« evento concepito da museum in progress in collaborazione con l'Opera di Stato di Vienna, che dal 1998.

L'opera di Kiefer dal titolo »Solaris« si riferisce all'omonimo romanzo di fantascienza dello scrittore polacco Stanisław Lem del 1961, che racconta di un lontano pianeta alieno e dell'entità planetaria che lo abita.

Il lavoro di Kiefer  può essere visto dal pubblico fino alla fine di giugno 2024 prima dell'inizio delle rappresentazioni, durante gli intervalli e alla fine delle rappresentazioni. 

I tessuti di Seth Siegelaub alla Triennale

 

La Triennale Milano, fino al 7 gennaio 2024, omaggia il padre dell’arte concettuale Seth Siegelaub  con la mostra "Seth Siegelaub: tessuto arte teoria" , una mostra ideata con la Fondazione Antonio Ratti, e curata da Lorenzo Benedetti, Marja Bloem e Maddalena Terragni.

L'occasione è anche la recente acquisizione da parte della Fondazione Ratti del prestigioso fondo di libri di Seth Siegelaub e della conseguente donazione della sua collezione di tessuti da  parte di Marja Bloem; il progetto di allestimento è progettato da Philippe Rahm.

La mostra si articola in due sedi espositive, Triennale Milano e Fondazione Antonio Ratti, e ricostruisce, attraverso opere, tessuti e documenti, il percorso di uno dei personaggi più affascinanti della cultura contemporanea, esplorando sia la complessità del suo lavoro di ricerca in ambito artistico, teorico, tessile e culturale, che l’influenza sulle nuove generazioni.

Gallerista, curatore, editore e collezionista, la figura di Seth Siegelaub (New York 1941 - Basilea 2013)  non può essere racchiusa in un’unica definizione. In oltre cinquant ’anni di carriera, Siegelaub ha impostato le sue ricerche con una costante attenzione al libro, in un dialogo stretto tra arte, teoria e tessuto .  

Una retrospettiva pensata per esplorare e comprendere la complessità del lavoro di ricerca in ambito artistico, teorico, tessile e culturale portato avanti da Seth Siegelaub, gallerista, curatore, editore e collezionista, attraverso tre tematiche: i reperti tessili, l’arte contemporanea e l’attività editoriale. Arricchiscono la mostra speciali focus dedicati ai progetti innovativi con artisti concettuali, alle ricerche e pubblicazioni sui media e teoria della comunicazione e al collezionismo di tessuti e di libri sul tessile. 

Picasso secondo Gagosian

 

Concludiamo quest'anno dedicato a Picasso con la bella mostra che la galleria Gagosian gli dedica nei suoi spazi di New York, con un'antologica veramente molto ricca di opere di grande qualità



CS

Sembra che su Picasso sia stato scritto tutto. 
Nessun altro lavoro ha suscitato tanta passione, dibattito e controversia. 
Ma chi sa che la sua unica domanda di naturalizzazione francese gli venne respinta nel 1940?
—Annie Cohen-Solal

Gagosian è lieta di presentare A Foreigner Called  Picasso  nella sua galleria West 21st Street a New York. La mostra è curata dall'eminente scrittrice, biografa e storica Annie Cohen-Solal insieme alla storica dell'arte Vérane Tasseau. È organizzato in collaborazione con il Musée national Picasso–Paris e il Palais de la Porte Dorée–Musée national de l'histoire de l'immigration, Parigi.

Coprendo l'intera carriera di Pablo Picasso in Francia dal 1900 al 1973, la mostra presenterà prestiti di importanti opere provenienti da collezioni private e pubbliche negli Stati Uniti e in Europa. Comprende i primi autoritratti prestati dal Museum of Modern Art e dal Metropolitan Museum of Art di New York, così come capolavori cubisti e surrealisti del Philadelphia Museum of Art e della Fondation Beyeler, Riehen/Basilea. Verranno esposte l'iconica scultura Testa di Fernande (1909), così come l'Uomo con un agnello (1943), la forte risposta di Picasso all'estetica di Arno Breker (l'artista preferito di Adolf Hitler), che espose nella Parigi occupata.

La mostra sarà scandita dalla figura dell'arlecchino, l'avatar allegorico di Picasso, che rappresenta sia un autoritratto psicologico che un outsider itinerante e performante ai margini della società. Picasso ha rappresentato questa figura archetipica in ogni fase della sua carriera. A Foreigner Called  Picasso includerà diversi esempi straordinari di periodi diversi, tra cui in particolare la prima iterazione del tema, Arlecchino seduto (1901), in prestito dal Metropolitan Museum of Art.

Basato sul pluripremiato libro di Cohen-Solal, Un étranger nommé Picasso  (Fayard, 2021; Gallimard, 2023), pubblicato in inglese come Picasso the Foreigner  (Farrar, Straus e Giroux, 2023) e in spagnolo come Un Extranjero Llamado Picasso (Paidós , 2023)—la mostra riformulerà la nostra percezione di Picasso e si concentrerà sul suo status di straniero permanente in Francia. Già nel giugno del 1901, in occasione della sua prima mostra alla Galerie Vollard, venne aperto un fascicolo sull'artista diciannovenne dalla polizia francese, che avrebbe continuato a monitorarlo per tutta la vita. Era stigmatizzato come straniero, presunto anarchico e artista d'avanguardia, tutte etichette che apparentemente ignorava, ma che innegabilmente influenzavano la sua vita quotidiana e il suo lavoro. Al di là della sua considerevole opera artistica, Picasso si dimostrò un astuto stratega politico e alla fine divenne un contributore significativo alla modernizzazione culturale della Francia. Nel 1955 lasciò Parigi per il sud della Francia, reinventandosi come artista globale e illustre straniero, ancorando il suo lavoro agli artigiani locali e contestando apertamente gli standard di “buon gusto” che dominavano il mondo dei musei francesi.

Come ha fatto Picasso a navigare nelle molteplici sfere – spagnolo, francese, andaluso, catalano, galiziano, castigliano, anarchico e comunista – in cui è stato classificato? Come sopravvisse alla confisca di centinaia di opere cubiste sequestrate dalla polizia francese nel 1914? Come reagì al ripetuto rifiuto dei suoi dipinti da parte delle istituzioni francesi fino al 1947? Queste sono alcune delle domande a cui risponde e risponde Uno straniero  chiamato  Picasso . Oggi, nel mezzo di una crisi migratoria globale, è urgente rivalutare la traiettoria di Picasso in Francia. La sua odissea come straniero e la sua azione come artista sono davvero modelli potenti per i nostri tempi.

La mostra reinventa l'acclamato Picasso l'étranger (Musée national de l'histoire de l'immigration, in collaborazione con il Musée national Picasso–Parigi, 2021–22) a cui è stato assegnato il Prix Historia 2022 come migliore mostra storica in Francia. Secondo Laurent Le Bon, presidente del Centre Pompidou, “l'affascinante indagine di Cohen-Solal, attraverso la storia e la sociologia, ha prodotto . . . una rivoluzione concettuale. Con i nuovi orizzonti che apre, vediamo l’immagine di un genio che per molto tempo è stato percepito solo attraverso un prisma artistico”.

A Foreigner  Called  Picasso sarà accompagnato da un catalogo completamente illustrato con saggi dei curatori e contributi di importanti studiosi internazionali – da esperti di Picasso a scienziati sociali e intellettuali in generale – per esplorare ulteriormente le nuove importanti prospettive aperte da questa mostra.

La mostra è organizzata nell'ambito di Picasso Celebration 1973–2023 : 50 mostre ed eventi per celebrare Picasso , un programma transnazionale che si svolge nelle istituzioni culturali di tutta Europa e Nord America per commemorare il cinquantesimo anniversario della morte di Picasso.

foto di Rob McKeever

Canova Vulcanizzato

 La leggiadra scatola della Pinacoteca Agnelli presenta fino ad aprile la terza edizione di Beyond the Collection con un dialogo fra il giovane artista Lucy McKenzie e le storiche statue di Antonio Canova. 

Col titolo "Vulcanizzato", curato da Lucrezia Calabrò Visconti, si prende le mosse dai due gessi di Antonio Canova Danzatrice con dito al mento (1809-1814) e Danzatrice con mani sui fianchi (1811-1812), al centro di un’installazione ideata dall’artista Lucy McKenzie. La mostra propone una riflessione sulla costruzione di modelli e simboli tra la statuaria classica, la scultura decorativa e i manichini utilizzati solitamente nei display commerciali. L’ideale di bellezza diffuso, tra gli altri, dalla scultura canoviana, ha attraversato epoche e ambiti diversi per giungere all’iper-capitalismo del corpo rappresentato dai manichini prodotti in serie in ambito commerciale.

Le installazioni dell’artista esplorano la relazione della pittura e della scultura con la costruzione del valore, la cultura popolare e la propaganda politica. Nel suo lavoro spesso emerge la dimensione storica e sociale che sottende la distanza tra la storia dell’arte e le arti decorative, la storia della moda, il design e gli oggetti di consumo.

Il titolo della mostra, che ricorda l’immaginario infernale della cultura greca classica, si riferisce alla “vulcanizzazione”, una tipologia di lavorazione della gomma comune nell’industria automobilistica come nell’industria calzaturiera. Il titolo allude alla trasmigrazione di simboli e significati tra ambiti diversi e al ruolo dei processi produttivi nella costruzione di mitologie collettive. 

Hans Josephsohn da Max Hetzler

 

A Berlino la Galerie Max Hetzler presenta una  personale omaggio a Hans Josephsohn negli spazi della galleria Bleibtreustraße 45 e Bleibtreustraße 15/16..

Il lavoro di Hans Josephsohn è caratterizzato dalla sua fascinazione per la massa e la forma nello spazio. Nel corso di una carriera durata sessant'anni, ha continuamente ricalibrato le dimensioni e il rapporto con l'ambiente circostante, attraverso forme specifiche e ripetutamente ricorrenti. Josephsohn ha lavorato in generi distinti, tra cui la figura in piedi, la figura distesa, la mezza figura e i rilievi, come presentati nella mostra attuale. Le sue sculture sono caratterizzate da un urgente senso di materialità fisica. Per l'artista l'essere umano si manifestava nel corpo e l'esistenza umana era caratterizzata dalla sua corporeità.

Josephsohn lavorava quasi sempre direttamente con le modelle, la maggior parte delle quali erano mogli o compagne. I loro nomi sono talvolta inclusi nei titoli delle opere, con due esemplari esposti che fanno riferimento a "Ruth", la modella più importante di Josephsohn negli anni '60 e all'inizio degli anni '70. Queste opere raramente assumevano la fisicità dei ritratti e si basavano invece sulle impressioni della personalità della sua controparte. Passò gradualmente dal quasi astratto al più figurativo e viceversa. Mentre i primi lavori di Josephsohn conservano ancora l'aspetto slanciato delle stele, l'artista in seguito si interessò ad esaltare il volume e la forma delle sue figure lavorando con gesso ad asciugatura rapida, che poi fece fondere in ottone o bronzo. Tracce della sua ricerca della perfetta espressione attraverso la forma sono visibili sulle opere finite nelle addizioni e sottrazioni di materia e nelle impronte delle sue dita.

La selezione delle opere in mostra alla Bleibtreustraße 45 si basa sull'architettura della galleria, originariamente concepita come spazio residenziale. Le sculture e i rilievi si fondono armoniosamente in ogni stanza, richiamando l'attenzione sulle proporzioni delle opere nell'ambiente circostante. La grande mezza figura Untitled (Ruth) di Josephsohn del 1974-75 non trasgredisce questo quadro ma enfatizza invece la differenza di scala tra opere più piccole, inclusa una figura in piedi di dimensioni intime del 1957, a poco più di 70 cm di altezza. Nella seconda sala diverse figure umane e forse scultoree sono raggruppate in rilievo, mentre due sculture di stile simile – una donna in piedi e una piccola mezza figura – dello stesso periodo artistico sono poste di fronte. La terza sala presenta un piccolo busto figurativo Senza titolo , 1969 accanto a un busto più grande della vita e fortemente astratto, rivelando la fluida complessità dell'approccio di Josephsohn al genere della mezza figura. L'ultima stanza è dominata dalla figura sdraiata dello scultore Senza titolo, 1965 e l'orientamento decisamente verticale della prima stele, dimostrando il contrasto tra l'orientamento orizzontale e verticale in gioco nella sua opera. La mostra non è strutturata in ordine cronologico, ma è piuttosto orientata ai dialoghi che si sviluppano tra le sculture di Josephsohn e lo spazio architettonico circostante.

Le quattro grandi opere esposte nello spazio della galleria dall'altra parte della strada, al piano terra di Bleibtreustraße 15/16, fanno riferimento al contesto urbano della galleria. Giocando con la divisione tra dominio pubblico e privato, le sculture possono essere ammirate dalla strada al di fuori degli orari di apertura.

Hans Josephsohn (1920–2012) visse e lavorò a Zurigo. Mostre personali del suo lavoro si sono tenute in istituzioni internazionali tra cui MASI – Museo d'arte della Svizzera Italiana, Lugano (2020–2021); Museo zu Allerheiligen, Sciaffusa (2020); ICAMilano (2019); Museo Folkwang, Essen (2018); Kunstparterre, Monaco di Baviera (2015); Arte Moderna Oxford (2013); Parco delle sculture dello Yorkshire, Wakefield (2013); Arti del castello di Lismore (2012); MMK Museum für Moderne Kunst, Francoforte sul Meno (2008); Kolumba – Museo d'Arte dell'Arcidiocesi di Colonia (2005); e Stedelijk Museum, Amsterdam (2002), tra gli altri importanti musei. Le opere di Josephsohn hanno avuto un posto di rilievo nella 55a Biennale di Venezia (2013). Due installazioni permanenti del lavoro di Josephsohn sono aperte al pubblico, tra cui: Kesselhaus Josephsohn, uno spazio espositivo e espositivo a San Gallo, in Svizzera e sede della tenuta dell'artista; e La Congiunta, un piccolo museo a Giornico, in Svizzera, progettato dall'amico e architetto di lunga data dell'artista, Peter Märkli.

Opere di Hans Josephsohn si trovano nelle collezioni dell'Aargauer Kunsthaus, Aarau; Kolumba – Museo d'Arte dell'Arcidiocesi di Colonia; Kunsthaus Zurigo; Kunstmuseum San Gallo; Museo Folkwang, Essen; Museo d'arte Appenzello; Museo zu Allerheiligen, Sciaffusa; MMK Museum für Moderne Kunst, Francoforte sul Meno; Neue Nationalgalerie, Berlino; e Museo Stedelijk, Amsterdam, tra gli altri.

Pittura europea al Met

Un importante lavoro di allestimento per la sezione delle Gallerie della Pittura Europea del Metropolitan Museum di New York, che hanno riaperto dopo cinque anni di lavori e rinnovamento le 45 gallerie con oltre 700 opere d'arte. Ovviamente è cambiata anche la selezione che vedo ora anche artiste e figure più contemporanee. 

E' stato un grande lavoro che rimette in attenzione lo sguardo sull'arte europea, in una prospettiva globale che guarda ai Grandi Maestri non limitandoli al loro contesto territoriale ma aperti e consapevoli dei tanti cambiamenti culturali e artistici che vivevano nel loro tempo. 

Aprono il percorso tre importanti opere di Giovan Battista Tiepolo e si percorre un meravigliosa storia cronologica dell'espressione artistica del nostro continente. 

Oltre a presentare i punti di forza di lunga data della collezione, come singoli capolavori di artisti come Rembrandt, Caravaggio e Poussin; la più grande collezione di arte olandese del XVII secolo nel Nord America; e le più estese presenza di El Greco e Goya fuori dalla Spagna.

crediti fotografici : European Paintings 1300–1800(Gallery 600-644) at The Metropolitan Museum of Art, New York. 
Photographed November 2023. ciourtesy of The Met

Lorenzo Lotto e Pellegrino Tibaldi a Cuneo

Grazie alla collaborazione fra la Fondazione CRC e Intesa Sanpaolo il Complesso Monumentale di San Francesco a Cuneo ospita la mostra "Lorenzo Lotto e Pellegrino Tibaldi - Capolavori dalla Santa Casa di Loreto" aperta fino al  17 marzo 2024.

 Si tratta di un interessante progetto espositivo  che consolida la collaborazione tra Fondazione CRC − da sempre attiva nel sostegno e nella promozione di attività culturali finalizzate ad accrescere il ruolo e la riconoscibilità del territorio cuneese come centro di produzione artistica − e Intesa Sanpaolo − che con il Progetto Cultura esprime il proprio impegno per la promozione dell’arte e della cultura nel nostro Paese – dando seguito a quanto realizzato congiuntamente con l’esposizione I colori della fede a Venezia: Tiziano, Tintoretto, Veronese, che si è conclusa ad aprile scorso con un grande successo di pubblico e di critica.

 

La nuova iniziativa espositiva presenta sette dipinti di Lorenzo Lotto (Venezia, 1480 – Loreto, 1556), costituenti il cosiddetto “ciclo lauretano” del pittore, disposti quando egli era ancora in vita presso la Cappella del Coro della chiesa di Santa Maria di Loreto, e due affreschi strappati e portati su tela di Pellegrino Tibaldi (Puria, 1527 – Milano, 1596), originariamente realizzati per la Cappella di San Giovanni della stessa chiesa lauretana. Tutte le nove opere in mostra provengono dal Museo Pontificio Santa Casa di Loreto.

Da rimarcare, tra le opere di Lotto in mostra, il San Michele scaccia Lucifero, presentato per la prima volta al pubblico dopo un restauro conclusosi nel settembre di quest’anno, e Adorazione del Bambino, restaurata nell’ambito di Restituzioni 2016, il programma di salvaguardia e valorizzazione del patrimonio del Paese promosso e curato da Intesa Sanpaolo.

La mostra intende proporsi come occasione per indicare nuovi percorsi di ricerca in merito alle possibili reciproche influenze tra Lotto e Tibaldi, due artisti di differente cultura, visto il pur breve periodo condiviso dai due nel cantiere lauretano, indagato solo di recente. Uno sguardo alla bibliografia relativa alle opere realizzate da Pellegrino Tibaldi per il Santuario della Santa Casa e alla sua presenza a Loreto tra il 1554 e il 1555 permette di notare subito come questa, per quanto sufficientemente ricca, non presenti studi specifici sulla compresenza in quegli stessi anni nel cantiere lauretano di Lorenzo Lotto.

 

“Un nuovo evento di grande valore per la provincia di Cuneo: il complesso monumentale di San Francesco ospita per quattro mesi i capolavori di due maestri del Rinascimento, Lorenzo Lotto e Pellegrino Tibaldi. Un percorso espositivo unico che porterà idealmente i visitatori all’interno della Basilica di Loreto, per cui furono realizzate le opere esposte” dichiara Ezio Raviola, presidente della Fondazione CRC. “Dopo il grande successo ottenuto dall’esposizione dedicata a Tiziano, Tintoretto e Veronese, conclusa lo scorso aprile, questo appuntamento suggella la collaborazione tra Fondazione CRC e Intesa Sanpaolo, nell’ottica di accompagnare e sostenere la crescita del nostro territorio provinciale”.

Gian Maria Gros-Pietro, Presidente Intesa Sanpaolo, commenta: “Questa nuova collaborazione con la Fondazione CRC è la conferma del solido rapporto con una delle più rilevanti fondazioni di origine bancaria italiane. È consuetudine della Banca unire le proprie forze a quelle delle Fondazioni azioniste per realizzare progetti utili a rafforzare lo sviluppo economico, sociale e culturale sul territorio. La mostra che inauguriamo oggi va esattamente in questa direzione, con l’esposizione di straordinari capolavori dei maestri del Rinascimento, uno dei quali – l’Adorazione del Bambino di Lotto - è stato restaurato nell’ambito di Restituzioni, il programma di Intesa Sanpaolo per la salvaguardia e la valorizzazione del patrimonio del Paese”.

 

Lorenzo Lotto, dopo periodi trascorsi tra Roma, Bergamo, Venezia e Ancona, si trasferisce definitivamente a Loreto, per farsi oblato e diventare il pittore di un Santuario che, grazie alla presenza della reliquia della casa di Maria di Nazareth, rappresentava in quel tempo di dure dispute religiose il più importante baluardo della cristianità in Europa, dopo Roma. Di proprietà pontificia il Santuario di Loreto era diventato dagli ultimi decenni del Cinquecento un vero e proprio cantiere nel quale i Papi avevano deciso di chiamare per realizzare grandi opere alcuni dei più grandi architetti, pittori e scultori dell’epoca, come Bramante, Giuliano da Maiano, Giuliano da Sangallo, Baccio Pontelli, Luca Signorelli, Melozzo da Forlì e Sansovino.

Giunto a Loreto con un buon numero di dipinti e disegni rimasti invenduti nella lotteria di Ancona del 1550, il governatore della Santa Casa di allora, Gaspare de’ Dotti, chiese a Lotto la realizzazione di alcuni dipinti per la Cappella del Coro della Chiesa di Santa Maria, come veniva chiamata allora quella che poi diventerà la Basilica. Per dare vita al “ciclo del Coro”, ricostruito nell’allestimento realizzato nel 2018 all’interno del Museo Pontificio di Loreto, Lotto utilizzò, adeguandone le misure, cinque delle opere che aveva portato da Ancona, cui aggiunse i due soli dipinti che realizzò presso il Santuario durante gli ultimi anni della sua vita. Le sette opere lottesche - Adorazione dei Magi, Presentazione di Gesù al Tempio, Il Battesimo di Cristo, Il sacrificio di Melchisedech, Adorazione del Bambino, San Michele arcangelo caccia Lucifero, Cristo e l'Adultera - furono trasferite dalla Basilica nel Palazzo Apostolico lauretano nel 1853. Da allora tutte le tele hanno subito plurimi e in più occasioni poco felici interventi di restauro, fino a quelli, anche recentissimi, che hanno cercato di recuperare il “vero” Lotto. In particolare, si segnala l’ultimo intervento, terminato nel luglio 2023, sul dipinto San Michele scaccia Lucifero: la mostra di Cuneo propone in forma inedita la bellezza ritrovata di un’opera lottesca di grande valore, anche per l’originalità con la quale il pittore ha scelto di trattare il soggetto.

 

Quando Tibaldi, che ancora non aveva trent’anni, raggiunse Loreto, il maestro veneziano, ultrasettantenne, malato agli occhi e forse senza voce, era impegnato nella realizzazione dell’Adorazione dei Magi e della Presentazione al Tempio. Nella mostra verranno presentati due affreschi staccati e riportati su tela di Pellegrino Tibaldi - Predica del Battista e Decollazione del Battista - che rappresentano storie della vita di Giovanni Battista, la Predica e la Decollazione, con l’intento di verificare se vi sia ravvisabile qualche suggestione lottesca nelle opere di Tibaldi.

 Se il rapporto Lotto-Tibaldi dà modo di raccontare un momento fondamentale della storia del Santuario di Loreto e insieme della storia dell’arte italiana, all’interno della mostra è altrettanto importante il richiamo alla presenza ancor oggi rilevante in Piemonte di manufatti testimonianti una diffusa, secolare e, in certi casi, artisticamente rilevante devozione mariano-lauretana. Una sezione propone infatti una mappatura territoriale dei manufatti più significativi con l’indicazione di un itinerario utile per i visitatori che vorranno integrare e approfondire l’esperienza vissuta in mostra.

 Complessivamente nel territorio regionale esistono più di 80 manufatti in chiese, oratori, santuari e cappelle dedicate alla Madonna di Loreto, solo in provincia di Cuneo se ne trovano più di 15. Secondo la tradizione, il Santuario di Loreto sorge sul luogo in cui, il 10 dicembre del 1294, la dimora della Vergine Maria fu trasportata miracolosamente dagli Angeli. In memoria di questo evento, la festa liturgica della Madonna di Loreto viene celebrata ogni anno. In Piemonte si possono trovare infatti molte effigie della Madonna di Loreto, molte chiese a essa intitolate e rappresentazioni della traslazione della Santa Casa.

Per approfondire i temi di Lorenzo Lotto e Pellegrino Tibaldi. Capolavori dalla Santa Casa di Loreto, sono previsti appuntamenti collaterali e conferenze che vedranno la partecipazione del comitato scientifico della mostra, composto da Gianpaolo Angelini, ricercatore di Museologia e critica artistica e del restauro presso il Dipartimento di Studi Umanistici dell'Università di Pavia, Francesca Coltrinari, professoressa associata di Storia dell'arte moderna presso il Dipartimento di Scienze della Formazione dei Beni culturali e del turismo dell’Università di Macerata, Claudia Ghiraldello, Direttrice del Museo "Paolo Giovanni Crida" al Santuario Lauretano di Graglia e Presidente del Centro Culturale "Conti Avogadro di Cerrione", Vito Punzi, Giovanni Carlo Federico Villa, direttore di Palazzo Madama a Torino, Don Eugenio Zampa, Cappellano della Polizia di Stato di Biella e Vercelli e Rettore del Santuario della Madonna di Loreto di Graglia, in provincia di Biella, e Stefano Zuffi, storico dell’arte. La sezione dedicata alla devozione lauretana in Piemonte è stata realizzata con la consulenza scientifica di Claudia Ghiraldello. Accompagna la mostra il catalogo edito da MondoMostre a cura di Vito Punzi.

La mostra prevede un fitto programma di visite guidate, attività laboratoriali ed eventi collaterali, anche sul territorio provinciale.

INFORMAZIONI AL PUBBLICO

Complesso Monumentale di San Francesco

Via Santa Maria, 10, 12100 Cuneo CN

fondazionecrc.it

 

ORARI DI APERTURA:

Martedì – venerdì: 15:30 – 19:30 (al mattino aperto su prenotazione per scuole e gruppi)

Sabato – domenica: 10:00 – 19:30

 

BIGLIETTI:

Ingresso Gratuito

 

I possessori del biglietto di ingresso alla mostra avranno diritto ad accedere con tariffa ridotta alle Gallerie d’Italia di Torino, Milano, Vicenza e Napoli, fino al 30 giugno 2024.

Tensioni alla Continua

 

La Galleria Continua nei suoi spazi dell’ex cinema teatro di San Gimignano presentano la mostra “Tensione Continua”, curata da Carlo Falciani. Attraverso la selezione di un nutrito numero di opere capaci di una forte dialettica col Novecento e col passato, il curatore sviluppa una riflessione sul tema della tensione declinandola sotto diversi punti di vista: la tensione come flusso di energia, come reazione di un corpo ad una forza esterna, come uno stato di eccitazione, ma anche come percezione di un contrasto sociale, ed ancora come risultato di un intenso impegno intellettuale. 

Falciani raggruppa le opere in alcune partizioni principali intorno alle quali pensa sezioni omogenee di lavori in dialogo fra di loro e le dispone in precisi spazi della Galleria, scelti per la loro  funzionalità al tipo di tensione. In mostra alcune tra le più autorevoli figure del panorama artistico internazionale: Adel Abdessemed, Ai Weiwei, Juan Araujo, Kader Attia, Massimo Bartolini, Hans Bellmer, Berlinde De Bruyckere, Alberto Burri, Marcelo Cidade, Jonathas De Andrade, Cai Guo-Qiang, Chen Zhen, Luigi Ghirri, Shilpa Gupta, Renato Guttuso, Zhanna Kadyrova,  Anish Kapoor, Alicja Kwade, Quinto Martini, Sabrina Mezzaqui, Giorgio Morandi, Gina Pane, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Pontormo, Arcangelo Sassolino, Ettore Spalletti, Hiroshi Sugimoto,  Francesco Vezzoli.

Tensione Continua 2023, a cura di Carlo Falciani, vedute della mostra Galleria Continua, San Gimignano. Foto: Ela Bialkowska, OKNO Studio

Naturalmente Botta

 Gregorio Botta elabora trasformazioni che prendono una forma narrativa e casuale, liberi di non dipendere da un contesto ma dal caos delle emozioni per essere bellezza. 

Le sue opere sono visibili presso la galleri Simondi in via della Rocca 29 a Torino fino al 27 Gennaio. 

Mel Bochner da Massimo De Carlo

 

A Milano la galleria Massimo De Carlo propone una mostra personale dedicata all'opera dell'artista americano Mel Bochner. Come figura eminente nei movimenti dell'arte concettuale e post-minimalista, l'illustre carriera di Bochner abbraccia oltre sessant'anni. Il suo lavoro, che interroga rigorosamente le intersezioni tra linguaggio, matematica e diversi sistemi di rappresentazione, è al centro della mostra. La mostra presenta l'ultimo corpus di lavori di Bochner del 2023, invitando gli spettatori ad approfondire l'ultimo capitolo del suo percorso artistico.

Dagli anni '60 Bochner è stato in prima linea nell'esplorazione dell'intricata relazione tra immagini e linguaggio. Nel 1962, ha conseguito la laurea in arte presso la Carnegie Mellon University di Pittsburgh, Pennsylvania, prima di avventurarsi brevemente nel campo della filosofia presso la Northwestern University di Chicago, Illinois.

A partire dal 1970, il lavoro di Bochner ottenne un significativo riconoscimento in Italia. Ha svolto un ruolo fondamentale in mostre di spicco, in particolare Arte Concettuale, Arte Povera, Land Art a Torino nel 1970, sotto la curatela di Germano Celant. I suoi legami italiani lo portarono anche a preziose amicizie con artisti come Alighiero Boetti e Lucio Fontana. Tutti hanno esplorato il linguaggio come forma di rappresentazione illogica, approfondendo l’interazione tra spazio e linguaggio come elementi fondamentali che modellano la nostra comprensione del mondo.

Mimmo Jodice alle Gallerie d'Italia di Torino

 Sono sempre molto delicate e raffinate le emozioni che ci danno gli scatti di Mimmo Jodice visibili in questo periodo nella mostra "Senza tempo" a cura di Roberto Koch presso le Gallerie d'Italia di Torino. 

Si tratta del secondo capitolo del progetto "La Grande Fotografia Italiana", avviato nel 2022 con la mostra di Lisetta Carmi. Questo progetto nasce con l’intento di realizzare un omaggio ai grandi maestri della fotografia del nostro paese. I progetti espositivi prevedono il coinvolgimento anche di un altro artista accanto all’autore scelto: in questo caso Mario Martone, celebre regista e autore, ha diretto e realizzato un filmato documentario sulla vita di Mimmo Jodice, suo amico e concittadino, che viene mostrato nelle sale espositive per la prima volta.

Nato a Napoli nel 1934, Jodice si avvicina alla fotografia attratto dalla sua capacità di creare visioni. È un processo raffinato e intimo, che si nutre delle sue memorie personali, di un’esistenza vissuta in una città come Napoli, sfolgorante e segreta, fatta di luoghi e memorie da svelare e comprendere. In sintesi, alla capacità unica di Mimmo Jodice di mostrarci la realtà vista attraverso il filtro di un tempo diverso e sospeso, è dedicata la mostra. 

La mostra offre una significativa sintesi della produzione di Jodice, ripercorrendo i principali temi ispiratori della sua arte in altrettante sezioni della mostra, Anamnesi, Linguaggi, Vedute di Napoli, Città, Natura, Mari, attraverso 80 fotografie realizzate dal 1964 al 2011, tra cui alcune delle opere iconiche che hanno definitivamente attestato la grandezza del maestro napoletano. Dalle foto che immortalano statue e mosaici, vestigia delle antiche civiltà del Mediterraneo, a un interesse di tipo sperimentale e concettuale per il linguaggio fotografico; dalle vedute urbane di Napoli e di altre metropoli contemporanee, cariche di assenza e silenzio, nelle quali – come scrive l’autore – “la realtà e la mia visione interiore coincidono”, alle trasfigurazioni del paesaggio naturale fino alla struggente malinconia dei suoi mari. La sezione Natura, con opere esposte per la prima volta, aggiunge un nuovo e ulteriore capitolo alla sua ricerca.

Mimmo Jodice. Senza tempo
DOVE Gallerie d'Italia - Torino
QUANDO  Dal 29 giugno 2023 al 7 gennaio 2024
BIGLIETTI  Ingresso intero 10 euro, ridotto 8 euro, ridotto speciale 5 euro per clienti del Gruppo Intesa Sanpaolo e under 26; gratuità per convenzionati, scuole, minori di 18 anni, prima domenica di ogni mese