People's Biennal al Mocad

Ultimi giorni per la People's Biennal al Mocad 

People's Biennial is an exhibition series conceived by artist Harrell Fletcher and curator Jens Hoffmann in 2009. It examines the work of artists and other creative individuals, who operate outside the conventional art world. As such it recognizes a wide array of artistic expression present in many communities across the United States. In covering the little known, the overlooked, the marginalized, and the excluded, the project offers a view into a diverse range of creative practices in America today. The People’s Biennial also proposes an alternative to the standard contemporary art biennial, which mostly focuses on art from a few select cities (New York, Los Angeles, occasionally Chicago, Miami or San Francisco). It questions the often exclusionary and insular process of selecting art that has at times turned the spaces where art is exhibited into privileged havens seemingly detached from the realities of everyday life. 

Following the People’s Biennial 2010, which focused attention on underrepresented artists from five diverse non-art center geographical regions in the United States (Portland, Oregon; Rapid City, South Dakota; Winston-Salem, North Carolina; Scottsdale, Arizona; and Haverford, Pennsylvania), the People’s Biennial 2014 will attempt again to showcase artwork that might otherwise not be shown in a museum context.

For the second iteration of this exhibition series the curators have asked 17 recognized artists based in a wide set of locations around the United States to connect and collaborate with creative individuals they personally know who are not part of the art world in any way. These solo presentations will each be displayed in free-standing structures within the refurbished Woodward Gallery of the Museum of Contemporary Art Detroit creating a creative community of the unknown, overlooked surprising. 

About the curators: 

Harrell Fletcher has produced a variety of socially engaged, participatory projects since the early 1990s for institutions, museums and exhibitions around the world. He received his BFA from the San Francisco Art Institute and his MFA from the California College of the Arts. He studied organic farming at the University of California, Santa Cruz. He went on to work on a variety of small farms, which impacted his work as an artist. He participated in the 2004 Whitney Biennial and is the 2005 recipient of the Alpert Award in Visual Arts. In 2002 Fletcher created Learning To Love You More with Miranda July, a participatory website now in the collection of the San Francisco Museum of Modern Art. Fletcher is an Associate Professor of Art and Social Practice at Portland State University.

Jens Hoffmann is the Deputy Director and Head of Exhibitions and Public Programs of The Jewish Museum, New York and Guest Curator at the Museum of Contemporary Art Detroit. He has curated more than 50 exhibitions internationally since the late 1990s, including the 2nd San Juan Triennial (2009), the 12th Istanbul Biennial (2011) and the 9th Shanghai Biennale (2012). He was the Director of the CCA Wattis Institute for Contemporary Arts in San Francisco (2007–12) and Director of Exhibitions at the Institute of Contemporary Arts in London (2003–7).

Participating Collaborations: 

• Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla and Robert Rabin
• Carson Ellis and Hank Meloy
• Dara Friedman and Ishmael Golden Eagle
• Wendy Ewald and Denise Dixon
• Lee Walton & Harriet Hoover and Mr. Coopers
• Colter Jacobsen and Lance Rivers
• Liz Magic Laser and Wendy Osserman
• Sharon Lockhart and Fearless Fred
• Cary Loren and Jimbo Easter
• Rick Lowe and Jonathan the Plant Man
• Ken Lum and Orkan Telhan
• Jeffry Mitchell and Vic Oblas
• Scott Reeder and Xav Leplae
• Alec Soth and George Wurtzel
• Hank Willis Thomas and Baz Dreisinger
• Transformazium and James Kidd
• Steven Yazzie and Jonathan Bond

Anish Kapoor a Versailles

foto EPV / Thomas Garnier

Sarà l'artista Anish Kapoor ad intervenire nel parco del Castello di Versailles la prossima estate del 2015, da Giugno a Ottobre, con le sue grande installazioni. 

L'evento sarà realizzato con la galleria Lisson di Londra, l'artista era già intervenuto alcuni anni fa con un grande lavoro site-specific nel Grand Palais, riscuotendo un grande successo. 

Hadash, Latifa Echakhch

La Gallaria Dvir presenta le opere di Latifa Echakhch nella mostra Hadash

Adolescence, with its assorted baggage of mixed ideals, has a certain naiveté about it.

Looking back at that, which turned us both outward and against everything, we cannot but do it with bemused sympathy. That courage to leap from up high, to play among the gravestones, to pen manifestos on peace and friendship.

Such writings may have been kept secret, hidden for decades in the pages of diaries, and youthful defiance is surely made easier when roaming in bands; the same goes for the ground on which one plays, whose sheer gravity is easily forgotten by youthful distractions. Yet at the time we were quite certain of that, that we were the new. Such are the moments that Latifa Echakhch evokes in her current exhibition, instances of a time elapsed and forgotten.

Carian Hmimar, which translates as “reddish shantytown,” refers to Mediouna, a town in the vicinity of Casablanca, Morocco. A peripheral implant on the city’s outskirts, its children have made the adjacent cemetery into a playground, coming there regularly to play.

The single-shot video shows two boys at play. Shot at nightfall, the boys heckle one another and play at throwing pebbles. The surrounding graveyard is barely visible at first, as we are at the cemetery’s older quarter, where gravestones are overgrown with brambles and bushes. We only perceive them towards the end of the video, at the right edge of the frame, when the camera moves away from the children who have now concluded their game.

A small vignette of everyday life in the Moroccan slum of Carian Hmimar. It is filled with the simple insouciance of two children at play, whose chosen playground would normally bring to mind gravity and solemnity.

A second video on show is titled Jadid, Arabic for “new,” (or the Hebrew Hadash of the exhibition’s title). The name is taken from Al Jadid, a port city on the Moroccan shore where these images were taken. Local youngsters play at dive jumping from fortified walls, jumping one by one in succession for hours on end.

Their jumps, several meters high, are risky, yet they brave the danger and perform them with blind innocence. As we watch them hurl themselves one by one into the void, we are overcome by mixed feelings of joy and fear boarding on euphoria. One would gladly join them if it hadn’t been for the caution and diminishing courage that comes with age.

Vendredi 11 août 1989 consists of eight paragraph outtakes cut in vinyl letters. Originally stuck on the wall, they have later been removed, giving visitors the impression that they have entered the exhibition shortly after being dismounted, with its residues still lying on the floor.

Except for a few clusters of words here and there, it is nearly impossible to make out their meaning, and their significance can only be conjectured.

The text was written by the artist at the age of 14, and is highly characteristic of a guarded youth, with its dreams of love and peace. It is a form of statement, an engagement that could have come from just about any boy or girl of that age, riddled as it is with misspellings, swerves and inconsistencies. It is full of a naively idealist sentiment that is both endearing and pathetic to read.

The text’s destruction marks a time elapsed, a page turned; that upon which one declares their intention to change the world. But it is also a time of greater innocence and reserve, where words still leave room for silence.

La cultura che non c’è più, cosa è successo all’arte

Una volta l’arte era considerata un ambito culturale, con cui si rappresentava un tempo, un modo di vivere e un’insieme di tradizioni e usanze che accadevano.

Le cose oggi sono molto cambiate, si sono semplificate attraverso i nuovi media e la storia dell'arte pare essersi fermata.

Quello che era un luogo di patrimonio culturale, storico, è stato convertito con l’innestato di nuovi operatori che, intuendo il grande potenziale di questa filiera creativa, lo hanno incanalato verso una produzione/distribuzione ben strutturata.

Fruendo del manto storico, ricco e variegato, ma allontanatosi dal senso culturale, l’arte visiva contemporanea garantisce un'immissione di tanti oggetti/immagini in circuito distributivo secondo dei canali di massificazione del prodotto.

Particolarmente interessante la redditività di questi investimenti che a fronte di bassi costi di produzione garantiscono ottimi guadagni.

Praticamente come con la moda, dove quello che conta non è il prodotto ma come lo si enfatizza / commercializza (interessante notare come alcuni investitori guarda caso vengono proprio da quella realtà), anche il sistema dell’arte sta erodendo il suo patrimonio storico, ricco di fantasia e creatività, appiattendolo su un mercato spietato e privo di stimoli. 

SAVE THE DATE - miart - fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea

#miart2015,

Si avvicina miart 2015, la ventesima edizione della fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea di Milano organizzata da Fiera Milano e diretta per il terzo anno da Vincenzo de Bellis.

Anche quest'anno l'immagine e la comunicazione visiva sono affidate a Mousse, che attraverso lo strumento della fotografia dal 2013 ha elaborato per la fiera un sistema diidentità dai tratti generativi che si rinnova a ogni nuova campagna.

Il tema scelto per miart 2015 nasce dall’associazione tra collezionismo e pratica venatoria. Le scene di caccia, che hanno una lunga tradizione nella rappresentazione dell’arte, vengono idealmente riproposte all’interno degli stand del quartiere fieristico, creando un sofisticato gioco di rimandi storici ed estetici e alludendo al ricco cerimoniale di appuntamenti e rituali sociali che da sempre ne accompagnano l'iconografia.

#huntandcollect

In attesa di scoprire le grandi novità della lista delle gallerie, che verrà ufficializzata agennaio 2015, e di svelare il programma dettagliato degli appuntamenti dal 9 al 12 aprile, vi invitiamo a lasciarvi incuriosire dalla lettura di Carnet de miart, il blog ufficiale dell’edizione 2015 di miart, a cura di Nicola Ricciardi. Costruito come un magazine online, l’obiettivo del Carnet è quello di offrire uno spazio di dibattito e discussioneintorno a temi quali la produzione, la conservazione e la circolazione dell’arte, con una particolare attenzione al contesto della fiera e ai suoi principali protagonisti.

Ogni due settimane, Carnet de miart presenta e propone saggi, interviste e opere di artisti, curatori, collezionisti e critici, oltre che informazioni, aggiornamenti e anteprime sulla scena artistica milanese e sui luoghi più interessanti da visitare prima, durante e dopo l’apertura della fiera.

www.carnetdemiart.it

#carnetdemiart

Questo ventesimo compleanno di miart si preannuncia quindi fin da ora un momento imperdibile per addetti ai lavori e appassionati d'arte: la settimana di miart 2015 proporrà infatti un calendario ricchissimo di appuntamenti dentro e fuori gli stand della fiera, riportando in evidenza il dna di Milano come capitale della creatività contemporanea e offrendo un anticipo di quella che sarà la lunga e ricca stagione di Expo 2015.

#miartdate

2015 IN MILAN WILL BE AMAZING. MIART MORE THAN EVER.

miart - fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea

10 – 12 aprile 2015

preview 9 aprile 2015

fieramilanocity, padiglione 3, gate 5

Milano

www.miart.it

Natale 2014

Mostre al Castello di Rivoli

Queste belle giornate invitano a piacevoli passeggiate, come il Castello di Rivoli che diventa un magico rifugio, dal caldo sapore d’accoglienza.

Accoglienza che la mostra “Intenzione manifesta. Il disegno in tutte le sue forme” sviluppa già dal suo supporto, il candido luogo di un foglio, spazio utopico, in cui tutti gli artisti danno sfogo, libertà, progettualità in continuo divenire.

La mostra suddivisa fra il Castello e la Manica Lunga, presente una bella varietà della grande opportunità che il disegno offre agli artisti. L’elenco degli artisti è vastissimo; Pablo Picasso, Joan Mirò, Paul Klee, George Grosz, Giacomo Balla, Giorgio Morandi, Osvaldo Licini e Renato Guttuso accanto a esponenti contemporanei di grande rilievo tra cui William Kentridge, Matt Mullican, Francis Alÿs, Hanne Darboven, Matthew Barney, sicuramente una mostra da non perdere.

Emozioni molto intime che la mostra di Sophie Calle propone in due forti impatti emotivi.

Si inizia con la fragile emozione dello sguardo, sguardo che scopre e condivide un’esperinza prima mai provata, un attimo fragile, unico.

Accanto un complesso sviluppo sul tema misterioso della vita, la sua conclusione, la morte.

L’anno in cui fu candidata alla Biennale di Venezia è l’anno in cui sua madre muorì, due eventi in completo contrasto, un’aspettativa e una conclusione.

Sophie Calle fece un piccolo omaggio presso il Palazzo delle Esposizioni, mentre nel padiglione francese presentò il suo lavoro.

Ora passato un tempo meditativo ritorna su questo attimo di vita e riordina le sue sensazioni e le sue espressività, in una serie di stanze, forse un poco dispersive.

Al primo piano due stanze accolgono le vincitrice del premio Illy, assegnato ad Artissima l’anno scorso. Si tratta delle opere fra architettonico e design di Caroline Achaintre e della ricerca sonora di Fatma Bucak sul tema della paura .

Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea

Piazza Mafalda di Savoia 10098 Rivoli (Torino) castellodirivoli.org

Trasporti pubblici da Torino: dalle stazioni di Porta Nuova e di Porta Susa: metropolitana direzione Fermi. Scendere fermata Paradiso (10 minuti ca.). Prendere la coincidenza autobus n. 36 direzione Rivoli fino al capolinea -Piazza Martiri (30 minuti ca.).

Assicurare l'arte

Vi segnalo il bel sito dell' AXA Art, l’unica compagnia di assicurazioni che si dedica esclusivamente alla protezione di opere d’arte. 

Il suo distintivo know-how e la grande esperienza acquisita negli anni la rendono un referente privilegiato per tutti coloro che si occupano di oggetti d’arte, d’antiquariato e da collezione, siano essi istituzioni pubbliche, collezionisti privati o operatori professionisti del settore.

Grazie a una vasta struttura di esperti, AXA Art può offrire il meglio in fatto di assistenza e consulenza specializzate, e inoltre soluzioni flessibili e differenziate in grado di rispondere alle più diverse esigenze. Una realtà all’avanguardia che trae la sua forza dal gruppo AXA, il terzo gruppo assicurativo mondiale.

Da oltre 40 anni AXA Art significa competenza, affidabilità, autorevolezza al servizio dell’arte. 

Leo Xu Project

La Leo Xu Project è una delle gallerie più innovative del panorama cinese, ricca di artisti particolarmente validi nella capacità di creare un filone artistico cinese.

Cheng Ran’s video Joss

Guo Hongwei Untitled-Perfect-Lovers 1991-2013

David Hocney a New York

David Hocney è sicuramente uno degli artisti inglesi più famosi e bravi, ora è in corso una sua mostra alla Galleri Pace di New York, 508 West 25th Street. 

Pace Gallery is pleased to announce Some New Painting (and Photography), David Hockney’s first exhibition of new paintings since 2009. Following The Arrival of Spring, it is Pace’s second presentation of Hockney’s work this year. The exhibition will be on view at 508 West 25th Street from November 8, 2014, through January 10, 2015. To accompany the exhibition, Pace will publish a catalogue featuring a new essay by critic Martin Gayford, author of A Bigger Message: Conversations with David Hockney (Thames & Hudson, 2011).

Some New Painting (and Photography) is Hockney’s first exhibition of works completed since his return to Los Angeles from England, where he spent a decade pictorially exploring the East Yorkshire landscape of his youth.

The works in the exhibition demonstrate Hockney’s longstanding dedication to painting and to depicting the human figure. Hockney made all of these works in his Los Angeles studio using live models—friends, colleagues and dancers. The exhibition includes seated portraits of individuals, a series of paintings that recalls Matisse’s masterpiece Dance and paintings of figures posing in his studio. Hockney moved his figures and objects around the studio. Playing with time and space, some figures appear more than once in the same painting.

The paintings highlight enduring interests and motifs in Hockney’s work: art history, pictorial space and portraiture. Martin Gayford wrote these paintings create a new kind of pictorial space: “Each figure contains within it multiple points of view, and so does the picture as a whole. Consequently, the viewer in turn feels in a different relation to every person in the picture, and the whole painting feels very different to one that contains just one angle of vision.”

The exhibition also includes five photographic drawings exhibited on high-definition screens. The works juxtapose elements he has drawn with photographs taken during sessions painting groups in his studio. Following his recent iPad drawings and video works, the photographic drawings continue Hockney’s use of technology to produce images.

Although each figure depicts someone specific, Hockney is less interested in representation or documentation. Rather he is interested in advancing his study of pictorial space and perspective. Art historian Kay Heymer wrote, “Hockney treats the people in his pictures as actors in a scheme reaching beyond biographical or psychological narration. He is on a continuous journey, his art testifying to what he has seen.”

David Hockney (b. 1937, Bradford, England) has produced some of the most iconic artworks of the twentieth and twenty-first centuries. Hockney’s ambitious and multifaceted approach to art has led him to embrace a range of methods and technologies, yet his work always remains rooted in and connected to painting. “I’m quite convinced painting can’t disappear because there’s nothing to replace it,” Hockney said. His forays into other media have continued, yet his work since 2005 has accounted for what Lawrence Weschler has called “the fiercest, most joyous, most sustained, and most prolific bout of painting of his entire career.”

Hockney received the gold medal for his last year at London’s Royal College of Art in 1962, the first of numerous accolades accrued in his career. Hockney had his first solo show at the age of 26. In 1970 Whitechapel Gallery, London, organized a travelling one-artist exhibition that was the first of several major museum shows worldwide. In 2012 Hockney was appointed a member of the Order of Merit by Queen Elizabeth II.

His paintings of the town of Bridlington were first shown at the Kunsthalle Würth in David Hockney: Just Nature (2009) and later that year at Pace in David Hockney: Paintings 2006 – 2009, the artist’s first New York exhibition of new work in twelve years. More recently, the Royal Academy of Art, London presented David Hockney: A Bigger Picture, a sweeping retrospective that traveled to the Guggenheim Bilbao and Museum Ludwig, Cologne (2012–13). In 2013, the Los Angeles County Museum of Art presented two exhibitions of the artist’s multichannel videos, and the de Young Museum, San Francisco, mounted David Hockney: A Bigger Exhibition, which included work from The Arrival of Spring, Pace’s 2014 exhibition of his videos and iPad drawings.

Hockney lives and works between Los Angeles and Yorkshire. This is his third exhibition with Pace.

Effetto piscina, Douglas Gordon al Park Avenue Armory

Il Park Avenue Armory si è trasformato in una grande piscina, dove una giovane pianista suona sul pianoforte dei noti brani di musica classica. Un poco banaluccio ma visto le dimensioni dello spazio fa un certo effetto.

Non è un grande spettacolo, anche se gli assomiglia molto, ma l’ultimo intervento dell’artista Douglas Gordon.

Oramai gli artisti fanno gli scenografi, non sapendo più fare gli artisti. Per cui si è perso più tempo e tanti soldi per trasformare questo spazio in una piscina che a pensare ad un’opera artistica, per fortuna che sono tutti soldi di privati.

Sempre più i musei organizzano spettacoli, chiamati performance, che però non hanno più nulla di questa tradizione, le mostre sono occasioni per party, le conferenze attimi di pippe auto celebrative. 

Via l’arte si è aperta alle masse e oggi deve giocare sui grandi numeri per cui addio alla cultura, al pensiero, alla riflessioni, si gioca sui grandi effetti, i giochi di luce o gli spazi, per cui visitate questo divertente evento e poi via su altre giostre o a fare shopping per il centro di New York.

La Grande Madre - a cura di Massimiliano Gioni

 Michael Elmgreen & Ingar Dragset Short Cut, 2003

english text below

Palazzo Reale, Milano

25 agosto - 15 novembre 2015 

Comune di Milano | Cultura e Fondazione Nicola Trussardi sono lieti di annunciare La Grande Madre, una mostra promossa da Comune di Milano | Cultura, ideata e prodotta dalla Fondazione Nicola Trussardi insieme a Palazzo Reale per Expo in città 2015, e realizzata con il sostegno di BNL Gruppo BNP Paribas, main sponsor dell’esposizione.

La mostra, che aprirà al pubblico dal 25 agosto al 15 novembre 2015, è il frutto di una collaborazione tra istituzioni pubbliche e privatenella condivisione di un progetto che porta la grande arte contemporanea, anche nelle sue dimensioni più attuali e innovatrici, nello spazio espositivo più prestigioso della città, rappresentando l’evento di punta del calendario di Expo in città nel secondo trimestre di Expo Milano 2015.

Attraverso le opere di oltre ottanta artisti internazionali, La Grande Madre analizzerà l'iconografia e la rappresentazione della maternità nell'arte del Novecento, dalle avanguardie fino ai nostri giorni.

Dalle veneri paleolitiche alle ‘cattive ragazze’ del post-femminismo, passando per la tradizione millenaria della pittura religiosa con le sue innumerevoli scene di maternità, la storia dell’arte e della cultura hanno spesso posto al proprio centro la figura della madre, simbolo della creatività e metafora della definizione stessa di arte. Archetipo e immagine primordiale, la madre e la sua versione più familiare di “mamma” sono anche stereotipi intimamente legati all’immagine dell’Italia.

La Grande Madre sarà una mostra sul potere della donna: partendo dalla rappresentazione della maternità, l’esposizione passerà in rassegna un secolo di scontri e lotte tra emancipazione e tradizione, raccontando le trasformazioni della sessualità, dei generi e della percezione del corpo e dei suoi desideri.

“Il palinsesto di Expo in città si arricchisce ancora grazie a una mostra prestigiosa, ospitata in una delle sedi espositive più visitate d’Italia, Palazzo Reale, che chiude il cerchio di una proposta completa sull’arte, le sue stagioni e i suoi linguaggi grazie allo sguardo acuto e spiazzante di Massimiliano Gioni, Direttore artistico della Fondazione Nicola Trussardi – ha dichiarato l’Assessore alla Cultura Filippo Del Corno. Una proposta che non solo offrirà al pubblico la possibilità di compiere un viaggio straordinario nella storia dell’arte e della cultura italiana e internazionale, ma sarà anche un’occasione speciale di approfondimento sulla figura della madre, che più di tutte incarna l’idea della nutrizione, tema centrale di Expo 2015. Un risultato reso possibile grazie alla Fondazione Nicola Trussardi nel quadro di un ampio dialogo tra pubblico e privato, stretti in un’alleanza per la diffusione dell’arte e della cultura”.

Con un allestimento che si estenderà su una superficie di circa 2.000 metri quadrati al piano nobile di Palazzo Reale, La Grande Madreporterà l’arte contemporanea al centro del programma di Expo in città, collegando la storia dell’arte alle questioni più urgenti del nostro tempo. Proseguendo la ricerca della Fondazione Nicola Trussardi, impegnata ormai da più di dieci anni nella produzione e promozione dell’arte contemporanea, La Grande Madre mescolerà il contemporaneo con la storia: in questa mostra tematica verranno accostate opere di oggi e capolavori storici, gemme sconosciute e artefatti provenienti dal mondo del cinema e della letteratura, evocando un ricco tessuto di associazioni, ricordi e immagini.

“Per dodici anni la Fondazione Nicola Trussardi ha lavorato portando il meglio dell’arte contemporanea nei luoghi più belli di Milano, valorizzandoli e aprendoli al pubblico – ha dichiarato la Presidente Beatrice Trussardi. Il percorso fin qui intrapreso ha fatto della Fondazione Nicola Trussardi una delle istituzioni più rispettate nel mondo dell'arte internazionale. In occasione di Expo siamo lieti di avviare questa nuova collaborazione con il Comune di Milano e con uno dei suoi luoghi simbolo, Palazzo Reale, ribadendo il nostro impegno a mantenere vivo il dibattito sull'arte e sulla cultura contemporanea.”

Urs Fischer HOUSE OF BREAD, 2004

The Great Mother

curated by Massimiliano Gioni 

An exhibition promoted by the Cultural Office of the City of Milan, conceived and produced by the Fondazione Nicola Trussardi in partnership with Palazzo Reale for Expo in Città 2015

Palazzo Reale, Milan

August 25 – November 15, 2015

The Cultural Office of the City of Milan and the Fondazione Nicola Trussardi are pleased to announce The Great Mother, an exhibition promoted by the Cultural Office of the City of Milan, conceived and produced by the Fondazione Nicola Trussardi in partnership withPalazzo Reale for Expo in Città 2015, and supported by BNL BNP Paribas Group as main sponsor.

The exhibition, which will be open to the public from August 25 to November 15, 2015, is a collaboration between the public and private sectors to bring contemporary art into Palazzo Reale, the city’s most prestigious exhibition venue, as the pivotal event on the Expo in Città calendar for the second half of Expo 2015 in Milan.

Through the work of more than eighty international artists, the exhibition The Great Mother will analyze the iconography of motherhood in the art and visual culture of the twentieth and twenty-first centuries, from early avant-garde movements to the present.

Whether as a symbol of creativity or as a metaphor for art itself, the archetype of the mother has been a central figure in the history of art, from the Venuses of the Stone Age to the "bad girls" of the postfeminist era and through centuries of religious works depicting innumerable maternity scenes. The more familiar version of “Mamma” has also become a stereotype closely tied to the image of Italy.

In undertaking an analysis of the representation of motherhood, the exhibition The Great Mother will trace a history of women's empowerment, chronicling gender struggles, sexual politics, and clashes between tradition and emancipation.

“The Expo in Città calendar will be made even richer by a prestigious exhibition – housed in one of Italy’s most popular exhibition venues, Palazzo Reale – which offers a sweeping panorama of the history and languages of art through the keen and challenging vision of Massimiliano Gioni, Artistic Director of the Fondazione Nicola Trussardi,” says Filippo Del Corno, the city’s Councilor for Culture. “Not only will this project offer the public the chance to take an extraordinary journey through Italian and international art history and culture, it will be a special opportunity to explore the figure of the mother, the quintessential symbol of nourishment, which is the key theme of Expo 2015. This achievement is made possible by the Fondazione Nicola Trussardi as part of a broader dialogue between the public and private sector, which are joining forces to help spread art and culture.”

With an exhibition layout that will cover more than 2000 square meters (20,000 square feet) on the piano nobile of Palazzo Reale – a neoclassical building which preserves many of its original decorations and period details – The Great Mother will bring contemporary art into the heart of the Expo in Città program, linking art history to the most pressing issues of our time. True to the mission of the Fondazione Nicola Trussardi, which has been producing and promoting contemporary art projects in historical venues for over a decade, The Great Mother will mix past and present: the exhibition will juxtapose contemporary art, historical works, and artifacts from the world of film and literature, weaving a rich tapestry of associations and images.

“For twelve years now, the Fondazione Nicola Trussardi has brought the finest contemporary art into some of Milan’s most beautiful spaces, rediscovering and opening them up to the public,” said Fondazione Nicola Trussardi President Beatrice Trussardi. “For the Expo, we are pleased to be undertaking this new partnership with the City of Milan and with one of its greatest landmarks,Palazzo Reale, confirming our commitment to help fuel the debate on contemporary art and culture.”