Pausa caffè

Sculpted Sound – Stringed Instruments from India

Nel novembre del 2013, grazie al generoso sostegno della Rietberg Circle, il Museo Rietberg  ha acquisito un gran numero di strumenti a corda indiani dall' illustratore di successo e grafico Bengt Fosshag, un collezionista privato a Rüsselsheim, in Germania. 

Questa mostra presenta circa ottanta tra le più belle strumenti della collezione Fosshag: liuti di legno finemente realizzati circa un centinaio di anni e in alcuni casi anche un po 'più vecchio. La mostra comprende anche esempi selezionati di musica e canzoni con accompagnamento di liuto, nonché informazioni di base sull'uso di questi strumenti. 

Il museo ha preso la cura speciale per presentare gli strumenti in maniera abile, al fine di sottolineare la loro aura speciale suono sculture. Sono stati pertanto sospesi da corde come note musicali o suoni senza peso. In questo modo, l'occhio del visitatore è diretto verso le sculture fantasiose e forme insolite degli strumenti e verso l'interazione innovativa delle loro parti, i quali riflettono la creatività dei loro costruttori.

La mostra durerà fino ad Agosto 2015.

Press release 

Sculpted Sound – Stringed Instruments from India

5 September 2014 – 9 August 2015

In November 2013, the Museum Rietberg acquired a large collection of Indian stringed 

instruments from a private collector in Germany. This exhibition will feature approximately 

eighty of the most beautiful instruments from this collection. Intricately made, they are all 

roughly one hundred years old, while some are even slightly older. 

In an article titled “The Musical Migrant” of 10 November 2013, the Frankfurter Allgemeine Zeitung reported the transfer of one of the most important collections of Indian instruments from Rüsselsheim in Germany to the Museum Rietberg. The museum was able to purchase part of the collection using funds from the Rietberg Circle, while the rest was a gift from the German owner and collector, Bengt Fosshag, a successful illustrator and graphic designer who had amassed this extraordinary collection in the course of decades and was seeking a permanent home for it. 

Asked about his history as a collector, Fosshag says that it was a sarinda, a lute from Lahore, that prompted him to begin accumulating literature about these exotic stringed instruments in the 1960s. An exhibition of non-European musical instruments at the Münchner Stadtmuseum acquired from a private collection subsequently inspired him to begin collecting similar instruments himself. He purchased stringed instruments in Turkey and Morocco, while a friend brought him a tar (long-necked lute) and a dulcimer from Iran. 

Over the course of many years, he accumulated one of the most important collections of lutes in Europe. Bengt Fosshag gradually shifted his focus from pieces that were purely musical instruments to “lute sculptures” from India, Nepal, and Afghanistan. For the 1996 exhibition “Mit Haut und Haar”, he donated the majority of his collection to the Linden-Museum and subsequently concentrated on the dhodro banam lutes of the East Indian Santal people and on the Nepalese damyen, amassing a fabulous collection that now not only enlarges the department of Indian art at the Museum Rietberg, but also adds an entirely new theme to it.

The Bengt Fosshag Collection 

The collection consists of ninety-two instruments, all but nine of which come from India and Nepal. Most of them were built at the beginning or during the first half of the twentieth century. However, precise information about their manufacture, origin, and use is lacking. The most striking instruments in the collection originate from the Santal culture, a tribal community in India. 

Among the instrumental sculptures, the dhodro banam (“hollow instrument”) and huka banam (“coconut instrument”) are the most spectacular items. Both types have almost vanished today and are inexorably supplanted by more modern instruments – a development related to the integration of the Santal into Indian society.

The dhodro banam is made of a single piece of wood, which is divided into four equal pieces. The craftsman begins by hollowing out the belly in an oval shape, followed by the chest. The neck is straight and ends in a head, the lower part of which has a hole to receive the string. The dhodro banam player holds the instrument vertically with its neck pointing upwards and the playing hand above the bow hand.Präsidialdepartement 

The huka banam looks similar, but is held the other way around: its neck points downwards while resting against the player’s chest and the bow hand above the playing hand. Additionally, the huka banam has no tuning peg; the string is knotted to the instrument’s neck. 

The Santal People India is home to an estimated six to ten million Santal (also known as Santhal, Sontal or Sonthal) who represent the largest indigenous population group recognised as a “tribe” in India. Most Santal live in rural areas in the states of Jharkhand, West Bengal, Bihar, Odisha, and Assam, with additional small groups in neighbouring Bangladesh and Nepal. 

They speak their own language, Santali, a member of the Munda subfamily of Austroasiatic 

languages, which is more closely related to the languages of Southeast Asia than to the major Indian languages. Santali uses both the Latin alphabet and various Indian scripts. The majority of the Santal in West Bengal and adjacent territories make their living in agriculture, although some work in the mines or as day labourers. 

Despite the increasing Hinduisation and Christianisation of India, the Santal have their own highest deity (Thakur or Chando) as well as other deities (Bonga), but these have neither holy places nor images. Their myths of origin and their social structure too are unique, differing from those of the Indian caste society. Additionally, the self-assured demeanour of Santal women defies the social conventions of rural India, since they not only take part in cultural life, but also choose their own life partners. 

Music is an important part of Santal culture and can be heard everywhere both in everyday life and on festive occasions. The Santal are gifted and passionate dancers and musicians and most of their songs and dances are related to various seasons and phases of life. During the Baha blossom festival in spring, it is the custom to invite everyone present to join in the singing and dancing. Transverse flutes made of bamboo are ubiquitous, and at large festivals, iron kettle drums beat to invite neighbouring communities to join in. 

Myths of Origin

The following legend describes the birth of the dhodro banam: Once upon a time there were seven brothers who lived with their sister. One day the sister cut her finger, and the blood ran down onto the vegetables she was preparing. The brothers found the meal to be tasty and thought that if her blood alone was so delicious, her flesh would be even more so. So they decided to kill their sister and eat her. Only the youngest brother did not want to eat of her flesh and hid his portion in an anthill. After some time, a large tree grew on the spot with blossoms that gave off a wondrous sound. 

One day, a wandering yogi came by and heard this beautiful sound. He marvelled at it and decided to cut a branch from the tree. From the wood he carved the instrument that is called dhodro banam today. 

A similar legend tells of the origins of the huka banam.

Once there were seven brothers who killed and ate their sister. The youngest brother would not touch his portion, but buried it in a spot from which, later, a melodiously sounding tree began to grow. A wandering yogi made a musical instrument from one branch of the melodious tree. 

One day, without knowing it, the yogi arrived in the village where the seven brothers lived. He went begging from door to door and asked for rice. When he came to the house where the brothers lived, his instrument began to sing: “... this one belongs to sinners ...” When the brothers heard the song of the instrument they were greatly afraid, for its sound was like their sister’s voice.

So they invited the yogi into their house. In secret they made a copy of the instrument and exchanged the two instruments without the yogi’s knowledge. Then they threw the yogi out of their home on the pretext that he had made their house dirty.

The Exhibition 

The title “Sculpted Sound” expresses the important relationship between the body, the music, and the musical instrument. The instruments are presented in settings that enhance their aura as resonant sculptures. The exhibition designers were concerned less with creating a conspectus of the 

instruments in the collection than with staging a presentation that frees them from the rigid confines of Präsidialdepartement the display case, preferring to suspend them from strings that allow them to float in space like musical notes or weightless sounds. In this way, the visitor’s eye is directed towards the imaginative carvings and unusual shapes of the instruments and towards the innovative interplay of their parts, all of which reflect the creativity of their builders. 

“Sculpted Sound” is the first special exhibition at Museum Rietberg that will run for almost a year. This will allow enough time for such activities as a collaboration with the National Handicrafts and Handlooms Museum in New Delhi, India, which will involve several working visits by Indian researchers to Zurich as well as the publication of an expanded English version of the catalogue. The purpose of this collaboration is to acquire more information about the cultural, historical, and art history background of the instruments on display here. Without the help and close cooperation of Indian museum staff as well as field research in India, it would be impossible to locate individual instrument builders and their workshops or to interpret the iconographic details. Thus a scientific study of the Fosshag Collection has yet to be carried out and the present publication and the exhibition represent important preliminary steps on the road to a deeper understanding of these instruments. The exhibition will also be accompanied by a number of events, workshops, concerts, and lectures.

Parcours des mondes

“Parcours des mondes” è giunta alla sua tredicesima edizione, vivacizzando il quartiere Saint-Germain-des-Près con una serie di eventi e proposte nell’ambito delle arti tribali, spaziando dalle culture africane fino alle antiche società orientali. Settanta espositori internazionali con iniziative espositive mirate e ricercate dal 9 al 14 Settembre. 

Come (...) le cose che non esistono, 31 Biennale di San Paolo

Per la 31 Biennale di São Paulo è stato sviluppato un'ampio progetto curatoriale dal team internazionale di curatori - Charles Esche, Galit Eilat, Nuria Enguito Mayo, Pablo Lafuente e Oren Sagiv.

Il team curatoriale si è concentra sulla ricerca, la selezione, la produzione e la disposizione della Biennale al padiglione Ibirapuera Park

Il titolo della 31 ° Bienal de São Paulo, è "Come (...) le cose che non esistono", una evocazione poetica delle capacità dell'arte, di riflettere e agire sulla vita, sul potere e sulla fede. 

La frase, né una domanda né una proposizione, intrappola, attraverso l'arte, il lato mistico e spirituale della vita con gli ideali politici e sociali - tutto questo in un mondo in costante evoluzione. Si intende comunicare ottimismo circa le possibilità dell'arte di oggi - un ottimismo che fa eco a quella della Bienal ei progetti all'interno di esso. La gamma di possibilità di azione e di intervento è aperto - un'apertura che è la ragione per la prima delle due verbi nel titolo di cambiare continuamente, anticipando le azioni che potrebbero rendere presenti queste cose che non esistono. Abbiamo iniziato parlando di loro, in seguito a spostarsi su vivere con loro. Questa è stata seguita utilizzando, lottando contro e imparare da quelle stesse cose, in una lista che non ha fine. 

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31st SAO PAULO BIENAL

How to Talk about Things that Don't Exist

Parque Ibirapuera, São Paulo

6 Settembre – 7 Dicembre 

Press release

The 31st Bienal de São Paulo is being developed by an international team of curators - Charles Esche, Galit Eilat, Nuria Enguito Mayo, Pablo Lafuente and Oren Sagiv. The curatorial team started working in August 2013 and is concentrating on the research, selection, production and arrangement of the Bienal at the pavilion in Ibirapuera Park.

The title of the 31st Bienal de São Paulo, How to (…) things that don’t exist, is a poetic invocation of art’s capacities, of its ability to reflect and act upon on life, power and belief. The sentence, neither a question nor a proposition, entangles, through art, the mystical and spiritual side of life with political and social ideals – all this in a constantly changing world. It intends to communicate optimism about the possibilities of art today – an optimism that echoes that of the Bienal and the projects within it. The range of possibilities for action and intervention is open – an openness that is the reason for the first of the two verbs in the title to constantly change, anticipating the actions that might make present these things that don’t exist. We started by talking about them, later to move onto living with them. This was followed by using, struggling against and learning from those same things, in a list that has no end.

The existence of things that don’t exist can be grasped if we recognise that human understanding and action are partial, limited by expectations and beliefs. Some things, then, fall outside the commonly accepted frames of thinking and doing at any given time. When people find themselves in discord with existing explanations of life and their experience of it, the things that don’t exist become most tangible in their absence. They are often experienced as confrontations with limitations or injustices that we feel we cannot surpass, because we do not posses the means to do so.

Performance QuiZera di Arthur Scovino al  Mosteiro de São Bento

European Photo Exhibition Award epea02

Simona Ghizzoni, While you were sleeping

Dal 6 settembre al 5 ottobre, il Palazzo della Fondazione Banca del Monte a Lucca sarà palcoscenico della seconda edizione dell’European Photo Exhibition Award epea02, la prestigiosa rassegna della giovane fotografia continentale promossa dalla Fondazione Banca del Monte di Lucca (Italia), dalla Fundção Calouste Gulbenkian (Portogallo), Institusjonen Fritt Ord (Norvegia) e Körber-Stiftung (Germania). 

“The new social” è il titolo della seconda edizione, i cui protagonisti sono stati individuati tra i fotografi che vivono e lavorano in Europa e non solo (oppure principalmente in Europa) con l’obiettivo di promuovere artisti all’inizio di carriera, mettendo loro a disposizione strutture internazionali, stimolandoli a lavorare insieme e a confrontarsi con esperti del settore scelto, a scambiarsi opinioni e condividere i metodi di lavoro. 

“Dalla pace globale alla difesa dell’ambiente, dai diritti delle donne a quelli degli immigrati, oggi stiamo assistendo sempre più alla comparsa di nuovi movimenti che possiamo definire sociali, in quanto ispirati alla difesa dei diritti umani. Lavorare su questi nuovi scenari sociali e presentarli al grande pubblico declinati attraverso l’occhio sensibile di fotografi giovani e con una provenienza e un background diversi, significa non solo sollecitare una riflessione importante ma anche stimolare la partecipazione democratica.”, a dirlo è Giuliano Nieri, vicepresidente della Fondazione Banca del Monte di Lucca. 

 Paula Winkler Centerfolds

La scelta dei 12 talenti europei 2014 è stata affidata a un pool di esperti nominati da ciascuna delle Fondazioni che hanno promosso epea. Si tratta di Rune Eraker (fotografo freelance, Oslo), Sérgio Mah (curatore e sociologo, Lisbona), Ingo Taubhorn (curatore presso la House of Photography / Deichtorhallen, Hamburg), mentre a rappresentare la Fondazione lucchese è stato anche questa volta Enrico Stefanelli, ideatore e direttore artistico del Photolux Festival. 

“In questa seconda edizione – sottolinea Stefanelli –, i fotografi partecipanti sono chiamati a ritrarre i nuovi scenari sociali, lavorando su temi di forte attualità e cercando di esplorare i segnali rilevatori dei cambiamenti di identità culturale, di stili di vita, di modi di comunicare, in un’analisi critica dei nuovi modelli di partecipazione civica, sociale e politica.” 

Stefanelli ha indirizzato la sua scelta su tre giovani ma già affermati professionisti: Simona Ghizzoni, fotografa dell’Agenzia Contrasto, vincitrice di due World Press Photo; Massimo Berruti, fotografo dell’Agenzia VU, vincitore di un World Press Photo e di altri prestigiosi riconoscimenti internazionali, e il polacco Jan Brykczynski, giovane professionista facente capo al Collettivo Sputnik. 

Gli altri selezionati sono: Patricia Almeida (Portogallo), Eric Giraudet de Boudemange (Francia), André Cepeda (Portogallo), Linda Bournane Engelberth (Norvegia), Kiril Golovchenko (Ukraina), Arja Hyytiainen (Finlandia), Espen Rasmussen (Norvegia), Spephanie Steinkpf (Germania) e Paula Winkler (Germania). Otto i Paesi rappresentati (nella prima edizione erano 5): Italia, Francia, Germania, Ukraina, Portogallo, Finlandia, Polonia, Norvegia.

I loro reportage saranno in mostra al Palazzo della Fondazione Banca del Monte di Lucca dopo esserlo stati ad Oslo, e prima delle tappe di Parigi (21 ottobre – 20 dicembre) e Amburgo (31 marzo – 31 maggio 2015). Da sottolineare che la prima edizione della manifestazione è stata visitata nelle quattro sedi da oltre 130 mila persone.

Numerose anche quest’anno le iniziative collaterali. Tra queste, il 6 settembre alle 10.00 c’è “Fotogiornalismo e New Media”, il seminario organizzato dall’agenzia “Contrasto” sui nuovi linguaggi di comunicazione per i professionisti del settore, a seguito della rivoluzione multimediale che stiamo vivendo. Segue alle ore 17.30 una conversazione sulla fotografia con Roberto Koch e Pier Giorgio Branzi.

Apertura al pubblico: 6 settembre 2014 alle ore 18.30, Auditorium Fondazione Banca del Monte di Lucca (Piazza San Martino 7).

Vernissage: 11 settembre 2014 alle ore 18,30, Auditorium Fondazione Banca del Monte di Lucca (Piazza San Martino 7).

Jan Brykczynski , Collection

European Photo Exhibition Award epea02, The new social

Palazzo della Fondazione Banca del Monte di Lucca

Piazza S. Martino n. 7 - Via del Molinetto, Lucca

Apertura al pubblico dal 6 settembre 2014 (post inaugurazione) al 5 ottobre 2014

Orari mostra:

- dal lunedì al venerdì: dalle 11.00 alle 19.30

- sabato, domenica e festivi: dalle 10.00 alle 19.30

Ingresso libero 

Per informazioni

www.epeaphoto.org

www.fondazionebmlucca.it

www.fondazionebmluccaeventi.it

www.photoluxfestival.it

Time Slice l'attimo di un giorno

Le suggestioni di un giorno in una piazza, un'idea semplice ma affascinante che il fotografo Richard Silver ha realizzato in diverse città del mondo, eccovi alcuni scatti, stupendi, non trovate?  

Patrioti d'arte... sostenere gli artisti del proprio territorio ...

Made in L.A. 2014 Hammer Museum  Photo by Brian Forrest

Torno un attimo sul tema del sostegno dell'arte ai propri artisti nostrani.

Sicuramente qualcuno mi taccerà di patriottismo, ma in realtà prendo ad esempio l'ennesimo caso straniero dell'Hammer Museo, negli Stati Uniti, che non solo organizza una Biennale con gli artisti residenti in una città, in questo caso Los Angeles,  titolo "Made in L.A. 2014" (via così se non si capiva...), ma fornisce una serie di premi a sostegno per la loro futura carriera.  

Made in L.A. 2014 Hammer Museum  Photo by Brian Forrest

In Italia, che io sappia, c'è solo a Venezia la Fondazione Bevilacqua la Masa che ha un lascito per una visione così territoriale, anche se ultimamente hanno tentato di annullare questo tipo di sostegno, favoleggiando che nell'era di internet, i giovani in Italia, debbano confrontarsi col mondo, per cui bisogna dare spazio agli che operano all'estero, al limite investiamo per delle borse di studio per mandare all'estero gli artisti...

Made in L.A. 2014 Hammer Museum  Photo by Brian Forrest 

Faccio questo appunto perché gli artisti italiani sono praticamente scomparsi dai principali eventi d'arte mondiale, giustamente nessuno li sostiene nel nostro paese e perché mai dovrebbero avere spazio all'estero.

Finisco in ironia pensando che qui tutti diciamo che l'arte è la cifra più significativa del nostro paese ma poi quasi nessuno in questo presente fa nulla per dargli un futuro

ps nota positiva, c'è anche il nostro Piero Golia nella mostra all'Hammer, che da anni vive a Los Angeles. 

Scatti di Candida Höfer alla Galleria Borghese di Roma

Ecco una selezione degli scatti di Candida Höfer realizzati presso la Galleria Borghese di Roma, dalla Galleria Sonnabend 

Je dois tout d’abord m’excuser… I Must First Apologise… opere di Joana Hadjithomas et Khalil Joreige a Villa Arson a Nizza

 Villa Arson presenta la mostra degli artisti visivi Joana Hadjithomas e Joreige che sono interessati alla mail (e-mail) indesiderate, spam, concentrandosi in particolare sulle truffe che sono particolarmente efficaci. 

Per oltre quindici anni, gli artisti hanno raccolto, conservato, studiato e analizzato i messaggi di spam, seguendone le storie i contesti, i diversi sistemi di rappresentazione e la strana capacità di carpire la fede di chi le riceve. 

Press release in francese

Pour leur exposition à la Villa Arson, les cinéastes et plasticiens libanais Joana Hadjithomas et Khalil Joreige poursuivent leurs recherches sur les modes de narration, l’écriture de l’histoire et les productions d’imaginaires. Ils s’intéressent ici aux mails (courriels) indésirables, les spams, en se focalisant notamment sur les scams qui constituent des arnaques particulièrement efficaces.

Pendant plus de quinze ans, les artistes ont collecté, archivé, étudié et remonté la trace de ces mails pour interroger les rapports à l’histoire, aux contextes, aux différents régimes de représentations ainsi que l’étrange foi qui nous fait croire aux images et aux récits. La matière des scams, reléguée d’habitude aux corbeilles de nos ordinateurs, devient un symptôme de l’état du monde, une cartographie des conflits, une étrange fable contemporaine, mais aussi le lieu de rencontres singulières et d’expériences poétiques.

Les cinéastes et plasticiens libanais, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige construisent leur œuvre sur l’écriture de l’Histoire et sur la production de savoirs et d’imaginaires ainsi que sur les modalités de la narration contemporaine. Ils prennent appui sur l’expérience de leur propre pays tout en dépassant ses frontières.

Je dois tout d’abord m’excuser… leur exposition à la Villa Arson est le fruit d’un travail de recherche qu’ils mènent depuis 1999 sur les courriers indésirables reçus sur internet, les spams, et plus particulièrement les mails d’arnaque, les scams. Ils ont collecté, archivé, étudié plus de 4 000 d’entre eux jusqu’à, dans certains cas, en remonter la trace.

Ces courriers, s’inscrivant dans une tradition qui date du XVIIIe siècle (Les lettres de Jérusalem), usent aujourd’hui d’une structure similaire : une personne affirme posséder une importante somme d’argent qu’elle doit transférer rapidement. Un pourcentage conséquent de cette somme sera versé à celui qui l’aidera, un inconnu, qui serait pourtant la seule personne de confiance de son entourage. Si la « victime » accepte, on lui demande alors petit à petit d’avancer de l’argent destiné à couvrir des frais imaginaires avant que le transfert ne soit effectif. Ce transfert n’aura jamais lieu.Connues également sous le nom d’ »arnaques nigérianes » , car souvent issues de ce pays, ces escroqueries se révèlent particulièrement efficaces puisque chaque année des milliers de personnes sont abusées et plusieurs centaines de millions d’euros volés, entraînant quelquefois des meurtres et des suicides.

Mais comment peut-on y croire ? Qu’est-ce qui anime cette croyance ? Ces scams jouent de la crédulité du destinataire et, pour l’abuser, se basent sur une réalité vraisemblable, l’actualité ou des événement réels, faisant référence à des conflits existants et usurpant souvent l’identité de personnes connues. Écrits à la première personne, construits comme des monologues, ce seraient les confessions d’enfants ou d’épouses d’hommes politiques, de dictateurs illustres et ce qu’ils racontent sont des réservoirs d’histoires dans tous les sens du terme.

On y croise supposément la femme de Yasser Arafat, l’ex-première dame tunisienne, l’avocat de Kadhafi, le fils aîné de Moubarak, le frère du leader Kurde Oçalan, la femme du président du Liberia, Charles Taylor, le fils du General Assumane Hanis de Guinée-Bissau, les enfants du Colonel Coulibaly de la Côte-d’Ivoire, Nenita Villaran, la veuve de l’ancien ministre des finances des Philippines, le secrétaire du milliardaire ukrainien Khodorkovski, mais aussi des officiers américains en Irak, des veuves anonymes, des enfants de négociants de cacao ou d’exploitants de mines d’or…

À la lecture attentive de ces scams, se profile une histoire de ces dernières années : les conflits, les guerres, les déplacements, l’évolution de l’économie, des valeurs financières, des matières premières, de la religion, de la politique, du terrorisme et même de l’écologie… Ces archives virtuelles dressent une cartographie des conflits, un symptôme de l’état du monde et des relations Nord/Sud, tout en étant le lieu de rencontres singulières et d’expériences poétiques.

L’exposition fonctionne comme un parcours narratif, un film déployé qui, sous la forme d’installations, de sons, de vidéos, de sculptures et de dessins, déconstruit ces données, les transforme pour produire des images et des représentations singulières. On y retrouve des personnages récurrents, d’autres secondaires, des scammeurs, des victimes, des scambeaters qui veulent scammer les scammeurs, des montages parallèles, des décors originaux, des accessoires indispensables, des scénarios et des récits virtuels. Peu à peu, ces éléments tissent entre eux de multiples correspondances.

La « matière » des scams, d’habitude reléguée aux corbeilles de nos ordinateurs, devient pour les artistes, un espace de transformation pour interroger les formes narratives et artistiques générées par internet ainsi que le rapport à l’histoire contemporaine, aux contextes, à l’art, aux différents régimes de représentations et à l’étrange foi qui nous fait croire aux images et aux récits.

Joana Hadjithomas & Khalil Joreige : http://hadjithomasjoreige.com et http://www.insituparis.fr/

Commissariat : Éric Mangion

Cette exposition est réalisée en partenariat avec HOME (Manchester – GB), avec le soutien de la Galerie In Situ Fabienne Leclerc (Paris) et du Nouveau Musée National de Monaco.

L’installation Tout est vrai reçoit le soutien du FNAGP (Fonds National des Arts Graphiques et Plastiques) ; La rumeur du monde est produite avec le soutien de l’association FUTURUM et de l’Espace Khiasma et Une lettre arrive toujours à destination avec celui de The Abraaj Group Art Prize.

Le dimanche 6 juillet à 21h30, L’ECLAT organise, en présence des réalisateurs, une projection en plein air dans le jardin du film The Lebanese Rocket Society (Liban, 2013, 1h35) et travaille avec les artistes sur une programmation de films sur le thème du spam, qui prendra ultérieurement la forme d’une publication.

Publication prévue aux Presses du réel : un livre d’écrits des artistes Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, une anthologie de textes de la fin des années 1990 jusqu’aujourd’hui, où se dévoilent leurs rapports à l’art, à l’image, au cinéma, à l’écriture de l’histoire, avec en final, un développement autour de leur dernier projet sur les courriers indésirables véhiculés par Internet. 

#arson #Hadjithomas  #Joreige   

A petit fair

Organizzato da Frutta, in collaborazione con Jeanine Hofland, si svolgerà a Roma una piccola fiera d'arte contemporanea, per tre giorni dal 26 a  28 Settembre, tutti i dettagli al sito www.apetitfair.com

Ecco le gallerie partecipanti:

Galleries 2013

Apice for Artists

Barbara Seiler Gallery

Boetzelaer Nispen

Cole

Frutta

Jeanine Hofland Contemporary Art

Kendall Koppe

KLEMM'S

Norma Mangione Gallery

Peter Amby Gallery

Ricou Gallery

Rod Barton

Press release

A Petite Fair is a small scale nomadic art fair initiated by Jeanine Hofland in 2012 and annually takes place in a gallery somewhere on the globe. For a weekend the hosting gallery functions as a platform for ambitious international galleries, each presenting projects between the walls, pillars and corners of the space. This year’s edition is organized with Frutta, and takes place in its gallery space in Rome from 26 until 28 September 2014. Alongside the gallery presentations, APF aims to collaborate with local initiaves. This year CURA. Magazine will be the media partner.

The first two editions of APF took place in the gallery of Jeanine Hofland and included presentations by Apice for Artists (Amsterdam), Barbara Seiler (Zurich), Boetzelaer|Nispen (Amsterdam), Carlos/Ishikawa (London), Cole (London), Frutta (Rome), Kendall Koppe (Glasgow), KLEMM’s (Berlin), Norma Mangione (Turin), Peter Amby (Copenhagen), Ricou (Brussels) and Rod Barton (London).