I corpi viventi di Michelangelo e Rodin

Il Louvre ci offre una stupenda comparazione artistica fra due dei più importanti scultori di tutti i tempi, il sublime Michelangelo e il magnifico Rodin.

Fino al 12 Luglio è possibile vedere un diretto dialogo fra i due maestri ineguagliabili della scultura occidentale che dialogano attraverso i secoli. Le loro opere, che incarnano la forza del corpo e la profondità dell'anima, si incontrano in un confronto senza precedenti, in cui emergono continuità e rotture.

Organizzata in cinque sezioni – Due artisti mitici; Natura e antichità: reinventare il modello; Non finito  ; Corpo e anima; Energia e vita – la mostra riunisce marmi, bronzi, gessi, sculture in terracotta, calchi e una ricca collezione di opere grafiche. L'esposizione sottolinea le sfide formali e concettuali che conducono a un obiettivo comune: rendere visibile l'energia interiore del corpo.

Il corpo appare sia come involucro che come pelle dell'anima, materia vivente soggetta al tempo e al gesto. La mostra esplora anche l'eredità di questi gesti, come la riscrittura dell'antichità e l'uso del corpo hanno preparato il terreno per le rotture nel XX secolo. Evidenziando connessioni, prestiti e reinterpretazioni, la mostra offre una lettura sensibile dei miti di questi due geni e ci invita a ripensare la scultura non come un elemento che "crea forma", ma come un laboratorio di innovazione artistica.

L'esposizione è stata seguita da Chloé Ariot, curatrice del patrimonio presso il Museo Rodin., e da Marc Bormand, curatore capo del patrimonio, dipartimento di sculture, Museo del Louvre. 

L'evento è stato reso possibile grazie alla collaborazione fra il Museo del Louvre e il Museo Rodin , col prezioso supporto di Bank of America, sponsor principale , Kinoshita Group e dalla Fondazione Placoplatre .

Gli equilibrati sogni di Calder

 Alexander Calder, Lily of Force, 1945 Sheet metal, wire, rod and paint 270 x 250 x 160 cm 

Fondation Louis Vuitton © 2025 Calder Foundation, New York / ADAGP, Paris

Fra i tanti eventi di quest'anno un'attenzione particolare sarà per la mostra che questa primavera la Fondation Louis Vuitton dedicherà al centenario dell'arrivo di Alexander Calder (1898-1976) in Francia nel 1926 e i cinquant'anni dalla sua morte con una retrospettiva che esplora tutte le sfaccettature della sua opera. " Calder. Rêver en Equilibre "  abbraccia mezzo secolo di creazione, dalla fine degli anni '20 e la prima messa in scena delle performance dell'artista Cirque Calder che affascinarono l'avanguardia parigina, alle sculture monumentali che ridefinirono l'arte pubblica negli anni '60 e '70. Alla Fondation Louis Vuitton, i mobili di Calder - fluttuanti all'interno dell'architettura di Frank Gehry - trasformano la mostra in una danza coreografata.

Una delle mostre più importanti mai dedicate ad Alexander Calder, " Calder. Rêver en Equilibre " è stata concepita in stretta collaborazione con la Fondazione Calder, suo principale prestatore. La mostra presenta anche prestiti da istituzioni internazionali e importanti collezionisti privati, riunendo quasi 300 opere: stabili e mobili – per usare la terminologia calderiana per le astrazioni statiche e cinetiche – oltre a ritratti in filo metallico, figure in legno intagliato, dipinti, disegni e persino gioielli, concepiti come sculture uniche. Attraverso il percorso cronologico che si estende su oltre 3.000 m² , la mostra metterà in luce le preoccupazioni artistiche fondamentali di Calder: il movimento soprattutto, ma anche la luce, il riflesso, i materiali umili, il suono, l'effimero, la gravità, la performance e l'interazione tra spazio positivo e negativo.

La mostra celebrativa è arricchita da contributi di contemporanei di Calder. Opere degli amici dell'artista Jean Arp, Barbara Hepworth, Jean Hélion e Piet Mondrian, così come di Paul Klee e Pablo Picasso, collocheranno l'inventiva radicale di Calder all'interno del movimento d'avanguardia. 34 fotografie scattate da alcuni dei più importanti fotografi del XX secolo – Henri Cartier-Bresson, André Kertész, Gordon Parks, Man Ray, Irving Penn e Agnès Varda, tra gli altri – mostreranno un artista in bilico tra arte e vita. " Calder . Rêver en Equilibre" presenterà anche presentazioni mirate dedicate ai nuclei chiave dell'opera di Calder, tra cui la sua amata serie Constellation e i suoi gioielli dinamici.

In linea con le precedenti mostre monografiche dedicate a grandi figure del XX e XXI secolo – come Jean-Michel Basquiat, Joan Mitchell, Charlotte Perriand, Mark Rothko, David Hockney, Gerhard Richter – la Fondation Louis Vuitton dedica tutti i suoi spazi espositivi, e per la prima volta il prato adiacente, all'opera di Calder. In questo modo, la mostra avvia un dialogo tra i volumi, i piani e i movimenti di Calder e quelli dell'architettura di Frank Gehry.

A metà dei suoi vent'anni, Alexander Calder si riallacciò alla tradizione artistica della sua famiglia (figlio di un pittore e scultore, nipote di uno scultore) dedicandosi inizialmente alla pittura e al disegno. Dopo aver studiato all'Art Students League di New York, si trasferì a Parigi nel 1926. Nel quartiere di Montparnasse, allora epicentro del mondo dell'arte internazionale, entrò rapidamente a far parte di una fiorente comunità creativa. Lì presentò opere innovative – sculture figurative e minimaliste in filo metallico che ricevettero elogi dalla critica – e un circo in miniatura. Grazie a un prestito eccezionale del Whitney Museum of American Art, il primo in 15 anni, il Cirque Calder torna a Parigi, la città in cui è nato. Al centro di questo innovativo corpus di performance art, Calder orchestrò acrobati, clown e cavalieri in miniatura per un pubblico sempre più numeroso. Tra gli spettatori figuravano Fernand Léger, Jean Hélion, Le Corbusier, Jean Arp, Joan Miró e Piet Mondrian.

La visita di Calder allo studio di Mondrian nel 1930, dove rimase profondamente colpito dall'installazione ambientale, segnò una svolta decisiva verso l'astrazione, prima nella pittura e poi nella scultura. Marcel Duchamp suggerì il termine "mobile" nel 1931 per le composizioni astratte cinetiche di Calder, che furono presentate dall'artista nel 1932 alla Galerie Vignon di Parigi. Inizialmente azionate meccanicamente e in seguito mosse dalla minima brezza, queste opere traevano " la loro vita dalla vita indistinta dell'atmosfera ", come scrisse Jean-Paul Sartre nel 1946. In particolare, in risposta alla terminologia di Duchamp, Arp propose il termine "stabile" per gli oggetti statici di Calder dei primi anni Trenta.

Sebbene Calder fosse tornato negli Stati Uniti nel 1933, continuò a viaggiare in Europa, partecipando in particolare al Padiglione della Repubblica Spagnola nel 1937 insieme a Miró e Picasso. Ritornò in Francia dopo la guerra e aprì uno studio nel villaggio di Saché, nella Valle della Loira, nel 1953. Con un piede in ogni paese, Calder ampliò la definizione stessa di scultura fino alla sua morte nel 1976. Attraverso il movimento, certamente, ma anche attraverso un vocabolario dinamico declinato su tutte le scale – dai delicati assemblaggi metallici animati dal minimo respiro alle costruzioni monumentali – creò sculture non oggettive che esistevano simultaneamente in parallelo con la natura. Come commentano Dieter Buchhart e Anna Karina Hofbauer, curatori ospiti della mostra: " L'approccio innovativo di Calder ha ampliato le dimensioni della scultura fino a includere il tempo come quarta dimensione essenziale " .

Curatela
Suzanne Pagé, Direttrice artistica della Fondation Louis Vuitton, Curatore capo
Dieter Buchhart e Anna Karina Hofbauer, curatori ospiti
Assistiti da Valentin Neuroth
Olivier Michelon, curatore associato, assistito da Léna Levy

Questa mostra è stata resa possibile grazie alla collaborazione con la Calder Foundation e il Whitney Museum of American Art.

Hauser & Wirth Invite(s)

 

Hanna Rochereau, 2025, veduta della mostra. Per gentile concessione: © Hanna Rochereau, Shmorévaz, Parigi e Hauser & Wirth, Parigi; fotografia: Nicolas Brasseu

Hauser & Wirth Invite(s) è una nuova iniziativa del gruppo che a Parigi, presso gli Champs-Élysées, ospita un artista all'inizio della sua carriera, si è iniziato con Hanna Rochereau. 

Hanna Rochereau, 2025, veduta della mostra. Per gentile concessione: © Hanna Rochereau, Shmorévaz, Parigi e Hauser & Wirth, Parigi; fotografia: Nicolas Brasseu

CS

Hauser & Wirth Invite(s) is a new program for hosting fellow artists, galleries and writers in our Paris space, offering wider visibility of their work and ideas and engaging with the city’s vibrant creative community.​ Organized with Olivier Renaud-Clement, the first presentation of Hauser & Wirth Invite(s) features works by Hanna Rochereau, in collaboration with Shmorévaz and a curatorial text by writer Salomé Burstein.

 Using the idea of the ‘shop’ as a departure point, Hanna Rochereau’s solo exhibition at Hauser & Wirth Paris is the first iteration of a dialogue between the French artist and Shmorévaz, an independent exhibition space housed in a former shoe shop in Paris. This show will be followed by a second chapter at Shmorévaz in Spring 2025. 

Rochereau views the notion of the shop as an opportunity to formally question the tools, uses and ideas that certain goods and objects conjure up during their life cycle. The staging of the exhibition is rooted in Rochereau’s practice as a painter and installation artist, exploring ideas around categorization, ornamentation, the glamorous and the ghostly. 

Riapre Nostre Dame a Parigi

 

Oggi dopo cinque anni di interrotti lavori riapre al pubblico la meravigliosa cattedrale gotica di Parigi.

Dopo lo spaventoso incendio dell'aprile 2019 si è realizzato un maestoso restauro che è intervenuto su tutto l'edificio.

Un'opera di recupero che ora offre una visione completamento nuova di questo storico edificio, visitato da milioni di turisti da tutto il mondo. 

Un complesso lavoro di restaturo e pulitura è avvenuto su tutto l'edificio che per la prima volta si potrà godere nella sua completa lucentezza. Tutte le strutture sono state ridipinte o lucidate, la polvere dell'incendio e del tempo è stata completamente rimossa. Gli arazzi puliti, gli affresci recuperati e rinnovato e rinnovate i sistemi di illuminazione. 

In previsioni di un flusso turistico molto ampio è stato organizzado un sistema di prenotazione che si consiglia, visto che le code per l'ingresso potrebbero essere anche di due ore. 

Fondation Louis Vuitton - Pop Forever, Tom Wesselmann &

Tom Wesselmann, Still Life #38, 1964 Oil, acrylic, collage and assemblage (including a clock and radio) 55.9 x 59.7 x 20.3 cm The Estate of Tom Wesselmann, New York © ADAGP, Paris, 2024  Photo: © Jeffrey Sturges

 

Con la stagione autunnale della Fondation Louis Vuitton  si giunge al decimo anni di attività con una serie di iniziative che guarderanno all'arte ma non solo. Si inizia il 16 ottobre 2024 quando prenderà avvio la mostra "Pop Forever, Tom Wesselmann & ...", un progetto dedicato alla Pop Art, uno dei principali movimenti artistici degli anni '60, la cui influenza continua a farsi sentire in tutti i continenti e tra tutte le generazioni.

La mostra sarà incentrata su Tom Wesselmann (1931-2004), una delle figure principali del movimento, attraverso una selezione di 150 dipinti e opere in vari materiali. La mostra presenterà anche 70 opere di 35 artisti di diverse generazioni e nazionalità che condividono una sensibilità comune per il "Pop" - dalle sue radici dadaiste alle sue manifestazioni contemporanee, e dagli anni '20 ai giorni nostri. Oltre alle opere di Tom Wesselmann, la mostra includerà opere di Derrick Adams, Ai Weiwei, Njideka Akunyili Crosby, Evelyne Axell, Thomas Bayrle, Frank Bowling, Marcel Duchamp, Rosalyn Drexler, Sylvie Fleury, Lauren Halsey, Richard Hamilton, David Hammons, Jann Haworth, Barkley L. Hendricks, Jasper Johns, KAWS, Kiki Kogelnik, Jeff Koons, Yayoi Kusama, Roy Lichtenstein, Marisol, Tomokazu Matsuyama, Claes Oldenburg, Meret Oppenheim, Eduardo Paolozzi, Robert Rauschenberg, Martial Raysse, James Rosenquist, Kurt Schwitters, Marjorie Strider, Do Ho Suh, Mickalene Thomas, Andy Warhol, Tadanori Yokoo...

CS
From 16 October 2024 to 24 February 2025, Fondation Louis Vuitton will present “Pop Forever, Tom Wesselmann & ...”, an exhibition dedicated to Pop Art, one of the major artistic movements of the 1960s, whose influence continues to be felt across all continents and amongst all generations.
 
The exhibition will be centered around Tom Wesselmann (1931-2004) - one of the leading figures of the movement - through a selection of 150 paintings and works in various materials. The exhibition will also feature 70 works by 35 artists of different generations and nationalities who share a common sensibility for “Pop” - from its Dadaist roots to its contemporary manifestations, and from the 1920s to the present day.
 
In addition to works by Tom Wesselmann, the exhibition will include works by Derrick Adams, Ai Weiwei, Njideka Akunyili Crosby, Evelyne Axell, Thomas Bayrle, Frank Bowling, Marcel Duchamp, Rosalyn Drexler, Sylvie Fleury, Lauren Halsey, Richard Hamilton, David Hammons, Jann Haworth, Barkley L. Hendricks, Jasper Johns, KAWS, Kiki Kogelnik, Jeff Koons, Yayoi Kusama, Roy Lichtenstein, Marisol, Tomokazu Matsuyama, Claes Oldenburg, Meret Oppenheim, Eduardo Paolozzi, Robert Rauschenberg, Martial Raysse, James Rosenquist, Kurt Schwitters, Marjorie Strider, Do Ho Suh, Mickalene Thomas, Andy Warhol, Tadanori Yokoo...
 
According to the exhibition’s guest curators Dieter Buchhart and Anna Karina Hofbauer, more than just a retrospective, “Pop Forever, Tom Wesselmann &... will contextualize Tom Wesselmann’s work within art history, and offer fascinating perspectives on Pop Art, past, present and even future”.
 
In the late 1950s, Pop Art surged on both sides of the Atlantic, in North America and Europe. Comic strips, advertising, cinema, celebrities, food processors and tabloids all became painting subjects. When they were not paintings in themselves, they were photographic images glued or mechanically reproduced onto the canvas. Pop Art celebrates, with a degree of ambiguity, the marriage of art and popular culture, of museums and galleries and the cultural industry. With no manifesto and no boundaries, Pop Art denominates an aesthetic that extends far beyond the artistic realm and prevails to this day. It is difficult to say when Pop Art begins, and certainly impossible to close the chapter on it.
 
It is this premise of a timeless Pop Art, “Pop Forever,” that will be presented in a two-pronged exhibition which is simultaneously a retrospective and a thematic show.
 
Tom Wesselmann is immersed in the intellectual and aesthetic climate of the “Pop” era from which his work emerged, and which continues to frame it to this day.
 
Born in 1931, Tom Wesselmann began painting in the late 1950s. Though an admirer of the visual impact of American abstract painters, he embraced the iconographic vocabulary of his time, incorporating advertising, billboards, images, and objects in his work. He consciously pursued the classical genres of painting (still life, nude, landscape) while broadening the horizons of his art, both in terms of subject matter and technique. Halfway between painting and sculpture, his works also incorporate multimedia elements (light, movement, sound, video). As for his huge, spectacular Standing Still Lifes, at the crossroads between painting and installation, they introduce a format hitherto unseen.
 
With works ranging from Wesselmann’s first collages in 1959 to his large-scale embossed still lifes, his landscapes - which lie on the fringes of abstraction - and his 2004 Sunset Nudes, the exhibition will span across all four floors of the Fondation’s building.
 
The exhibition, which will be chronologically linked to Wesselmann’s works and themes, will use the artist’s work as a starting point to develop a more general presentation of Pop Art. His Great American Nudes will be in dialogue with the American icons of his contemporaries (Evelyne Axell, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Marisol, Marjorie Strider, Andy Warhol). The Dadaist roots of Pop Art (Marcel Duchamp, Kurt Schwitters) will be the precursors to his large collages. As for his depictions of consumer goods, they will prefigure the representations of merchandise in the age of globalization by Jeff Koons or Ai Weiwei. Finally, his nudes and intimate domestic scenes will be mirrored by new works from a new generation, some of which (Derrick Adams, Tomokazu Matsuyama, Mickalene Thomas) have been created specifically for the exhibition.
 
The exhibition is supported by the Tom Wesselmann Estate and features loans from international institutions and private collections.

Mostre alla Bourse de Commerce di Parigi

 

Due mostre dal forte impatto emotivo ci accolgono negli spazi della Bourse de Commerce della Collezione Pinault, nel cuore di Parigi. Una collettiva dal forte percepire contemporaneo e un antologica dei lavori di  Anri.

Ivan Argote a Parigi da Perrotin

 

Tenere sensibilità naturali, quotidiani stati emotivi, con le opere di Ivan Argote alla galleria Perrotin a Parigi.

Notre Dame brucia

Un terribile evento a Parigi, la cattedrale di Notre Dame è stata distrutta dal fuoco 

Fiac 2017 - arte contemporanea a Parigi

Questa sera si inaugura la nuova edizione della Fiac la fiera d’arte contemporanea parigina che in questi anni si è consolidata internazionalmente. 

Novità dell’anno Parades, presso il Palais de la Découverte, una rassegna sulle performance; proposta che segue un trend un poco in declino, altre fiere le hanno già ridimensionate. Conferma di On Site al Petit Palais. 

Quest’anno ad occupare l’elegante Place Vendôme ci saranno le opere di Oscar Tuazon. Questa quarantaquattresima edizione si presenta stabile e con medie aspettative, il programma corale è discreto.

 Eccovi un poco di scatti dal sito de la Fiac.

Collezione Pinault prossimamente a Parigi

Il progetto culturale promosso dalla Collezione Pinault si amplia e si rafforza con l’apertura di un nuovo spazio espositivo permanente nel cuore di Parigi, nella storica sede della Bourse de Commerce.

Presentato a Parigi il progetto di restauro dell’edificio del XVI° secolo, sotto la direzione di Tadao Ando, architetto che ha firmato il recupero di Palazzo Grassi e Punta della Dogana a Venezia.

“Con la nascita di questa nuova sede in cui la mia Collezione sarà esposta, si aggiunge un nuovo tassello alla realizzazione del progetto culturale che ho intrapreso, volto a condividere la mia passione per l’arte del nostro tempo con il maggior numero di persone. Il progetto è nato a Venezia, più di dieci anni fa, con l’apertura di Palazzo Grassi e di Punta della Dogana, spazi che saranno in relazione permanente con il sito parigino. Come per Venezia, questa iniziativa proviene da un impegno personale al quale ho voluto associare i membri della mia famiglia, i miei figli e in particolare François-Henri Pinault.”

François Pinault.

Dal 2006 il progetto culturale di François Pinault si è articolato secondo tre principi: una rete di musei permanenti, ubicati a Venezia - Palazzo Grassi, arricchito nel 2013 da un auditorium, il Teatrino, e Punta della Dogana - un programma espositivo temporaneo extra muros, in collaborazione con numerose istituzioni in Francia e all’estero; infine, un programma di iniziative a sostegno della creazione e della storia dell’arte come la residenza di artisti di Lens o il premio Pierre Daix.

Con l’inaugurazione della Bourse de Commerce a Parigi – prevista per l’inizio del 2019 - la collezione Pinault introduce anche un cambiamento di scala. Rafforza la sua rete di siti culturali permanenti, pur preservando l’identità di ognuna delle sue componenti. La Bourse de Commerce, Palazzo Grassi, Punta della Dogana e il Teatrino interagiranno tra loro in una relazione di collaborazione, complementarità e sinergia. In linea con questa visione, è stato conferito l’incarico di direzione del nuovo museo parigino a Martin Bethenod, che continuerà a dirigere i musei veneziani.

Affidata a un’équipe composta da Tadao Ando (Tadao Ando Architect and Associates - TAAA), Pierre-Antoine Gatier, architetto specializzato nella conservazione dei beni architettonici, l’agenzia NeM - Lucie Niney e Thibault Marca e la SETEC Costruzioni, la ristrutturazione prevede uno spazio espositivo pari a circa 3000 metri quadrati, utilizzabili autonomamente o combinati per accogliere progetti che richiedono spazi di grande ampiezza. I volumi, che vanno dalla dimensione intima a quella monumentale, sono pensati per accogliere nel modo più idoneo opere realizzate con tecniche e formati diversi, dalla fotografia alle grandi installazioni, passando per la pittura, la scultura o i video.

Gli spazi destinati all’esposizione sono completati da un auditorium da 300 posti, in grado di ospitare conferenze, convegni, proiezioni e concerti, oltre a un ampio foyer e una sala per la presentazione di installazioni video, performance e progetti sperimentali.

Lo spirito che guida il progetto architettonico e museografico è quello di un dialogo sereno, cordiale e non impositivo con il contesto storico e del patrimonio, con le opere e con il pubblico.

Centro Pompidou 40 anni !

Alla sua comparsa, il 31 Gennaio del 1977, questo incredibile edificio, ideato da Renzo Piano e Richard Rogers, suscitò grande dibattito, ma ora passati quarant'anni è diventato uno dei punti nevralgici della cultura parigina. 

Il Centro Pompidou celebrerà il suo 40° anniversario nel 2017 in tutta la Francia, con l'intento di  condividere questa festa con il maggior numero di persone appassionate di cultura e arte.

Per l'occasione è stato ideato un grande programma ricco di eventi, mostre, incontri. Ora nel centro sono in corso diverse mostre, tra cui una su René Magritte, Cy Twombly e il premio Marcel Duchamp con le opere della selezione del 2016 Kader Attia, Yto Barrada, Ulla von Brandenburg e Barthélémy Toguo.

Fiac 2016

Ultimo giorno per la Fiac, annata discreta, unica novità di rilievo negli spazi del Petit Palais una nuova stupenda location.

Il premio Duchamp è stato assegnato all'artista Kader Attia, gli altri finalisti erano Barthélémy Toguo; Yto Barrada e Ulla von Brandenburg.

Operà ma non solo

Ormai il mondo del web è diventato parte del mondo reale e sono sempre di più le istituzioni che operano anche in questo "spazio" da alcuni mesi c'è il link

https://www.operadeparis.fr/en/3e-scene

dell'Operà di Parigi che offre una serie di interessanti progetti artistici.

Manifesto 

Internet is a public place, a collective meeting place, a place for expression and creation.After the Palais Garnier in 1875 and the Opéra Bastille in 1989, the Paris Opera has decided to build its 3e Scène (3rd stage) in the digital world. In this new space, the Paris Opera intends to continue its dialogue with the public and also to make new friends. The 3e Scène’s spectators live all around the globe, speak every language, and love art in all its forms.

As of September 15, 2015, the 3e Scène opens wide its doors to visual artists, filmmakers, composers, photographers, choreographers, writers, and invites them to come and create original works relating to the Paris Opera. The relationship between the Opera and the works created may be forthright, robust, subliminal, drawn-out, extended or even distended. But above all we want the artists to make the Opera their own, to draw on its resources, roam within its walls and meet its talents in order to reveal places, colours, history, questions and people through creation.

This 3e Scène has neither equal nor model. Open to the world, it invents a space where tradition, creation and new technology unite as symbols of modernity.

JR prossimamente al Louvre

Anche quest’anno il Louvre ospiterà nella stagione estiva un’artista contemporaneo, ora è la volta di JR noto street artist, decimo artista ad essere invitato, che pare opererà sulla Piramide trasformandola in un sorprendente gioco anamorfico.

Empires - Huang Yong Ping per Monumenta al Grand Palais di Parigi

Il prossimo anno Monumenta ospiterà l'intervento di Huang Yong Ping col progetto "Empires" occupando gli eleganti spazi del GrandPalais con un intervento di suggestivi isolotti. L'evento avrà corso dall'8 Maggio al 18 Giugno 2016.

Dal 2007, Monumenta invita un artista di fama internazionale nella maestosa navata del Gand Palais, questo fantastico spazio dal suggestivo tetto di vetro con 13 500 m² di spazio per un’altezza di 35 metri. Qui artisti del calibro di Anselm Kiefer, Richard Serra, Christian Boltanski, Anish Kapoor, Daniel Buren, Ilya Kabakov hanno realizzato importanti progetti, eventi unici ed irripetibili.

Ora è la volta di Huang Yong Ping, nato nel 1954 in Cina, ma che vive in Francia dal 1989, a Ivry-sur-Seine, fra le figure più sperimentali, fondatore del movimento Dada “Xiamen” il cui slogan è "Zen è Dada, Dada è lo Zen.", dove ha realizzato azioni artistiche radicali e coltivato un gusto del paradosso per le sfide più originali, miscelando cultura occidentale ed orientale.

Reportage Fiac

Eccovi alcuni scatti dalla Fiac di quest'anno

 Musée national Circle of Animals Zodiac Heads, Ai Weiwei, 2010 

Courtesy Lisson Gallery, New York, Londres, Milan

Musée national Eugène Delacroix Oiseaux, José María Sicilia,  

Galerie Chantal Crousel 2000

Vincent Mauger Sans titre 

Courtesy Galerie Bertrand Grimont

Cloud, 2007 by Rolf JULIUS

Grand Palais Parigi 

Grand Palais Parigi 

Skull Exploded - The Dream Is Dead, 2007

 by Damien HIRST.

Swarovski Series

Two Nodes et Passage intime Dan Graham 

Courtesy Marian Goodman Gallery

Piero Gilardi - Orticello, 1966 

Courtesy Semiose galerie, Paris