A Parigi we drink the sun

 

Le gallerie Sultana, Air de Paris e Marcelle Alix collaborano in un dialogo iniziato culturale per  la mostra "We drink the sun", una partitura intima dove le fotografie di Jesse Darling, Donna Gottschalk, Dorothy Iannone e Nanténé Traoré influenzeranno l'atmosfera di un appartamento ideale.

Air de Paris presenta opere fotografiche di Dorothy Iannonne (1933, Boston - 2022, Berlino)....Da molti anni Dorothy Iannone indaga attraverso il suo lavoro visivo, i suoi libri ei suoi dischi, il mondo dell'amore e degli stili amorosi. Nella sua (ri)-ricerca originale, mescola abilmente immagini e testo, bellezza e verità. È una combattente per la libertà e un'artista energica e devota. Il suo scopo non è altro che la liberazione umana.

Marcelle Alix presenta le opere fotografiche di Donna Gottschalk ( nata nel 1949 ). Donna Gottschalk è cresciuta nelle Tenement Houses del Lower East Side di New York. Da adolescente frequenta la High School of Art and Design e inizia a frequentare la vita notturna gay e lesbica della città (Kooki's, Paula's e Colony bar), all'epoca estremamente pericolosa e controllata dalla mafia. Ha prodotto poster e documenti politici e ha fotografato gruppi di attivisti LGBTQI dall'età di 17 anni, quando si è unita al Gay Liberation Front (GLF). Appare con il cartello "I am your peggior fear / I am your best fantasy" nella celebre immagine scattata dalla fotoreporter Diana Davies (nata nel 1938) nel 1970 alla prima manifestazione gay e lesbica, il Christopher Street Day a New York, in occasione del primo anniversario della rivolta di Stonewall. Ha incontrato la fotografa Joan E. Biren (JEB, nato nel 1944) alla convention del Black Panther Party a cui Angela Davis aveva invitato il GLF. JEB appare in molte delle fotografie di D. Gottschalk dell'epoca.

Sultana Gallery presenta opere di Nanténé Traoré e Jesse Darling. Dopo gli studi in lettere, un DNAP alla Scuola di Belle Arti di Nantes, numerosi viaggi e varie esperienze professionali, Nanténé ha scelto di dedicarsi alla scrittura e alla fotografia, parallelamente alla sua attività militante nell'ambiente queer. Mescolando testi e immagini, le sue numerose serie di fotografie d'argento oscillano tra tracce documentarie degli ambienti con cui lavora e viaggi poetici dove si possono leggere molteplici storie d'amore e di vita. Collabora regolarmente con vari collettivi e riviste femministe e queer, attorno a parole o immagini. 

30 anni di David Kordansky Gallery

 

Festeggiamenti con una articolata colletiva per la David Kordansky Gallery, che quest'anno compie 30 anni di attività. Si tratta di uno dei luoghi più dinamici per l'arte contemporanea a Los Angeles, con una proposta di livello internazionale.

Fondata nel 2003 come parte di una fiorente comunità artistica nel quartiere Chinatown di Los Angeles, la galleria è nata come un incubatore all'avanguardia per i talenti emergenti. 

È rapidamente diventata una voce ampiamente rispettata nella conversazione internazionale sull'arte nuova e recente, e si è poi trasferita nella sua seconda casa, a Culver City, nel 2008.

La David Kordansky Gallery attualmente gestisce una struttura di 20.000 piedi quadrati a Mid-City Los Angeles e uno spazio di 5.000 piedi quadrati a New York.

 Il loro campus di Los Angeles comprende tre spazi espositivi in ​​due edifici con un cortile paesaggistico tra di loro, consentendo l'allestimento simultaneo di tre spettacoli separati e la diversità nella programmazione, tra cui performance, film e sculture all'aperto. Lo spazio espositivo nel quartiere Chelsea di New York accoglie i visitatori con un'esperienza coinvolgente mettendo in primo piano le opere d'arte in mostra. 

Cai Guo-Qiang al NACT

Al National Art Center di Tokyo è stata inaugurata una stupenda mostra su Cai Guo-Qiang preceduta da un fantastico spettacolo pirotecnico, sulla spiaggia di Yotsukura nella città di Iwaki, che potete vedere nel video sotto, promosso dal gruppo YSL. 

CS

La mostra personale su larga scala dell'artista contemporaneo di fama internazionale Cai Guo-Qiang, Ramble in the Cosmos―From Primeval Fireball Onward , aprirà il 29 giugno 2023 al National Art Center di Tokyo (NACT). La mostra è co-organizzata da NACT e SAINT LAURENT.

Il NACT ha presentato varie mostre per promuovere l'arte contemporanea nazionale e internazionale; questa mostra è curata dal direttore generale di NACT, Eriko Osaka. Il coinvolgimento nell'organizzazione della mostra del Cai segna l'ultimo esempio della missione in corso di SAINT LAURENT, su iniziativa di Anthony Vaccarello, per sostenere l'eccellenza in vari campi creativi tra cui arti visive, cinema e musica.

Cai è nato in Cina alla fine del 1957. Si è trasferito in Giappone alla fine del 1986, dove ha trascorso quasi nove anni prima di partire per gli Stati Uniti nel 1995. Durante questo periodo, ha sviluppato ampiamente il suo stile unico e il suo concetto artistico di creazioni di polvere da sparo. - segnando una tappa importante nel suo sviluppo artistico e proiettandolo sulla scena mondiale.

Per decenni, Cai è stato affascinato dall'universo più ampio e dal mondo invisibile, incluso il feng shuie l'astrologia e le antiche filosofie orientali dietro di loro. Ha anche un interesse a lungo termine per la scienza e la tecnologia come approcci contemporanei alla comprensione del nostro universo infinito. Il suo lavoro rivela l'influenza di riflessioni sensibili sulle questioni sociali contemporanee. Cai usa in modo creativo la polvere da sparo come mezzo artistico. I suoi dipinti, installazioni ed eventi di esplosione all'aperto su larga scala sono famosi in tutto il mondo e trasmettono una grande visione del mondo che è sia mitologica che antropologica.

Nel 1991, Cai ha tenuto una mostra personale a Tokyo, intitolata Primeval Fireball: The Project for Projects, segnando una pietra miliare sia nel suo periodo in Giappone che nell'arco della sua intera carriera artistica. L'omonima installazione al centro della mostra è apparsa sotto forma di un'onda d'urto, illustrando la suaProgetti per Extraterrestri e Progetti per l'Umanità che, all'epoca, dovevano ancora essere realizzati. Il titolo "Primeval Fireball" (原初火球） rappresentava una fusione dell'allora comprensione dell'astrofisica di Cai e una riflessione sulla concezione di Laozi dell'origine dell'universo. La mostra Ramble

in the Cosmos -From Primeval Fireball Onward al NACT porrà quindi la mostra Primeval Fireball come punto di partenza, metaforicamente il "Big Bang" artistico di Cai. Da lì, la mostra ripercorrerà l'evoluzione della pratica di Cai, ponendo due domande: cosa ha innescato il "big bang" e cosa è successo da allora?

Il dialogo di Cai con l'universo e il mondo invisibile fungerà da tema centrale della mostra, rivelandosi attraverso una presentazione delle prime opere dell'artista provenienti dalla Cina, seguite da quelle dei suoi anni formativi in ​​​​Giappone, quindi opere realizzate durante il suo successivo periodo a gli Stati Uniti e il suo viaggio sulla scena mondiale, mostrando un ricco percorso artistico la cui crescita rispecchia l'espansione dell'universo.

La galleria di 2.000 metri quadrati di NACT, lE, sarà trasformata in un ampio spazio aperto per questa mostra, evocando una piazza pubblica. La storica installazione di screen painting Primeval Fireballsarà ricreato su un lato della sala espositiva, con tre nuovi dipinti su vetro e specchio con soggetti inediti. Adiacente a questo si troverà un altro importante punto culminante della mostra: l'installazione LED espansiva e cinetica dell'artista, Encounter with the Unknown . Gli spettatori saranno invitati a vagare liberamente attraverso queste due opere. La mostra presenterà una cinquantina di opere provenienti dalle collezioni dei principali musei d'arte pubblici del Giappone e dalla collezione dell'artista. Queste esposizioni saranno arricchite da un'ampia selezione di rari materiali d'archivio, video documentari e testi scritti dalla prospettiva in prima persona dell'artista.

L'intera mostra colpirà il pubblico come una gigantesca installazione a sé stante, dove potranno sperimentare il viaggio profondo e liberatorio di Cai attraverso i suoi pensieri e le sue pratiche.

Il curatore di questa mostra e direttore generale del NACT, Eriko Osaka, ha dichiarato: "Nel corso della sua carriera, Cai Guo-Qiang ha esplorato espressioni che trascendono lo spazio e il tempo, derivanti dal suo desiderio per l'universo e dalla sua curiosità per l'ignoto. In questa mostra , ci presenta i concetti di distruzione e creazione, immobilità e movimento, intangibile e tangibile, caos e ordine, vita e morte e, ancora una volta, ci invita, come polvere cosmica, a contemplare la prospettiva dell'universo e del essenza della nostra esistenza”.

e un ritorno all'abbraccio dell'universo, l'eterna patria del giovane artista. Osservare la civiltà della Terra con gli occhi dell'universo ha anche un significato speciale per rispondere alle sfide della società che dobbiamo affrontare oggi. "

Il lago sconosciuto di Bally

 

Mathias Bensimon, Le lac intérieur, 2023 Veduta della mostra Un Lac Inconnu, Fondazione Bally, Lugano, Svizzera, 2023 © Andrea Rossetti

La fondazione Bally propone, presso Villa Heleneum a Lugano, la mostra "Un Lac Inconnu , an Unknown Lake" che prende in prestito il titolo dalle parole di Marcel Proust quando cerca di descrivere, nel suo libro Le temps retrouvé (Il tempo ritrovato), la meticolosa esplorazione dell'animo umano e di ciò che ne è alla base: l'inconscio. La mostra è un invito alla forza evocativa della natura circostante, alla sua capacità di ispirare immaginazione e creare immagini persistenti, a penetrare acque dormienti e profonde, materne o agitate, a trasformare in membrane sottili i confini tra esterno e interno, a passeggiare nei nostri intimi giardini, nei nostri paesaggi immersi.

Petrit Halilaj & Álvaro Urbano, 27 marzo 2012 (Forsythias), 2020 Veduta della mostra Un Lac Inconnu, Fondazione Bally, Lugano, Svizzera, 2023 © Andrea Rossetti

Un Lac Inconnuè la ricerca di una vibrazione comune tra ciò che accade dentro e fuori, di questi giardini disegnati ad ombretto da Hélène Muheim, incisi da Willa Wasserman, o tessuti da Elise Peroi, in cui le gigantesche forsizie di Petrit Halilaj e Álvaro Urbano ci proteggono dalle tempeste emotive e dove possiamo imbatterci nelle figure metà umane e metà vegetali di Vito Acconci, i fiori alati di Wilfrid Almendra, e gli oggetti animati/animisti di Rebecca Corno. Un'esplorazione del subconscio, come nell'opera di Paul Maheke, delle crepe e delle immagini che ci abitano, voci che ci perseguitano come quelle della scultura di Tania Gheerbrant, della storia di Yannick Haenel o del coro di Adelaide Fériot, tanto meravigliose quanto inquietanti. Se l'affresco di Mathias Bensimon ci permette di avere una visione speculare del lago, La pittura di Oliver Beer o la scultura di Ligia Dias sono andate a cercare gli elementi che le compongono proprio in fondo all'acqua, mentre gli oggetti liquidi di Mel O'Callaghan fanno risuonare i respiri in profondità dentro di noi. Di fronte al lago, sotto il lago, siamo gli esploratori solitari dei resti del paesaggio e dei nostri ricordi, come le opere di Caroline Bachmann, Emilija Škarnulytė o Karim Forlin, creando un ponte, una breccia che ci permetta di entrare il più vicino possibile a un territorio, alla sua storia e ai suoi miti. In una sovrapposizione di frame narrativi e temporali, attraversiamo la Villa come se stessimo leggendo un diario.

Rebecca Horn, Belle du vent, 2003 Veduta della mostra Un Lac Inconnu, Fondazione Bally, Lugano, Svizzera, 2023 © Andrea Rossetti

 Riunendo più di venti artisti internazionali, sotto il lago, siamo gli esploratori solitari dei resti del paesaggio e delle nostre memorie, come le opere di Caroline Bachmann, Emilija Škarnulytė o Karim Forlin, creando un ponte, una breccia che ci permetta di entrare il più vicino possibile a un territorio, alla sua storia e ai suoi miti. In una sovrapposizione di frame narrativi e temporali, attraversiamo la Villa come se stessimo leggendo un diario. Riunendo più di venti artisti internazionali, sotto il lago, siamo gli esploratori solitari dei resti del paesaggio e delle nostre memorie, come le opere di Caroline Bachmann, Emilija Škarnulytė o Karim Forlin, creando un ponte, una breccia che ci permetta di entrare il più vicino possibile a un territorio, alla sua storia e ai suoi miti. In una sovrapposizione di frame narrativi e temporali, attraversiamo la Villa come se stessimo leggendo un diario. Riunendo più di venti artisti internazionali,Un Lac Inconnu propone una passeggiata poetica e filosofica tra paesaggi immersi ed emersi, un tentativo di dare forma all'acqua che scorre tra le dita eppure crea un solco, una proposta di connessione con se stessi e con il mondo.

Leonardo da spiaggia ...

 

Sei in spiaggi ma vuoi dedicare un poco di tempo all'arte... allora punta alla mostra più cool del momento che puoi visitare tranquillamente in spiaggia con un bel tablet e collegandoti a Google  Arts & Culture che propone una affascinante approfondimento sul mitico Leonardo da Vinci proposto con oltre 1800 immagini e decine di testi di approfondimento... 

Prossimamente l'Aquila

La nuova edizione di Panorama, progetto ideato dal gruppo di importanti gallerie italiana riunite con nome di ITALICS, ci porterà in nella suggestiva cittadina reduce da un devastante terremoto che prosegue il suo percorso di rinascita. 

La mostra diffusa nei vari spazi urbani è curata da Cristiana Perrella

CS

Dal 7 al 10 settembre 2023 torna Panorama, il progetto culturale che ITALICS dedica con cadenza annuale ad alcune tra le località più straordinarie del nostro Paese.

Dopo le edizioni di Procida (2021) e Monopoli (2022), entrambe curate da Vincenzo de Bellis, ITALICS ha scelto L’Aquila per la terza edizione di Panorama e invitato Cristiana Perrella – curatrice di chiara fama e critica d’arte – a pensare una mostra diffusa per il capoluogo abruzzese.

Fondata alle pendici del Gran Sasso nel 1254 e ricostruita nel 1266 da Carlo I d’Angiò, parte del Regno di Napoli prima, del regno asburgico e del Regno delle Due Sicilie poi, L’Aquila nella sua lunga storia ha conosciuto momenti di potere e fasto alternati a fasi di declino, distruzione, ricostruzione e rinascita collegate ai violenti terremoti che l’hanno colpita nel corso della sua storia, tra cui quello particolarmente drammatico del 2009. La sua posizione nel cuore dell’Italia, circondata da imponenti montagne, foreste, laghi e corsi d’acqua, ha nei secoli conferito ricchezza e centralità strategica alla città sia dal punto di vista politico e religioso, che dal punto di vista economico e culturale. Tutt’oggi sono forti le testimonianze di questa storia nell’architettura e nel patrimonio artistico ed è viva l’eredità attraverso riti religiosi come la Perdonanza Celestiniana e il prestigio di istituzioni come il Conservatorio, l’Università e l’Accademia di Belle Arti. 

Centrale nella nuova edizione di Panorama curata da Cristiana Perrella sarà proprio l’ampio patrimonio storico dell’Aquila – con il suo strato medievale testimoniato dalla cinta muraria, quello rinascimentale riconoscibile in numerosi palazzi e chiese, quello barocco e poi neoclassico legato alle ricostruzioni settecentesche – in parte ancora ferito dall’ultimo sisma e in parte ricostruito e riportato allo splendore originario. Il Castello Cinquecentesco con la sala dove è conservato nella sua interezza un rarissimo scheletro di mammut trovato nel 1954 subito fuori dalla città, l’Oratorio barocco di Palazzo de’ Nardis, la Fondazione Giorgio de Marchis, il Casino delle Delizie Branconio, il MAXXI L’Aquila, ma anche palazzi, cortili, spazi pubblici e luoghi della vita quotidiana saranno abitati da opere di arte antica, moderna e contemporanea e messi in dialogo con lavori realizzati per l’occasione.

Le sedi di Panorama L’Aquila non saranno semplici “contenitori” di opere ma generatori di contenuti di per sé, capaci di rendere unica la mostra diffusa, beneficiando della fertile relazione con il tessuto culturale cittadino e la sua lunga tradizione. 

Il progetto espositivo di Cristiana Perrella per Panorama L’Aquila nasce infatti dalla suggestione del termine evocativo wit(h)nessing, coniato dalla teorica femminista, artista e psicoanalista Bracha Ettinger con l’intento di estendere il concetto di testimonianza, inteso sia come affermazione della propria conoscenza che di trasmissione di una storia. 

“L’esperienza del testimoniare è un’azione relazionale che prevede una coesistenza – sottolinea Cristiana Perrella –. Memoria e comunità sono per L’Aquila parole centrali, attraverso cui relazionarsi alla storia, la cultura, i luoghi e le persone. Vorrei che il tentativo di rendere partecipe il territorio prendesse forma in collaborazioni con realtà locali, produttive, culturali, sociali, invitate al dialogo con le artiste e gli artisti scelti per la mostra.”

Ouattara Watts a Parigi da Almine Rech

 

Presso la sede di Parigi della galleria Almine Rech è in corso la prima mostra personale di Ouattara Watts.

Come gli "intercessori" nel titolo di alcuni dei suoi dipinti, Ouattara Watts intercede all'incrocio delle civiltà per riconciliare i mondi. Il suo lavoro collega geografie e forme di un patrimonio estetico di lunga data, costruendo intricati dialoghi tra sistemi culturali e iconografici. 

I linguaggi visivi di Watts sono incredibilmente belli ed espansivi, pur conservando sempre una stratificata complessità di riferimenti, segni e corrispondenze.  

Edmondo Bacci alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia

Edmondo bacci, Avvenimento #247 , 1956, tempera grassa e sabbia su tela, 140,2 x 140 cm. 

Collezione Peggy Guggenheim, Venezia 76.2553 PG 164

Presso la Collezione Peggy Guggenheim è in corso la mostra "Edmondo Bacci: Energia e Luce" curata da Chiara Bertola. Un bel progetto che uno sguardo su uno degli artisti più interessanti di metà Novecento, con una produzione pittorica molto intensa. 

La mostra si concentra principalmente sugli anni Cinquanta, il periodo più lirico e creativo della carriera dell'artista, e quando raggiunse il successo internazionale. In questo periodo, infatti, come affermato esponente dello Spazialismo, e tra gli artisti più innovativi del panorama artistico italiano, Bacci catturò l'attenzione di Peggy Guggenheim e dei principali critici d'arte attraverso la novità della sua pittura, la forza generativa del suo colore, la sua rottura dei piani spaziali e il ritmo circolare delle sue pennellate. 

Edmondo Bacci, Peggy Guggenheim e Tancredi Parmeggiani (da sinistra a destra) alla Galleria del Cavallino, Venezia, ca. 1957. 

Alle pareti (da sinistra a destra): Avvenimento #242 (ca. 1957) e Avvenimento #235 (ca. 1957). Archivio Edmondo Bacci, Venezia

Bacci è stato uno dei massimi rappresentanti dell'arte veneziana del dopoguerra, insieme, tra gli altri, a Tancredi Parmeggiani ed Emilio Vedova, che hanno ottenuto successi e consensi anche internazionali. Bacci è stato anche uno dei pochi artisti in Italia a comprendere le possibilità dell'ultimo tipo di astrazione, fondendo le tendenze contemporanee in Europa e negli Stati Uniti con il suo stile unico e personale. La mostra racconta questa storia attraverso opere fondamentali per comprendere l'evoluzione del linguaggio pittorico del colore e della luce che tanto ha colpito Guggenheim, così come Alfred H. Barr Jr, direttore del Museum of Modern Art di New York, che ha acquisitoAvvenimento #13R nel 1953. L'opera, ora in possesso del museo di New York, fa un ritorno speciale in Italia, dove sarà esposta al pubblico per la prima volta.

La mostra espone circa ottanta opere, molte delle quali inedite, tra dipinti e disegni inediti provenienti dall'Archivio Edmondo Bacci, oltre che da collezioni private e musei internazionali, tra cui il Museum of Modern Art di New York e il museo d'arte di Palm Springs. "Edmondo Bacci: Energia e Luce" è accompagnato da un corposo catalogo illustrato, edito da Marsilio Arte, che contiene saggi della curatrice Chiara Bertola, Martina Manganello, Barry Schwabsky, Toni Toniato e Riccardo Venturi.

Estate da Saatchi Yates

Un grande sguardo all'estate e al relax ci propone la Saatchi Yates con una vasta selezione di opere pittoriche, raccolte sotto il titolo "bagnanti". 

Una mostra collettiva che attinge dalla ricca tradizione delle scene del bagno nella storia della pittura dalle visioni ottocentesche al contemporaneo. 

Illuminazione

 

La bellezza contemporanea illumina ancora... forse, cogliamo, per rifletterci, l'occasione della mostra dalla galleria Steve Turner  di Los Angeles.

CS

Di fronte alla bellezza che perisce, la sicurezza potrebbe trovarsi in quella bellezza interiore che non perisce.

Umberto Eco
Arte e Bellezza nel Medioevo

Durante la mia ultima visita alla National Gallery, ho notato qualcosa di nuovo. Era un mercoledì piovoso e ho deciso di prendere un giorno dalla mia pratica in studio per raccogliere ispirazione. Sono entrato nel museo e mi sono diretto verso le esposizioni tardo medievali aspettandomi un tranquillo santuario lontano dai 1.500 visitatori giornalieri che vagano per il museo. Con mio sgomento, ho incontrato branchi di scolari che guardavano in alto e indicavano, turisti in piedi pericolosamente vicino alle opere e più guardie del museo di quelle che avevano bisogno in precedenza. Cosa è cambiato? Le persone cercavano qualcosa e scrutavano attentamente le scene iperdettagliate per trovarlo. Ubi Sunt ?

Si è sviluppato in me un sentimento protettivo, simile a quello che nasce quando l'oscura band che hai scoperto e amato in privato improvvisamente suona su ogni stazione radio. Dove erano state queste persone prima? Vai a vedere gli impressionisti, pensai con amarezza! Mi sono seduto e ho giudicato la folla che oscurava la mia vista precedentemente incontaminata. Santa Veronica reggeva un lenzuolo, ma invece dell'impronta di Cristo, la santa Sindone incorniciava la parte posteriore della testa di un uomo di mezza età.

Dimenticando il motivo originale della mia visita, ho vagato intorno, osservando con rabbia come il mio insolito interesse per questo periodo storico trascurato veniva diluito con ogni visitatore che entrava nella stanza. Mentre ero preso dai miei pensieri autoindulgenti, una donna che portava una carrozzina si sedette accanto a me. Ha liberato il suo bambino dal suo posto e se l'è messo in grembo. Appoggiò le sue dita appiccicose sul mio cappotto. Con un istinto comprensivo, ho cercato di stabilire un contatto visivo con sua madre, ma i suoi occhi, ignari della stanchezza, erano rivolti in avanti verso un dipinto. Un'altra madre della stessa età teneva in braccio un bambino che aveva più energia di quanta ne potesse sopportare. Le due donne si fissarono con tenera comprensione. Ho subito capito che questo luogo di ritiro era universale.

Ho lasciato la galleria, e forse era la frenesia che offre Londra quando esce improvvisamente il sole, o la scena commovente a cui avevo appena assistito, ma tutta la rabbia si è dissipata in gioia. Ho accolto con favore quello che ho concluso essere un cambiamento della sensibilità collettiva. Ovunque guardassi lo confermava. Un autobus pubblicizzava un nuovo programma televisivo che presentava draghi. La vetrina dell'edicola era tappezzata dell'immagine di un musicista che annunciava la sua gravidanza con una foto che la faceva sembrare una Madonna. Un giovane uomo indossava una maglia di maglia. Sui social media ho notato testi confessionali che mi hanno ricordato Sant'Agostino. Il Medioevo era tornato!

Quando sono tornato a casa ho deciso di fare qualche ricerca per vedere se qualcun altro avesse notato questo cambiamento sociale. Ho osservato che le persone paragonavano le attuali ondate migratorie al fenomeno Völkerwanderung avvenuto tra il V e l'VIII secolo. Altri hanno suggerito che il nostro attuale sistema economico fosse un ritorno al feudalesimo. L'Enciclopedia Britannica descrive il Medioevo come un periodo confuso e contraddittorio, quando la società stava tentando di strutturarsi politicamente su una base spirituale. Mi sembra il regalo.

Forse abbiamo finito con l'eccessiva razionalizzazione della vita e stiamo cercando qualcosa di più puro, o come suggeriva Umberto Eco, siamo pronti a lasciare concetti astratti e razionali a favore di sentimenti quotidiani basati sull'esperienza vissuta. Come molti artisti, sono stato assorbito da questa  meravigliosa, anche se perversa delizia . Il mio lavoro attinge spesso dalla sensibilità del passato mentre le confondo con la nostra. Per  Illuminations , ho riunito un gruppo di artisti che allo stesso modo hanno guardato indietro per dare un senso a ciò che abbiamo di fronte.

Jesse Pollock presenta tre teschi d'argento realizzati con parti di automobili scartate, un memento mori dell'era dei consumi. Jakob Rowlinson mostra maschere realizzate con materiali trovati. I loro volti di pelle sono vuoti, eppure sono pieni di desiderio, passione e colpa, una lotta costante tra carnevale e quaresima. La pittura di Ariane Hughes rappresenta una lotta con la società, una lotta inconciliabile tra chi siamo e chi dobbiamo essere. Mi fa pensare a Caterina da Siena, a Eloisa ea me stessa, incapace di unire in un solo corpo i diversi aspetti della femminilità. Marina Iglesias presenta un mondo altamente definito con dettagli immensi, come quello di Frangelico, dove le onde si muovono e l'erba danza. Becky Tucker scolpisce storie non raccontate nella sua armatura di ceramica, dispositivi protettivi di grande vulnerabilità. Se guardiamo la terra, la terra che ci nutre, possiamo trovare i personaggi di Tuesday Riddell, gli esseri più piccoli vivi, quelli di cui ci dimentichiamo. Serpenti, fiori e insetti sono incorniciati da una luce dorata che potrebbe essere toltaManipulus Florum . Da tutto quel movimento e trambusto, siamo diretti nella direzione opposta, verso la quiete dei dipinti di Nina Silverberg. Creata con la meditazione monastica, raffigura oggetti il ​​cui impatto supera il terrestre. Allo stesso modo, attraverso un'ostinata ricerca, Rosa-Johan Uddoh isola meticolosamente i caratteri africani che si trovano nei dipinti medievali. Figure che normalmente vengono ignorate diventano le protagoniste del suo lavoro. I Los Bravu lavorano collettivamente, il loro nome è uno e nell'unità prosperano. Come Boezio, Averroè o Abelardo, traducono storie classiche attraverso simboli contemporanei.

Ubi sole? Qui.

Ariane Hughes  crea dipinti intricati, eleganti, stilizzati, sensuali e assurdi che attingono da immagini comuni sulle piattaforme dei social media. Evidenzia associazioni incongrue per commentare l'interazione tra il reale e l'irreale.

Hughes (nato nel 1995, Ibandan, Nigeria) ha conseguito una laurea in pittura presso la Camberwell University (2019). Ha tenuto una mostra personale a Gnyp, Berlino (2022) e aprirà una mostra personale a Steve Turner, Los Angeles in concomitanza con l'apertura di Illuminations. Vive e lavora a Londra.

Marina Iglesias  crea dipinti che si ispirano al folklore, alla pittura medievale e rinascimentale, al mito, ai tarocchi e all'antica illustrazione scientifica. Mescola immagini familiari e inventate all'interno di paesaggi verdeggianti ricchi di animali, fiori e alberi. Realtà e fantasia sono indistinguibili nei suggestivi dipinti di Iglesias.

Iglesias (nato nel 1991 a Puerto Real, Cadice, Spagna) ha conseguito una laurea in Belle Arti e un Master in Produzione Artistica presso l'Universitat Politècnica de València. Ha tenuto mostre personali alla Steve Tuner, Los Angeles (2023) e alla Tuesday to Friday Gallery, Valencia (2021). Ha anche presentato lavori in mostre collettive alla Eligere Gallery, Seoul e al Kiaf, Seoul (2022).

Los Bravu  ha sviluppato una pratica multidisciplinare composta da pittura, performance, scultura e fumetti attraverso i quali indagano questioni contemporanee. Le loro opere sono influenzate dall'arte classica greca e romana e dal Rinascimento.

Dea Gomez (Salamanca, 1989) e Diego Omil (Pontevedra, 1988) si sono conosciuti quando studiavano Belle Arti all'Università di Salamanca e hanno iniziato a lavorare insieme nel 2012. Recenti mostre personali sono state presentate a Yusto / Giner, Madrid (2022) e Galeria Trinta, Santiago di Compostela (2022).

Jesse Pollock  crea sculture per pavimenti e pareti utilizzando acciaio e silicone. Manipolando l'acciaio per realizzare panche, scale e pentole, Pollock utilizza immagini della sua zona natale, la regione rurale di Teynham nel Kent. Il suo lavoro affronta il ciclo perpetuo di contemplazione, procrastinazione, frustrazione e azione che costituisce il processo artistico. Utilizza una varietà di tecnologie tra cui la modellazione 3D e i disegni per iPhone, tuttavia il lavoro fisico è il suo processo essenziale.

Pollock si è laureato in Contemporary Art Practice al Camberwell College of Arts nel 2015. Ha tenuto mostre personali presso Steve Turner (Los Angeles (2020); VO Curations, Parigi (2019) e Material Art Fair con Hannah Barry Gallery, Città del Messico (2019) Vive e lavora nel Kent.

Tuesday Riddell  crea opere laccate simili a gioielli che si ispirano alla natura e al suolo della foresta. Crea con cura scene notturne che hanno neri ricchi e foglia d'oro a contrasto e ha sviluppato una rara esperienza nella doratura, japanning, cineserie e marmorizzazione, che sono tutte mantenute in vita come parte della sua pratica in studio.

Riddell si è laureato in pittura d'arte presso la City & Guilds of London Art School e successivamente ha intrapreso una borsa di studio presso la stessa istituzione che si è concentrata sulle tecniche di superficie storiche. Ha tenuto una mostra personale con Messums Gallery, Wiltshire (2019) e aprirà la sua prossima mostra personale con Messums nel luglio 2023.

Jakob Rowlinson  intreccia il mondo naturale con il simbolismo medievale, mettendo in discussione i limiti della mascolinità nel tempo. Usando il collage e l'assemblaggio, Rowlinson utilizza motivi decorativi di design medievale e manoscritti con linee organiche di muschio, viti e felci che riempiono i suoi sfondi.

Nato nel 1990, Rowlinson ha studiato Belle Arti alla Ruskin School of Art, prima di completare un Master in Scultura al Royal College of Art di Londra. Ha esposto alla Quench Gallery, Margate, Tandsticksmuseet, Jönköping, Svezia e Clearview, Londra. È stato artista residente nel 2022 presso Fores Project, Londra. Vive e lavora a Londra.

Nina Silverberg  crea dipinti su piccola scala in una tavolozza tenue che si trova a cavallo tra astrazione e rappresentazione. Le sue opere più recenti raffigurano letti solitari, case e guanti medievali, significanti senza tempo del comfort umano. In una, gocce di pioggia che cadono ricoprono l'intera opera per sospenderla nel tempo.

Silverberg (nato nel 1994 a Roma, Italia) ha presentato lavori alla Lee Eugean Gallery, Seoul (2022); Eve Leibe Gallery, Londra (2022) e Creekside, Londra (2020).

Le sculture in ceramica di Becky Tucker  potrebbero essere meglio descritte come manufatti anacronistici, storicamente ambigui a causa del diverso materiale di partenza da cui attingono. La natura mutevole dei simboli gioca un ruolo importante poiché è interessata alle immagini che sono state utilizzate per significare cose diverse in culture diverse. Ciò migliora l'atemporalità di ogni oggetto e consente interpretazioni aperte.

Tucker si è laureato all'Edinburgh College of Art (2017) e ha ricevuto una borsa di studio VACMA (2022). Il suo lavoro è stato esposto presso The Tub Hackney, Londra; Saltspace Gallery, Glasgow e Bomb Factory, Londra. Vive e lavora a Glasgow.

Rosa-Johan Uddoh  è un'artista interdisciplinare che si ispira alla pratica e alla scrittura femminista nera. Attraverso performance, video, scrittura e installazione, esplora aspetti della cultura popolare britannica in relazione alla razza. La collaborazione è spesso un aspetto del lavoro di Uddoh. In progetti passati, ha lavorato insieme a bambini, attivisti e altri artisti per esplorare temi che hanno un impatto sulla comunità e per condividere la conoscenza.

Uddoh (nato nel 1993, Croydon) ha avuto recenti presentazioni da solista al The Bower, Londra (2022); Iniva, Londra (2022); Focal Point Gallery, Southend-on-Sea (2021) e Destiny's, Oslo (2020). Ha anche proiettato lavori video alla Tate Modern di Londra (2019 e 2021) ed è stata selezionata per il Jarman Award (2022) per la sua pratica cinematografica. Uddoh è docente di Performance alla Central Saint Martins.

Natalia Gonzalez Martin  utilizza le qualità formali della pittura di icone per fondere il momento attuale con il passato. Di solito raffigura donne che hanno una qualità senza età, che sono pudiche, ma seducenti e attraenti, un incrocio tra una modella pinup degli anni '40 e un'Eva di un dipinto di Lucas Cranach. Mentre Martin dipinge con oli deliziosi su pannelli di legno, raffigura tonalità della pelle di bianco crema con accenti di rosa e rosso con la giusta finitura satinata. Le sue figure sono eleganti, lisce, raffinate e ambigue.

Gonzalez Martin (nato nel 1995, Montejo de la Sierra, Spagna) ha conseguito una laurea in pittura presso la City & Guilds of London Art School (2017). Il suo lavoro è stato presentato in mostre personali e bipersonali a Palazzo Monti, Brescia (2023); Galerie Sebastien Bertrand, Milano (2023); Steve Turner, Los Angeles (2022); Galleria Hannah Barry, Londra (2022); Galerie Sebastien Bertrand, Ginevra (2021) e Quench Gallery, Margate (2021). Illuminations  è la più ampia iniziativa curatoriale di Gonzalez-Martin fino ad oggi.

After the Mediterranean

 

In queste stupende giornate di sole, il mare è sempre una bella meta, se poi uno si trova a  Minorca unisce alla bellezza dell'isola quella di poter fruire di una stupenda mostra presso gli spazi del gruppo Hauser & Wirth, che presenta la mostra "Dopo il mediterraneo". 

CS

'After the Mediterranean' è una mostra a Minorca ideata dal curatore, scrittore e ricercatore d'arte Oriol Fontdevila, che riunisce sette artisti il ​​cui lavoro affronta le sfide sociali ed ecologiche che interessano la regione. Sono presenti opere di rola Arcalís, Adjoa Armah, Laia Estruch, il collettivo di artisti Huniti Goldox, con Areej Huniti ed Eliza Goldox, Omar Mismar, Sara Ouhaddou e Abi Shehu. 

"After the Mediterranean" evoca una serie diversificata di futuri per affrontare le idee sulle crisi umane ed ecologiche che attualmente colpiscono la regione. La mostra mette in discussione l'idea del Mediterraneo così come è stata – e continua ad essere – articolata: come un mare dolce e solare; come una regione idilliaca con uno stile di vita altrettanto tranquillo; come un luogo in cui le culture potessero coesistere, commerciare e muoversi in armonia, in linea con la tradizione del pensiero critico basato sul lavoro dello storico Fernand Braudel.

Prossimamente Artissima

 

Siamo in piena estate ma mentre siamo in dolce relax a Torino fervono i preparativa per la prossima edizione di Artissima, che giunge al 30 anno, cominciamo a vedere alcune novità. 

In occasione di questo importante anniversario, Artissima annuncia il tema dell’anno, scelto dal curatore Luigi Fassi con il suo staff "Relations of Care", titolo ispirato a un recente saggio dell’antropologo brasiliano Renzo Taddei che individua e propone la cura come premessa e fine ultimo dell’avanzamento del sapere e matrice di tutte le relazioni che formano il tessuto delle nostre vite. Sono proprio tali relazioni di cura che la fiera è stata capace di generare – nei suoi 30 anni di esperienza – tra galleristi, artisti, collezionisti, professionisti e appassionati, aggregando storie, scrivendo nuove narrazioni e proponendo inedite chiavi di lettura del presente e del futuro per creare una vera comunità che ruota attorno all’arte.

CURATORIAL ADVISORS. Per il secondo anno consecutivo, la presenza dei Curatorial Advisors sottolinea l’elemento di valorizzazione dell’identità innovatrice e pionieristica della fiera nelle figure di Krist Gruijthuijsen, direttore del KW Institute for Contemporary Art di Berlino, e Jacopo Crivelli Visconti, curatore indipendente di San Paolo (Brasile).

Jacopo Crivelli Visconti è inoltre il nuovo curatore della rassegna di opere video che Artissima organizza, per il secondo anno, in dialogo con il suo Main Partner Intesa Sanpaolo presso le Gallerie d’Italia – Torino. Il progetto presenta opere video di artisti rappresentati dalle gallerie partecipanti in fiera nella sala immersiva del museo in Piazza San Carlo.

PREMI E FONDO ACQUISIZIONI. Anche quest’anno Artissima promuove, in collaborazione con istituzioni per l’arte, aziende partner e fondazioni, numerosi premi per artisti e gallerie e l’edizione 2023 si arricchisce di due importanti novità: il Premio Diana Bracco – Imprenditrici ad arte promosso da Fondazione Bracco e il Premio Pista 500 promosso da Pinacoteca Agnelli. A questi si aggiunge lo storico Fondo Acquisizioni promosso da Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT, incrementato a 200.000 euro in occasione del trentennale della fiera a beneficio delle collezioni di GAM – Galleria Civica di Arte Moderna di Torino e Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea.

Confermano il loro sostegno alla fiera i promotori degli storici e più giovani premi: illycaffè con il premio illy Present Future; VANNI occhiali con il premio VANNI occhiali #artistroom; Tosetti Value - Il Family office con il premio Tosetti Value per la fotografia;  Collezione La Gaia con il Matteo Viglietta Award; Fondazione Sardi per l’Arte con il Carol Rama Award; Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT con l’OGR Award; Fondazione Merz con “ad occhi chiusi…”; Fondazione Oelle con ISOLA SICILIA; MEF Museo Ettore Fico di Torino con il premio Ettore e Ines Fico.

Il "raccolto" di Richard Woods

La galleria parigina Semiose presenta fino ad Agosto le opere di Richard Woods

CS
Dotato di uno spirito faceto, Richard Woods contrasta l'ambivalenza di una terminologia troppo precisa nelle sue opere, che sono a loro volta installazione, arredamento o design, ma sempre intrise di un'estetica pop.

Andare alla ricerca della biografia di Richard Woods, artista britannico nato nel 1966 a Chester (Cheshire), può risultare, in un primo momento, un po' confuso, e condurre su certe tracce di omonimi... Quello che ci interessa è un laureato della Slade School of Fine Art nel 1990 - proprio all'inizio dell'emergere dei giovani artisti britannici. Che il patronimico possa determinare una carriera emerge con Mister Woods ("Monsieur Dubois") che dice di essere ossessionato da questo mezzo (legno, quindi), ricordando addirittura un ricordo d'infanzia fondante: "C'era una piccola area boschiva proprio dietro la casa dei miei genitori casa, formata da una quindicina o venti alberi e che un giorno scomparve. Il contadino aveva abbattuto tutto, tagliando gli alberi in modo che i ceppi mostrassero i loro anelli di crescita. Ho cercato allora di trovare quello che potesse corrispondere alla mia età, quindi a quella di mio padre, che all'epoca mi sembrava un veterano... Questo evento mi è tornato alla memoria ultimamente e penso che la mia nuova serie di moncherini si completi la mia storia d'amore con gli alberi e la mia riflessione sul tempo. »

Per la sua prima mostra personale da Semiose, Richard Woods ha ricreato un falso decoro riproducendo una natura ideale, composta da sculture che, come i tronchi degli alberi nella foresta, permettono di sedersi e pensare... In questa installazione globale si può l'idea di un fuori tempo, di una sorta di riparo e protezione, aggiunta alla tautologia del soggetto. Così, a Richard Woods piace che il motivo venato del legno, utilizzato per le sue assi e i suoi ceppi, sia... legno. Dice che incoraggia una conversazione tra i materiali lavorati che ricoprono le pareti della galleria qui e i tronchi tagliati che poggiano sul terreno, facendo la semplice dimostrazione di "causa ed effetto". A questa concettualizzazione si aggiunge un omaggio ad Arts & Crafts, movimento nato poco dopo la Rivoluzione Industriale in Inghilterra, e che testimoniava tanto un sentimento di angoscia di fronte al progresso e un'aspirazione a tornare alla poesia, quanto il progetto di rendere la bellezza accessibile a quante più persone possibile. L'artista cita quindi più prontamente William Morris - lui stesso un adoratore della foresta - di qualsiasi altro suo contemporaneo. Per lui è anche importante poter produrre tutti i suoi pezzi in officina. Questo rapporto con il fare è accentuato dal suo percorso personale e dalle sue diverse esperienze in termini di mezzi e scale con il proprio corpo – ha lavorato nei cantieri durante gli studi e all'inizio della sua carriera. "Forse ero un po' isolato nel mio pensiero quando ho iniziato, continua, ma oggi possiamo osservare in gran parte un ritorno al lavoro manuale, mentre il digitale si sta sviluppando, in parallelo, più in aggiunta.

Contraddistinte dalla loro grafica immediata, dotata di toni schietti, le opere di Richard Woods si impongono quasi con gioia. L'artista usa solo colori industriali, che non produce, non mescola, per rimanere in una vena che qualifica come realistica. “Anche qui, precisa, mi piace questa dicotomia tra toni fattuali e artificiali, quando sono applicati in un ambiente che rimanda al naturale. Il linguaggio di questi colori è quello che si trova nelle pubblicità, nelle vetrine o nei negozi rivolti al grande pubblico. Questo mi permette di concentrarmi ancora di più sulla loro grafica. Alla domanda se si possa associare il suo lavoro anche al mondo dei fumetti o a una certa continuità della Pop Art, concorda: "Il mio lavoro ne è addirittura totalmente coinvolto, poiché rifletto il mondo così com'è. ” Da qui il suo piacere nello stendersi sui muri o per terra… Senza fare un perentorio discorso ecologico, Richard Woods affronta comunque temi sociali importanti, come la gentrificazione delle città, soprattutto dal suo quartiere di Is a Londoner in the go cambiamento, dove fece costruire una casa di legno. “Non parlo nemmeno direttamente di politica, conclude, ma del modo in cui le immagini possono impregnarsi e rimanere dentro di noi. Guardo come gli elementi si collegano e li sviluppo formalmente attraverso gli elementi di arredo che accompagnano le installazioni. Ricordiamo di sfuggita che i Young British Artists criticavano anche la società dei consumi e i suoi eccessi, in particolare le varie dipendenze, non senza un tocco di umorismo, ampiamente trovato nelle opere di Richard Woods. Per convincersene basta guardare, ad esempio, le immagini di una casa che galleggia in mezzo alle barche, realizzate per la Triennale di Folkestone, o precipitate nel lago davanti a un'abbazia nello Yorkshire, o ancora disegnate il parco del castello di Houghton Hall… come tanti incongrui e poetici inserimenti.

Per questa mostra – in un certo senso organica – Richard Woods si è concentrato sugli alberi, mostrando i segni del passare del tempo, ma anche la loro infinita possibilità di gioco di linee, curve e volute, disposte in modo da creare molteplici ritmi alle opere. Grafica all-over così come décor, la mostra gioca sulla volontaria sospensione dell'incredulità: Richard Woods ci invita ad agire “come se” fossimo nella foresta. Simbolo di paure profonde, ma anche l'inizio di molti racconti o un riflesso del nostro inconscio in psicoanalisi... la foresta rappresenta per tutti l'inizio di nuove narrazioni.