Samson Young vince il BMW Art Journey

Samson Young is awarded the first BMW Art Journey. BMW and Art Basel send Hong Kong artist on a journey of creative discovery across five continents.

Munich/ Hong Kong. Art Basel and BMW are pleased to announce Samson Young as the first BMW Art Journey winner. The BMW Art Journey will allow Young to embark on a creative journey across five continents. Young will undertake a worldwide tour of iconic bells, documenting them and creating works of visual art and music composition in response to them. Samson Young was one of three shortlisted artists selected from this year's Discoveries sector at Art Basel’s show in Hong Kong.

Samson Young’s project for the inaugural BMW Art Journey, titled “For Whom the Bell Tolls: A Journey Into the Sonic History of Conflict,” builds on the Hong Kong-based artist’s longstanding fascination with military technology and his training as a composer. In this project, he turns his attention to bells, which bring together these two related areas of interest. Cannons and bells are made of essentially the same materials. In times of war, bells would be melted down to create cannons, and when peace returned, bells would be recast from surplus weapons. For Young’s 2015 BMW Art Journey he will focus on bells that give form to the idea of “conflict” in a variety of ways. His journey will take him to bells and research institutions in Myanmar, Kenya, Austria, Cologne, Morocco, Sicily, South Korea, Australia and several cities in the UK and United States, where the artist will notate and record the sounds of exceptional and historically resonant bells, generating an archive of bell recordings, a series of “bell sound sketches,” a set of new bronze bells, and an original musical composition for bell-ringers and orchestra.  

Art Basel and BMW will collaborate with the awarded artist to document the journey and share it with the public through print publications, online and social media. On June 16, the first preview day of Art Basel’s show in Basel, Samson Young will be available for interviews.

The experts conducting the judging were Richard Armstrong, Director Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Claire Hsu, Director Asia Art Archive, Hong Kong; Matthias Mühling, Director Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich; Shwetal Patel, Curator, India; and Pauline J. Yao, Curator Visual Art M+, Hong Kong.

Next to Samson Young (am space, Hong Kong), the shortlisted artists showing in Discoveries, the sector for emerging artists at Art Basel's Hong Kong show, were: Mika Tajima with Eleven Rivington, New York, and Trevor Yeung presented by Blindspot Gallery, Hong Kong.

Being impressed by the thoughtfully considered and articulated proposals of all three shortlisted artists, the jury has said of their choice: “Samson Young’s proposal stood out for several reasons: its depth and clarity, its multi-layered approach and its ability to bring a simultaneously contemporary and historical dimension to notions of place. His research will thoughtfully interweave multiple contexts addressing major issues to include war, religion, community and the politics of sound. He shifts the focus from seeing to listening and his project will show that also ideologies can have a certain sound. Samson Young has crafted a journey with ambitious scope and strong potential to offer meaningful strides in his development as an artist.”

Samson Young added: “I am, naturally, thrilled to be able to make this journey happen. The BMW Art Journey is a real luxury in that it facilitates the research and the fieldwork - the drifting that drives the work - that is indispensable to the outcome of the creative process.”

The BMW Art Journey is a new global collaboration between Art Basel and BMW, which has been created to recognize and support emerging artists worldwide. The prize is open to artists who are showing in Discoveries and Positions in the Hong Kong and Miami Beach show respectively. Two judging panels, comprised of internationally renowned experts, shortlist three artists, who are then invited to submit proposals for a journey aimed to further develop their ideas and artistic work.

The next judging of the BMW Art Journey will be held during Art Basel in Miami Beach, where three artists from the Positions sector will be shortlisted next December. The winner will be announced in early 2016.

BMW is a global partner of Art Basel and has supported Art Basel’s three shows in Basel, Miami Beach and Hong Kong for many years.

Edvard Munch + Vincent van Gogh

Un bel confronto creativo fra Vincent van Gogh ed Edvard Munch proposto fino prima dal Munch Museet di Oslo e poi dal Vincent van Gogh di  Amsterdam. 

Vincent van Gogh (1853-1890) and Edvard Munch (1863-1944) are two distinctive and influential artists. Both created art with a strong emotional content expressed via a personal and innovative style, and both lived troubled lives. The public and art historians alike have often compared them to each other. And there are striking parallels between their art and their artistic aims. They each represented an artistic turn towards existential and universal themes in new and expressive idioms. Yet despite these obvious common traits, which have been underscored time and again in art history and art criticism since the end of the 1800s, the more profound connections between the two artists have never been thoroughly illuminated in the context of an exhibition.

The exhibition Van Gogh+Munch will for the first time explore the similarities and connections between these two artists; those that immediately jump out at you as well as those that exist on a deeper level. Rather than uncritically accepting established perceptions, the exhibition will take a closer look at their artistic point of departure, the influences they were exposed to, the development in style and technique and what artistic goals they set for themselves, and in this way create a deeper understanding of why these artists are so often compared to each other.

Paris became a turning point for both artists. A confrontation with the new art trends liberated the potential they harboured within while simultaneously challenging them to formulate their own programme. Although their works may be different with regard to motif and implementation, they were both preoccupied with giving expression to the condition of modern man, and they accomplished this by pressing painterly means to the utmost: a vibrant palette, a highly stylised idiom, personal and bold brushwork and unconventional compositions are characteristic of them both. Van Gogh used crude colour contrasts in The Yellow House in order to depict the intense summer heat of southern France; Munch distorted the perspective and feeling of space in The Death Room in order to create an emotionally charged and angst-filled atmosphere.

Another noticeable trait that Munch and Van Gogh had in common was that both developed ambitious projects in which a number of pictures formed a larger whole. Munch's most famous picture series is The Frieze of Life, which encompasses most of his major works from the 1890s with the universal themes of love, angst and death. Van Gogh developed a project he called Décoration: a series of independent pictures that gained enhanced significance when shown together. As Munch wrote: "When they were positioned together there immediately arose a resonance between them and they became totally different than when displayed individually. It became a symphony." This fascinating structural process is represented in the exhibition with a selection of major works from Décorationand The Frieze of Life. 

The exhibition will conclude with a section featuring works that the artists themselves considered significant, so that in a sense they function as an artistic testament. These works are gripping expressions of vital themes such as comfort, suffering, love and the cycle of life. Munch and Van Gogh succeeded in finding a universal and direct expression for human life. Works such as The Sick Child, The Scream, Wheatfield with Reaper and Starry Night over the Rhône underscore the kinship between the two artists on a deeper and more fundamental level. 

During the brief course of his life Van Gogh did not allow his flame to be extinguished – Fire and ardour were in his brush during the few years that he consumed himself for his art – In the longer course of my life and with more money at my disposal, I had thought and desired, like he, not to allow my flame to become extinguished and with burning brush to paint until the end

Edvard Munch, 23 October 1933

The exhibition will encompass approximately 75 paintings and 30 works on paper, including about ten comparative works by other artists. Both museums will contribute a discerning selection of major works for the exhibition, complemented by important loans from other museums and private collectors. The catalogue will contain articles related to the exhibition's various themes, in addition to texts that treat other subjects, such as the artists' writings and the history of the reception of their work. In addition to articles by the curators of the exhibition, well-known art historians such as Jill Lloyd, Uwe Schneede and Reinhold Heller will also contribute texts.

WHEN I GIVE, I GIVE MYSELF

 

Participant artist:

Eylem Aladogan, Maria Barnas, Michaël Borremans, Hafid Bouazza, Constant Dullaart, Jan Fabre, Alicia Framis, Ryan Gander, Arnon Grunberg, Christian Jankowski, Anish Kapoor, Job Koelewijn, Nicole Krauss, Yayoi Kusama, Gabriel Lester, Navid Nuur, Rory Pilgrim, Cheng Ran, Viviane Sassen, Pilvi Takala & Siri Baggerman, Simon van Til, Diego Tonus, Wouter Venema

 

***

 

Do you know what I think about quite often – what I used to say to you back in the old days, that if I didn’t succeed I still thought that what I had worked on would be continued. Not directly, but one  isn’t alone in believing things that are true. And what does one matter as a person then? I feel so  strongly that the story of people is like the story of wheat, if one isn’t sown in the earth to germinate  there, what does it matter, one is milled in order to become bread. The difference between happiness  and unhappiness, both are necessary and useful, and death or passing away... it’s so relative - and so is life.

(Fragment from letter 805, Vincent van Gogh)

 

When I Give, I Give Myself is an exhibition with works from contemporary artists and writers. Artist-curator Henk Schut choose a specific letter written by Vincent van Gogh for each of them to respond to. The presentations of the responses will be shown as a temporarily integrated part of the main collection in between the paintings of Van Gogh.

 

The above mentioned fragment from one of Van Gogh’s letters inspired Henk Schut to develop the concept behind this exhibition. Van Gogh’s writing about his artistic practice and thoughts can be seen as an integral part of his work and they are filled with insights that are still relevant today. Having contemporary artists respond to his writing shows this invisible and ongoing connection between past and present. 

 

Van Gogh once hoped to be able to realize a place where he could invite colleagues to come and stay and exchange ideas and work. With this exhibition this dream is - albeit figuratively - realized exactly 125 years after his death in 1890.

The title When I Give, I Give Myself comes from a fragment from Song of Myself by Walt Whitman, who was also read by Van Gogh.

Van Gogh Museum - Amsterdam

CURATED BY Henk Schut

Ritratto e figura

La mostra, evento satellite della grande mostra "Barocco a Roma. La Meraviglia delle Arti" che avrà luogo presso la Fondazione Roma Museo - Palazzo Cipolla dal 1° aprile al 26 luglio 2015, è realizzata in collaborazione con la Fondazione Roma-Arte-Musei e The Marignoli di Montecorona Foundation.

L’evento espositivo propone al pubblico ritratti reali e ritratti ideali, tra principi, cardinali e personaggi di spicco della società italiana tra ‘600 e ‘700, oltre a filosofi, santi e figure popolari, provenienti da collezioni pubbliche e private. 

Si tratta della seconda tappa della mostra che si è appena tenuta nel Palazzo Ducale dei Castromediano di Cavallino di Lecce, ma con integrazioni e varianti che ne circoscrivono l’ambito cronologico tra gli inizi del ‘600 e gli anni ’30 del ‘700, quando la cultura del Barocco rimane ancora vitale. 

La rassegna, che ha un carattere di studio, trattandosi di opere in buona parte mai esposte al pubblico, si compone idealmente di due sezioni ritrattistiche. 

Una prima espone ritratti reali, raffiguranti personaggi ripresi nella loro concreta fisionomia, che posarono per artisti che li ritrassero dal vero, cogliendone la fisionomia e la psicologia, dei quali si conosce in molti casi l’identità. Accanto a questa produzione esiste una ritrattistica più intima e individuale, tesa a rendere il carattere e la psicologia dei personaggi, che ha un punto di avvio nella ritrattistica naturalistica di tradizione caravaggesca. Sono comprese in questa sezione anche “teste di carattere”, cioè studi fisiognomici di volti, aventi carattere di studio autonomo o funzione propedeutica a composizioni più grandi. 

Una seconda sezione illustra invece ritratti ideali e allegorici, raffiguranti cioè personaggi realmente vissuti, ma le cui effettive fisionomie non sono note e furono create dagli artisti sulla base di testimonianze scritte o di interpretazioni iconografiche consolidate. Rientrano in questa tipologia ritratti di santi, come san Pietro e san Giuseppe, o ritratti di filosofi dell’antichità, di cui è accertata l’esistenza ma non la vera fisionomia, ma anche rappresentazioni di personalità legate al mito o alla fantasia. 

Oltre a dipinti provenienti da istituzioni pubbliche (Ariccia, Palazzo Chigi; Roma, Galleria Nazionale d’Arte Antica, Palazzo Corsini; Roma, Accademia Nazionale di San Luca), vengono presentate anche opere provenienti da collezioni private, tra cui The Marignoli di Montecorona Foundation, la collezione Lemme e un’importante collezione privata inglese. 

Tra i dipinti più significativi il San Giacomo Minore di Giovanni Baglione, firmato e datato 1626, recentemente riportato all’attenzione degli studi, la cui rilevanza nella vasta produzione dell’artista è documentata anche da disegni preparatori. Di notevole interesse iconografico il più realistico ritratto di San Camillo de Lellis, riferibile ad un ignoto pittore caravaggesco: un ritrovamento in coincidenza con l’anno camilliano, per la prima volta esposto al pubblico! Di straordinaria qualità pittorica il Ritratto di vecchio della Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Corsini, opera di Pietro Paolo Rubens, padre del Barocco, eseguita attorno al 1609 immediatamente dopo il viaggio in Italia. 

Riveste un notevole interesse storico ed artistico il Ritratto di Padre Niccolò Riccardi, detto “Padre Mostro” di Andrea Sacchi, ricordato da Bellori nella biografia sul pittore, ritenuto sino ad oggi perduto dalla critica. Riccardi, oratore e teologo domenicano, soprannominato “Padre Mostro”, sia per il suo aspetto fisico, che per la sua straordinaria erudizione, è noto soprattutto per la questione legata al processo di Galileo Galilei. Legato da amicizia e stima nei confronti del grande scienziato, dette nel giugno 1631 il suo imprimatur alla stampa del Dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo. Tuttavia la forte opposizione di Urbano VIII pose il frate in una posizione ambigua, costretto a sequestrare il libro, cui seguì il famoso processo conclusosi con la “solenne abiura” del 23 giugno 1633.

Se il fine dell’arte barocca, che interessa buona parte delle opere esposte, è quello di educare, convincere e commuovere attraverso gli strumenti della tecnica e dell’immaginazione, facendo ricorso all’allegoria e alla metafora celebrativa, i ritratti di pontefici, monarchi e principi eseguiti nel corso di due secoli rientrano appieno in tale categoria estetica. Sono “ritratti monumento”, che devono eternare i personaggi in posa, destando ammirazione e nel contempo soggezione, essere un monito per chi li ammira, nell’esaltazione del prestigio e del potere assoluto di una sola classe sociale: l’aristocrazia. A tale genere celebrativo si accosta il Ritratto allegorico del generale Johann Palffy o il Ritratto equestre di George Keith, conte di Marischal. 

Tra gli specialisti della ritrattistica seicentesca sono presenti Giusto Sustermans, Giovanni Maria Morandi, Guglielmo Cortese “il Borgognone”, Giovan Battista Gaulli, Ferdinand Voet, Giovanni Odazzi, che pubblicano i volti di personaggi reali, cui si affiancano “teste di carattere” di Jacopo Chimenti detto “l’Empoli”, Pietro Bellotti, Giandomenico Cerrini e Pietro Paolini.

Per la scultura, assieme alla nota terracotta di Mechiorre Cafà raffigurante Alessandro VII, uno dei capolavori della ritrattistica del Barocco romano, il busto del cardinale Leopoldo de’ Medici di Ercole Ferrata che si affianca al ritratto giovanile del nobile fiorentino di Sustermans. 

Tra i ritratti ideali un Filosofo astrologo del periodo riberesco di Luca Giordano e un Sant’Andrea riferibile al soggiorno veneziano dello stesso camaleontico artista, qui particolarmente influenzato da Tintoretto e da Tiziano. Rientra nella sezione un Giobbe di Mattia Preti, come pure una spirituale e delicatissima Madonna di Carlo Maratta, che per tale specialità era definito “Carluccio delle Madonne”, oltre ad un meditativo San Giuseppe di Giuseppe Maria Crespi. Di spiccata sensualità la nordica Maria Maddalena del pittore tedesco Ignazio Stern. 

Si impongono per qualità nell’ambito della ritrattistica del primo ‘700 un sontuoso Ritratto di gentiluomo di Francesco Solimena, riferibile al periodo della dominazione austriaca del viceregno di Napoli, attorno al 1725-30, e una delle migliori versioni del Ritratto del cardinale Pietro Ottoboni, definito da Francis Haskell “The most adventurous patron of the time”, opera inedita di Francesco Trevisani. 

Conclude la rassegna un’intensa immagine di San Filippo Neri, sospesa tra visione estatica e orazione interiorizzata, di Corrado Giaquinto. Pubblicato quasi mezzo secolo fa in un catalogo della Heim Gallery di Londra, il dipinto si inquadra nell’ambito della produzione giovanile di Giaquinto, mostrando, nella ibridazione culturale che manifesta, la sensibilità onnivora e la capacità di assorbimento del grande pittore pugliese.

Presentando il biglietto della mostra "Barocco a Roma. La Meraviglia delle arti" si ha diritto ad una riduzione sul biglietto di ingresso.

E', altresì, prevista la riduzione sul biglietto d'ingresso alla mostra "Barocco a Roma. La Meraviglia delle arti" presentando il biglietto della mostra "RITRATTO E FIGURA da Rubens a Giacquinto"

Turner Prize 2015

Ecco la lista dei selezionati per il Turner Prize 2015 Assemble; Bonnie Camplin; Janice Kerbel e Nicole Wermers

The Turner Prize is awarded to a British artist under 50 for an outstanding exhibition or other presentation of their work in the preceding year. 

Every other year, the prize leaves Tate Britain and is presented at a venue outside London. For 2015, that venue will be Tramway in Glasgow, an international art-space renowned for commissioning, producing and presenting contemporary arts projects.

Shortlist

The shortlisted artists are (in alphabetical order):

• Assemble

• Bonnie Camplin

• Janice Kerbel

• Nicole Wermers

The Turner Prize award is £40,000, with £25,000 going to the winner and £5,000 each for the other shortlisted artists.

The winner of the prize will be announced on 7 December 2015.

Given how many artists from Glasgow have made up the Turner Prize shortlists over recent years, it is great to have the Prize on show in Tramway, which feels like a natural home for the Prize this year.

Dr Penelope Curtis, Director, Tate Britain 

Over the last 20 years, Glasgow and Scotland has gained national and international recognition as a centre of excellence in, and for, the visual arts and for many years artists who are from Scotland or who have trained at the Glasgow School of Art – one of the world’s leading art schools – have been nominated for, or won, the award.

Nicholas Serota, Director, Tate 

In addition to the exhibition, there will be an extensive programme of workshops, talks, tours and activities for people of all ages to get involved and be inspired by the creative work on show.

The members of the 2015 Turner Prize Jury are:

• Mr Alistair Hudson, Director, Middlesbrough Institute of Modern Art
• Jan Verwoert, Critic and Curator
• Ms Joanna Mytkowska, Director, Warsaw Museum of Modern Art
• Ms Kyla McDonald, Artistic Director, Glasgow Sculpture Studios

The jury is chaired by Dr Penelope Curtis, Director of Tate Britain.

Turner Prize 2015 will be held in Tramway, Glasgow and is supported by Glasgow City Marketing Bureau, Glasgow Life, Creative Scotland and EventScotland

Armani Silos

Da alcuni giorni ha aperto un nuovo museo, nel cuore di Milano, in via Bergognone, 40, si tratta dell'Armani Silos, un grande spazio progettato da per Giorgio Armani.

In questo grande spazio di 4.500 metri quadrati che si sviluppa su quattro piani, vi attende una selezione ragionata di abiti dal 1980 a oggi. La selezione, che non segue un criterio cronologico, racconta la storia e l’estetica dello stilista ed è suddivisa per temi, temi che hanno ispirato e che continuano a ispirare il lavoro creativo di Giorgio Armani. 

Al piano terra, la sezione Stars e la sezione dedicata al Daywear. Al primo piano la sezione Esotismi. Al secondo piano, Cromatismi. Al terzo e ultimo piano la sezione Luce.

Notte europea dei musei

Siamo proprio ridicoli, abbiamo una marea di musei e ben pochi sono pronti per la notte europea dei musei, mentre in Francia tutto è belle che pronto, con un sito, il profilo amicale di fb etc...

va beh io ve lo segnalo col sito dei nostri cugini, più efficienti e bravi 

http://nuitdesmusees.culturecommunication.gouv.fr/

ZERO Atmosphere - Great Expectations #2 is the inaugural exhibition in the new space in London of the Switzerland-based Cortesi Gallery.

Bernard Aubertin, Agostino Bonalumi, Enrico Castellani, Dadamaino, Lucio Fontana, Hermann Goepfert, herman de vries, Walter Leblanc, Adolf Luther, Heinz Mack, Piero Manzoni, Christian Megert, Gruppo MID, Francois Morellet, Henk Peeters, Otto Piene, Tomas Rajlich, Paolo Scheggi, Jan Schoonhoven, Gunther Uecker, Paul Van Hoeydonck, Grazia Varisco, Nanda Vigo.

 

Cortesi Gallery is delighted to present an overview of the Zero movement as their inaugural London exhibition.

Including a number of works by Europe’s top ‘Modern Masters’, including Enrico Castellani, Lucio Fontana, herman de vries, Jan Schoonhoven, Gunther Uecker and Paolo Scheggi, this exhibition will provide a valuable insight into the conceptual and formal affinities that crossed Europe’s contemporary art scene in the 1960s and 1970s, a period that lies at the heart of Cortesi’s interests. In the light of the recent exhibition at the Guggenheim Museum in New York that is currently housed within the Martin Gropius Bau in Berlin, the relevance of the Zero movement has of late become far more evident.

Consisting of a network of intellectuals and artists, the Zero group was officially founded in 1958 in Düsseldorf by artists Heinz Mack, Otto Piene, and Günther Uecker. For its followers, Zero suggested ‘a zone of silence and of pure possibilities for a new beginning’: leaving behind their memories of World War II and its aftermath, Zero promoted new forms of expression and media often drawn from everyday life and nature, revealing an inclination to use pure colors next to new materials and technological advancements. The unpredictable results using tools such as light and movement were characteristic of the works of these artists. 

Essentially European, Zero soon became the centre of what curator Marco Meneguzzo calls “a perpetually-moving galaxy of artists”, especially among the Dutch, Germans, Belgians, French, Swiss and Italians. "Zero was like a fluid that moved incorporating all those who showed the aspiration to freedom at all costs, even at the expense of the proper concept of artwork…We could define Zero as a futuristic version of Dada, where materials, forms and actions respond to new contemporary parameters of society and its hope for the future…There is a familiarity among these artists, who built expressive codes from the desire not to have codes.”

In the free trials of these artists we can find the beginnings or, at least, the first traces of numerous movements that will follow, such as Minimalism or Land Art. Having been ahead of their time in the past makes them relevant today, and the exhibition at Cortesi aims to present in London the cultural atmosphere (l’atmosfera) they shared.

 

Cortesi Gallery, London

Cortesi Gallery in London will focus on Post War and contemporary art. Its programme will continue and complement the gallery’s successful work in Switzerland.  

Cortesi Gallery was founded in 2013 in Lugano by collector and art dealer Stefano Cortesi. Alongside his experience as an entrepreneur and manager in the financial sector, Stefano Cortesi has developed a passion for modern and contemporary art, assembling a major collection that has been the starting point of the activity of the gallery. Since the first exhibitions, Arte Italiana 60-90 - with works by Italian artists from the 1960s to the 1990s, ranging between Conceptualism, Arte Povera and the Transavantgarde - and OUT OF THE BLUE - that included artworks by internationally renowned artists of our era - Cortesi Gallery has been proposing a research on the art of the last fifty years. “The idea behind Cortesi Gallery is to build a meeting ground for collectors, scholars, and art lovers, striking a balance between the cultural world and the market” (Mousse Magazine, April/ May 2013).

Supporting Stefano Cortesi in running the gallery are his sons Lorenzo and Andrea Cortesi, who share the same passion for contemporary and modern art and bring their own experiences in this field to the gallery. Andrea Cortesi will be the director of the gallery in London.

Andrea Cortesi comments: “After opening and establishing Cortesi Gallery in Lugano, London is the perfect city for our second exhibition space, being the capital of European Post War to contemporary art and an important cultural centre. Considering the growing interest in Italian and European artists from the 1960s and 1970s – I am thinking of Paolo Scheggi and Agostino Bonalumi, just to mention a couple of them – we are sure that our programme of exhibitions has much to offer to the public and professionals alike wanting to learn more about this period. We are thrilled to have found this exhibition space in the heart of Mayfair, close to many of the  major galleries and auction houses.”

Located at 41 & 43 Maddox Street, just off New Bond Street, Cortesi Gallery, London will occupy the ground floor of the building. The space is 125 square meters with street-facing windows, which will be renovated by Studio Albera Monti from Milan, who designed the gallery’s lakefront venue in Lugano.

History: after the first exhibitions, Arte Italiana 60–90 (May–July 2013), curated by Michele Robecchi, and OUT OF THE BLUE, curated by Alberto Salvadori, the gallery presented a group of works by Paolo Scheggi in juxtaposition with Lucy Skaer, in a show curated by Eva Fabbris. In September 2014 the gallery presented Great Expectations #1, curated by Marco Meneguzzo. The exhibition aimed to analyse and convey the mood of anticipation about the immediate future experienced by a generation of artists that emerged in this decade. The next show in Lugano, Filo rosso - 1960/2015, will be a solo by the Italian artist Grazia Varisco, curated by Claudio Cerritelli. In 2015 the gallery participated in ArteFiera (Bologna) and artgenève (Geneva), Miart (Milan).

Cortesi Gallery will also participate in the third edition of ART15, London, 21–23 May 2015.

ZERO Atmosphere - Great Expectations #2

Curated by Marco Meneguzzo

15 May – 18 July 2015

Cortesi Gallery London, 41 & 43 Maddox Street, London, W1S 2PD

Reportages Frieze New York 2015

Eccovi alcuni scatti dalla fiera newyorchese Frieze (Photograph by Marco Scozzaro. Courtesy of Marco Scozzaro/Frieze.)

old songs new songs

Il titolo di questo progetto espositivo si riferisce sia, letteralmente, a opere diverse, vecchie o nuove, sia a opere 'vecchie' che si rinnovano in molti modi, come nel caso, appunto, di una canzone che, interpretata in un modo diverso dall'originale ci appare nuova e perfino diversa. Alcune di queste opere erano state presentate, all'interno di mostre personali o collettive, nello spazio di vai Parma 31 – è il caso di music for clouds di Steve Roden, del 2002, in occasione del suo esordio a e/static, del video monochrome blue (stavolta proiettato su muro, nel 2002 diffuso da un monitor), e di rain, sempre dello stesso autore, dalla sua seconda mostra nel 2004; di Rücken(1977/2007), di Rolf Julius, presente nella parte della sua personale del 2007, “Two spaces (walking)”, allestita in via Parma; infine di Cone of Silence, un 'opera di Terry Fox presentata per la prima volta nella collettiva “Before and after sound” del 2003. Altre invece erano già state allestite a blank, ma non negli stessi punti, e messe in relazione con altre opere, ed è questo il caso di sons du haut, sons du bas, di Patrice Carrè, dalla sua seconda personale per e/static nel 2012, “Sons en formation”, o di Squares Squared di Michael Graeve, dalla sua prima personale per e/static, “Spatial Choreography”, del 2010 (opera che venne creata da Graeve direttamente nello spazio in cui fu esposta quella prima volta). Un caso a parte, e nello stesso tempo emblematico, è quello di dirt(1988/2015), un'opera di Rolf Julius – presentata all'interno della collettiva “Light Sculpture / Scultura leggera” del 2005, a Vicenza – che consiste di tre elementi, di cui due fissi e uno continuamente mutevole, ad ogni nuovo allestimento. Due piccoli speakers, con il loro cavo audio e la fonte riproduttiva del suono (un lettore cd) costituiscono il materiale 'fisso' e immutabile, insieme al file audio, creato da Julius nel 1988, mentre il materiale che cambia ogni volta (il 'dirt', letteralmente 'sporcizia', o 'spazzatura', ma piuttosto nel senso di un caotico insieme di elementi eterogenei, scartati o dispersi, e casualmente accumulatisi) è un mix di terriccio, residui vegetali, polvere, micro-ciottoli e altro, che va raccolto di volta in volta nel luogo stesso di ogni nuovo allestimento o nelle immediate vicinanze, all'aperto (in questa occasione, sul grande terrazzo di blank).

È sempre stimolante sottoporre un'opera d'arte alla prova del 'dislocamento', sia fisico, quando viene allestita in uno spazio nuovo – o in altra parte dello stesso spazio – sia 'concettuale', quando non entra più in relazione con altre opere dello stesso autore, bensì con opere di autori diversi. È un processo che ha molto a che fare con quello della vera e propria interpretazione, partendo dal presupposto che quasi mai (l'eccezione va fatta per quelle 'site specific' permanenti, create per un certo luogo, e indivisibili da esso) un'opera rimane nel luogo dove è stata allestita la prima volta, e ad ogni spostamento corrisponde sempre una rilettura più o meno approfondita, resa necessaria dal fatto di doversi confrontare con un diverso contesto, sia topografico sia concettuale. Ovviamente, la presenza di determinate attitudini, o 'affinità elettive', fra opere diverse (e soprattutto di diversi autori) allestite nello stesso spazio è indispensabile, perché certe nuove relazioni possano verificarsi senza tradire la natura di ognuna di esse, e rispettandone la specificità.  Questo problema non si poneva al curatore del progetto, in quanto tutte le opere coinvolte, come gli stessi autori, erano già state presentati insieme nel contesto di precedenti progetti espositivi di e/static (la già citata collettiva “Before and after sound”, poi i due episodi di “découpage”, infine “Things he would like”).

L'altro aspetto che caratterizza il progetto è la presenza di 'canzoni' nuove a tutti gli effetti, o comunque – quando non inedite – mai comparse prima in progetti espositivi prodotti da e/static. A proporle, con interventi periodici che si susseguiranno fino alla chiusura della mostra, saranno artisti come Alessandro Quaranta, Manuele Cerutti e altri, tutti peraltro già intervenuti, in anni recenti, nel nostro spazio espositivo. Ognuno di essi inserirà nel contesto di “Old songs new songs” (utilizzando gli spazi lasciati appositamente vuoti, sia sui muri sia sul pavimento) un'opera che arricchirà, di volta in volta, il paesaggio espositivo, senza violentarlo, ma sicuramente modificandolo.

artista/i: 

 Steve Roden 

Rolf Julius 

Michael Graeve 

Terry Fox 

Alessandro Quaranta 

Patrice Carré 

Manuele Cerutti

date: 

 14 5 15 - 4 7 15

luogo: 

 blank, via Reggio 27, Torino

realizzazione curata da: 

 Carlo Fossati per e/static

giorni e orari di apertura: 

 su appuntamento

info: 

 

011235140 estatic.it