Villa Arson Des corps compétents (La modification) + Oliver Beer Shingo Yoshida + Response : Abilities

DES CORPS COMPÉTENTS  (LA MODIFICATION) 

Faisant suite à un projet pédagogique mené conjointement avec l'option art / action de la HEAD – Genève (Haute école d'art et de design – Genève), cette exposition regroupe, dans une scénographie proche d’un cabaret-gymnase, une sélection d’œuvres et de performances sur le triple thème « sportifs, artistes, burlesques », mettant en jeu la notion de compétence corporelle.

Singulière dans sa forme, elle est conçue comme une proposition en mouvement, en plusieurs séquences, scandées par les « Week-ends de la Modification » (happening, cinéma, performance), avec l’introduction – ou la substitution – de nouvelles œuvres modifiant la forme de l’accrochage jusqu’à sa version finale. 

Une programmation cinéma spécifique, Cinéma Omnisport, qui articule différents axes communs au sport et au cinéma (corps machines, élégance populaire, images transgenres), est conçue par Patrice Blouin en collaboration avec L’ECLAT.

Artistes : Wilfrid Almendra, Benoît Barbagli, Guillaume Bijl, Karim Bel Kacem, Sabrina Biro & Charlyne Kolly, Olivier Blanckart, Caroline Bosc, Anna Byskov, Laurie Charles, Lorraine Châteaux, Nathalie Corthay, Esmeralda Da Costa, Wim Delvoye, Arnaud Dezoteux, Bertrand Dezoteux, Lucile Diacono, Olivier Dollinger, Anne-Sophie Duforêts, Timothée Dufresne, Camille Dumond, Raphaël Emine, Laurent Faulon, Mathilde Fernandez, Massimo Furlan, France Gayraud, Alice Guittard, Amandine Guruceaga, Magali Halter, Lucie Henault, Jacques Julien, Mélanie Knopf, Arnaud Labelle-Rojoux, Le Club des Sous L'Eau, Mathilde Lehmann, Édouard Levé, Rafaela Lopez, Sandra Lorenzi, Estrid Lutz & Émile Moule, Éric Madeleine, Baptiste Masson, Gabriel Méo, Adrien Mesot, Grégoire Motte, Simon Nicolas, Présence Panchounette, Bruno Peinado, Gaël Peltier, David Perréard, Quin Mei Yao, Delphine Reist, Georgia René-Worms, Jeanne Roche, Giordano Rush, Lionel Scoccimaro, Ugo Schiavi, Raphaëlle Serre, Quentin Spohn, Jean-Sébastien Tacher, Taroop & Glabel, Nelly Toussaint, Anne-Sophie Turion & Jeanne Moynot, Rémi Voche, Agathe Wiesner, Giuliana Zefferi.
  

Commissariat : Arnaud Labelle-Rojoux en collaboration avec la HEAD – Genève

Du 24 novembre 2013 au 13 janvier 2014 Galerie Carrée, Villa Arson Nice
Conjointement à l’exposition paraîtra l’ouvrage Des Corps Compétents (Sportifs, Artistes, Burlesques), édité par les Presses du Réel - Collection Villa Arson, avec le soutien et la collaboration de la HEAD - Genève. Avec des textes de Patrice Blouin, Elie During, Yan Duyvendak, Eric Duyckaerts, Christophe Kihm et Arnaud Labelle-Rojoux. 

Edition française / format 135 x 210 mm / 94 pages / dos carré / Ill. n&b / 14€. ISBN : 978-2-84066-647-9.

OLIVER BEER - SHINGO YOSHIDA

Ces deux artistes (respectivement anglais et japonais) effectuent une résidence à la Villa Arson du 10 septembre au 20 décembre 2013. Profitant de ce temps de travail commun ils conçoivent ensemble une exposition entièrement pensée et réalisée sur place. Cette exposition prend donc la forme d'un dialogue entre leurs travaux. Le premier est essentiellement basé autour de The  Resonance Project dans lequel il expérimente l’interaction de l’espace et du vivant, de l’architecture et du son. Le second associe sa propre vie aux lieux où il se trouve, jouant bien souvent à cache-cache avec le monde au travers d’installations, de photos ou de vidéo réalisées dans des contextes de no man’s land. 

Commissariat : Eric Mangion  Galerie des Cyprès

Du 24 novembre 2013 au 13 janvier 2014

RESPONSE : ABILITIES

La Villa Arson invite une dizaine d'artistes géorgiens issus du CCA - Tbilissi Informal Master Program (http://cca.ge) à réaliser une exposition. 

Sous la coordination de Katharina Stadler, elle même artiste et intervenante au CCA, le groupe de travail a choisi de placer ce projet sous le signe de la responsabilité individuelle et collective, avec ce titre qui sonne comme un jeu de mots entre la « réponse » faite à une invitation et «l'aptitude » à y répondre.

Il s’agit de mettre à plat les différentes strates (une dizaine au total) qui ont œuvré, depuis novembre 2012, à l’élaboration de l’exposition. Comment une exposition peut elle refléter une forme tout en évoquant toutes les hypothèses qui l’ont précédée ? Ce sera donc l’occasion de révéler les méthodes de travail du CCA qui se veulent non autoritaires et communautaires, mais qui imposent néanmoins de véritables exigences auprès des artistes qui les suivent – peut-être dues au paradoxe de leur trop grande liberté de travail. Il s’agit aussi de produire une exposition avec une économie de moyens ad minima. Cette contrainte est bien sûr due à la réalité des budgets, mais surtout à la volonté des artistes invités de ne pas jouer la carte de l’invitation trop structurée et donc sans surprise. Leur exposition doit ressembler à l’enseignement, aux modes de production et à l’économie qui sont les leurs. Tout sera produit sur place de manière expérimentale dans « l’aptitude » à se débrouiller avec ce qu’il est possible de faire. La Villa Arson avec ses ateliers et sa force de production, mais aussi le territoire de la Côte d’Azur et la vie en général deviennent de véritables sources de matières et de matériaux, des réservoirs de formes.
 
Artistes : Lasha Babuadze, Ana Chaduneli, Tamar Chaduneli, Elene Gabrichidze, Giorgi Maghradze, Maja Malinowska, Mariam Natroshvili en collaboration avec Detu Jintcharadze, Khatia Tchokhonelidze, Vakhtang Urushadze

Commissariat : Katharina Stadler Galerie du Patio 
                 

Du 24 novembre 2013 au 13 janvier 2014

2014 to 1986... calendario Pirelli Helmut Newton...

Uno sguardo al passato con la nuova edizione del calendario Pirelli, che per il 2014 userà le foto di Helmut Newton realizzate nel 1985 ( per l'edizione del 1986), quando forse erano considerate troppo osè..

Anywhere, Anywhere, Out Of The World

Sta riscuotendo grande successo la mostra antologica di Philippe Parreno al Palais de Tokyo. 

Un grande evento che occupa tutti gli spazi del complesso espositivo, giocato fra un equilibrio minimale e raffinato. 

Bando per Giovani Collezionisti

Perché si colleziona? Come nasce l’idea di formare raccolte? Quali sono le relazioni tra gli oggetti della collezione e il progetto del collezionista? In che modo e perché le collezioni, da fatto privato, si trasformano spesso in patrimonio pubblico?

Queste le domande che stanno alla base del concorso ideato da Palazzo Madama e sostenuto da Banca Regionale Europea.

“Giovani Collezionisti” intende promuovere ed esplorare il fenomeno del collezionismo, analizzarne i meccanismi e gli obiettivi per meglio comprendere le collezioni del passato e per trovarne il senso vitale nella società di oggi, creando una nuova rete di contatti tra le collezioni storiche del Museo e il mondo del presente. 

Il concorso ha lo scopo di valorizzare il collezionismo privato dei giovani under 28 residenti in Piemonte, Liguria e Valle d’Aosta, valutandolo e premiandolo non per il valore commerciale degli oggetti, ma per la cura, la coerenza e l’originalità del progetto.

La Commissione di valutazione selezionerà a proprio insindacabile giudizio, le migliori tre raccolte, che riceveranno un premio in denaro offerto da Banca Regionale Europea. In palio 500 euro per ognuno dei primi classificati nelle tre categorie:

Junior (7-12 anni) nati dal 1 gennaio 2002 al 31 dicembre 2007    

Teen  (13-17 anni) nati dal 1 gennaio 2001 al 31 dicembre 1997    

Friends  (18-28 anni) nati dal 1 gennaio 1996 al 31 dicembre 1986    

Il patrimonio di Palazzo Madama raccoglie opere d’arte dal medioevo all’epoca barocca e si è costituito, fin dal 1863, grazie all’acquisto o al dono di singole opere e di intere collezioni, radunate da esperti o da semplici cittadini animati da curiosità, intuito e passione.

Collezionare significa spesso cercare qualcosa dentro di sé e nel mondo che ci circonda, costruire un ordine fantastico per i propri sogni e per i propri pensieri, organizzarli meglio, esplorare nuovi campi di relazione, scoprire rapporti nascosti tra le cose che ci circondano e dentro l’esperienza quotidiana della nostra vita. Altrettanto spesso, le collezioni interagiscono con il tempo, fissando momenti particolari di vita e di storia, sottraendoli al ritmo naturale del decadimento e della perdita e consegnandoli così al flusso profondo del ricordo e della memoria.

Fin da bambini ci comportiamo in fondo come dei curatori museali, osservando, scegliendo, conservando, selezionando, scambiando, mostrando ad altri. Questo bisogno di controllare il mondo ed in un certo modo di comprenderlo e di significarlo ci accompagna lungo il corso della vita. L’attenzione a questo iniziale rapiredal mondo attraverso il possesso si posiziona prima o in contemporanea al vero gusto del collezionare, altro passaggio presente nella vita di ogni bambino.

Che cosa collezionano i bambini, i giovani e gli adulti? Di tutto, e tutto assume la veste di brandelli di mondo scelti, posseduti per conoscerlo meglio e imparare a orientarsi.

Alla sera, in un angolo della casa, queste prime collezioni improprie prendono vita e si articolano in serie, semplicemente riguardandole o giustapponendole, o anche dimenticandole là dove erano state lasciate. In questo riflettere e selezionare, in questo racchiudere in un altro luogo osservando in modo nuovo, in questo estrapolare dal flusso della realtà si può già intravedere il gesto del museo.

Le collezioni vivono del principio della serialità, del tentativo di completare un insieme che si vorrebbe finito; si aggiunge un tassello alla volta mentre si cerca pazientemente di ricomporre un puzzle.

Nel collezionare entrano in gioco varie azioni: possedere, contare, ammirare, studiare, conoscere, collegare, completare, - solo per citarne alcune - ma è proprio nell’unire categorie di oggetti posizionandoli in insiemi significativi che si colloca la specificità di questa molteplicità di atti. Questi insiemi, che trasformano il singolo oggetto in segno, sviluppano un discorso che diventa simbolico, estetico, culturale e che conduce strettamente ad una prima riflessione sulla funzione stessa del museo.

Il bando completo è disponibile su: www.palazzomadamatorino.it ; www.fondazionetorinomusei.it ; www.bancabre.it

Scadenza bando: 14 marzo 2014. La partecipazione è gratuita

Informazioni per il pubblico: e-mail palazzomadama@fondazionetorinomusei.it 

Riapre la Tate Britain, con un bel party d'avvio

Riapre il 23 Novembre la Tate Britain con una nuova facciata e tanti interessanti servizi per l'occasione un gran party aperto a tutti, se siete in zona non perdetevelo.

Open invitation to celebrate the re-opening of Tate Britain. We invite you to an evening of music, performance, film, talks and special artist commissions. 

This live programme will guide the exploration of the new and renovated spaces and Tate Britain’s unparalleled collection, newly re-arranged to showcase its full historical range.

In the afternoon, course participants give poetry and story-telling recitals, written in response to the works from the collection. In the evening we host a programme of creative responses to Tate Britain from the best of British talent in music, film, fashion and art. Participants include Keith Coventry, Michael Langan, Kino, Tate Collective and more.

Music :DJ set with Alexis Taylor (Hot Chip) and live accoustic set from James Blackshaw

The Venice Process

Sabato 23 Novembre

16> Presentazione del film “Towards a Militant Conceptualism” di Seemab Gul

16.30> Workshop “Hug the system!” a cura di Worm e Roodkapje

19 – 24> It’s Sauna Time! Aperitivo + Party 

below english

The Venice Process è un progetto in progress che mira ad offrire un modello educativo alternativo, realizzato e riconosciuto da una rete di istituzioni internazionali operanti nel campo dell’arte.

Diversi eventi collegati al progetto -tra cui performance, seminari e workshop- si sono svolti a Venezia nel periodo di apertura della Biennale e culmineranno nella presentazione di un corso sul tema arte ed ecologia, che si terrà dal 20 al 24 novembre alla Fondazione Gervasutti e a S.a.L.E. Docks. Il corso, aperto e gratuito, sarà inoltre accompagnato da una serie di eventi e performance sul tema dell’ecologia e dell’educazione alternativa.

Tra questi una barca-sauna, opera degli artisti Harold de Bree, Laut Rosenbaum e Nick Tulinen, che si muoverà per Venezia, dando la possibilità a tutti coloro che vorranno farne uso di riflettere sul tema dei cambiamenti climatici.

The Venice Process sarà presentato anche alla Five Years Gallery di Londra dal 28 Novembre al 1 Dicembre 2013.

Programma:

16.00: Presentazione del film “Towards a Militant Conceptualism” di Seemab Gul

16.30: Workshop “Hug the system!” a cura di Worm e Roodkapje, collettivi artistici di Rotterdam. Con la partecipazione di Comitato No Grandi Navi.

19.00 – 24.00: It’s Sauna Time! Aperitivo + party in occasione della chiusura della Biennale 2013. Dj set a cura di Worm e Roodkapje, con un intervento di Paolo Camia.

Gli eventi:

-  – SOS Sauna Boat (Harold de Bree, Laut Rausenbaum, Nick Tulinen). I tre artisti hanno riutilizzato una barca esistente installandovi un sistema a GPL e una sauna. L’opera sarà aperta al pubblico e si muoverà tra vari luoghi di Venezia. Obiettivo degli artisti è quello di favorire una riflessione sul tema dei cambiamenti climatici.

-  – Body of Water (Jaakko Mattila e Antti Tenetz) è un progetto in progress, realizzato in collaborazione con Joan of Art (progetto di educazione alternativawww.joanofart.net), il cui scopo è quello di visualizzare flussi di dati remoti in un contesto espositivo, consentendo al pubblico di interagire direttamente con l’opera innescando sensori che modificano le informazioni inviate ad uno schermo principale.

-  – Artist Taxi Driver (Mark McGowan). L’artista continua la sua serie di video (pubblicati nel canale youtube http://www.youtube.com/user/chunkymark) in cui, alla guida di un taxi, discute di temi d’attualità con i passeggeri. Questa volta la performance avrà luogo a Venezia e riguarderà le tematiche dell’ecologia e dell’ educazione.

-  – Stop, Motion. Paolo Camia presenta una performance incentrata sul movimento, il corpo e l’educazione, ispirata al passaggio giornaliero degli avventori al J Bar, situato all’interno della sede della Fondazione Gervasutti a Venezia.

-  – Towards a Militant Conceptualism (Verso un Concettualismo Militante) è un film di Seemab Gul, scritto in collaborazione con Mike Watson, sull’utilizzo dell’arte come strumento di lotta politica nella società contemporanea. Il film indaga esperienze personali di protesta, in relazione alle istituzioni statali e mira a problematizzare le origini della legge. Il progetto vuole essere una considerazione sul tema della protesta e le sue relazioni con l’arte, per arrivare alla proposta di un’arte come forma di protesta.

-  – Hug the system! WORM e Roodkapje, collettivi artistici di Rotterdam,  presentano un seminario-workshop. Il programma è parte di The Ridiculum della Worm Parallel University e di De-Activism, progetti del collettivo WORM (wpu.worm.org). Obiettivo degli incontri è quello di incoraggiare i partecipanti a mettere in dubbio i sistemi educativi esistenti, acritici ed omologati e di sviluppare strategie per scardinarli, come il cortocircuito, l’incidente, il parassitismo e la bugia funzionale. Tutto ciò per allontanare le nostre vite professionali dal campo della burocrazia e dei tanti altri sistemi dittatoriali imposti. La Worm Parallel University crede fortemente che l’interazione tra persone sia l’unica garanzia di una formazione di qualità.

Parteciperanno: Hajo Doorn (responsabile della Worm Parallel University), Eric de Hartigh (Mister Roodkapje), Aline Yntema (curatrice, artista), Amy Wu (media attivista), Tim Braakman (designer), Joost Bult (performer) e Nikki Rosa Ootjers (artista/performer).

L’evento è organizzato nel contesto di Joan of Art (http://joanofart.net/), un progetto curato da Mike Watson.

ENGLISH VERSION

The Venice Process  aims at offering an alternative education and accreditation system offered by a network of international art institutions. Events – including performances, seminars and workshops – have spanned the Venice Biennale, culminating in the presentation of a free course in art and ecology and a series of events around the theme of ecology and alternative education from November 20-24,  2013.

 Simultaneously, a boat which has been recycled and modified to run on LPG and incorporate a sauna by artists Harold de Bree, Laut Rosenbaum and Nick Tulinen will be available to use for the public where it will run regularly from locations across Venice, providing an opportunity for reflection on the theme of climate change.

The Venice Process will appear at Five Years gallery, London, from 28th November to 1st December 2013 for four days of seminars and performances.

Schedule

4pm Presentation of film directed by Seemab Gul (to be screened from 20th November to 24th November).

430pm Worm, Roodkapje and No Grande Navi. ‘Hug the System’ Workshops on ecology.

7pm aperitivo and Sauna Time! DJ sets from Worm until late. With interventions from Paolo Camia

Synopsis of Events

SOS Sauna Boat — Harold de Bree, Laut Rausenbaum, Nick Tulinen. As described above.

Body of Water — Jaakko Mattila and Antii Tenetz. Body of Water is ongoing research project in collaboration with Joan of Art that aims aim to visualise remote visual and data feeds in an exhibition context, enabling the audience to interact directly with the piece by triggering remote sensors that will change the information fed to a centralised screen.

Artist taxi Driver – Mark McGowan the artist taxi driver will continue his youtube sketches from a Venice Taxi, discussing themes of ecology, free education and the Venice Biennale.

Stop, Motion.  — Paolo Camia. Paolo Camia, practitioner and teacher of the Feldenkrais Method will present a performance around the themes of movement, the body and education, responding to the daily movement of revellers in the J Bar, Gervasuti Foundation’s  bar area.

Towards a Militant Conceptualism is a film by Seemab Gul, co-written by Mike Watson, dealing with the political capacity of art in the contemporary world. The film explores personal experiences of protest, dealing with agents of the State and questioning the origins of law. This project is an open argument on protest and its relationship to art ending with the proposition of art as a form of protest.

Worm and Roodkapje at S.a.L.E. Docks — Hug the System! WORM and Roodkapje (Little Red Riding Hood) from Rotterdam will present a varied program, that consists of lectures, performances, workshops and entertainment. The program will be part of the Ridiculum of the WORM Parallel University and it’s De-Activism manifesto (wpu.worm.org). In this series of events we will encourage an teach people to develop strategies on how to dismantle systems by promoting systemical detours, acts of parasitism, avoiding responsibilty, andfunctional lieing. Al in favor of gaining our professional lifes back from the bureacrats, auditocrats en other dictatorial accreditation obligations. The WORM Parallel University strongly believes the interaction between people is the only guarantee fro educational succes. Together with our sisters from Roodkapje we will use every means nescessairy to get to our goal. This will include an intensive on site research in Venice and professional hugging capacities.

With: Hajo Doorn (principal WPU), Eric de Hartigh (Mister Roodkapje), Aline Yntema (curator/artist), Amy Wu (media activist), Tim Braakman (designer), Joost Bult (performer/professional) en Nikki Rosa Ootjers (performance artist)

About Joan of Art: At Joan of Art we believe that teaching and learning are ongoing processes we should be freely available to all. Through performances, spectacles and parties we aim to promote ongoing enquiry. Joan of Art’s founding curator Mike Watson has been in residence with Gervasuti Foundation for the duration of the Biennale.

-- 

S.igns.andL.yricE.mporium Docks 

Dorsoduro 265

Punta della Dogana

Venezia

www.saledocks.org

Per un museo del non realizzato

21 novembre 2013

ore 10.00 - 17.00

convegno

Per un museo del non realizzato

Pratiche digitali per la raccolta, valorizzazione e conservazione del progetto d’arte contemporanea

Museo del 900 - sala conferenze

Via Marconi 1, Milano

Giovedì 21 novembre si terrà il convegno Per un museo del non realizzato. Pratiche digitali per la raccolta, valorizzazione e conservazione del progetto d’arte contemporanea, organizzato dall’associazione culturale Others in collaborazione con il Museo del 900 di Milano.

Partendo dall'esperienza del museo digitale MoRE. A Museum of refused and unrealised art project  (www.moremuseum.org), il convegno apre un dibattito attorno alle nuove pratiche di esposizione, anche in relazione al tema della digitalizzazione degli archivi, della valorizzazione e della conservazione del progetto artistico non realizzato. 

Nello specifico la giornata di studi prevede due sessioni di interventi: la prima, dalle 10 alle 12.30, è dedicata a “Raccontare il non realizzato”, moderata da Francesca Zanella (Università degli Studi di Parma) e aperta dall’intervento di Marina Pugliese, Direttore Servizio Polo del Novecento e Case Museo di Milano, intitolato Una proposta per l’arte contemporanea: il museo dei progetti.

Il secondo intervento si concentra su Un museo per il non realizzato presentando il progetto MoRE museum, di cui Elisabetta Modena e Marco Scotti sono ideatori: un museo digitale che conserva progetti per opere d'arte contemporanea mai realizzate.

Segue l’intervento I would prefer not to - A taxonomy of artists without works della curatrice e critica d’arte Filipa Ramos.

L’analisi di Roberto Pinto, curatore e ricercatore di Storia dell’arte contemporanea presso l’Università di Bologna, dal titolo Quando la finzione diventare reale: Il museo dell'innocenza di Pamuk, traccia le forme di un museo di oggetti reali basato sulla storia immaginaria di alcuni personaggi usciti dalla penna di Orhan Pamuk: un corto circuito tra facts and fiction, tra letteratura e arte, tra progetto e realizzazione.

La prima parte della giornata si chiude con il confronto tra le posizioni di due artisti: Luca Trevisani e Ugo la Pietra.

L’intervento del primo, Vorrei ma non posso. L'esperienza del non realizzato nella pratica artistica contemporanea, riflette sui diversi fattori che nell’esperienza di un artista portano alla realizzazione di un'opera o al suo "fallimento”, sulle problematiche relative alle commissioni, sulla sostenibilità e sulla fattibilità di progetti considerati "irrealizzabili", con un focus sulle opere come su progetti legati ad edizioni e libri d'artista.

Il tema di Ugo La Pietra, Nel e per il sociale: dall’effimero al non realizzato, un patrimonio artistico sommerso si rivolge agli anni Sessanta, quando furono ipotizzati interventi urbani attraverso “modelli di comprensione, progetti, installazioni effimere”, caratterizzati da una forte componente concettuale oltre che spettacolare.

La seconda parte della giornata, dalle 15 alle 17, è dedicata al tema degli “Archivi digitali e nuove modalità di esposizione del progetto” e moderata da Danka Giacon, conservatore presso il Museo del Novecento di Milano. 

Stefania Zuliani, docente di Museologia e di Storia e teoria del museo contemporaneo presso l'Università degli Studi di Salerno, apre la sessione pomeridiana con un intervento dal titolo “Là dove le cose cominciano”. Archivi e musei del tempo presente checonfronta gli archivi e i musei attraverso la loro natura duplice di luoghi di conservazione e di produzione della memoria. 

Mario Gorni, presidente di Careof, Milano, interviene sul tema Un lavoro infinito, dal nastro magnetico al file e pone al centro delle questioni analizzate quella delle trasformazioni e degli adeguamenti che costantemente richiedono le nuove tecnologie, allo scopo di conservare le tracce visibili della cultura del nostro tempo. 

Gabriella De Marco, docente di Storia dell'arte contemporanea presso l'Università degli Studi di Palermo, presenta i risultati scaturiti dal progetto di ricerca Agave. Contributo allo studio delle fonti dell’arte contemporanea in Italia - e non solo - nel Novecento(http://unipa.it/agave), sistema informativo che fa uso di una base di dati dell'arte contemporanea in Italia con una particolare attenzione al contesto siciliano.

Infine Iolanda Ratti, conservatrice presso HangarBicocca, Milano, affronta il tema Installazioni come opere irrealizzate: conservarle ed esporle: opere in evoluzione e mutevoli a seconda degli allestimenti, le installazioni hanno tutte un potenziale in essere, proprio come i progetti ancora irrealizzati, e per questo la loro documentazione è la best practice comunemente individuata per la conservazione del dato materiale e immateriale delle stesse.

Nella stessa giornata MoRE inaugura le ultime acquisizioni con i progetti di Scott King (a cura di Marco Scotti), Eva Marisaldi (a cura di Elisabetta Modena) Lorenzo Scotto di Luzio (a cura di Valentina Rossi), e il contributo critico di Anna Zinelli Pornographie: la sezione non realizzata alla documenta 5 di Kassel.

La partecipazione al convegno è gratuita e sarà possibile registrarsi direttamente all’ingresso del Museo.

È prevista la pubblicazione degli atti del convegno in formato digitale, in collaborazione con la rivistahttp://www.ricerchedisconfine.info.

MoRE museum è membro di C.A.P.A.S., Università degli Studi di Parma,

John Giorno, Everyone gets lighter

Max Wigram Gallery is pleased to present EVERYONE GETS LIGHTER, the first one-person exhibition in the UK by American artist and poet John Giorno. 

For almost half a century, Giorno has been exploring and developing new media through which poetry can be disseminated and reach new audiences, an operation he continues with this exhibition. With twenty-four new watercolour Poem Paintings, a performance, and the iconic Dial-a-Poem, the exhibition offers an overview of how the Giorno seeks alternative ways of writing and presenting his poetry and connecting with an audience in powerful ways, inviting us to reflect on how we perceive words, and images.

In the Poem Paintings, Giorno transposes punchy sentences from his own poems onto paper in bold, white capital letters reminiscent of newspaper headlines - a font that he developed with a graphic designer, and has been using since 1984. The words are set off against painterly backgrounds of pastel-toned washes of colour. The viewer both reads and looks at the charged sentences like thanks 4 nothing or just say no to family values, engaging with the poem on two different, simultaneous yet exclusive levels. Giorno provides a visual and narrative anchor by presenting the watercolours in a sequence that follows the chromatic spectrum: from yellow to blue to green, a poetic narrative is developed through purely visual means. In these works thus, painting becomes a vehicle for poetry.

The search for new media for poetic dissemination led Giorno to integrate technology into his work, creating the seminal Dial-a-Poem. A project that was famously presented at MoMA in 1970 and again in 2012, Dial-a-Poem brings people over two hundred random poems read aloud by their authors, including musicians, artists and writers who were friends and colleagues of Giorno - including Charles Bukowski, William Burroughs, John Cage and Allen Ginsberg. At Max Wigram Gallery, visitors will be able to call poems from a telephone in the exhibition, or online.

These aural, visual and textual venues for the circulation of poetry conflate in Giorno’s powerful performance, with which he will inaugurate the exhibition. The incisive pronunciation and forceful delivery recall the headline-style font of the Poem Paintings, and the presence of the poet’s own body seems to transform the words into palpable entities, engaging with the audience in a physical, visceral manner.

All of Giorno’s projects to date have had one purpose: to connect with an audience. In EVERYONE GETS LIGHTER, Giorno succeeds by presenting poetry that is not only read, but also experienced.

NOTES TO EDITORS

John Giorno (b. 1936 in Brooklyn) lives and works in New York. Giorno’s solo exhibitions include EATING THE SKY, Broadway Billboard at Socrates Sculpture Park, Long Island, NY; Faux Movement, Centre d’art contemporain, Metz; Star 69: Dial-A-Poem Relics, Venice Biennale, and gallery exhibitions at Galerie Almine Rech, Paris 2012 and 2009, Almine Rech Brussels, 2010, Nicole Klagsbrun Gallery, New York, 2010, Galerier de Jour AgnesB, Paris 2005. Group exhibitions include Imagine the Imaginary, Palais de Tokyo, Paris, 2012; Ecstatic Alphabets/Heaps of Language, MoMA, New York, 2012; Traces du sacré, Centre Pompidou, 2008; Martian Museum of Terrestrial Art, Barbican Centre, London, 2008. Giorno has been a prolific performer since the 1960s, and as Giorno Poetry Systems he released more than 50 albums of music and poetry. He famously was the subject of Andy Warhol’s first film, Sleep. He is the author of several poetry collections including Subduing Demons in America: Selected Poems, 1962–2007. Giorno’s work is part of important public collections, including Centre Georges Pompidou, Paris; Musée National d’Art Moderne, Paris; MUDAM, Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg; MoMA, Museum of Modern Art, New York. Giorno will be the subject of a major retrospective of his life and work at Palais de Tokyo, Paris in 2015.

20/11/13 - 18/01/14

L'arte di distruggere tutto - Antologia sull'iconclastia in Gran Bretagna

Nonostante il grande lavoro di rinnovamento la Tate Britain prosegue la sua attività espositiva con una interessante mostra sull’iconoclastia in Gran Bretagna.

Un bel progetto espositivo che in chiave storica ci fa percorrere alcune famose tappe del difficile rapporto fra la creatività e le passioni umane, soprattutto quando queste sono esposte al pubblico e spesso soggette al suo volere.

Tutta la storia ci insegna che sono soprattutto le grandi emozioni come quelle religiose e politiche a trasformare i destino di un’opera pubblica d’arte. La declinazione storica della mostra "Arte sotto attacco : Storie di iconoclastia britannico " è un’analisi variegata su uno questo aspetto meno studiati della storia, quando le opere non sono amate e vengono danneggiate o distrutte.

In un rapido percorso storico si percepisce quanto sia delicato l’equilibrio fra la passione e l’odio e di come esso possa essere intenso.

Anche solo recentemente, come è successo con l’opera di Rothko alla Tate Modern, l’arte è continuamente soggetta ad azioni di violenza, gesti rapidi e spesso irreversibili.

Ma tutta la storia è in continuo altalenarsi fra accettazione e rifiuto, tanto più quando le opere sono accessibili a chiunque. Come la Colonna di Nelson che fu fatta saltare in aria a Dublino nel 1966 nella lotta per l’indipendenza irlandese. Ma a volte l’arte stessa gioca con le opere del passato trasformandole in nuovi manufatti, si pensi a Jake e Dinos Chapman che hanno usato le antiche stampe di Goya per realizzare dei nuovi lavori o che dire di Robert Rauschenberg che cancella un disegno Wilhelm de Kooning.

L’arte è un simbolo, per cui col cambiare delle culture e dei poteri, muta la sua fascinazione, a volte giustamente fino all’odio. Pensiamo che solo il 10 per cento dell’arte medioevale inglese è giunta a noi. Dato che ci fa rendere conto della grande distruzione che è avvenuto nel passato, in questo caso soprattutto dovuto alle pressioni religiose.

Si attraversano i secoli e gli umori sociali non mutano poi tanto, si giunge così alle espressioni più contemporanee che spesso si trovano in contrasto con il gusto più diffuso, ultimo esempio evidente il famoso galletto di Katherine Frish esposto in Trafalgar Square, soggetto alle recenti critiche di una vasto pubblico. La mostra cerca così di stimolarci su questo aspetto della cultura sociale, in modo abbastanza variegato e stimolante.

Segnalo al piano superiore la piccola ma molto interessante esposizione sull’opera “L’età dell’innocenza” di Gaisbourg uno dei suoi lavori più noti. La mostra indaga, a seguito del recente restauro, alcuni dettagli creativi e tecnici.

Azzedine Alaïa al Palais Galliera

La moda non è forse un'arte?

Sicuramente con Azzedine Alaïa  lo è, per cui non perdetevi la nuova apertura del Palais  Galliera, ora museo della moda, con una strepitosa mostra, in parte declinata nel vicino Musee de Paris. 

Grande galerie du Palais Galliera. Photo : © Pierre Antoine

Le Palais Galliera célèbre Azzedine Alaïa en lui consacrant son exposition d’ouverture. Cette première 

rétrospective parisienne est présentée dans les galeries rénovées du palais, ainsi que dans la salle Matisse du 

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. Une sélection de soixante-dix modèles iconiques retrace le parcours créatif unique d’Azzedine Alaïa. 

Son apprentissage est intimement lié aux clientes qu’il a su séduire par des vêtements sur mesure, des personnalités légendaires comme Louise de Vilmorin, Arletty ou encore Greta Garbo. Encouragé par son ami Thierry Mugler, il présente en 1979 sa première collection griffée, et déjà il rend le cuir plus fragile, plus sensuel aussi. Le jersey et le stretch, dont il drape les corps, rappellent l’École des Beaux-Arts de Tunis où il étudia la sculpture : « Quand je travaille le vêtement, il faut que ça tourne autour du corps, de profil et de dos ». Les zips tracent leur chemin autour des robes, les œillets percent les manteaux, les piqûres soulignent le galbe des tailleurs… Alaïa a modelé un corps nouveau tel un sculpteur dont les mains façonnent la mousseline ou le cuir. 

Il est l’un des rares à maîtriser toutes les étapes de la réalisation d’un vêtement : tracer un patron, dessiner 

à même la toile les formes et les volumes qu’il a en tête, couper, coudre et dompter les tissus. 

En inventant de nouvelles morphologies par le simple jeu de coutures complexes, Alaïa est devenu le couturier d’une œuvre qui traverse le temps. Son influence sur la mode contemporaine est fondamentale. Azzedine Alaïa, infatigable travailleur, artisan sublime de lui-même, poursuit son chemin en préférant « les vêtements qui durent » à ceux qui s’éteignent avec les saisons. Cet insatiable amoureux des femmes confie : « Je fais des vêtements, elles font la mode… ». Les mannequins et amies qu’il a révélées - comme Naomi Campbell, Stephanie Seymour, Linda Spierings, Linda Evangelista, Veronica Webb ou Yasmin Le Bon - sont aussi ses plus fidèles admiratrices. 

En 1985, il reçoit deux Oscars de la Mode à Paris. La même année, il défile au Palladium de New York avec Jean-Paul Goude à la direction artistique, enfin, il est célébré au CAPC de Bordeaux avec les sculptures de Dan Flavin. En 1996, à Florence, une monographie lui est consacrée au Palazzo Corsini, suivie d’une exposition avec les peintures de Julian Schnabel à la Biennale de la Mode. En 1998, une rétrospective lui est dédiée au Groninger Museum, où ses modèles côtoient les œuvres de Pablo Picasso, Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Christophe von Weyhe… En 2000, au Guggenheim Soho, il est exposé avec les toiles d’Andy Warhol. 

 Salle Matisse du Musée d'Art moderne de la Ville de Paris - Suite et fin de l'exposition. Photo : © Pierre Antoine

 

Au Palais Galliera - qui fut le lieu même de la première exposition Warhol à Paris - les robes d’exception d’Alaïa sont exposées dans une scénographie confiée au designer Martin Szekely. Dans la Salle Matisse du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, elles poursuivent ce dialogue avec l’art si cher au couturier.