Faccio colazione, mi cambio ed esco

Barriera inaugura l’ottava edizione del Mirror Project, evento annuale promosso dall'associazione per sostenere giovani curatori ed artisti. Con questa edizione, realizzata a dieci anni dalla nascita di Barriera, il Mirror Project si focalizza per la prima volta sull'istituzione e il suo spazio, che diventa allo stesso tempo il contenitore e il contenuto del progetto.

Faccio colazione, mi cambio ed esco, a cura di Sergey Kantsedal e Veronica Mazzucco, è un percorso in quattro azioni che i curatori hanno deciso di proporre a Barriera, lavorando insieme agli artisti coinvolti, ovvero Apparatus 22, Hannes Egger, Cose Cosmiche (Helga Franza e Silvia Hell) e Stefano Fiorina. Lo scopo è quello di spostare gli equilibri dell’istituzione, portarla a guardare dentro di sé andando alla (ri)scoperta delle sue identità e risorse, a uscire dalla routine quotidiana, adottare un diverso punto di vista e aprirsi verso il quartiere che la ospita e dal quale prende il nome. Il titolo della mostra vuole suggerire questo insieme di tensioni e movimenti.

Faccio colazione, mi cambio ed esco è un progetto che gioca con il format della mostra adottando un’idea di curatela intesa come prendersi cura di qualcuno, basata sulle relazioni empatiche ed affettive che si instaurano tra istituzioni, artisti, curatori e pubblico e che invitano a pensare l’arte contemporanea in modo non elitario. 

I curatori hanno, dunque, immaginato Barriera come una persona che, come ogni altro essere umano, ha bisogno per vivere di amare ed essere amato. A partire da questo presupposto i quattro artisti coinvolti hanno sviluppato degli interventi "terapeutici", appositamente pensati per lo spazio di Barriera, al fine di stimolare i sensi vitali dell’istituzione. Essi saranno presentati uno di seguito all’altro, sommandosi di settimana in settimana, fino alla conclusione del progetto, momento in cui il percorso terapeutico sarà compiuto e la mostra diverrà leggibile nella sua interezza. Le quattro azioni sono identificate da quattro parole chiave, ovvero Identità — Corpo — Mondo — Sogni, che scandiscono le diverse sequenze del progetto e rappresentano le dimensioni di Barriera sulle quali si vuole intervenire.

Si comincia il 7 aprile con una riflessione sull’Identità di Barriera, realizzata dal collettivo Apparatus 22, che allude alle opere delle singole collezioni appartenenti ai soci di Barriera e conservate nel deposito, il cuore dell'istituzione. Si prosegue il 13 aprile con la presentazione dell’intervento di Hannes Egger sul Corpo, con il quale il progetto si espande nello spazio espositivo, ovvero l’esoscheletro di Barriera. Il 22 aprile con Cose Cosmiche si va ad esplorare il Mondo; in questa occasione il progetto si apre verso l’esterno, in un passaggio trasversale nel quartiere. Il percorso si completa il 28 aprile con la parola chiave Sogni, interpretata da Stefano Fiorina: un ritorno all’interno dello spazio espositivo attraverso un momento conclusivo di festa. 

L’intero percorso sarà raccontato all’interno di una pubblicazione distribuita con l’ultimo evento in programma. 

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Eventi

• 7 aprile, ore 18 — Identità

Inaugurazione "Faccio colazione, mi cambio ed esco"

Inaugurazione dell’intervento di Apparatus 22

• 13 aprile, ore 18 — Corpo

Inaugurazione dell’intervento di Hannes Egger

• 22 aprile, ore 16 — Mondo

Conferenza Passeggiando, intervento a cura di Cose Cosmiche

• 28 aprile, ore 20 — Sogni

Mirror Project Party, intervento di Stefano Fiorina

Partner

MEF - Museo Ettore Fico

Bagnipubblici ViaAglié

Radio Banda Larga

Fondazione Arthur Cravan

Musound

Duparc Contemporary Suites

ADD Business Chance on Art

Grafica

CCN studio

Orari di apertura

giovedì e venerdì 15-19

sabato 11-17

domenica 14-17

MIRROR PROJECT #8 Faccio colazione, mi cambio ed esco a cura di Sergey Kantsedal e Veronica Mazzucco

Artisti: Apparatus 22, Hannes Egger, Cose Cosmiche, Stefano Fiorina

dal 7 al 28 aprile 2017

inaugurazione 7 aprile, ore 18

Barriera — via Crescentino, 25, Torino

ALL NIGHT LONG #3

ALL NIGHT LONG è un format, cinque esperimenti nei quali curatori, critici e artisti passano 24 ore insieme nei 25 metri quadri di via Ascanio Sforza 105.

I test hanno due variabili costanti: trascorrere un giorno a CasaCicca e lasciare un dono alla collezione.

Dopo i primi esperimenti, PUNTO ha invitato per il quarto appuntamento  due artisti di diversa generazione e formazione: ESPI e Antonio Cavadini.

Antonio Cavadini (aka Tonylight) (Brescia, 1973) vive e lavora a Milano. Ha una formazione da designer e realizza progetti su misura per spazi pubblici e privati. Dagli anni 90 sperimenta con la luce e il suono generato da dispositivi auto costruiti. Le sue opere, lampade, oggetti sonori e installazioni, sono accumunate da una relazione sinestetica tra luce e suono. Dal 2004 collabora con il collettivo Otolab come musicista e costruttore di dispositivi hardware audio e video. Ha esposto in diverse fiere, gallerie e rassegne anche internazionali

ESPI (Santiago del Cile, 1986) vive e lavora Milano. Di formazione prevalentemente teorica, realizza i suoi primi interventi artistici con il collettivo di street artist cileno 0056. Agli esordi si è concentrato sulle teorie dell'educazione democratica di Paulo Freire, ritenendo che la consapevolezza come individuo dipenda da quella del mondo. Tramite le sue opere cerca di divulgare tradizioni e tratti culturali meno conosciuti; attualmente sperimenta geometrie e colori, reinterpretando il paesaggio urbano e rurale italiano e cileno.

Claudio Parmiggiani a Londra

Claudio Parmiggiani è proposto, fino al 12 Aprile, dalla galleria Simon Lee di Londra

Simon Lee Gallery is pleased to announce the fourth exhibition by renowned Italian artist Claudio Parmiggiani.

Over the course of his career, Parmiggiani has maintained a radical stance and singular vision, utilising recurring motifs such as dust, emptiness, fire, glass, bells and shadows to interrogate the dual nature of time. His overarching investigation is his search for an image, object or assemblage that transcends time and individual experience to evoke a universally existential and perceptual truth. It is a search that is at the heart of his practice, an excavation of history and mythology that is rendered still, silent and impervious to time.

The works in the exhibition reflect Parmiggiani’s ongoing commitment to investigating the human condition and the footprints we leave behind, the communication between the intimate and the exterior, and themes such as memory, absence, fragmentation, silence and uncertainty. His new works exhibited over two floors at the London gallery exemplify this vision and invite us to reflect on the vitality of creativity, our quest for knowledge and legacy, in the context of an increasingly violent and unstable world.

At the centre of the exhibition will be a series of ‘black mirror’ wall based works - smashed blackglass that resemble telescopic windows onto the cosmos. Jewel-like, cracked, shimmering surfaces reveal hypnotic voids and galaxies, embodying the act of violence in their own creation. Evoking a tension between the man-made and the natural world, between matter and thought, these shimmering worlds promise a fractured eternity.

The second floor gallery plays host to a monumental ‘Delocazione’ work, depicting a ghostly library, immortalised in soot. Here the figurative silhouettes of books stand to attention like soldiers or a choir about to project a collective song, their simultaneous presence and absence reflecting the cycles of life and inevitability. Parmiggiani’s works in the exhibition situate us in the echoes of history whilst urging us to forge new connections, dreams, possibilities.

For over 40 years Claudio Parmiggiani has made fire and earth sing alongside air and smoke, wood and stone. His works are shadow sculptures, as Georges Didi-Huberman called them: figurations in which bodies and objects, the whole universe of life, is evoked in absentia. It is an art of subtraction, of ascetical rarefication, engaged in explicit dispute with the deafening worldliness of today’s narcissistic “art world”. The disappearance staged by Parmiggiani always has something traumatic about it, often alluding to the piercing loss of people and things that have “emigrated” – swept away by the waves, burned by the fire of history. It is an exquisitely, sometimes brutally, material form of art, but one which still retains a longing for a transcendent dimension, for something beyond this world, for the “spirituality of art”. It is, then, definitely a religious art, yet one that cannot be reduced to orthodoxies of any kind: a faith in nothing, but a total faith, is precisely how the artist describes himself.1

NOTES TO EDITORS

Claudio Parmiggiani was born in Luzzara, Italy in 1943 and lives and works in Parma, Italy. Parmiggiani’s work has been widely exhibited in international museums and collections. His work has been shown six times at the Biennale di Venezia, Venice, Italy (1972, 1982, 1984, 1986, 1995 and 2015). A retrospective of his practice between 1960 and 1995 was held at the Musée d’Art Moderne et Contemporain, Geneva, Switzerland (1995). Recent solo exhibitions have been held at Accademia di Francia Villa Medici, Roma, Italy (2015), Ex Oratorio di San Lupo, Bergamo, Italy (2014), Chiesa San Fedele, Milan, Italy (2014), Palais des Beaux Arts - BOZAR, Brussels, Belgium (2013), Palazzo del Governatore, Parma, Italy (2010), Collège des Bernardins, Paris, France (2008), Palazzo Fabroni Arti Visive Contemporanee, Pistoia, Italy (2007), The Musée des Beaux-arts de Nantes, Nantes, France (2007), The Grand Palais, Paris, France (2005), Galleria d’Arte Modernadi Bologna, Bologna (2003), Museum of Art, Tel-Aviv, Israel (2003) and Musée Fabre, Montpellier, France (2002). His work is part of the collections of Centre Pompidou, Paris, France, Stedelijk Museum Amsterdam, Amsterdam, The Netherlands, Museo de Bellas Artes of Havana, Havana, Cuba, The National Gallery of Iceland, Reykjavík, Iceland, Mamco - musée d'art moderne et contemporain, Geneva, Switzerland, Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris, France, Francois Pinault Foundation, Venice, Italy and Museo del Novecento, Milan, Italy.

Derive

La galleria Opere Scelte inaugura, mercoledi 5 aprile alle ore 18.30 in via Matteo Pescatore 11/D, la mostra DERIVE, con i lavori di Andrea Fiorino, Federico Luger, Silvia Margaria, Irene Pittatore e Maya Quattropani. 

L’esposizione propone delle derive presentate, in questa occasione, come dei modi operandi che si distaccano dalla logica precostruita e prendono movimento dal flusso che li circonda, lasciandosi guidare da esso.

Cinque diversi punti di vista, dall’esplorazione urbana a quella della mente, dalla mera visione del reale, all’intervento e alla trasformazione radicale dell’ambiente.

La linea comune di ricerca è la capacità degli artisti di cogliere gli elementi naturali e di inseguirli lungo il loro percorso, etnografico, fantastico e politico, restituendo un caleidoscopico mondo che vorticosamente conduce all’interno delle loro produzioni.

In mostra si susseguono esplorazioni del territorio, dell’ambiente fisico e mentale, attraverso le derive, strumenti per analizzare i luoghi, la società e il proprio inconscio. Lo spettatore a sua volta sarà risucchiato nel viaggio dell’artista per sperimentare la deriva, ma sarà lui a scegliere se vivere un’esperienza di empatia con l’opera, oppure se fermarsi ad osservarla.

Attraverso un universo fantastico, dove gli elementi naturali e umani si mescolano, regalandoci immagini oniriche e impregnate di una spensierata melanconia, Andrea Fiorino compie viaggi interiori, intimi e personalissimi. In questa ultima serie di opere lavora con il bianco e nero, accentuando la dimensione poetica della sua narrazione.

Federico Luger parte dalla manipolazione e ricostruzione delle immagini di un testo di architettura, regalatogli da un amico architetto, Paolo Minervi, su una serie di castelli spagnoli. L’artista ne restituisce un viaggio immaginario compiuto attraverso la Spagna da André Cadere, artista concettuale molto stimato da Luger. Il paesaggio architettonico, modificato dalla pittura e dall’aggiunta di immagini provenienti dal catalogo di una mostra di Cadere, appunto, porta alla deriva attraverso un viaggio immaginario che l’artista compie per un altro artista.

Silvia Margaria dà vita a un viaggio nel tempo e nello spazio, facendo perdere la cognizione del reale. Raccoglie oggetti e immagini che sovrappone preservandone la memoria che essi racchiudono. Il processo di somma e sottrazione le permette di ottenere una connessione continua tra il passato e il presente, rendendo i suoi lavori sempre in grado di dialogare con il contemporaneo.

Irene Pittatore racconta lo sviluppo di un Osservatorio sul quartiere operaio Pogolotti di l’Avana, dove pratiche di cooperazione e promozione turistica si mescolano con pratiche artistiche, nel raccontare l’esito di un complesso percorso migratorio avvenuto negli ultimi cento anni, in un quartiere caratterizzato da una forte identità culturale afro-caraibica. 

Il lavoro di Maya Quattropani è una raccolta di 21 fotografie Polaroid prodotte in una perfomance individuale di 21 ore consecutive, attraverso cui rivela una visione del tutto personale dei curiosi ready-made creati da numerosi artisti che si sono avvicendati negli spazi della Flux Factory di New York City, aprendo nuove possibilità interpretative sulla loro natura nomade e mutevole.

Josiah McElheny alla White Cube

La White Cube di Londra presenta fino al 9 Aprile una  mostra di Josiah McElheny

CS

White Cube is pleased to present ‘The Crystal Land’, an exhibition by Josiah McElheny, which narrates a decade of the artist’s efforts to visualise alternative histories of Modernism. Presenting works made between 2008 and 2017 in various media, including sculpture, painting, film, installation, photograms and posters, the exhibition asserts McElheny’s view that ‘reconstructing history’ can be a creative process itself and that aesthetics are always political.

The exhibition is divided into three distinct sections, each of which is inspired by an individual: the artist Robert Smithson, the writer Paul Scheerbart and the physicist Andrei Linde. In the first part of the exhibition, McElheny draws on some of Robert Smithson’s lesser-known works and writing from 1964─66, including his essay The Crystal Land which was published in Harpers Bazaar in 1966 and from which the exhibition borrows its title. Smithson’s series of ‘paintings’ from that same period ─ reflective plexiglass and painted metal, fashioned into three-dimensional, crystalline constructions ─ complicated the prevailing Modernist rejection of painting as a window onto the world and assertion of painting as pure surface. Using these works as models, McElheny has created his own series of ‘Crystal Landscape Paintings’, taking the form of faceted wall reliefs constructed out of painted metal and glass mirror with illuminated interior chambers. Inside these chambers, infinitely repeating images of crystalline, abstract reflective shapes recede into the distance. Interspersed among these ‘paintings’ are a series of new ‘Anti-Vortex Drawings' in which lines appear to float inside glass against a fractured mirrored background, and a group of silver gelatin photograms, studies for new crystalline forms in which geometric shapes extend into black. In these works, McElheny proposes that an imaginary world could be something physical after all.

After the intimate vistas of McElheny’s 'paintings', he offers a different kind of contemplation in the second part of the exhibition, through the combination of image and language. Here, movie posters beckon the audience into a ‘glass cinema’, whose subtle, multi-coloured light emanating from glass-block windows, sets the tone for the film playing inside. The Light Club of Vizcaya: A Women’s Picture (2012) emerged out of McElheny’s interest in the work of Paul Scheerbart and is part of his effort to bring the German author’s writing into the 21st-century – a project that includes the publication of two scholarly books on Scheerbart as well as a series of sculptures, drawings and performances based on his ideas. In this film, McElheny develops Scheerbart’s short story The Light Club of Batavia: A Ladies' Novelette (1912), a fantastical tale about a group of socialites who meet at a hotel in Batavia (now known as Jakarta) and decide to build a spa at the bottom of an abandoned mineshaft so that they can ‘bathe’ in light. With a script written by Canadian poet Rachel Zolf and a voice-over narrated by the artist Zoe Leonard, McElheny presents a poetic, ‘speculative expansion’ of Scheerbart’s original text, re-staging it in a different locale to create a story-within-a-story that playfully deals with themes of gender, sexuality, society and nature. Presenting an alternative view of Modernism, as experienced by a female protagonist, the work deals with Scheerbart’s notion of universalist politics as a wholly other possible path of history. It proposes that Modernism might have been redirected from efficiency and restraint to expand the concept of the human.

In the third part of the exhibition, the scale of McElheny’s ‘models for worlds’ expands to its largest possible size with the installation Island Universe (2008). Fusing art, science, information and materiality, the installation sets out to describe the world, the universe and the multiverse as a set of infinite, individual possibilities and interpretations. Appearing like a magnificent set of constellations, it comprises five suspended sculptures made from chrome-plated aluminum and glass encoded with highly accurate scientific information. The project was inspired by the aesthetically hybrid, starburst forms of nickel-plated brass and cut-glass crystal chandeliers of the Metropolitan Opera in New York, which were produced by the design company Lobmeyr in Vienna in 1965 and combine both 19th-century and modernist motifs. McElheny saw them as a kind of ‘Pop image of the Big Bang’ and in an extensive collaboration with the astronomer David H Weinberg, went on to create models that depict various alternative interpretations of this event. In Island Universe, he presents a set of possible universes through sculptures whose every element have their own individual, cosmological equivalent. Creating multiple reflections of their own forms, the viewer’s body and the space of the gallery in which they hang, they show us a universe without hierarchy where an infinite number of unique, true histories of the world can coexist.

The Super 16mm film Island Universe (2005─08), shot on location at the Metropolitan Opera in New York, is presented on a continuous loop in the auditorium every Sunday for the duration of the exhibition.

Prossimamente al Quarto Plinto

Sono Michael Rakowitz e Heather Phillipson i vincitori della selezione del Quarto Plinto a Trafalgar Square, nel cuore di Londra, le loro opere saranno istallate nel 2018 e nel 2020.

CS

Michael Rakowitz's 'The Invisible Enemy Should Not Exist' and Heather Phillipson's 'THE END' will be the next two works to appear on the Fourth Plinth and will be unveiled in 2018 and 2020 respectively.

They were chosen from a shortlist which included Huma Bhabha, Damián Ortega and Raqs Media Collective to win the commissions.

Rakowitz will recreate the Lamassu, a winged bull and protective deity that stood at the entrance to Nergal Gate of Nineveh from c 700 B.C.

In 2015 it was destroyed by ISIS along with other artefacts in Mosul Museum. The Lamassu will be made of empty Iraqi date syrup cans, representative of a once-renowned industry decimated by the Iraq Wars.

The Invisible Enemy Should Not Exist is a project begun by Michael Rakowitz in 2006 that attempts to recreate over 7,000 archeological artefacts looted from the Iraq Museum during the war or destroyed in its aftermath.

THE END by Heather Phillipson is a whirl of cream topped with a cherry and parasites.

There’s a cherry on the top, an enormous fly alighted on the side, and a whirling, illuminated contraption, which turns out to be a drone, sending out simultaneous video pictures of Trafalgar Square, which you can pick up on your mobile phone.

The work explores the extremes of shared experience, from commemorations and celebrations to mass protests, all while being observed by a drone’s camera. Topped with a giant, unstable load, the plinth becomes a monument to hubris and impending collapse.

Milan art design...

Oggi inizia a Milano la settimana del Salone del Mobile che ha reso in questi anni la città un luogo diffuso di eventi e occasioni di novità unico al mondo, fra i siti più pratici vi segnalo quello del Milano Design Week, che raccogli moltissimi eventi

Poi ci sono i punti nevralgici di Zona Tortona,

Brera design district,

 Ventura project 

Per il resto c'è il bel sito del Fuorisalone

Miart 2017

La nuova edizione del Miart curata da Alessandro Rabottini ha riscontrato un positivo consenso di critiche, la fiera si rinnova e si rafforza, la qualità cresce.

Eventi esterni

 Albergo Diurno con F.Favelli

Paola Pivi nelle vetrine della Rinascente

Intervento di Franco Mazzucchelli nella Chiesa di San Paolo

 P.Pascali alla Fondazione Carriero

Le ceramiche di Lee Ufan

Negli spazi della galleria Pace di New York sono proposte le ultime ceramiche di Lee Ufan.

CS

Pace Gallery is pleased to present Lee Ufan: Ceramics, the first solo exhibition of the artist’s ceramic works in North America. Part of Asia Week New York, the exhibition will be on view from March 10 through April 8, 2017, at 32 East 57th Street. The works in this show were made in conjunction with the Manufacture de Sèvres, an atelier outside of Paris renowned for its production of porcelain and its longstanding history of working with artists. An opening reception for the artist will be held on Friday, March 10 from 6 to 8 p.m. Pace will publish a digital catalogue to accompany the exhibition, with an essay by Valérie Duponchelle.

Selfie ora è arte!

Saatchi Gallery di Londra continua la sua strada di sperimentazione e interazione col pubblico col progetto “From Selfie to Self-Expression”.

Preso atto che la nuova ritrattistica, superata l’epoca di Rubens, Van Gogh o Frida Kahlo, è nel selfie, e che oramai tutti sono promotori di se stessi, ha indetto una iniziativa di grande respiro.

Aperta una sezione del suo sito a postare i propri selfie e poi essi sono stati selezionati da un gruppo di artisti, ovvio sponsor il gruppo Huawei.

CS

The prize will be judged by a panel of renowned artists and forward-thinkers. The ten shortlisted winners will also receive Huawei's newest smartphone, and the overall winner will receive a priceless photographic experience, to be announced at a later date.

The competition coincides with the launch of Saatchi Gallery and Huawei's new exhibition, From Selfie to Self-Expression. The exhibition will open from 31st March – 30th May 2017 and take over one entire floor of the Saatchi Gallery. The show will be the world’s first exhibition exploring the history of the selfie from Velazquez to the present day, while celebrating the truly creative potential of a form of expression often derided for its inanity. Showing alongside examples of many influential artists' work will be selfies that have quickly become icons of the digital era – from the beautiful and sublime to the mad, bad and downright dangerous.

The overall winner will be announced at the launch of the Show at the Saatchi Gallery in London on 30th March 2017.