Madonna di Scossacavalli

La Fondazione Torino Musei, con il patrocinio della Fabbrica di San Pietro in Vaticano, dal 12 maggio al 16 luglio 2018 presenta al piano nobile di Palazzo Madama, in Camera delle Guardie, un inedito dipinto del primo Cinquecento raffigurante la Madonna con il Bambino Gesù.

L’opera viene esposta in anteprima assoluta al pubblico dopo un lungo e complesso restauro promosso dalla Fabbrica di San Pietro col sostegno di Fideuram - Intesa Sanpaolo Private Banking.

Il dipinto è un olio su tavola e fu commissionato nel gennaio del 1519 a un “Dipintore”, del quale purtroppo non è tramandato il nome e per il quale non c’è al momento un’attribuzione sicura. Conosciamo, invece, il committente, la moglie di tal Pietro Pedreto, che fece realizzare il dipinto per la chiesa di San Giacomo Scossacavalli in Roma. L’edificio sorgeva nei pressi della basilica vaticana, ma fu demolito nel 1937, insieme a tutte le case circostanti della cosiddetta “Spina di Borgo”, per realizzare la monumentale Via della Conciliazione che dal Tevere conduce a Piazza San Pietro.

In seguito alla demolizione della chiesa di San Giacomo, il dipinto fu trasferito nei depositi della Fabbrica di San Pietro e abbiamo notizia di primi tentativi di restauro nel XVII e poi nel XVIII secolo. Solo nel 2016 venne avviato il non facile restauro, affidando l’incarico a due valenti professionisti romani: Lorenza D’Alessandro per la parte pittorica e Giorgio Capriotti per il supporto ligneo. L’intervento è stato lungo e impegnativo, perché il dipinto era fortemente danneggiato, soprattutto sul busto della Vergine e nella metà inferiore, con cadute irreversibili di colore dovute molto probabilmente all’immersione nell’acqua del Tevere che era straripato allagando tutta la chiesa all’antivigilia di Natale del 1598. Le cronache raccontano che l’acqua si arrestò improvvisamente sotto le labbra della Vergine, lasciando il segno della piena. Quella storica traccia si può ancora riconoscere in una scura linea orizzontale che attraversa il dipinto, e il danno è ancora più evidente nella parte inferiore, dove la pittura è andata totalmente perduta.

Nell’allestimento ideato per Palazzo Madama dall’architetto Roberto Pulitani, del Governatorato dello Stato della Città del Vaticano, oltre al dipinto vengono presentate riproduzioni di fotografie e documenti che descrivono non solo il complesso intervento di restauro in tutte le sue fasi, ma anche la storia della chiesa andata distrutta e del contesto urbanistico ove essa sorgeva.

La chiesa di San Giacomo era infatti sede dell’Arciconfraternita del Santissimo Corpo di Cristo, che ebbe come confratelli più di venti cardinali - tra i quali i futuri papi Innocenzo IX e Paolo V - e numerose alte cariche della curia romana, con personaggi illustri come Domenico Fontana e Pierluigi da Palestrina. Il restaurato dipinto della Madonna col bambino era allocato sopra l’altare della prima cappella a destra entrando. Qui certamente lo vide Raffaello, che abitava in un palazzetto di fronte a questa chiesa, e anche il pittore Perin del Vaga, che dimorò anch’egli in Borgo Nuovo in una casa vicino all’abitazione del maestro urbinate, del quale fu allievo e collaboratore. Nel 1521 un anonimo artista di Parma realizzò per la Madonna di Scossacavalli un tabernacolo, che serviva anche da “macchina processionale” quando la venerata immagine mariana veniva solennemente portata in processione, come nell’anno 1522 per scongiurare la peste che aveva colpito la popolazione di Roma. Nella cappella ad essa dedicata, detta anche “Cappella della Beata Vergine delle donne”, il dipinto fu oggetto d’intensa devozione, testimoniata sulla tavola dalla presenza di numerosi fori e abrasioni dovuti alla pratica devozionale di fissare con chiodi corone, collane, gioielli ed ex voto.

La mostra di Palazzo Madama costituisce un’occasione unica e irripetibile per ammirare il dipinto, prima che torni definitivamente in Vaticano, nel mese che per la religione cattolica è tradizionalmente dedicato alla Madonna. Dal Medio Evo a oggi, maggio è il mese della primavera e delle rose, fiore mistico, dedicato alla Santissima Vergine, a Torino particolarmente venerata nell’icona di Maria Consolata, patrona della Città insieme a San Giovanni Battista. La mostra rappresenta dunque un appuntamento imperdibile non solo per gli appassionati di arte, ma anche per tutti i devoti che a Torino avranno l’opportunità di conoscere la storia di questa straordinaria icona.

>>>>>>>>>>>>

Palazzo Madama - Museo Civico d’Arte Antica

Piazza Castello, Torino

Fondato nel 1863, il museo è oggi ospitato in uno dei più antichi e affascinanti palazzi della città, con testimonianze architettoniche e di storia dall’età romana al Barocco di Filippo Juvarra. Le raccolte contano oltre 60.000 opere di pittura, scultura e arti decorative dal periodo bizantino all’Ottocento.

Info: www.palazzomadamatorino.it

Orario: lun-dom 10.00-18.00, chiuso il martedì. La biglietteria chiude 1 ora prima

Prossimamente BB

Fra un mesetto prende avvio una nuova edizione della Biennale di Berlino, la decima, che inaugurerà il 9 di Giugno e durerà fino al 9 Settembre.

Il titolo della rassegna è ispirati ad una canzone di Tina Turner  "We don’t need another hero"del 1985. Curata da Gabi Ngcobo che ha operato con un gruppo di altri curatori ( Yvette Mutumba, Nomaduma Rosa Masilela, Moses Serubiri, Thiago de Paula Souza) guarda ad un approccio aperto e non gerarchico del condividere e riflettere i grandi cambiamenti del presente (politici, ambientali, culturali ... ).

Gli interventi saranno presentati in cinque luoghi: Akademie der Künste a Hanseatenweg, KW Institute for Contemporary Art, Volksbühne Pavilion, HAU Hebbel am Ufer, Volksbühne Pavilion e ZK/U – Center for Art and Urbanistics. 

130 anni di arte moderna

Un importante parte della collezione del MoMa, ben più di 200 pezzi, si trasferisce per qualche mese in Australia per festeggiare i 130 anni dell'arte moderna.

Per la prima volta grandi capolavori dell'arte mondiale giungono nel continente australe.

La rassegna coprirà il periodo storico di tutto il novecento, attraversando il Futurismo fino all'arte dei nostri giorni. 

CS

In partnership with The Museum of Modern Art, New York, the National Gallery of Victoria, Melbourne will present MoMA at NGV: 130 Years of Modern and Contemporary Art as part of its Winter Masterpieces series. MoMA at NGV will provide a unique survey of The Museum of Modern Art’s iconic collection. Consisting of approximately 200 key works, arranged chronologically into eight thematic sections, the exhibition will trace the development of art and design from late-19th-century urban and industrial transformation, through to the digital and global present.

The emergence of a “new art” at the turn of the 20th century will be represented by some of MoMA’s earliest acquisitions, including masterworks by Henri Matisse and Paul Cézanne as well as an architectural model by Le Corbusier featured in MoMA’s first architecture exhibition in 1932. Works by pioneering Cubist and Futurist artists, including Pablo Picasso and Umberto Boccioni, will appear alongside the radically abstracted forms present in graphic design, furniture, and textiles from the Bauhaus and in works by artists such as Kazimir Malevich and Piet Mondrian. The surreal visual language of paintings by artists like Salvador Dalí and Frida Kahlo and the spontaneity and tactility advanced in works by prominent Abstract Expressionists such as Alexander Calder and Jackson Pollock will also be included.

Developments in art from the 1960s to the 1980s, from Minimalism through Postmodernism, will be explored through the work of Roy Lichtenstein, Gerhard Richter, Andy Warhol, Lynda Benglis, Sol LeWitt, Jeff Koons, Cindy Sherman and Keith Haring, among others. Significant works of late 20th-century and early 21st century art and design, including major pieces by Kara Walker, Rineke Dijkstra, Andreas Gursky, Olafur Eliasson, Huang Yong Ping, Mona Hatoum, El Anatsui and Camille Henrot, will foreground ideas around cultural and national identity, and mobility in a globalized world. Tomohiro Nishikado’s pioneering computer game Space Invaders and Shigetaka Kurita’s original set of 176 emoji will further complement the discussion of contemporary topics.

The exhibition is organized by The Museum of Modern Art, New York, in partnership with the National Gallery of Victoria.

Organized by Samantha Friedman, Associate Curator, Drawings and Prints, The Museum of Modern Art; Juliet Kinchin, Curator of Modern Design, The Museum of Modern Art; Christian Rattemeyer, The Harvey S. Shipley Miller Associate Curator of Drawings and Prints, The Museum of Modern Art; and Miranda Wallace, Senior Curator, International Exhibition Projects, NGV.

MoMA at NGV: 130 Years of Modern and Contemporary Art - June 09, 2018–October 07, 2018

Tefaf Spring

Oggi apre a New York Tefaf Spring che ritorna dopo il grande successo della scorsa edizione.

Mentre negli spazi del Tefaf di Maastricht l'attenzione è sui 7,000 anni di storia artistica mondiale qui il tempo è più ristretto e si propongono le opere di questi ultimi decenni, legame sempre l'alta qualità delle proposte, selezionate dai migliori specialisti dei diversi settori culturali.

CS

TEFAF, the not-for-profit foundation that organizes three art fairs internationally—TEFAF Maastricht, TEFAF New York Fall, and TEFAF New York Spring—is partnering with Artsy, the global platform for discovering and collecting art, to bring artworks from the fair’s unparalleled group of international fine and decorative arts dealers to a worldwide audience online for the first time. The partnership will include exclusive online previews for TEFAF New York Spring (May 4 – 8, 2018) and TEFAF New York Fall (October 27 – 31, 2018), allowing collectors to browse dealers’ booths a week before the fair opens to the public. In addition, Artsy and TEFAF will launch a new online initiative, TEFAF TWENTY, on May 15 that highlights a rotating selection of TEFAF exhibitors on Artsy.net. The initiative will be an ongoing program to support galleries and showcase highest quality for-sale inventory online between Fair exhibitions.

The partnership represents an an important synergy between the two organizations and their unique domains of expertise—TEFAF’s unrivaled emphasis on connoisseurship and quality and Artsy’s best-in-class 21st-century technologies. Through TEFAF’s presence on Artsy, any collector in the world will be able to access TEFAF’s extraordinarily rare treasures and masterpieces from all eras, vetted by the most respected experts in the worlds of art and antiques.

“Partnering with Artsy is an opportunity to broaden TEFAF’s reach into the digital community to engage a new generation of developing and more seasoned collectors who are increasingly using online sources for making decisions on their art purchases,” said Co-Managing Director of TEFAF New York Michael Plummer.

Since launching in 2012, Artsy has forged relationships with thousands of galleries, auction houses, art fairs, and institutions to help them grow their businesses online. Enabling the growth of the overall art market, Artsy provides its partners with industry-leading technology services and access to their vast and growing audience of over one million users. Artsy connects buyers with sellers from around the world, offering over $10 billion of total inventory currently for-sale on Artsy.

“TEFAF’s fairs are among the very best in the world, with the quality of their art, expertise of their dealers, and their vetting committee setting the standard for the industry,” said Artsy’s president, COO, and co-founder Sebastian Cwilich. “As Artsy expands, we see growing demand from collectors for a more diverse offering of art categories—from prints to old masterpieces—so it’s exciting to bring not only works from TEFAF’s modern and contemporary dealers in the spring but also masterpieces and classical works from TEFAF’s fall fair, which offers art spanning antiquity to 1920.”

“As TEFAF expands further into the Modern and Contemporary sector of the Art Market with its second edition of TEFAF New York Spring, Artsy’s strong presence in this domain make it an ideal online partner for TEFAF,” said Co-Managing Director of TEFAF New York Jeff Rabin.

TEFAF New York Spring, which launched in May 2017, is dedicated to modern and contemporary art and design, and will feature 90 exhibitors, among them 24 new participants including Gagosian, Gladstone Gallery, Marian Goodman Gallery, Lévy Gorvy, Matthew Marks Gallery, and Taffin. A selection of TEFAF New York Spring exhibitors will also feature jewelry, African and Oceanic art, and antiquities to highlight how the art historical canon has influenced some of the greatest modern and contemporary artists.

Aria nuova al Museo del Novecento di Firenze

Rinnovamento per il Museo Novecento di Firenze che ha riallestito la collezione permanente, riarticolato gli spazi espositivi e installato nuove opere sotto la curatela del nuovo direttore Sergio Risaliti.

La nuova iniziativa mette in dialogo la grande storia dell’arte rinascimentale e le opere dell’epoca moderna.

Sono già stati fatti degli interventi nel loggiato esterno a cui seguiranno quelli all’altana e al secondo piano, dove troveranno spazio le opere provenienti dal lasciti del collezionista genovese Alberto della Ragione e i fondi Palazzeschi e Rosai,

Sul fronte delle mostre sono state avviate diverse proposte.Una dedicata alla declinazione dello scultore nel disegno, una con lo studio di architettura di Mario Cucinella, l’installazione temporanea di Ulla Von Brandenburg, proposta con l’opera Nudo Giallo di Felice Casorati.

Oltre i confini

Transitare nei limiti, che siano i confini di nazioni di culture,  alla ricerca di un approdo.

Speranze che non troveranno mai luogo essendo tutto continuo divenire, i luoghi di fuga dove ora si ritorna per la villeggiatura, un inno tedesco usato per unire un’Europa in continuo cambiamento, oltre le costrizioni politiche, dove tutto è instabile.

Il fascino del lavoro di Remijon Pronja, con la curatela di Claudio Cravero, è la sua ampia immedesimazione nella sua storia che è la storia di tutti noi, spesso dimenticata per ammantarsi di prestigio.

Fino al metà Maggio presso Opere Scelte.

Frieze Art Fair New York 2018 reportages

Eccovi alcuni scatti dalla nuova edizione di Frieze Art Fair a New York che ha aperto oggi  e domani per la sezione Vip e invitati, dal 4 Maggio aprirà a tutti.

 Camden Arts Centre

 Peter Blum 

WhiteCube

Parrasch Heijnen

Sprueth Magers

Mor.Charpentier

303 Gallery

Rachel Uffner

The Third Line

 Acb gallery 

Ethan Cohen Gallery

Frieze New York Art Fair

Eccoci all'avvio di una nuova edizione di Frieze NY che quest'anno è stata strutturata in modo fresco per confermarsi come una evento di grande respiro, dopo la precedente edizione che era parsa un  poco troppo tranquilla. 

Quest'anno sono stati rinnovati tutti i progetti:

• Frieze Talks, curated by Tom Eccles and Amy Zion (both Bard College, New York), drawing upon contemporary literature and challenging sound-bite, tweet-driven narratives
• Museum acquisition fund, with the Brooklyn Museum, supported by LIFEWTR
• Ambitious solo presentations by the world’s most exciting artists, including Tracey Emin, Theaster Gates, David Hockney, Betye Saar, Arthur Jafa, Zoe Leonard and Kemang Wa Lehulere.
• Seminal 20th-century artists, including Roy Lichtenstein, Nancy Grossman, Louise Bourgeois, Phyllida Barlow, Henri Matisse, among others .
• Curated gallery presentations, exploring global contemporary questions, from migration to identity politics and experiences of war
• Frieze Live, full details of the fair’s new section for performance, curated by Adrienne Edwards (recently appointed Whitney Museum of American Art, New York). Artists include: Adam Pendleton, Hank Willis Thomas and Lara Schnitger.
• For Your Infotainment / Hudson and Feature Inc., full details of a new gallery section curated by Matthew Higgs (White Columns, New York). Artists include: Takashi Murakami, Tom of Finland and Lily van der Stokker.
• Curated sections, including Spotlight, curated by Toby Kamps (Blaffer Art Museum, University of Houston), and Frame, advised for the first time by Andrew Bonacina (The Hepworth Wakefield) and Laura McLean-Ferris (Swiss Institute, New York).

Oggi e domani si parte con l'apertura riservata e poi via ingresso per tutti dal 4 Maggio.

 Cristin Tierney Gallery

Gallery Hyundai

Un Quartz di Particelle

La perfezione è la  cifra rivelatrice del recente lavoro di Giuseppe Gabellone presentato al Quartz col sostegno della Fondazione Sardi.

Una elegante figura metallica nei multipli del tre incorpora quaranta lampadine che si proiettano evanescenti in opposizione alle gambe solidali col pavimento. Una traccia di piramide che sostiene una propria aurea.

Forze che si espandono in contrapposizione, particelle di differenti moti energetici che abitano l'accoglimento Quartz.

Kerstin Brätsch _Ruine alla Fondazione Memmo di Roma

Kerstin Brätsch, Towards an alphabet_Dino Rune, 2018. Digital file, dimensions variable

La Fondazione Memmo presenta Kerstin Brätsch_Ruine / KAYA_KOVO presso le Scuderie di Palazzo Ruspoli. La mostra a cura di Francesco Stocchi, sarà aperta al pubblico da venerdì 4 maggio a domenica 11 novembre 2018.

Come suggerito dal duplice titolo, la mostra è articolata in due sezioni distinte: la Casa e la Stalla. Nella Casa, spazio principale della Fondazione, _Ruine presenta la pratica individuale di Kerstin Brätsch; _KOVO occupa invece lo spazio più raccolto della Stalla e propone il lavoro di KAYA, il progetto collaborativo di Brätsch e Debo Eilers.

La mostra, il cui titolo è mutuato dall’espressione tedesca Ruine – ruin  in inglese, rovina in italiano – testimonia la volontà ormai consolidata di Brätsch di espandere e destabilizzare il linguaggio pittorico. Tale approccio comporta continue collaborazioni con artigiani, al fine di interrogare e mettere in crisi la nozione di soggettività storicamente attribuita alla figura del pittore.

Un corpo inedito di marbling paintings [Psychopompo] della serie in corso Unstable Talismanic Rendering , realizzata con Dirk Lange maestro tedesco della marmorizzazione, sarà esposto al fianco di nuovi lavori in stuccomarmo creati in collaborazione con l’artigiano romano Walter Cipriani. Nell’insieme, l’allestimento degli spazi e delle opere restituisce la suggestione di un sito antico, una rovina catturata in bilico tra decadenza e ricostruzione, uno spazio di transizione liminale e visionario.

Nei marbling paintings Brätsch fa gocciolare inchiostri e solventi su una superficie liquida per creare un motivo, che successivamente si deposita su di un foglio di carta. Il lavoro è il risultato di una collaborazione a quattro mani – quelle dell’artigiano e quelle dell’artista – ma che impiega anche la forza di gravità, la repulsione, l’adesione. Gli elementi non strettamente legati all’intervento dell’uomo lavorano ora a favore, ora contro le scelte dell’artista, offuscandone gli istinti. Ciascuna marmorizzazione, creata appositamente per _Ruine, funziona come un talismano, una macro-proiezione sulla meccanica dell’ignoto.

Il secondo corpus di lavori di Brätsch presenta l’uso dello stucco (scagliola), una forma di intonaco importata nel XVI secolo dalla Baviera come tecnica imitativa del marmo e di altre pietre rare. Tale trattamento unifica ed estende la logica della materia stabilita nelle precedenti serie, in particolare le antiche vetrerie che contengono porzioni di pietre d'agata, e le marmorizzazioni che imitano i fenomeni geologici miasmatici. Le lastre di pietra artificiale di Brätsch restituiscono l’apparenza degli oggetti che imitano, ottenendo un effetto di mimetismo marmoreo. Questa inversione temporale riflette l’indagine di Brätsch sulla soggettività della pittura, intesa come fenomeno composito e non lineare. La produzione degli stucchi, tuttavia, è in apparente contrasto con il processo creativo che caratterizza i marbling paintings – che prevedono il gocciolamento, l’intervento del caso e il flusso acquoso – presentandosi come un processo resistente e scultoreo, in cui la modellazione a mano sostituisce il segno fluido del pennello. Lo stucco pertanto potrebbe essere letto come una goccia marmorizzata, materializzata e appiattita.

La firma di Kerstin Brätsch si configura come un sottotesto: soprannominata Brätschwurst (in riferimento alla salsiccia tedesca di Bratwurst) la distorsione e la materializzazione del proprio nome fornisce un indizio sulle manipolazioni materiche dell’artista, creando forme simili a "salsicce", che vengono in seguito pressate in strati piatti. Con il titolo Fossil Psychic , i colori vivaci degli stucchi evocano mostri prescientifici; frammenti di serie passate e future si dividono in ossa, parti del corpo e amuleti rituali ma resistono all'erosione persistendo come rocce, dipinti intrappolati in un’età della pietra. Le opere sembrano prefigurare un “wurst-case scenario” [1] , la comparsa tormentata e insieme magica di un’energia proveniente da uno dei più elementari materiali viventi, il minerale, che si esprime con un alfabeto di gesti pre-verbali, un linguaggio depositato sotto la superficie.

Nell’ambito della residenza della Fondazione Memmo, il collettivo KAYA trascorrerà un mese lavorando presso la sede della fondazione per creare un intervento in-situ : _KOVO . Per questa iterazione, il collettivo KAYA – che può essere immaginato come una violenta collisione tra pittura e scultura – presenta una serie di lampade e pelli KAYA.  

KOVO – covo in Italiano, cave in inglese – è anche un termine che indica un ibrido uomo-mucca (man-cow). Questa collisione offre la cifra del processo creativo di Brätsch e Eilers: i dipinti di KAYA sono per metà umani, evocando spettri di animismo e fantascienza. Nell’oscurità della caverna, sotto il bagliore delle lampade, il duo celebra un rito di evocazione, sfuggendo alla condizione umana e sfociando nella barbarie, in un regno animale fatto di rituali e trasgressioni.

Per _KOVO, Brätsch e Eilers saranno affiancati dal sound artist e musicista An , di base a Napoli, la cui ricerca si rivolge agli stati preverbali di coscienza e materia, nelle loro fasi simultanee di composizione / decomposizione.

Per l’occasione sarà prodotto The Year Of The Dog , un album in edizione limitata la cui uscita inaugurerà l’etichetta VS.

Questo progetto è reso possibile grazie alla mission a suo modo unica della Fondazione Memmo, che ha permesso agli artisti di creare opere in situ e di impiegare liberamente nel tempo materiali e tecniche precedentemente sconosciute, in comunione con il tessuto storico e artigianale della città di Roma.

Kerstin Brätsch_Ruine - KAYA_KOVO A cura di Francesco Stocchi                           

 Dal 4 maggio all’11 novembre 2018

Fondazione Memmo

Via Fontanella Borghese 56/b

Roma,