Gibson da Friedman

 

Molto intenso il lavoro cromatico di Gibson (nato nel 1972, Colorado, USA) che fonde la sua eredità Choctaw-Cherokee con riferimenti che abbracciano la cultura dei club, la teoria queer, la moda, la politica, la letteratura e la storia dell'arte. 

La mostra, presentata dalla galleria Stephen Friedman nella sede londinese, a un nuovo e ambizioso corpus di lavori, tra cui opere multimediali su larga scala, sculture, sacchi da boxe e dipinti su carta. 

Nell'aprile 2024 Gibson sarà il primo artista indigeno a rappresentare gli Stati Uniti con un padiglione personale alla 60a Esposizione Internazionale d'Arte, La Biennale di Venezia.

La prima mostra dell'artista presso la galleria celebra l'ampiezza della sua pratica poliedrica, caratterizzata da colori e motivi vibranti. Gibson è rinomato per il suo uso dell'astrazione geometrica, ispirato all'estetica e all'artigianato degli indigeni nordamericani. Combinando lavorazione artigianale di perline, lavorazione della pelle e trapuntatura con narrazioni di resistenza contemporanea, l'artista sfrutta il potere del materiale per attivare narrazioni trascurate, abbracciando al contempo la presenza di identità storicamente emarginate.

Fondazione Hauser & Wirth

 

L’Hauser & Wirth Institute, è la fondazione privata della nota galleria che vuole operare in modo culturale sostenendo iniziative di valorizzazione e conservazione, potete consultare il sito per scoprire l'importante impegno assunto da questo noto gruppo commericale, eccovi qui alcuni progetti. 

Robert Blackburn, per gentile concessione dell'EFA Robert Blackburn Printmaking Workshop

EFA RBPMW, la tipografia comunitaria più longeva degli Stati Uniti, fondata nel 1947, utilizzerà la sovvenzione di 50.000 USD per completare una storia orale basata su video, Creative Graphic Community: Oral Histories Project , per documentare il fondatore Robert Blackburn (1920 -2003) e la storia del laboratorio comunitario.

Cresciuto nel Rinascimento di Harlem e di origine giamaicana-americana, Blackburn non era solo un artista afroamericano visionario, ma anche un maestro incisore pionieristico e un celebre educatore. 

EFA RBPMW ha oltre 20.000 stampe di oltre 4.000 artisti, tra cui Elizabeth Catlett, Charles White, Krishna Reddy, Faith Ringgold, Melvin Edwards. Un record diversificato di incisione negli Stati Uniti come nessun altro, l'archivio riflette le varie comunità con cui Blackburn ha partecipato, come l'Harlem Renaissance, il Black Arts Movement e l'attivismo caraibico, latino, asiatico, indigeno, femminista e incentrato sull'ecologia. 

Questa storia orale raccoglierà le narrazioni degli artisti, dello staff, dei curatori e di altri che sono stati determinanti nella comunità di Printmaking Workshop. Dieci narratori, tutti tra i 70 e gli 80 anni, condivideranno storie personali che documentano il contesto socio-storico in cui si sono formati la comunità e il collettivo e le collaborazioni culturali che hanno generato.

Cuori trafitti e vero amore: un secolo di disegni per tatuaggi, 16 settembre - 11 novembre 1995. Per gentile concessione di The Drawing Center.

L'Istituto sta digitalizzando una parte dell'archivio istituzionale di The Drawing Center e facilitando la donazione dell'intero archivio a un'importante biblioteca di ricerca.

Il Drawing Center è uno spazio espositivo senza scopo di lucro a Manhattan che si concentra sulla presentazione di disegni, sia storici che contemporanei. L'archivio comprende materiale storico che spazia dall'apertura dell'istituzione nel 1977 ad oggi. Comprende fotografie di installazioni, oggetti effimeri e materiali per la stampa di mostre, eventi e programmi passati che hanno visto la partecipazione di artisti significativi come Kara Walker, Sol LeWitt, Antonio Gaudí e Louise Bourgeois, oltre alla documentazione di mostre rivoluzionarie come Plains Indians Drawings 1865-1935: Pagine di una storia visiva ; 3 X Astrazione: nuovi metodi di disegno di Emma Kunz, Hilma af Klint e Agnes Martin ; e Visioni celesti: disegni regalo Shaker e canzoni regalo .

Una volta completata la digitalizzazione, The Drawing Center renderà disponibile questa storia vitale sulla propria piattaforma in tempo per il suo 50° anniversario nel 2027.

La sala studio dell'archivio Visual AIDS, situata nell'ufficio di Visual AIDS a Chelsea, New York

Visual AIDS , l'organizzazione per le arti contemporanee impegnata a preservare e onorare il lavoro degli artisti affetti da HIV/AIDS e i contributi artistici del movimento contro l'AIDS, utilizzerà questa sovvenzione di 30.000 dollari per contribuire a finanziare una posizione di archivista permanente. L'unica risorsa nel suo genere, il Visual AIDS Archive Project e l'Artist Registry di New York, NY, raccoglie, conserva e fornisce accesso a documenti personali, materiali audiovisivi, pubblicazioni e oggetti effimeri creati, trattati o raccolti da artisti che vivono con HIV o coloro che sono morti. I loro fondi d'archivio costituiscono l'unico materiale storico esistente per molti di questi artisti. 

L'archivio attuale comprende 25.600 diapositive fisiche e oltre 18.600 immagini digitali di 945 artisti e provenienze viventi. Il sostegno dell'Hauser & Wirth Institute consentirà a Visual AIDS di mantenere un archivista nello staff, che supervisionerà la digitalizzazione dei materiali, l'accessibilità del catalogo e creerà una gestione e procedure delle collezioni più solide, per garantire equità nei loro processi. 

Pictorial Resonane

 

Presso la galleria berlinese Thomas Schulte sta per concludersi la mostra  Pictorial Resonane con le opere di 18 artisti che riempiono lo spazio della galleria. Rappresentano una vasta gamma di dimensioni, forme e tecniche di produzione: inchiostro su carta, olio su lino, poliuretano stampato in 3D, terracotta e smalto, olio su marmo, gesso, pigmenti, stampa UV su tela. Nonostante l’eterogeneità di questi lavori, insieme ci permettono di esaminare i modi in cui le immagini rispondono e si rafforzano a vicenda nello spazio. La mostra attira la nostra attenzione sulla conoscenza silenziosa ma profonda nascosta nell'opera pittorica; l'impatto ponderato ottenuto da gesti premeditati, ognuno dei quali è preceduto da un'attenta deliberazione.

 

Spesso scelti per la mostra dagli stessi artisti invitati, abbiamo riunito queste opere in uno sforzo collaborativo per svelare il mezzo della pittura e il processo creativo, chiedendoci come i dipinti collaborano, riverberano e, in effetti, risuonano tra loro in un ambiente altrimenti vuoto. spazio.

 

Questo approccio indicale comune che unisce le immagini selezionate e i loro produttori è radicato in una curiosità fondamentale verso il significato e le possibilità della pittura oggi. Specializzandosi e approfondendo in modo rigoroso e approfondito i diversi aspetti del mezzo – precondizioni materiali, produzione, colore o luce – gli artisti riuniti esaminano, mettono in discussione e rinegoziano criticamente il mezzo scelto. In tal modo è il processo di produzione che viene alla ribalta, attorno al quale si cristallizzano quadri analitici sistematici e vocabolari mirati. La mostra si propone di creare uno spazio in cui le opere possano vibrare e comunicare tra loro, in cui una sintesi di suggestioni pittoriche le risonanze sono abilitate.

Marina Perez Simão a Los Angeles alla Pace gallery

 A Los Angeles la galleria Pace presenta una mostra dei grandi e morbidi dipinti di Marina Perez Simão.

La mostra, visibile fino al 2 Marzo, è intitolata Solanaceae, riunisce 15 tele di varie dimensioni, compresi panorami monumentali, realizzate dall'artista nell'ultimo anno.

Solanaceae segna la prima presentazione personale di Simão a Los Angeles e, più in generale, sulla costa occidentale degli Stati Uniti, e la mostra coinciderà con l'edizione 2024 di Frieze LA. 

L'esposizione è accompagnata da un nuovo catalogo di Pace Publishing, con una prefazione del direttore curatoriale della galleria Kimberly Drew e un saggio originale dell'assistente curatrice dello SCAD Museum of Art Brittany Richmond.

Lavorando attraverso la pittura a olio, l'acquerello e l'incisione, Simão è nota per le sue composizioni vibranti e liriche che esplorano paesaggi sia interni che esterni. Attraverso la sua pratica, costruisce viaggi visivi in ​​regni semi-astratti e spesso inconoscibili costituiti da forme organiche e ondulate. Intrisi di visioni e ricordi, i paesaggi onirici di Simão riflettono il suo profondo e duraturo interesse per il potere dell'astrazione di trasmettere idee, concetti e sentimenti che trascendono il linguaggio.

Nei dipinti per la sua prossima mostra con Pace a Los Angeles – che prende come titolo il nome scientifico della famiglia delle piante delle solanacee – l'artista medita sugli effetti fenomenologici delle diverse condizioni di luce e della sua assenza. Diversamente dai suoi lavori passati, Simão ha adottato una tavolozza di colori profondi e scuri per i suoi nuovi paesaggi, combinando più tonalità alla volta per emulare le sfumature della bioluminescenza. Elaborando le sue recenti sperimentazioni con le tradizionali tecniche dell'affresco fiorentino per un dipinto che ha mostrato quest'anno a San Paolo, Simão ha realizzato molti di questi paesaggi su scale più grandi di quanto avesse mai lavorato prima, con due composizioni monumentali ciascuna estesa più di 12 piedi. di larghezza. Come parte del processo di realizzazione di questi dipinti, sperimenta forme in acquerelli e scale più piccole, apportando un'intuizione fiduciosa alle sue composizioni finali su larga scala.

Attingendo alla ricca storia materiale di murales e affreschi, mezzi spesso associati a raffigurazioni del paradiso o del paradiso, le nuove opere su larga scala dell'artista conferiscono a questa presentazione una dimensione decisamente esperienziale e trasportativa. Caratterizzati da strati di colore, questi dipinti, che sembrano brillare e vibrare con l'energia proveniente da una fonte di luce interna e celeste, parlano della capacità unica di Simão di infondere luminosità nel suo lavoro.

I suoi dipinti sono caratterizzati da pennellate espressive e gestuali, che rispondono tra loro all'interno delle singole opere e attraverso molteplici composizioni, conferendo all'intera mostra un senso di continuità e conseguenza rispetto al tempo e al movimento. Nei suoi quadri che suggeriscono grotte, foreste, fiumi, cascate e altri ambienti, Simão esamina il modo in cui la luce può funzionare come forza soprannaturale nella nostra esperienza della natura. I confini tra gli spazi interni ed esterni sono sfumati e, in alcuni casi, cancellati in queste scene di irrealtà e mistero.

Tra i progetti recenti di Simão c'era la sua residenza nel 2022 presso i Cahiers d'Art a Parigi, dove ha presentato una mostra di acquerelli.

Marina Perez Simão (nata nel 1980, Vitória, Brasile) ha sviluppato un processo di lavoro basato fondamentalmente sull'accumulo e sulla giustapposizione di ricordi e immagini. Combinando esperienze personali e molteplici riferimenti provenienti da campi come la filosofia, la letteratura e il giornalismo, l'artista raccoglie alcune narrazioni per modificarle attraverso mezzi pittorici che non appartengono a nessun linguaggio predefinito; si sviluppano piuttosto con una pratica organica, che unisce densità tematica e delicatezza di trattazione.

Simão utilizza una varietà di tecniche, come collage, disegno e pittura a olio, come punto di partenza per sposare paesaggi interni ed esterni. Compone viaggi visivi che a volte attraversano l'ignoto, l'astratto e il nebuloso, ma includono anche visioni e ricordi. Il lavoro di Simão è conservato in diverse collezioni pubbliche in tutto il mondo, tra cui il Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Étienne in Francia, la Collezione Ekard nei Paesi Bassi e la Samdani Art Foundation in Bangladesh, nonché lo Speed Art Museum nel Kentucky e l'Università di Chicago negli Stati Uniti.

L’altra sorgente di Astuni

 

A Bologna la Galleria Enrico Astuni propone la mostra collettiva L’altra sorgente, a cura di Maura Pozzati, visibile fino al 5 Maggio.

Il titolo L’altra sorgente è, nel suo significato letterale ma soprattutto metaforico, legato al femminile, alla capacità di scorrere nelle profondità della terra, di trapassare la materia oscura e di tornare in superficie portando con sé nuove energie. 

Dall’idea di acqua che scaturisce dal sottosuolo si passa infatti al suo significato simbolico: come principio vitale che rappresenta il femminile per eccellenza, in quanto adattabile e ricettiva, e capace di aggirare gli ostacoli che incontra nel suo cammino, in quel continuo processo di trasformazione che è la sua grande forza. 

L’altra sorgente diventa il titolo di una mostra che mette in dialogo cinque artiste molto diverse tra loro che parlano di femminile, di lavoro collettivo, di pratica partecipativa, di arte performativa  socialmente impegnata, di rapporto con la natura, di quotidianità, di sacralità, di connessioni ancestrali e di energia vitale, ognuna con la propria voce, cultura, esperienza e metodologia di lavoro.  

Le artiste invitate a partecipare al progetto sono Marion Baruch,  Suzanne Lacy,  Sabrina Mezzaqui, Maria Nepomuceno, e  Sabrina Casadei.

foto della mostra L’altra sorgente, Galleria Enrico Astuni, 2024. Ph. Agostino Osio.

Caspar David Friedrich 250 anni

 Sicuramente fra gli eventi più interessanti dell'anno è il 250° compleanno di Caspar David Friedrich (*1774 Greifswald - 1840 Dresda), che in Germania viene festeggiato con uan serie di importanti eventi come all'Hamburger Kunsthalle che presenta una grande mostra su questo artista. Si tratta della mostra più completa sull'opera del più importante artista romantico tedesco da molti anni.

Il fulcro della mostra è la retrospettiva tematica di Friedrich con oltre 60 dipinti, tra cui numerose opere chiave iconiche, e circa 100 disegni e opere selezionate dei suoi amici artisti. Il tema centrale è il nuovo rapporto tra l'uomo e la natura nelle rappresentazioni paesaggistiche di Friedrich. Nel primo terzo dell'Ottocento diede notevoli impulsi per rendere il genere del paesaggio “arte per un tempo nuovo”. Inoltre verranno presentate circa 20 opere selezionate di amici artisti come Carl Gustav Carus, Johan Christian Dahl, August Heinrich e Georg Friedrich Kersting. I suoi dipinti e i suoi studi si basano sull'opera di Friedrich, ma aprono anche nuove prospettive sulla natura.

Accanto al Viandante sono esposti prestiti di Friedrich di alta qualità ed estremamente rari, come i dipinti Scogliere di gesso a Rügen (intorno al 1818–1822), Monaco al mare (1808–1810) e Due uomini che contemplano la luna (1819/20). dipinti, tra gli altri sul Mare di nebbia (intorno al 1817) e Il mare di ghiaccio (1823/24) dalla collezione dell'Hamburger Kunsthalle. Queste opere sono tra le icone del Romanticismo. Friedrich ha esplorato pittoricamente i modi in cui il paesaggio può diventare un tema contemporaneo, il potenziale associato alla riproduzione della natura e come può essere trasmesso allo spettatore. Ma anche la vasta opera grafica di Friedrich gioca un ruolo speciale nella mostra. Il soggiorno consapevole all'aria aperta con intenzione artistica è una delle caratteristiche particolari della pratica artistica romantica ed era essenziale per Friedrich. La mostra onora i suoi disegni nella loro qualità autonoma e li considera non solo come studi di dettagli naturali che si riflettono poi nei suoi dipinti. L'approccio sensibile di Friedrich alla natura implica spesso una riflessione sul suo punto di vista soggettivo.

Il fascino duraturo delle sue opere è dimostrato in una parte separata della mostra, dedicata alla ricezione di Friedrich nell'arte contemporanea. In una prospettiva trasversale ai generi e ai media, circa 20 artisti nazionali ed esteri discutono del tema centrale di Friedrich: il rapporto tra le persone e il loro ambiente. Illustrano anche quanto sia rilevante la prospettiva artistica dell'artista romantico in tempi di cambiamento climatico. Attraverso i generi e i media, circa 20 artisti nazionali e stranieri danno uno sguardo al romanticismo, alla loro comprensione della natura e all'arte di Friedrich con le loro opere, ad esempio sotto forma di video, fotografie e installazioni su larga scala. In mostra opere di Ann Böttcher, Elina Brotherus, Julian Charrière, David Claerbout, Mari Eastman, Olafur Eliasson, Jonas Fischer, Alex Grein, Swaantje Güntzel, Jochen Hein, Nina K. Jurk, Johanna Karlsson, Hiroyuki Masuyama, Lyoudmila Milanova, Andreas fastidio, Mariele Neudecker, Ulrike Rosenbach, Susan Schuppli, Santeri Tuori e Kehinde Wiley.

Prossimamente Mudam Luxembourg

 

Finnegan Shannon, Ci vuoi qui o no, 2018. MDO, pittura. Progettato in collaborazione con Charles Mathis e Chat Travieso, fabbricazione di Charles Mathis.

Quest'anno la principale mostra del programma 2024 del Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand–Duc Jean, A Model riflette sul ruolo dei musei oggi e considera nuovi modelli per cosa, perché, dove e per chi può essere un museo d’arte contemporanea. Questa mostra in tre parti, che si estenderà fino a settembre 2024, esplora l’urgenza di ripensare l’istituzione come spazio attivo, presentando voci e visioni diverse, sensibili e ricettive al dibattito contemporaneo oltre il suo status tradizionale di luogo di esposizione.

Nella sua prima mostra da quando è diventata direttrice del Mudam Luxembourg – Musée d'Art Moderne Grand–Duc Jean nel 2022, Bettina Steinbrügge ha incaricato 16 artisti di creare qualcosa di nuovo in relazione alla collezione Mudam e di reimmaginare i musei come ambienti attivi e performativi, piuttosto che come depositi di oggetti. Un Modello è strutturato attorno a tre momenti distinti, a partire dal Preludio – Rayyane Tabet. Trilogy (fino al 12 maggio 2024), seguito da A Model: New Commissions in cui il nuovo lavoro di oltre una dozzina di artisti si svolge in tutto il museo (dall'8 febbraio all'8 settembre 2024) e si conclude con Epilogue – Jason Dodge: Tomorrow, I walk to una stella nera scura (dal 4 maggio 2024 all'8 settembre 2024).

Steinbrügge commenta: “Il museo deve prendere in considerazione i cambiamenti sociali e ripensare le convinzioni che sono state date per scontate. Oggi il panorama sta cambiando, passando da un approccio rinnovato alla diversità, al ripensamento di narrazioni esistenti e profondamente radicate e, di conseguenza, alla riscrittura della storia per ristabilire culture o pratiche finora trascurate o ignorate. La recente pandemia ha cambiato anche i comportamenti: i circuiti di feedback dei social media e le tecnologie visive in costante miglioramento stanno amplificando il nostro rapporto con le informazioni e con le realtà del mondo in cui viviamo”. 

Questa spinta a ripensare e reinventare non è una novità nello sviluppo del museo d’arte moderna e contemporanea. Steinbrügge si ispirò in parte al progetto dell'artista e attivista Palle Nielsen, intitolato The Model – A Model for a Qualitative Society, presentato nel 1968 al Moderna Museet di Stoccolma, allora guidato da Pontus Hultén, che contribuì notevolmente a ridefinire il museo a suo tempo. Il progetto di Nielsen prevedeva l’installazione di un parco giochi all’interno del museo, liberamente accessibile a tutti i bambini di Stoccolma con un’ampia gamma di funzioni e attività ludiche. Rimase aperto per tre settimane e attirò più di 33.500 visitatori, di cui 20.000 bambini (gli adulti pagavano un normale biglietto d'ingresso). 

A Model fa eco a questo spirito rigenerante e giocoso – e al titolo – del famoso progetto del Moderna Museet nel suo desiderio di rinnovare l’impegno del museo nei confronti dell’arte contemporanea. Ponendo la Collezione Mudam come punto di partenza di una mostra temporanea, 

A Model segna l'inizio di nuovi modi di pensare al modo in cui l'arte viene esposta e considerata. Per fare questo, Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand–Duc Jean ha invitato artisti le cui pratiche riflettono in modo critico sul museo e sulla società contemporanea a concepire nuove commissioni in dialogo con le opere della collezione. 

A Model mette in primo piano il ruolo svolto dagli artisti nel plasmare la coscienza collettiva e l'influenza che hanno avuto nel plasmare l'arte contemporanea e i suoi musei. 

A Model riguarda anche il potenziale dell’arte di avere un impatto critico sul mondo. Anche se la visione di un artista è soggettiva, individuale e personale, l’arte è una forma vitale di comunicazione. L’idea del museo d’arte come archivio statico – una concezione ereditata dall’Illuminismo – è ribaltata nel contesto culturale odierno in cui opere d’arte, mostre ed esperienze sperimentali e durature, basate su eventi fanno parte del linguaggio istituzionale. 

Nell'ambito della mostra collettiva A Model, l'artista Jason Dodge è stato invitato a concepire un epilogo che creerà un ulteriore livello della mostra.

Dodge's Tomorrow, I walk to a dark black star è una presentazione personale in tutto il museo, che espone oggetti ritrovati della vita quotidiana in Lussemburgo. Colleziona oggetti per le strade delle città in cui lavora, dando loro un valore diverso dagli oggetti visti nel contesto museale. Cerca la poetica nella vita di tutti i giorni e sfida i nostri sistemi di valori. È un approccio profondamente umano che esprime l'amore per l'arte, ma anche per la vita in generale, per tutte le piccole cose che sembrano insignificanti, ma che costituiscono il nostro sistema di credenze. Ci sfida a guardare in modo nuovo ciò che vediamo, a prestare attenzione e a mettere in discussione le nostre ipotesi. 

Isaac Julien, Once Again... (Statues Never Die), 2022. Veduta dell'installazione, Barnes Foundation, Filadelfia, 2022. Foto: Henrik Kam © Barnes Foundation. Per gentile concessione dell'artista e Victoria Mirò 

I punti salienti della mostra includono: 

- L'Arena di Oscar Murillo, installata nella Sala Grande del museo. L'artista porta la sua idea di esperienza museale comunitaria in Lussemburgo creando un'agorà dove il pubblico può incontrarsi, creare solidarietà e attivare la mostra. Le effigi di Murillo, commemorazioni della classe operaia colombiana, sono già sedute nell'arena, guardando un grande schermo che proietta una selezione di film di artisti e documentari che esplorano la storia e l'idea del museo. 

- La proiezione video a cinque canali di Isaac Julien Once Again… (Statues Never Die) (2022) reinventa la relazione e la corrispondenza tra il filosofo, critico e leader culturale Alain Locke e il collezionista Albert Barnes, che accumulò una vasta collezione di arte africana (come così come l'arte moderna europea) nella sua famosa casa museo fuori Filadelfia. Intervallata da filmati d'archivio di opere d'arte africane saccheggiate conservate dal British Museum, accompagnate da citazioni dei poeti Aimé Césaire e Langston Hughes, l'installazione offre una nuova storia dell'arte che contestualizza gli sforzi contemporanei per le riparazioni. 

- Gli spazi esterni del museo offrono incontri casuali inaspettati. All'esterno, Guardians (2022) di Nina Beier, cinque leoni di marmo sdraiati a terra, ribalta le associazioni delle statue con idee di potere e valore reale. La sua installazione nel parco delle sculture del museo evidenzia come un sito non sia neutrale. 

- Gli spazi esterni ospiteranno anche la "Ricerca per le infrastrutture scultoree" di SUPERFLEX, un'analisi dello spazio e una ricerca su come attivarlo. Gli interventi sulle sedute di Finnegan Shannon richiamano la nostra attenzione sulla limitata accessibilità, inclusività e comfort negli spazi pubblici. 

- Due installazioni nel parco delle sculture, riflettono sul linguaggio visivo e parlato, su cosa è permesso e cosa è proibito e su come viene attribuita qualità alle opere d'arte. L’iconica fontana di Su Mei Tse, dove il linguaggio sta scomparendo, e l’installazione di Claire Fontaine, un finto pavimento in vinile piastrellato, offrono un dialogo potente oltre la storia recente, il linguaggio e i sistemi di valori, e riflette sulle nostre responsabilità nel modellarli e conservarli. 

- Convivendo nello spazio, i lavori di Nora Turato e Tomaso Binga esplorano entrambi il flusso delle parole come un modo per scoprire cosa significa vivere nella società contemporanea, in particolare come donna, sia negli anni '70 che oggi, e la necessità di creare uno spazio in cui essere ascoltato. Binga e Turato si uniscono per rivendicare il loro spazio, attraverso testi scritti, performance teatrali e poesia visiva. I due hanno ricoperto ogni centimetro della galleria, comprese le pareti tappezzate. 

- I lavori di Anna Boghiguian, Andrea Bowers, Daniela Ortiz e Krista Belle Stewart ci guidano nel riconoscere realtà diverse in relazione a società spesso non rappresentate e ad eventi storici trascurati. Rifiutando modalità di pensiero lineari e unidimensionali, queste opere ci invitano discretamente a prestare attenzione, rimanere curiosi e mettere in discussione le verità e le narrazioni ricevute. - Le bambole di Dardan Zhegrova invitano i visitatori a impegnarsi fisicamente, mentre il video di Tony Cokes Evil.80.Empathy? (2020) suggerisce la necessità di un impegno sociale all’interno degli spazi del museo, l’uso del colore, della dimensione del carattere e della ripetizione linguistica da parte di Cokes sottolinea nozioni di empatia e complicità in relazione alla violenza istituzionale e sistemica contro i neri. Inoltre, vengono presentati i materiali d’archivio di The Model di Palle Nielsen. 

Frieze Los Angeles

 

Arriva la rinnovata edizione di Frieze Los Angeles, che torna all'aeroporto di Santa Monica dal 29 febbraio al 3 marzo 2024. 

La quinta  edizione della fiera vede un nuovo notevole curatore della sezione Focus , Essence Harden, reinventare gli spazi pubblici comuni e un ricchezza di nuove gallerie. I biglietti sono disponibili ora . Frieze Los Angeles è ancora una volta diretto da Christine Messineo, direttrice delle Americhe di Frieze, e ospitato nella sua tenda progettata dallo studio di architettura WHY di Kulapat Yantrasast .

 L'edizione del 2024 prevede una nuova planimetria nel campus dell'aeroporto che reinventa lo spazio esterno come punto di ritrovo - quello che  Mark Thomann (direttore, Wilding X WHY) definisce "un santuario accogliente incentrato su cibo, cultura e comunità" - con installazioni e pop-up da alcuni rinomati ristoranti di Los Angeles.

 La fiera presenterà nuovamente un programma di opere d'arte site-specific, attivazioni pubbliche e sculture nell'aerodromo dell'aeroporto di Santa Monica.  Descrivendo la nuova planimetria del sito, Yantrasat ha affermato: 'Frieze Los Angeles è diventata un punto di riferimento per tutte le menti creative. Il layout per il 2024 è snellito con scoperte ad ogni angolo. All'interno c'è un'esperienza artistica mirata con luce naturale filtrata edificante, mentre il cortile esterno è pieno di attività artistiche e culturali in cui gli amici possono soffermarsi e connettersi.' 

La fiera del 2024 riunisce più di 95 gallerie provenienti da 21 paesi, di cui quasi il 50% opera nell’area della Grande Los Angeles; 13 di loro saranno esposti per la prima volta al Frieze Los Angeles. Frieze Los Angeles continua a fornire una piattaforma per le organizzazioni no-profit locali e il 2024 vede le ultime puntate di due iniziative di lunga data: il Deutsche Bank Frieze Los Angeles Film Award (al suo quinto anno) e il Frieze Impact Prize  – una collaborazione tra Frieze ed Endeavour Impact in collaborazione con il Center for Art & Advocacy e il suo programma di borse di studio per artisti ex detenuti, Right of Return. 

Messineo  ha dichiarato: 'Frieze Los Angeles 2024 sarà una destinazione per un pubblico internazionale per celebrare la continua crescita della scena artistica di Los Angeles. Sia i visitatori che gli espositori trarranno vantaggio dalla nostra presenza ampliata, dal layout centralizzato e dagli spazi esterni ridisegnati. Non vediamo l'ora di accogliere espositori da tutto il mondo per fornire un'istantanea senza precedenti degli artisti e delle gallerie più interessanti di oggi.'  

MESSA A FUOCO

Un appuntamento significativo per Frieze Los Angeles 2024 è Essence Harden (curatore di arti visive e responsabile del programma, California African American Museum) come curatore di Focus . La sezione, per le gallerie statunitensi che operano da 12 anni o meno, è una piattaforma per voci emergenti e sottorappresentate. Supportata da Stone Island, le cui sovvenzioni promuovono la partecipazione a Focus insieme ai sussidi di Frieze, la sezione quest'anno è composta da 12 gallerie ed esplora idee di ecologia.  

Harden ha dichiarato: "Sono onorato di curare la sezione Focus 2024". Ero profondamente interessato alla possibilità di estendere il termine “ecologia” per includere posizione, geografia, questioni materiali e teoriche all’interno del fare arte. Le presentazioni scelte per la sezione di quest'anno riflettono questo impulso tortuoso, evidenziando una serie di gallerie e artisti emergenti dinamici.'  Sette gallerie stanno facendo il loro debutto a Frieze Los Angeles in Focus : Babst Gallery, Matthew Brown, Dominique Gallery, Quinn Harrelson, Lyles & King, Shulamit Nazarian, Micki Meng e pt. 2 Gallery,  insieme agli espositori di ritorno Make Room, Ochi, Sow & Tailor e Hannah Traore Gallery .

GALLERIE PARTECIPANTI NEL 2024 

L'elenco delle gallerie partecipanti alla fiera per il 2024 comprende un gruppo concentrato di spazi con sede a Los Angeles tra cui Blum, The Box, Château Shatto, François Ghebaly, David Kordansky Gallery, LA Louver, Night Gallery, Nonaka-Hill, Regen Projects, Parrasch Heijnen, Hannah Hoffman, Marc Selwyn Fine Art. Parker Gallery e Anat Ebgi, entrambi di Los Angeles, hanno già partecipato al Focus e quest'anno passeranno alla sezione principale della fiera.

I principali espositori internazionali, molti dei quali hanno spazi a Los Angeles, includono 303 Gallery, Canada, Clearing, Pilar Corrias, Dastan Gallery, Gagosian, Gladstone, Hauser & Wirth, Galerie Max Hetzler, Xavier Hufkens, Gallery Hyundai, Jenkins Johnson Gallery, Lisson Gallery , Mendes Wood DM, OMR, Ortuzar Projects, Pace Gallery, Maureen Paley, Proyectos Monclova, Sprüth Magers, Welancora Gallery, White Cube e David Zwirner. 

GRANDI MOSTRE DURANTE LA SETTIMANA  

Per celebrare la Frieze Week, i più importanti musei della città, tra cui Getty, The Museum of Contemporary Art, The Broad, Hammer Museum, LACMA, ICA LA e Academy Museum of Motion Pictures, ospitano eventi e attivazioni speciali, offrendo ai visitatori locali e internazionali l'opportunità di scopri le collezioni di livello mondiale di Los Angeles.

Abdoulaye Konaté a New York da Lévy Gorvy Dayan

la galleria Lévy Gorvy Dayan ha organizzato la  prima mostra a New York con l'artista maliano Abdoulaye Konaté,  nella storica residenza in stile Beaux-Arts della galleria. Abdoulaye Konaté: Lune bleue presenta opere monumentali e riccamente cromatiche che uniscono indagini su forma e colore con riferimenti simbolici tratti da una ricchezza di fonti nell'Africa occidentale e oltre. 

Sono presentate nove nuove opere insieme alla composizione titolare Lune bleue , la mostra segna la prima presentazione dell'artista a New York dal 2019.