Documenta 60 anni

Sono passati già sessant'anni dalla prima edizione di documenta e ora si festeggia con un bel simposio, eccovi tutti i dettagli:

Symposium documenta 1997 – 2017: erweiterte Denkkollektive / expanding thought-collectives

documenta Halle

17. and 18.07.2015

Carmen Amor, Karen Barad, Beatrice von Bismarck, Kristina Buch, Roger M. Buergel, Carolyn Christov-Bakargiev, Catherine David, Okwui Enwezor, Peter Galison, David Joselit, Hiwa K, Lu Jie, Michael Lüthy, Sarat Maharaj, Oliver Marchart, Laura Zheng Ning, Ruth Noack, Nikos Papastergiadis, Griselda Pollock, Tino Sehgal, Raqs Media Collective/Shuddhabrata Sengupta, Adam Szymczyk, Wang Jianwei

The notion of what a contemporary art exhibition can and should be has fundamentally changed over the past twenty years. Exhibitions have evolved into a format that aims not only to present art, but also to communicate current thinking and theories to an increasingly global public. 

Each documenta is an occasion and opportunity for bringing specific modes of thinking, along with concurrent values and world-views, from their sites of production (e.g. academia) into society. These developments and the adjacent questions and problems posed are in the centre of this symposium. What are the origins of the theories underpinning the last four documentas and how do we evaluate them today? What thought styles (Denkstile) are at all compatible with the exhibition format? 

And how are the global aspirations of the exhibitions realised? These and further questions will be discussed with the Artistic Directors of the past four editions of documenta and the Artistic Director of the upcoming documenta 14 in dialogue with international guests from the fields of art, academia and theory.

Program

Friday, 17.07.2015

10.00–10.20
Welcome
Hortensia Völckers, Kulturstiftung des Bundes

Introduction
Dorothea von Hantelmann

10.20–10.40
Hegemonic Shifts: Situating documenta X and 11
Oliver Marchart

10.45–13.15
documenta X
From the international to the global
Catherine David, Lu Jie, Laura Zheng Ning, Wang Jianwei

14.30–17.00
Documenta11
Art in an emerging global society
Okwui Enwezor, Sarat Maharaj, Nikos Papastergiadis, Raqs Media Collective/Shuddhabrata Sengupta

17.30–18.30
Exhibitions: Where Thought-Collectives Collide
Peter Galison

Concert
22.00–23.00
M.A. Numminen and defunensemble
Verliebte Philosophen

Saturday, 18.07.2015

10.00–13.00
documenta 12
Migration of Form
Roger M. Buergel, Okwui Enwezor, David Joselit, Ruth Noack

14.00–16.30
dOCUMENTA (13)
Speculative Fabulations
Karen Barad, Kristina Buch, Carolyn Christov-Bakargiev, Griselda Pollock, Tino Sehgal

17.00–18.30
documenta 14
Few Notes from an Extellectual
Carmen Amor, Hiwa K, Adam Szymczyk

18.30
Closing remarks
Beatrice von Bismarck, Dorothea von Hantelmann, Michael Lüthy

Introductions and moderation
Dorothea von Hantelmann, Michael Lüthy

The symposium is held in English with simultaneous translation into German.
Free admission
Please register in advance: symposium@documenta60.de

Conceived by Dorothea von Hantelmann, documenta visiting professor at the School of Art and Design Kassel

An event by the German Federal Cultural Foundation in cooperation with the School of Art and Design Kassel

documenta Halle
Du-Ry-Str. 1 / am Friedrichsplatz
34117 Kassel

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Concert
M.A. Numminen and defuneensemble
Verliebte Philosophen
Kulturhaus Dock 4
17.07.2015, 22:00

In conjunction with the documenta anniversary celebration, the cantata entitled Verliebte Philosophen by the Finnish artist, composer, and singer M.A. Numminen will be presented for the first time in Germany in a new, augmented arrangement. Numminen, well-known since the 1960s for his eclectic interests in such fields as philosophy, sociology, and linguistics as well as various musical styles, including jazz, classical and electronic music, tango, and new music, participated in dOCUMENTA (13). He previously presented a philosophically inspired music program under the title Wittgenstein Compositions in collaboration with defunensemble in Kassel in 2012.

Composed in 2010, his Verliebte Philosophen forges yet another link between music and philosophy. Moderated by M.A. Numminen, the work deals with the complicated relationship between Hannah Arendt and Martin Heidegger. Major passages in the libretto were compiled from correspondence between Arendt (Ida Wallén, soprano) and Heidegger (Herman Wallén, tenor). Burkhard von Puttkamer (baritone) serves as the narrator who embeds excerpts from letters relating to the couple’s first meeting in Marburg in 1925, Hannah Arendt’s emigration from Germany, Martin Heidegger’s admission to membership in the NSDAP in 1933, and their reunion after the war in a temporal framework. The music itself tracks the ups and downs of their stormy relationship.

An event by the German Federal Cultural Foundation in cooperation with the documenta Archive, with the kind support of the Kulturhaus Dock 4 under the auspices of the City of Kassel

Tickets: 18 Euro, reduced 10 Euro
Reservations: konzert@documenta60.de, T:+49 561 707270

Advanced bookings: Office of documenta und Museum Fridericianum Veranstaltungs-GmbH, Friedrichsplatz 18, 34117 Kassel, Mon–Thu, 9:00–16:00

Box office at the venue

Kulturhaus Dock 4
Untere Karlsstraße 4
34117 Kassel
www.dock4.de

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60 Years of documenta – Program

Wednesday, July 15, 2015
Official transfer of the documenta Archive
Press Conference: July 15, 2015, 13.00
Rathaus der Stadt Kassel, Obere Königsstraße 8, 34117 Kassel

Thursday, July 16, 2015
Exhibition
Marcel Broodthaers
Fridericianum
Press Conference: July 16, 2015, 11.00
Exhibition opening: July 16, 2015, 18.00–21.00
Duration of the exhibition: July 17 to October 11, 2015
Fridericianum, Friedrichsplatz 18, 34117 Kassel

Friday, July 17, 2015 and Saturday, July 18, 2015
Symposium
documenta 1997–2017: erweiterte Denkkollektive / expanding thought-collectives
An event by the German Federal Cultural Foundation in cooperation with the School of Art and Design Kassel
documenta-Halle, Du-Ry-Str. 1 / am Friedrichsplatz, 34117 Kassel

Friday, July 17, 2015 – Thursday, July 23, 2015
Ongoing Action
Alexandra Pirici and Manuel Pelmuş: Public Collection of Modern Art
An event by the documenta Archive of the City of Kassel
Fridericianum, Friedrichsplatz 18, 34117 Kassel

Friday, July 17, 2015
Concert
M.A. Numminen and defunensemble: Verliebte Philosophen
An event by the German Federal Cultural Foundation in cooperation with the documenta Archive, with the kind support of the Kulturhaus Dock 4 under the auspices of the City of Kassel
Kulturhaus Dock 4, Untere Karlsstraße 4, 34117 Kassel

Sunday, July 19, 2015
documenta Birthday
​An event by the documenta und Museum Fridericianum Veranstaltungs-GmbH in cooperation with the City of Kassel
Unterer Friedrichsplatz and numerous other locations in the city

October 30, 2015 to February 14, 2016
Exhibition
UTOPIEdocumenta – Unrealized Projects from the History of the World Art Exhibition
An event by the Culture Office of the City of Kassel
Stadtmuseum Kassel, Ständeplatz 16, 34117 Kassel

Tony Cragg

Si è inaugurato da pochi giorni la prima personale di Tony Cragg alla Lisson Gallery di Milano con una nuova serie di opere in bronzo, legno, pietra e acciaio inossidabile, affiancate da lavori su carta. Le sculture che proposte all’interno della galleria sono il risultato di complesse costruzioni formali e studi geometrici che consentono l’emergere di altre figure che l’osservatore può riconoscere, associare e nominare.

Le articolate sculture polimorfe di Cragg rivelano alcuni aspetti sulla relazione esistente tra la razionale dinamica interna dei materiali e la risposta soggettiva alle forme che assumono. Nell’intenzione di Cragg questa non solo è l’essenza della scultura, ma quella di ogni nostra esperienza del mondo. I suoi lavori sono intrisi di movimento, crescita, dinamismo e di un senso di meraviglia verso le apparentemente illimitate possibilità che la plastica scultorea offre.

In mostra vi sono due sculture in bronzo e marmo di grandi dimensioni: Over the Earth and First Person, quest’ultima collocata all’esterno della galleria. In queste opere, Cragg non si rivolge solamente alla natura e all’energia del mondo organico, ma anche alla realtà potenziata che si sprigiona attraverso la tecnologia e alle molteplici prospettive che ci sopraggiungono dalla velocità e versatilità della vita moderna.

Molte delle opere in mostra presso Lisson Gallery Milan presentano strette relazioni con le sette sculture attualmente esposte presso il Duomo di Milano (parte di Expo Milano 2015, visibili sino al 31 ottobre). Punta di diamante del progetto realizzato dall’artista in collaborazione con la Veneranda Fabbrica del Duomo è l’opera Paradosso (Paradox) collocata all’interno della Cattedrale, visivamente ispirata alla statua in oro della Madonnina che si erge sulla guglia più alta della copertura, per tradizione indicata quale punto più alto di Milano. L’esposizione di Cragg sulle Terrazze del Duomo, si compone di ulteriori sei sculture monumentali che contrastano con la staticità dell’architettura gotica e con lo skyline milanese.

Il richiamo alla maestosità della Madonnina e al suo gesto di protensione verso il cielo trova una corrispondenza nel bronzo di due metri d’altezza presentato all’interno della galleria di via Zenale, dal titolo After We’ve Gone (2015), scultura simile a un oggetto in torsione che suggerisce i profili di un corpo in movimento. La fisicità propria dell’artista si riversa nei suoi disegni, punto di inizio per la sua pratica tridimensionale, contenenti la genesi di ogni singola radicale rotazione delle forme, forse rivelando anche come il seme di un’idea, un’energia nascosta, o una considerazione sull’esistenza possano tradursi in nuova sostanza ed eventualmente in complesse e disorientanti oggettualità.

Alcune note sull’artista

Tony Cragg è uno dei più importanti scultori al mondo. Costantemente impegnato nella ricerca di nuove relazioni tra la persone e il mondo materiale, lavora con la pietra, il legno, il vetro, l’alluminio, la fusione del bronzo e del ferro e oggetti trovati: dalla plastica dei beni di consumo alla spazzatura. Le suo opere d’accumulo più datate presentano una comprensione tassonomica del mondo: Cragg afferma di vedere negli oggetti creati dall’uomo “chiavi fossilizzate di un tempo passato che è il nostro presente”. Allo stesso modo, le composizioni a pavimento o parete costituite da oggetti assemblati che inizia a comporre negli anni Ottanta, confondono il limite tra la creazione umana e il paesaggio naturale, creano un’impressione familiare nella quale ogni singolo elemento si relaziona al tutto.

Tony Cragg ha sempre nutrito, sin dagli anni giovanili, un interesse appassionato per le scienze e la Storia Naturale e da ragazzo ha lavorato come tecnico di laboratorio presso il National Rubber Producers Research Association (1966–68), un’esperienza che si ritrova nel suo vigoroso approccio alla materia. Cragg ha detto: “vedo intorno a materiali o oggetti bolle di informazioni” (1992), forma e significato sono interdipendenti, qualunque cambiamento apportato alla forma cambia la “bolla di informazioni” e vice versa; così, ogni mutazione nei materiali cambia senso e significato. L’artista concepisce la scultura come uno studio su come la materia e la forma materiale influenzino e diano sostanza alle nostre idee ed emozioni.

Tutto ciò è evidente nella maniera in cui ha lavorato e rielaborato due ampi corpi di opere chiamati Early Forms e Rational Beings. Early Forms esplora le possibilità di conferire scultoreamente nuove forme a oggetti comuni, come ad esempio i contenitori, creando inconsuete apparenze, dando vita a nuove reazioni emozionali, relazioni e significati. Rational Beings esamina i punti di contatto tra due descrizioni estetiche del mondo apparentemente diverse: le composizioni formali, basate sulla razionalità e la matematica, che vanno a costruire le più complesse forme organiche alle quali noi rispondiamo emotivamente; la figura umana, esempio perfetto di qualcosa che sembra assolutamente organico, in grado di scaturire reazioni emotive, mentre non è altro che una complessa combinazione di cellule, molecole, organi e processi chimici. La ricerca condotta dall’artista non imita la natura e quella che è la nostra apparenza, quanto piuttosto si interroga sul perché appariamo così come appariamo e siamo come siamo.

Tony Cragg è nato a Liverpool, Gran Bretagna, nel 1949 e dal 1977 ha vissuto e lavorato a Wuppertal, in Germania. Ha ottenuto il diploma presso il Wimbledon School of Art nel 1973 e una laurea al Royal College of Art nel 1977. Cragg è stato protagonista di importanti mostre personali, tra cui: CAFA Museum in Beijing (2012), the Scottish National Gallery, Edimburgo (2011), Tate Gallery Liverpool, UK (2000), Museo Nacional Centro de Arte, Reina Sofia, Madrid (1995), Stedelijk van Abbemuseum, Eindhoven (1991) e la Tate Gallery, Londra (1988). Ha rappresentato l’Inghilterra alla 53esima Biennale di Venezia del 1988 e nello stesso anno è stato insignito del Turner Prize della Tate Gallery di Londra. É stato docente presso l’Ecole Nationale Superieure des Beaux Arts di Parigi (1999-2009) e la Kunstakademie di Dusseldorf (dal 2009 a oggi). É stato investito della carica di CBE nel 2003, eletto Royal Academician nel 1994; nel 2007 riceve il Praemium Imperiale per la Scultura a Tokyo e viene premiato con la 1st Class Order of Merit della Repubblica Federale Tedesca nel 2012.

Informazioni pratiche

Orari Lun-Ven 10.00 – 13.00 | 15.00 – 18.00. Sabato su appuntamento Dove Via Zenale 3, 20123 Milano

Contatti +39 02 8905 0608, milan@lissongallery.com, www.lissongallery.com

Lottare oltre l'arte ...

Torno un attimo sulla annosa polemica dello sfruttamento degli operatori artistici, che siano artisti o curatori, critici o semplici manovali, con la nuova polemica al Moma sul contratto dei suoi impiegati che deve essere rinnovato, ora è in corso una campagna   #WeAreMoMA su Instagram dopo lo sciopero della settimana scorsa, come sempre una cosa gli ideali un'altra la realtà.

Eccovi alcuni scatti da https://instagram.com/momalocal2110/:

Il progetto STILER®

Il progetto STILER® nasce dalla voglia di fondere assieme, in un unico prodotto, artigianato ceramico di alta qualità, design e l’opera di affermati artisti invitati a realizzare un lavoro appositamente pensato per STILER®, in un perfetto connubio che brinda al MADE IN ITALY. L'arte trova un nuovo supporto – una piastrella in ceramica made in Albisola lavorata a mano dagli esperti ceramisti della cittadina ligure dove l'idea è nata – diventanto "accessibile" ad un pubblico sempre più ampio, che ricerca bellezza ed originalità, tanto all'esterno quanto nella propria casa.

STILER® in breve

La piastrella STILER® si contraddistingue per essere un prodotto MADE IN ITALY. La lavorazione della piastrella ceramica è infatti realizzata interamente a mano dagli artigiani ceramisti di Albisola (SV), città storica per la ceramica artigianale e per la ricerca artistica che si è sviluppata all’interno delle sue fabbriche. La piastrella STILER® è tirata, tagliata e rifinita interamente a mano dagli artigiani ceramisti, che lavorano la terra per la prima cottura a 980°C, smaltata in seconda cottura a 945°C e completata in terza cottura a 700°C, quando l’immagine dell’opera d’arte è fissata sulla superficie in maiolica in modo indelebile e stabile nel tempo. La sua lavorazione la rende utilizzabile anche per installazioni permanenti a muro (o a pavimento), sia in interno, sia in esterno. Il logo STILER® è impresso nella terra a crudo prima della prima cottura, caratterizzandone anche il retro con un segno distintivo di originalità. Ogni piastrella è accompagnata da un Certificato di Autenticità e Garanzia su cui è riprodotta l’opera e inseriti i dati di tiratura, il titolo dell’opera, il nome dell’artista autore e la sue firma riprodotta. Sul certificato è apposto un adesivo DOVID tamper evident con il logo STILER®. L’adesivo olografico autodistruggente garantisce l’autenticità della piastrella STILER® non potendosi rimuovere dal certificato.

La COLLEZIONE ARTE 2015

Per la prima collezione – la COLLEZIONE ARTE 2015 – ci siamo lasciati ispirare dagli artisti italiani più interessanti della scena contemporanea delle arti visive. 16 artisti sono stati chiamati a creare un lavoro, appositamente per la superficie di STILER®, che fosse identificativo della propria poetica: Silvia Argiolas, Gabriele Arruzzo, Elisa Bertaglia, Valentina Biasetti, Massimo Caccia, Arianna Carossa, Linda Carrara, Casagrande & Recalcati, Andrea Chiesi, Vanni Cuoghi, Marco Grassi, Julian T, Elena Monzo, Nero, Sergio Padovani, Elisa Rossi.

Vuoi entrare anche tu nel magico mondo di STILER®? 

Vai sul  sito: www.stiler.it 

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Steve Messam

below english

Ecco un artista, Steve Messam, che usa gli ambienti come opere, interagendovi con geniale fantasia e creatività

Con le sue installazioni site-specific, riguarda gli ambienti rurali o urbani, che includono cimeli storici e architetture, facendoci percepire l'ambiente familiare in un modo nuovo.

English

Steve Messam is an environmental artist based in the North of England. With his site-specific installations, he sets visual accents in rural or urban settings, which include historical relics and vacant architecture that make us perceive the familiar environment in a new way. He is also interested in space: the interaction of art and audience within confined and open spaces, the role of aesthetics and the physical experience. 

His works include Beached (2007), in which he filled a beach with thousands of sandcastles and paper flags; Landscape Bubble (2006), a redundant building in the North Pennines encapsulated within a transparent globe, Drop (2008) -  a giant reflective raindrop the size of a three-storey building in the Lake District and Clad (2009) - a traditional timber-framed cottage wrapped in the fleece of 300 local sheep in Newtown, Wales for Oriel Davies. He created the first off-site installation at the 2006 Shanghai Biennial and created a number of site specific installations across the Venetian Lagoon during the 2009 Venice Biennale. 

In 2002 he established ‘Fold’ - an arts organisation which aimed to provide and promote access to quality contemporary art in the rural environment. From its small gallery space in the sheep market town of Kirkby Stephen, Fold showed the work of hundreds of artists, both in the gallery space and in the wider landscape. In 2004 he created FRED - an annual art invasion across Cumbria - one of Europe’s largest annual festivals of site specific work. Between 2004 and 2008 over 300 artists produced new work in over 350 locations outside the gallery environment and was seen by hundreds of thousands of visitors.

As an artist Steve Messam has worked primarily outside the gallery environment for the past 18 years. He has a particular interest in the cultural reference points inherent in the work of artists living in rural communities and exploiting the assets of landscape, agriculture and community for challenging the preconceptions of contemporary rural arts practice.

Meditazioni sul cubismo

Un testo scritto da Guillaume Apollinaire tra il 1905 e il 1912 e pubblicato nel 1913, dedicato al cubismo.

Info http://obvil.paris-sorbonne.fr/corpus/apollinaire/meditations-esthetiques/

Open School East

Located in a former library and community centre in De Beauvoir Town, East London, Open School East is a unique space that brings together:

• A free study programme for emerging artists;
• A multifaceted programme of events and activities open to all.

Open School East was founded in 2013 in response to spiralling tuition fees and student debt, and a climate of increasing bureaucracy in arts education. It was instituted as a space for artistic learning and production that is experimental, versatile and highly collaborative.

Central to Open School East’s approach is a commitment to foster cultural, intellectual and social exchanges between artists and the broader public. We do this by opening our study programme outwards, responding to our locality and providing an informal environment for the sharing of knowledge and skills across various communities – artistic, local and otherwise.

Study Programme

Open School East is an innovative model of an artists’ study programme that engages socially and culturally with its local context.

We provide a unique environment for artist-led learning through:

• Shared studio provision;

• Tuition and mentorship from internationally renowned practitioners, theorists and curators;

• Support in the production of artistic projects.

The study programme is run according to principles of collaboration, experimentation and openness, and welcomes practitioners who engage with these notions in different ways.

We continually reinvent our approach, exploring new modes of engagement and forms of inhabitation on an annual basis.

Please note that applications for 2016 will open in August 2015.

How does the study programme function?   
         

Free to attend and non-accredited, the study programme runs across twelve months and is principally self-directed, creating platforms for the associate artists to develop their practice.

The associates come together two days a week (Thursdays and Fridays) to receive tuition, meet the mentors, work and collaborate on projects, and plan activities. Tuition is delivered through a combination of tutorials, group crits, presentations, workshops, seminars and excursions, some of which are open to the public. Term 1 and the mentorship programme are organised by the OSE team, while term 2 and 3 – as well as part of the public programme – are shaped by the associates around their practice and shared interests.

While at Open School East, the associates are required to develop a specific project or line of enquiry. Their research is advanced and shared with the public via open studios and events taking place at different times throughout the year.

Every year, medium- and large-scale participatory projects are organised by the OSE team in collaboration with artists, producers and local partners. These projects contribute to bridging the study and public programmes and constitute another part of the associates’ learning experience.

L'artista impaginato - Dialoghi intorno ai cataloghi d’arte

Che cos’è oggi un catalogo d’arte? Il prodotto editoriale di una mostra? Uno strumento di marketing? Uno studio analitico del lavoro di un artista? E che cos’è, invece, un libro d’artista? A questi interrogativi si propone di rispondere il ciclo d’incontri a ingresso libero organizzato dalla Biblioteca d’Arte della Fondazione Torino Musei.

Ciascun appuntamento affianca all’artista coinvolto il curatore del volume in oggetto, oppure un relatore esperto dell’artista stesso.

Il progetto è curato da Stefania Audisio, sotto la direzione di Riccardo Passoni, direttore della Biblioteca d’Arte della Fondazione Torino Musei e vicedirettore della GAM di Torino.

Primo appuntamento: mercoledì 3 giugno, ore 18.00

Daniele Galliano incontra Demetrio Paparoni e Francesco Poli

 La conversazione prende spunto dalla monografia Daniele Galliano. Paintings 1993-2014, a cura di Demetrio Paparoni, Milano, Skira, 2015, la più recente pubblicazione riferita all’artista torinese.

Daniele Galliano è nato a Pinerolo nel 1961. Autodidatta di formazione, vive e lavora a Torino.

Conquista un posto di rilievo all’interno della scena artistica italiana all’inizio degli anni '90, con il suo "realismo fotografico" e le sue immagini di luoghi e persone. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre collettive e personali in Italia e all'estero.

Nel 2006 ha partecipato alla 9a Biennale dell'Avana e nel 2009 alla 53a Biennale di Venezia (Padiglione Italia). Nel 2015 Skira Editore pubblica un volume monografico sul suo lavoro: DANIELE GALLIANO. Paintings 1993-2014, a cura di Demetrio Paparoni, che presenta una selezione di dipinti realizzati dall’artista dal 1993 ad oggi.

Demetrio Paparoni, nato a Siracusa nel 1954 e residente a Milano, è scrittore, critico d’arte e curatore. Dal 1983 al 2000 ha diretto la rivista d’arte contemporanea “Tema Celeste”. Nel 1993 ha curato “Abstracta” nel padiglione italiano della 45° Biennale di Venezia. Dal 1996 al 1998 ha insegnato Storia dell’Arte Contemporanea presso l’Università di Catania, dove dal 2003 al 2008 è stato inoltre titolare del corso di Storia dell’Arte Moderna. È autore di importanti monografie, ultima delle quali è Daniele Galliano. Paintings 1993-2014 (Skira, 2015). Tra i suoi libri si ricordano L'astrazione ridefinita (Tema Celeste, 1994), Il corpo parlante dell'arte e Il corpo vedente dell’arte (Castelvecchi, 1997), L'arte contemporanea e il suo metodo (Neri Pozza, 2005), Eretica (Skira, 2006) e Il bello, il buono e il cattivo (Ponte delle Grazie, 2014). Negli ultimi anni ha scritto testi per i cataloghi di rilevanti mostre antologiche dedicate in Italia ad Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, David LaChapelle, Roy Lichtenstein ed Edward Hopper.

Francesco Poli, nato a Torino nel 1949, è critico d’arte, scrittore e curatore. Laureato in Filosofia, è professore di Storia dell’Arte Contemporanea presso l’Accademia di Brera a Milano. Dal 1997 è docente a contratto di Scienze della Comunicazione all’Università di Torino e dal 1994 all’Università Paris 8. Tra le sue opere: Produzione artistica e mercato (Einaudi, 1975), Il Novecento (con L. Caramel, Fabbri, 1985), La Metafisica (Laterza, 1989), Dizionario di arte contemporanea (con M. Corgnati, Feltrinelli, 1994), Minimalismo, Arte Povera, Arte Concettuale (Laterza, 1995), Il sistema dell’arte contemporanea (Laterza, 1999), Dizionario dell’arte del Novecento (con M. Corgnati, Bruno Mondadori, 2001), Felice Casorati: catalogo generale (con G. Bertolino, U. Allemandi, 2004), Arte Moderna. 

Dal postimpressionismo all’informale (Electa, 2007), Arte Contemporanea. Dall’informale alle ricerche attuali (Arnoldo Mondadori, 2007) e Non ci capisco niente: arte contemporanea, istruzioni per l’uso (Electa, 2014). Ha curato numerose mostre in spazi pubblici e privati, con testi storico-critici nei cataloghi. Nel 1999 ha fatto parte della commissione inviti per la XIII Quadriennale di Roma e nel 2002 ha ricevuto l’incarico di curatore critico per la Biennale di Milano. Ha collaborato con il quotidiano “Il Manifesto” e con la rivista “Tema celeste” e collabora tuttora con “La Stampa”.

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 Prossimi incontri:

martedì 9 giugno, ore 18.00 | Salvo incontra Renato Barilli

Viene presentato per la prima volta a Torino il catalogo Salvo, a cura di Renato Barilli, Modena, Galleria Mazzoli 

Editore, 2015, che documenta le opere più recenti dell’artista.

martedì 16 giugno, ore 18.00 | Botto & Bruno incontrano Riccardo Passoni

Punto di partenza della discussione fra i due artisti torinesi e il direttore della Biblioteca d’Arte della Fondazione Torino Musei è il catalogo Botto & Bruno: low, Madrid, Istituto italiano de Cultura, (2012-13).

martedì 23 giugno, ore 18.00 | Stefano Arienti incontra Giovanni Ferrario

Arricchito dalla presenza dei lavori su carta di Arienti, il confronto nasce dal Libro d’artista La danza delle polveri, Mantova, Corraini, 2009, realizzato da Arienti insieme a Ferrario e dalla monografia di Ferrario Quasi, Mantova, Corraini, 2015.

martedì 30 giugno, ore 18.00 | Enrico T. De Paris incontra Gabriele Beccaria e Anthony Louis Marasco

Al centro del dialogo è il volume Enrico T. De Paris: on air [the future is an unmapped land], Torino, Allemandi, 2014, una selezione di appunti, testi, materiali documentari, fotografie, opere e disegni dell’artista.

martedì 7 luglio, ore 18.00 | Paolo Grassino incontra Alberto ZanchettaLa discussione si sviluppa intorno al catalogo della mostra delle opere di Grassino Magazzinoscuro, a cura di Alberto Zanchetta, allestita al MAC di Lissone dal 7 marzo al 24 maggio 2015.

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 Gli incontri si svolgono in Sala Uno GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea

Via Magenta 31 – Torino

Ingresso libero fino a esaurimento posti disponibili

6 porte

La Fondazione per l'Arte Contemporanea di New York apre un nuovo spazio con una mostra con sei opere, dal pratico titolo "6 doors"

Foundation for Contemporary Arts (FCA), a non-profit arts organization founded in 1963 by Jasper Johns and John Cage that provides grants to artists, announces “Six Doors” opening May 19, 2015. Curated by artist Rachel Foullon, “Six Doors” marks the inauguration of a new project space at FCA called the Other Room. This first exhibition will feature a single work by six artists: Trisha Donnelly, Andrea Longacre-White, Alex Robbins, Melanie Schiff, Marianne Vitale, and Mary Weatherford.

The Other Room is a 496-square-foot space located adjacent to the Foundation’s office, literally, the “other room.” In keeping with FCA’s mission to support artists, the artists on the Board will invite artists to organize exhibitions and events, resulting in programming that is truly artist-led. Conceived in a spirit of broadening the Foundation’s community, the Other Room is designed to offer curatorial and exhibition opportunities to artists. “Six Doors” presents six disparate artworks, none of which offer literal depictions of such architecture or passageways, but under this contextual “spell” may be interpreted as doors, whether open or closed, portals, or barriers. Trisha Donnelly’s Let’em (2005) is a newly minted digital print, wherein the conceptual rubric permits the curator to choose the dimensions. Andrea Longacre-White has created a site-specific work entitled Dark Corner (2015), a rectangle of black liquid latex and lubricant applied directly to the brick walls in one of the Other Room’s corners. Laid directly on the floor, Alex Robbins’ The New International Atlas (2010) is a hand-carved block of purpleheart wood, silkscreened and painted in a trompe l’oeil recreation of an actual worn and tattered reference book. In Shroud (2014), Melanie Schiff captures errant sunlight piercing through a piece of torn black cloth. Marianne Vitale’s Joint Fence (for Jasper) (2015) is a new, largescale sculpture composed of forged steel joint bars from railroad tracks mounted into heavyset wooden beams creating a fence that dramatically divides the gallery. In Midnight Union Ave. (2012), Mary Weatherford’s painting on linen evokes a dark and foreboding space illuminated by a stroke of neon light. 

For 52 years, FCA’s mission has been to encourage, sponsor, and promote innovative work in the arts created and presented by individuals, groups, and organizations. Its legacy continues today with unrestricted, by-nomination grants supporting pioneering work across the fields of dance, music/sound, performance art/theater, poetry, and the visual arts. In addition to vital financial assistance, grantees receive the inestimable encouragement that comes with recognition by their peers. A fund is also maintained to assist artists with emergencies and unexpected opportunities related to their work. More than 2,500 grants awarded to artists and arts organizations—totaling over $11 million—have provided opportunities for creative exploration and development.

The current Directors of the Foundation are: Brooke Alexander, Cecily Brown, Robert Gober, Anne Dias Griffin, Agnes Gund, Jasper Johns, Julian Lethbridge, Glenn Ligon, Kara Walker, and T.J. Wilcox.

“Six Doors” will be on view at the Foundation for Contemporary Arts, 820 Greenwich Street, New York, from Tuesday, May 19, 2015 through Friday, August 7, 2015. Hours: Monday through Friday, 10:00 AM to 6:00 PM. Opening reception: Tuesday, May 19, 6:00 PM – 8:00 PM. Special Saturday Hours: May 30 and June 13, 11:00 AM to 6:00 PM. The Foundation is closed May 25 and July 3.

Un museo ideale

Da Diversi anni l'associazione Acacia opera per una promozione e attenzione all'arte contemporanea, ora lo fa con un importante gesto con la donazione al Museo del Novecento di Milano della propria collezione di 21 opere di artisti italiani affermati a livello internazionale: Mario Airò, Rosa Barba, Gianni Caravaggio, Maurizio Cattelan, Lara Favaretto, Francesco Gennari, Sabrina Mezzaqui, Marzia Migliora, Adrian Paci, Paola Pivi, Grazia Toderi, Luca Trevisani, Tatiana Trouvé, Marcella Vanzo, Nico Vascellari, Francesco Vezzoli.

La donazione al Museo del Novecento costituisce, per questo motivo, un traguardo importante, affermando la volontà di una relazione sempre più stretta tra pubblico e privato, vocazione che da sempre connota la città di Milano e il suo rapporto con l’arte.

Sin dalla sua sua nascita, ACACIA ha, infatti, lavorato in stretta collaborazione con le Istituzioni per costituire un terreno comune tra la dimensione privata e la sfera pubblica, nell’ottica di facilitare la dimestichezza della cittadinanza con l’arte contemporanea, stimolando la curiosità attorno a questa espressione del nostro tempo.

Una missione sociale di cui la donazione rappresenta il compimento.

All’interno delle sale espositive, infatti, i lavori degli artisti  potranno confrontarsi con i maestri, inserendosi in modo armonico nel percorso museale.

Nell’ambito delle iniziative promosse dal Comune in occasione di Expo 2015, una prima selezione di lavori sarà presentata all’interno della mostra UN MUSEO IDEALE Ospiti d’eccezione nelle collezioni del Novecento. Dal Futurismo al Contemporaneo,  che è stata inaugurata il 14 maggio 2015.

Dal 2016 i lavori degli artisti saranno invece esposti a rotazione nella manica lunga del museo oltre a focus monografici dedicati, che permetteranno di contestualizzarne la ricerca.

“Il collezionista lungimirante è in grado di intuire e precedere lo spirito del tempo, diventando, nei casi più fortunati, compagno di strada dell’artista, suo protettore e mecenate. Potremmo definire l’attività di ACACIA mecenatismo collettivo: quello che accomuna tutti noi soci è lo spirito missionario con cui abbiamo sempre lavorato e sostenuto, anche a livello personale, la ricerca dei giovani artisti italiani. Proprio questa attitudine ci ha spinto a cercare costantemente un dialogo con le Istituzioni, il cui coronamento è rappresentato dalla donazione della nostra collezione alla città, in un museo simbolo per l’arte contemporanea”, dichiara Gemma De Angelis Testa, Presidente ACACIA.

Questo evento segna un grande risultato non solo per ACACIA, ma anche per l’arte italiana contemporanea degli ultimi dieci anni, di cui la collezione comprende illustri esempi che entrano a pieno titolo nel patrimonio del Museo, trasformandolo in un unicum nello scenario museale italiano.

Il Museo del Novecento, uno dei luoghi più riconosciuti e prestigiosi, custodirà dunque le opere di ACACIA e ne garantirà la fruizione e la valorizzazione.

ACACIA – Associazione Amici Arte Contemporanea Italiana è nata nel 2003 per volontà della sua Presidente Gemma De Angelis Testa ed oggi ne fanno parte circa un centinaio di soci, tra cui spiccano i nomi più significativi del collezionismo italiano. L’Associazione si è costituita con l’obiettivo di sostenere l’arte e gli artisti italiani e di promuovere la costituzione di un museo pubblico di arte contemporanea a Milano, attraverso un dialogo costante con le Istituzioni cittadine. Lo spirito di ACACIA è quello di evidenziare il ruolo del collezionista attivo, assumendosi la responsabilità di una coscienza pubblica, operando concretamente perchè l’arte contemporanea sia promossa, conservata e tutelata.

L’Associazione in questi anni si sta battendo non solo per ottenere un “contenitore” adeguato e propulsore dell’arte contemporanea italiana a Milano, ma anche per dotarlo di una collezione affiancata da prestiti e donazioni. ACACIA sin dalla sua costituzione, ha attivamente cooperato con diversi protagonisti della scena culturale nazionale e internazionale elaborando un ricco programma di attività culturali per il pubblico. L’Associazione propone e cura eventi culturali come workshop e conferenze, tra cui i fortunati cicli di incontri sull’arte contemporanea tenuti al PAC nel 2004, nel 2005 e l’ultima serie nel 2009 con l’intervento di importanti critici e curatori internazionali.

Credito fotografico Fabio Mantegna, Thomas Pagani

Alcuni scatti del 7 Giugno 2015