Torbjørn Rødland alla Fondazione Prada in Galleria

Torbjørn Rødland Pump, 2008-2010 Chromogenic print on Kodak Endura paper mounted on dibond 45 x 57 cm  Edition 3/3 + APPrivate Collection,Copenhagen  Torbjørn RødlandThe Geller Effect, 2014Chromogenic print on Kodak Endura paper mounted on aluminiumFramed 77.5 x 61.5 cmEdition 3/3Courtesy of the artist and Eva Presenhuber, Zürich / New York

La Fondazione Prada presenta la mostra “Torbjørn Rødland: The Touch That Made You” dal 5 aprile al 20 agosto 2018 negli spazi di Osservatorio, in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano. Concepito e presentato inizialmente da Serpentine Galleries a Londra, il progetto a cura di Hans Ulrich Obrist e Amira Gad riunisce una selezione di più di 40 opere fotografiche e 3 video realizzati tra il 1999 e il 2016 dall’artista norvegese Torbjørn Rødland. 

Come spiega Torbjørn Rødland, il titolo “The Touch That Made You” rimanda “ai processi analogici: il tocco della macchina fotografica, il tocco della luce che colpisce la pellicola, il tocco dei liquidi che scorrono sulla pellicola durante lo sviluppo. Ed è una cosa che collego alla complessità e all’intimità di alcuni soggetti - gli incontri tra due individui o tra oggetti e corpi”. L’artista lavora con la fotografia analogica creando delle messe in scena costruite e precise. Nel suo processo creativo convivono quindi una dimensione di controllo che esercita sulle persone e sugli oggetti all’interno del set e una componente di sorpresa e imprevedibilità, in quanto il risultato finale dei suoi sforzi è visibile solo quando l’immagine è sviluppata e stampata su carta fotografica.

Celebre per i suoi ritratti, le nature morte e i paesaggi, Rødland unisce alla chiarezza formale tipica dell’immagine commerciale uno sguardo personale e poetico, attraverso il quale trasforma parti anatomiche, oggetti quotidiani ed elementi naturali in feticci ambigui. I suoi lavori provocano nello spettatore una reazione ambivalente di repulsione e attrazione, intimità ed estraneità rispetto ai soggetti ritratti. Rødland sviluppa le sue immagini isolando o producendo dei conflitti visivi: contrasti tra materiali, come in Frost no. 4 (2001) o The Geller Effect (2014); tra condizioni fisiche come in Pump (2008-2010) o Candles and Cubes (2016); tra aspetti esteriori di due soggetti ritratti, come in Midlife Dilemma (2015) o Comb Over (2015-2016).

Nei lavori di Torbjørn Rødland si può individuare una forte componente di autoriflessione. Le sue nature morte e i ritratti, in particolare, sfidano le convenzioni stilistiche di questi due generi attraverso invenzioni visive che integrano elementi magici, surreali e soggettivi. Come spiega l’artista: “si potrebbero interpretare i miei ritratti coperti da parole o vernice – quali Hands and Eyes. Portrait no.1 (2008-2010) – come una violazione dell’individuo, ma io li considero una sfida alla tradizione della ritrattistica. Voglio fare ritratti che rimandino a qualcosa che va oltre l’individuo e quindi sono attirato dalle persone che penso mi possano aiutare a ottenere questo risultato”.

Nei due livelli di Osservatorio i lavori fotografici sono esposti su strutture di legno caratterizzate da superfici monocrome e lisce, all’interno, e da pareti grezze e non finite, all’esterno. Nella piccola sala di proiezione che conclude il percorso espositivo sono presentati in successione tre video girati da Rødland nel decennio scorso: The Exorcism of Mother Teresa (2004), Heart All This & Dogg (2004) e I Am Linkola (2007). Se la prima opera si basa su una sceneggiatura dettagliata, gli altri lavori filmici sono stati per l’artista un mezzo per approfondire le possibilità creative offerte dall’improvvisazione.

Questo progetto è stato concepito e presentato per la prima volta da Serpentine Galleries a Londra (29 settembre – 19 novembre 2017).

Autunno alla Serpentine

Mentre sta per chiudersi il Pavilion estivo la Serpentine inaugura due nuove mostre una declinata nella inquietudine dell'artista norvegese Torbjørn Rødland mentre negli spazi più storici c'è l'opera di Wade Guyton, sicuramente più estetica. 

Torbjørn Rødland (born 1970, Stavanger, Norway) is a Los Angeles-based photographer who creates portraits, still lifes and landscapes, which simultaneously inhabit, defamiliarise and disrupt the realm of the everyday.

Depicting situations that can appear overly familiar, Rødland’s photographs reveal an underlying lyricism and poetic language that result from the artist’s reconfiguration of the diverse material and media that surround us.

At first glance, Rødland’s work often inhabits the aesthetic space of commercial photography due to a formal clarity and, at times, fetishistic approach to subjects, objects and materials. Recurring tropes within his images include produce such as oranges, bananas, cakes and octopus tentacles, and close-ups of body parts and related accessories. Knees, feet and torsos partner with pads, socks and tattoos, while viscous substances, such as honey and paint, coat, ooze and drip over his subjects. 

Rødland’s approach to image-making – using analogue photography in mostly staged scenarios – draws attention to the constructed nature of the image, while leaving open the potential for unexpected outcomes. That his images hold the viewer’s gaze is not only the result of a certain pleasure in the act of looking, but also the indirect, uncertain nature of their messages. As the artist states, his photographs aim to ‘keep you in the process of looking’. 

The Touch That Made You at the Serpentine Sackler Gallery – Rødland’s first exhibition in the UK – brings together a diverse selection of works from the past two decades, which demonstrate the breadth of subjects captured and scenarios created by the artist. It also includes Rødland’s film, 132 BPM (2005), animating subjects with the continuous, metronomic beats of dance music. The exhibition title refers to the physical and immaterial aspects of his images, from the rays of light and liquid touches that gradually reveal an image in the darkroom to the framing and staging enacted through the lens.

American artist Wade Guyton uses digital technologies – iPhones, cameras, computers and consumer-grade Epson printers – as tools to create both large-scale paintings on linen and smaller compositions on paper.

Guyton is interested in the translations that take place between these tools, transforming three-dimensional space into digital information that is subsequently reproduced on surfaces and in space.

This new exhibition at the Serpentine Gallery, entitled Das New Yorker Atelier, Abridged, presents a body of work completed in the past two years. Guyton’s choice of title bears witness to the site of both the first installation of the work, in Germany, and its place of production in downtown Manhattan. It also references Guyton’s encounter with the painting Das Pariser Atelier (1807) by the Swiss artist Hans Jakob Oeri. The studio’s potential, not just as a locus for discussion and production, but as a material in and of itself, is echoed throughout this exhibition.

Guyton’s paintings are printed on to sheets of linen that are folded in half and run, sometimes repeatedly, through large inkjet printers. Inconsistencies surface on the canvas, caused by diminishing levels of ink toner or technical glitches, distorting and disrupting the image, while intentional ‘errors’, such as streaks, creases and misalignments, occur as the fabric feeds – or is pulled – through the machine. Guyton’s works on paper are printed over pages removed from art catalogues, with the artist’s additions obscuring or revealing the original images and text. 

Das New Yorker Atelier, Abridged has evolved from an exhibition first shown at Munich’s Museum Brandhorst earlier this year. The works focus on three different kinds of image production: photographs taken of the artist’s studio on his camera phone, screenshots of web pages captured on the artist’s computer, and details of bitmap files. Together these track Guyton’s working environment, affirming the ‘potential to use anything as subject matter’. The Serpentine’s relationship to Guyton stretches back to the 2006 group exhibition, Uncertain States of America, when he exhibited with Kelley Walker.