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Visualizzazione post con etichetta Met. Mostra tutti i post
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16/05/25

Sargent a Parigi

Vedute della mostra Sargent and Paris, The Metropolitan Museum of Art. Foto di Hyla Skopitz,  courtesy of The Met.

 Il fascino e l'eleganza della Bella Epoque torna in questi giorni nella suggestiva mostra che il Metropolitan Museum of Art di New York dedica al periodo parigino di John Singer Sargent. Celebre e geniale ritrattista che nella sua produzione ci offre uno studio dell'immagine umane con intense pennellate cariche di sensualità e bellezza. 

Lavorando con le dinamiche della figura in cui il movimento sembra fermato in un istante e soprattutto del colore, sempre pastoso e chiaroscurale, in modo da enfatizzare la presenza del personaggio.

La mostra  "Sargent and Paris" aperta da pochi giorni e visibile fino al 3 agosto, sapientemente allestita, ci racconta di questi dieci anni che l'artista, nato in italia, ha trascorso nella ville lumiere, arrivando come giovane pittore, a 18 anni, nel 1874, per diventare nel breve tempo celebre e richiestissimo ritrattista della mondanità della capitale francese. 


Vedute della mostra Sargent and Paris, The Metropolitan Museum of Art. Foto di Hyla Skopitz,  courtesy of The Met.

Per la mostra sono arrivati celebri opere come lo scandaloso, per l'epoca, quadro noto Madame X, il ritratto a figura intera di Virginie Amélie Avegno Gautreau, con diversi studi e disegni preparatori, ma anche opere meno note ma di grande qualità come il ritratto enfatico della Vicomtesse de Poilloüe de Saint-Périer (Marie Jeanne de Kergolay) o il sensuale ritratto del Dr.Pozzi a Casa.

All'interno del vasto percorso sono proposte anche alcune opere e studi realizzati durante alcuni suoi viaggi in Italia, Africa e in Spagna.


Vedute della mostra Sargent and Paris, The Metropolitan Museum of Art. Foto di Hyla Skopitz,  courtesy of The Met.

12/05/25

Ensemble di Jennie C. Jones sul Roof Garden del Met

 
:Jennie C. Jones (born 1968, Cincinnati, Ohio)Installation view of The Roof Garden Commission: Jennie C. Jones, Ensemble, 2025
Image credit: The Metropolitan Museum of Art, Photo by Hyla Skopitz

Da alcuni giorni sulla terrazza del Met è presente l'installazione dinamica di Jennie C. Jones per la Roof Garden Commission del 2025 .

 La nuova Roof Garden Commission del Metropolitan Museum of Art è in mostra che è iniziata il 15 aprile e durerà  fino al 19 ottobre 2025, quest'anno presenta un'opera dinamica dell'artista Jennie C. Jones (nata nel 1968 a Cincinnati, Ohio). 

Intitolata Ensemble, l'installazione site-responsive è composta da tre grandi forme scultoree basate su strumenti a corda: una cetra trapezoidale, un'arpa eolica e una corda doppia e pendente, racchiuse su due lati da un pezzo da pavimento che funge sia da "direttore d'orchestra" dell'ensemble sia da marcatore di confine della superficie simile a un palco su cui si trova. Ricca di potenziale sonoro, Le sculture siedono silenziosamente al loro posto, in attesa di essere ascoltate. 

La Commissione per il Giardino Pensile: Jennie C. Jones, Ensemble è la dodicesima di una serie di commissioni per lo spazio esterno. 


:Jennie C. Jones (born 1968, Cincinnati, Ohio)Installation view of The Roof Garden Commission: Jennie C. Jones, Ensemble, 2025
Image credit: The Metropolitan Museum of Art, Photo by Hyla Skopitz

La mostra è supportata da Bloomberg Philanthropies. Ulteriore supporto è fornito da Cynthia Hazen Polsky e Leon B. Polsky, e Melony e Adam Lewis. "Siamo entusiasti che Jennie C. Jones abbia portato la sua visione artistica unica nell'iconico giardino pensile del Met", ha dichiarato Max Hollein, Direttore e Amministratore Delegato del Museo, Marina Kellen French. "Sollevata ben al di sopra dei suoni e dei ritmi di New York City, la sua innovativa installazione combina perfettamente forma, colore, linea e acustica, sfidando i visitatori a interagire con la scultura in modi nuovi e inaspettati". 

David Breslin, Curatore Responsabile per l'Arte Moderna e Contemporanea di Leonard A. Lauder, ha aggiunto: "La fedeltà di Jennie C. Jones all'astrazione invita i suoi spettatori a prestare attenzione ai percorsi più silenziosi dove risiedono significati profondi. Combinando le esperienze sensoriali dell'arte visiva e del suono, Jones è una delle voci più profonde e coinvolgenti dell'arte contemporanea. 

Per Ensemble, Jones ha tratto ispirazione dalla location del Roof Garden e dal Met stesso. Le superfici in alluminio verniciato a polvere delle sculture, caratterizzate da una tavolozza di colori intensi con tocchi di rosso vivo lungo i bordi o nelle buche armoniche, sono giustapposte a blocchi di cemento che ricordano il travertino, un materiale presente nella Great Hall del Museo e in tutti i suoi edifici. La meccanica delle sculture, dagli angoli delle corde alla posizione delle corde uning hardware, sono stati parzialmente informati dalle osservazioni degli strumenti a corda nelle gallerie di strumenti musicali del Met. Per la forma basata liberamente sulla cetra, in genere uno strumento piatto con corde pari alla lunghezza della tavola armonica, Jones ha creato un trapezio reclinato con una superficie inclinata, un centro cavo e corde che rivestono il retro. 

La scultura è formalmente basata sulla forma di un assorbitore acustico utilizzato in una delle sue opere precedenti, Bass Trapswi FalseTones (2013). L'arpa eolica dell'artista trae spunto da una precedente opera di scultura all'aperto, These(Mournful)Shores (2020), uno strumento concepito per il Clark Art Institute di Williamstown, Massachusetts, e integrato nell'architettura del museo. 


:Jennie C. Jones (born 1968, Cincinnati, Ohio)Installation view of The Roof Garden Commission: Jennie C. Jones, Ensemble, 2025
Image credit: The Metropolitan Museum of Art, Photo by Hyla Skopitz

Pensate per essere suonate dal vento, le arpe eoliche sono senza tasti e non richiedono esecutori. L'arpa eolica indipendente e ingrandita di Jones appare monumentale nella forma, ma richiede un conteggio ravvicinato da ascoltare. Per la terza scultura, modellata sulla corda singola, Jones si è ispirata ai musicisti nati nel Mississippi Moses Williams e Louis Dotson, che hanno eseguito uno stile unico di musica blues sullo strumento, che è tipicamente costruito con materiali umili. Williams e Dotson hanno appoggiato lo strumento in posizione verticale contro un muro o un albero; Jones rende omaggio a questi due musicisti ripetendo la soundbar inclinata nella sua interpretazione della corda singola. 

Questo progetto è l'ultimo di una serie di commissioni contemporanee del Met in cui il museo invita gli artisti a creare nuove opere d'arte, stabilendo un dialogo tra la pratica dell'artista, la collezione del Met, il museo fisico e il pubblico del Met. Si tratta dell'ultima commissione per il Roof Garden prima della chiusura temporanea dello spazio in preparazione della costruzione dell'Oscar L. Tang e H.M. Ala Agnes Hsu-Tang, la nuova sede del Met per la sua collezione di arte moderna e contemporanea. La serie riprenderà dopo la riapertura prevista per il 2030 dell'ala ristrutturata, che ospiterà un Cantor Roof Garden ampliato al quarto piano.

03/10/24

Lee Bul al Met

 Lee Bul (South Korean, born 1964) Installation view of The Genesis Facade Commission: Lee Bul, Long Tail Halo , 2024 Courtesy the artist Image credit: The Metropolitan Museum of Art, Photo by Eugenia Burnett Tinsley

Anche quest'anno il Met ospita nelle nicche della sua facciata un intervento temporaneo di un importante artista internazionale. 

Quest'anno è l'acclamato artista sudcoreano Lee Bul (nato nel 1964 a Yeongju; residente a Seoul) che ha trasformato le iconiche nicchie della facciata del museo sulla Fifth Avenue con una serie di quattro nuove opere che sfidano ciò che le sculture possono rivelare sui nostri tempi. 

Rispondendo alla facciata come sito per statue, le imponenti sculture di Lee sono allo stesso tempo classiche e contemporanee, imminenti e sfuggenti. Questa ambiguità accattivante, espressa attraverso archetipi corporei, meccanici e architettonici amalgamati e ricordi personali e collettivi, esplora come la storia possa essere ammirata e destabilizzata.

Visibili fino al 27 maggio 2025, The Genesis Facade Commission: Lee Bul, Long Tail Halo segna il primo grande progetto di Lee negli Stati Uniti in oltre 20 anni.

La mostra è presentata da Genesis. Ulteriore supporto è fornito dalla Korea Foundation, Janice Lee e Joseph Bae, Cynthia Hazen Polsky e Leon B. Polsky, il Director's Fund, la Kahng Foundation, Miyoung Lee e Neil Simpkins, Helen Lee-Warren e David Warren, e Jerry Speyer e Katherine Farley.


Lee Bul (South Korean, born 1964) Installation view of The Genesis Facade Commission: Lee Bul, Long Tail Halo , 2024 Courtesy the artist Image credit: The Metropolitan Museum of Art, Photo by Eugenia Burnett Tinsley

"Le straordinarie sculture di Lee Bul esplorano le complessità della condizione umana attraverso potenti forme ibride che attingono dal passato mentre parlano alle speranze e alle ansie del presente sul futuro", ha affermato Max Hollein, Marina Kellen French Director e Chief Executive Officer del Met. "Questa serie di commissioni invita gli artisti a impegnarsi, trasformare e persino sfidare l'iconica facciata della Fifth Avenue del Met, e siamo tremendamente entusiasti di vedere ora svelate le opere di Lee".

Lee Bul ha affermato: "Spero che si crei una connessione e una risonanza personali tra il pubblico, l'opera d'arte e l'architettura".

"Lee Bul porta il suo linguaggio visivo distintivo nelle nicchie della facciata e ci provoca con le sue figure eleganti ma inquietanti", ha affermato Lesley Ma, Ming Chu Hsu e Daniel Xu Curatrice del Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea del Met e curatrice del progetto. "Long Tail Halo anima la facciata e innesca strati di associazioni che ci faranno riflettere sul ruolo della scultura nella cultura contemporanea".







Lee Bul (South Korean, born 1964) Installation view of The Genesis Facade Commission: Lee Bul, Long Tail Halo , 2024 Courtesy the artist Image credit: The Metropolitan Museum of Art, Photo by Eugenia Burnett Tinsley

09/09/24

Siena a New York




A New York l'autunno di riveste dei meravigliosi colori della pittura senese del 1300 con la grande mostra che il Metropolitan Museum of Art organizza dal 13 Ottobre al 26 Gennaio 2025.
Un grande progetto che vede la collaborazione della National Gallery di Londra che proporrà poi la mostra nella primavera del 2025, dall'8 Marzo al 22 Giugno.


CS
Il Metropolitan Museum of Art annuncia la prima grande mostra americana sull'arte senese del Trecento

Con oltre cento dipinti, sculture, oreficerie, tessuti, Siena: La grande stagione della pittura, 1300–1350 ospiterà opere di alcuni fra i principali pittori italiani del XIV secolo

 Il prossimo autunno, il Metropolitan Museum of Art inaugurerà negli Stati Uniti la prima grande mostra mai dedicata alla pittura senese del Trecento. Siena: La grande stagione della pittura, 1300–1350 (Siena: The Rise of Painting, 1300-1350) approfondirà un momento straordinario agli albori del Rinascimento italiano e il ruolo cardine svolto da artisti senesi come Duccio, Pietro e Ambrogio Lorenzetti e Simone Martini nella definizione della pittura occidentale. Nei decenni precedenti la catastrofica epidemia di peste attorno al 1350, Siena fu teatro di straordinarie innovazioni e attività artistiche. Per quanto spetti solitamente a Firenze la designazione di centro principale del Rinascimento, questa presentazione offrirà una rilettura dell'importanza di Siena, dalla profonda influenza di Duccio su una nuova generazione di pittori allo sviluppo di pale d'altare narrative, alla diffusione di stili artistici fuori dai confini italiani. Appuntamento dal 13 ottobre 2024 al 26 gennaio 2025.
La mostra è stata finanziata in parte da Laura e John Arnold, da una donazione in memoria di Regina Jaglom Wachter, dalla Richard and Natalie Jacoff Foundation, Inc., da Trevor e Alexis Traina e dalla Malcolm Hewitt Wiener Foundation.

La mostra è stata organizzata dal Metropolitan Museum of Art e dalla National Gallery di Londra.

"Siena ha rappresentato un autentico epicentro di innovazione e ambizione artistica nei secoli XIV e XV. Il contributo allo sviluppo dell'arte europea e della pittura non può assolutamente essere sottovalutato - ha dichiarato Max Hollein, direttore 'Marina Kellen French' e amministratore delegato del Met, che ha così proseguito - Questa mostra monumentale riunirà il più importante gruppo di dipinti senesi delle origini mai esposti assieme al di fuori di Siena, offrendo un'occasione irripetibile per esplorare l'influenza di questo straordinario centro artistico".

Stephan Wolohojian, curatore 'John Pope-Hennessy' responsabile dei Dipinti europei (European Paintings) del Met, ha osservato: "Il peculiare linguaggio artistico di Duccio, dei fratelli Lorenzetti, di Simone Martini e dei loro contemporanei ha ribaltato completamente il corso della pittura europea. Prendendo in esame l'audace lavoro di questi artisti senesi riusciamo a tracciare la germinazione di molte delle idee basilari di artisti che hanno operato in Italia nei secoli successivi".
Attingendo alle splendide collezioni del Met e della National Gallery di Londra, oltre che a rari prestiti di decine di enti internazionali, la mostra esporrà più di cento opere di un prestigioso gruppo di artisti senesi. Ospiterà dipinti accanto a sculture, oggetti di oreficeria e tessuti, che spaziano da opere di grandi dimensioni realizzate per essere esposte al pubblico a oggetti intimi pensati per la devozione privata. Tra i capolavori più importanti ricordiamo la Madonna Stoclet di Duccio, l'Annunciazione di Ambrogio Lorenzetti e riunificazioni storiche di fondamentali complessi pittorici, come la predella posteriore della Maestà di Duccio e il Polittico Orsini di Simone Martini. Per quanto nessuno di questi pittori sia sopravvissuto alla peste degli anni attorno al 1350, le loro opere hanno avuto conseguenze incommensurabili su pittori e teorici dei secoli successivi.

Siena: La grade stagione della pittura, 1300–1350 è curata da Stephan Wolohojian, curatore 'John Pope-Hennessy' responsabile dei Dipinti europei al Met; Laura Llewellyn, curatrice dei Dipinti italiani ante 1500 (Italian Paintings before 1500) alla National Gallery di Londra e Caroline Campbell, direttrice della National Gallery of Ireland, in collaborazione con Joanna Cannon, docente presso il Courtauld Institute of Art.

Dopo il debutto al Met, la mostra sarà esposta alla National Gallery di Londra dall'8 marzo al 22 giugno 2025.

Il Met ospiterà numerosi programmi educativi e pubblici legati alla mostra, che verranno annunciati in un secondo momento.

La mostra sarà corredata da un ricco catalogo illustrato, acquistabile presso il Met Store.

La mostra è visibile sul sito web del Met e sui social media con l'hashtag #MetSiena

20/05/24

Abetare al Met con Petrit Halilaj

 


E' tornato l'attesissima progetto del Roof Garden Commission del Met, che quest'anno vede la partecipazione dell'artista kosovaro Petrit Halilaj (nato nel 1986, Kostërc, ex Jugoslavia), l'intervento è visibile fino al 27 ottobre 2024. 

Per la sua prima grande installazione all'aperto, Halilaj ha trasformato l'Iris and B del Museo. Gerald Cantor Roof Garden con un lavoro tentacolare che esplora l'intersezione tra realtà e fantasia attraverso il ricco mondo dei disegni dei bambini. Le sculture in metallo dell’installazione si ispirano agli scarabocchi, ai disegni e agli scarabocchi dei bambini trovati sui banchi della scuola che ha frequentato a Runik, in Kosovo, così come nelle scuole in Albania e nei paesi dell’ex Jugoslavia, che stanno ora attraversando un significativo cambiamento culturale e sociopolitico. 

L'incarico per il Roof Garden: Petrit Halilaj, Abetare è l'undicesimo di una serie di incarichi site-specific per lo spazio esterno.

La mostra è supportata da Bloomberg Philanthropies.

Ulteriore supporto è fornito dal Diane W. e James E. Burke Fund, Cynthia Hazen Polsky e Leon B. Polsky e dalla Edward John & Patricia Rosenwald Foundation.

"Il Met è entusiasta di svelare l'intervento di Petrit Halilaj per l'Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden e di condividere la conversazione profondamente significativa che invita tra il lavoro dell'artista, il Museo, lo skyline di Manhattan e oltre", ha affermato Max Hollein, The Met's Marina Kellen Direttore e Amministratore Delegato francese. “Il lavoro stimolante e multistrato di Petrit Halilaj – che è profondamente radicato nella storia e nella patria dell’artista e nel suo pensiero lungimirante e di portata internazionale – riformula con forza il ruolo complesso dell’immaginazione infantile nella rivisitazione degli eventi della storia”.




"Gli scarabocchi casuali degli scolari fatti sui banchi in momenti di noia o distrazione rivelano le fantasie e i sogni delle loro menti", ha detto Halilaj. “Ho iniziato a esplorare questo aspetto nella mia pratica nel 2015, e da allora è stato importante per me estendere i sogni della mia scuola in Kosovo all’Europa, una parte del mondo da cui il mio Paese era ancora isolato. Ora, nel 2024, numerosi banchi e scarabocchi provenienti dalle scuole dei Balcani vengono esposti in un nuovo contesto e in un nuovo continente. Il mio lavoro qui al Met è dedicato a tutti i bambini le cui vite sono state interrotte e profondamente segnate dalle guerre in tutto il mondo. Spero che i loro sogni ci portino verso un futuro migliore”.

Halilaj è noto per installazioni immersive che esprimono il desiderio di alterare il corso delle storie personali e collettive, creando mondi artistici complessi che rivendicano spazio per libertà, intimità e identità. Per la commissione del Met, disegni furtivi provenienti dai banchi dei bambini sono stati ingranditi in sculture metalliche tridimensionali, ognuna delle quali conserva la traccia del disegno originale. Insieme, portano alla luce del pubblico la memoria collettiva e il potere immaginativo di generazioni di studenti le cui vite sono state segnate da conflitti traumatici e divisioni territoriali. Negli anni ’90 il Kosovo ha vissuto l’ultima di una serie di guerre nella regione dei Balcani, durante i quali a molti bambini è stato negato l’accesso all’istruzione per motivi ideologici. Abetare prende in prestito il titolo dal libro utilizzato dall'artista e dai suoi coetanei per imparare l'alfabeto a scuola, in cui ogni lettera è collegata a una lezione di immagini e testo.

La commissione condivide il DNA concettuale con il suo precedente corpus di lavori, il progetto Abetare del 2015 avviato al Kölnischer Kunstverein, incentrato esclusivamente sulla ricerca di Halilaj in Kosovo. Qui, aprendo il suo progetto a esperienze che vanno oltre la sua storia geografica, nazionale ed etnica – attraverso la regione dei Balcani – complica categorie binarie e puramente opposte che mettono una nazione contro una nazione, o qualsiasi ideologia contro un’altra, inclusi “Est” e “Occidente”: nessuno dei quali potrà mai rappresentare pienamente l’esperienza dell’individuo. Abetare al Met crea una rete tra queste nazioni ed esperienze attraverso simboli e linguaggio, proprio come la scultura più grande dell’installazione, Spider, potrebbe tessere una rete che collega queste esperienze condivise con la città, il Museo e il mondo.

In Abetare, riferimenti culturalmente specifici a diverse ideologie politiche, religioni ed eroi locali convivono con simboli più universali e accenni giocosi alla cultura pop, alla storia dell’arte e allo sport. Distribuiti attorno al The Iris e al B. Gerald Cantor Roof Garden, i “disegni nello spazio” si fondono con l’architettura e il paesaggio circostanti per creare una scenografia multivocale con una narrazione aperta. Celebrazione dell’impulso condiviso per l’espressione personale e per lasciare un segno, Abetare è un’opportunità di scoperta e un invito ad espandere la nostra capacità di immaginare futuri trasformativi.

Informazioni sull'artista 

Petrit Halilaj è un artista kosovaro nato nel 1986 che ha sopportato la guerra nella regione dei Balcani negli anni '90. Dopo un periodo formativo in Italia, dove ha studiato arte all'Accademia di Brera a Milano, si è trasferito a Berlino nel 2008, dove tuttora vive e ha il suo studio. I suoi progetti comprendono una varietà di media, tra cui scultura, disegno, poesia e performance. Spesso incorporando storie materiali della sua terra natale e manifestandosi come ambiziose installazioni spaziali, il suo lavoro distilla relazioni personali, ricordi ed esperienze in proposte scultoree. 

Il lavoro di Halilaj ha costantemente ottenuto riconoscimenti internazionali negli ultimi anni, con importanti mostre tenutesi presso TBA21-Academy’s Ocean Space, Venezia (2023); Tate St Ives (2021); Museo Reina Sofia, Madrid (2020); Centro Paul Klee, Berna (2018); Fondazione Merz, Torino (2018), New Museum, New York (2017); Hangar Bicocca, Milano (2015); Kölnischer Kunstverein, Colonia (2015); e Bundeskunsthalle, Bonn (2015). Nel 2013 ha rappresentato il suo paese nel primo padiglione del Kosovo alla Biennale di Venezia. Nel 2022 ha partecipato a Manifesta 14, tenutasi a Pristina, in Kosovo. Nel novembre 2023, una retrospettiva del suo lavoro è stata inaugurata al Museo Tamayo, Città del Messico. 

La commissione Roof Garden: Petrit Halilaj, Abetare è concepita dall’artista in collaborazione con Iria Candela, curatrice di arte latinoamericana Estrellita B. Brodsky del Met presso il Dipartimento di arte moderna e contemporanea. 

La mostra è accompagnata da una pubblicazione che include un'intervista tra Halilaj e Candela e un saggio di David Breslin, Leonard A. Lauder Curatore Responsabile del Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea del Met. La pubblicazione sarà disponibile per l'acquisto presso The Met Store. Il catalogo è reso possibile dal Fondo di dotazione della Mary and Louis S. Myers Foundation. 

I programmi educativi correlati verranno pubblicati sul sito web del Met non appena saranno disponibili. La serie Roof Garden Commission è stata fondata nel 2013 dal Dipartimento di arte moderna e contemporanea del Met. La serie di commissioni site-specific su The Iris e B. Gerald Cantor Roof Garden ha presentato lavori di Imran Qureshi (2013), Dan Graham (2014), Pierre Huyghe (2015), Cornelia Parker (2016), Adrián Villar Rojas (2017 ), Huma Bhabha (2018), Alicja Kwade (2019), Héctor Zamora (2020), Alex Da Corte (2021) e Lauren Halsey (2023). La Commissione Roof Garden: Petrit Halilaj, Abetare sarà presente sul sito web del Met, nonché su Facebook, Instagram e Twitter tramite l'hashtag #CantorRoof e #MetPetritHalilaj.


Tutte le immagini PetritHalilaj (bornKosovo,1986)   Installation  view of The Roof Garden Commission: PetritHalilaj, Abetare, 2024 Courtesy of  the artist; Chert Lüdde ,Berlin ;  kurimanzutto, Mexico City / New York ; Mennour, Paris. Image credit : The Metropolitan Museum of Art, Photo by HylaSkopitz

06/02/22

Charles Ray al Met di New York con " Figure Ground"

 


Il Met di New York ha in corso la mostra "Charles Ray: Figure Ground" che  presenta il lavoro di uno dei più importanti artisti della fine del XX e dell'inizio del XXI secolo. Una selezione di 19 opere che raccontano  i cinque decenni in cui ha sperimentato un'ampia gamma di metodi, tra cui performance, fotografia e scultura, il mezzo per il quale è oggi più riconosciuto. 


CS

Charles Ray: Figure Ground presents the work of one of the most important artists of the late twentieth and early twenty-first centuries. For over five decades, Ray (born Chicago, 1953) has experimented with a wide range of methods, including performance, photography, and sculpture, the medium for which he is best recognized today. In the process, he has utilized a variety of materials, expanded the fundamental terms of sculptural language, and pioneered major advances in production, combining the analog and the digital as well as human and robotic hands. Additionally, Ray’s work addresses in elliptical, often irreverent ways not only art history, popular culture, and mass media but also identity, mortality, race, and gender.

This exhibition unites sculptures from every period of Ray’s career with key photographs from the 1970s and 1980s, exploring central aspects of his challenging and sometimes provocative oeuvre. It also brings together for the first time all the works that Ray loosely patterned on Mark Twain’s 1885 novel Adventures of Huckleberry Finn. Located at The Met, whose collection the artist has studied closely for many years, Charles Ray: Figure Ground features a suite of judiciously placed works whose arrangement in space forges subtle connections between objects and viewers. Similar to a scholar’s stone, which is meant to facilitate and prolong thoughtful contemplation, Ray’s sculpture poses many trenchant questions but answers none directly.


05/05/21

Gerald Cantor al Roof Garden del Met di New York





Fra poesia e infanzia l'intervento di Alex Da Corte,  As Long as the Sun Lasts, titolo ispirato ad un testo di Italo Calvino, per il Roof Garden del  Metropolitan Museum of Art.



CS

Alex Da Corte (American, born 1980) has been commissioned to create a site-specific installation for The Met’s Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden. The Roof Garden Commission: Alex Da Corte, As Long as the Sun Lasts will be on view from April 16 through October 31, 2021. It is the ninth in a series of site-specific commissions for the outdoor space.

Alex Da Corte was born in Camden, New Jersey, and lives and works in Philadelphia. After training as an animator at the School of Visual Arts in New York City, he received a BFA in Printmaking/Fine Arts from the University of the Arts in Philadelphia and an MFA from Yale University. Working across a range of media including film, performance, painting, installation, and sculpture, Da Corte’s practice is invested in deconstructing and reinventing those objects and cultural icons that are not only familiar and beloved, but also contested. His work was included in the 2019 Venice Biennale and the 2018 Carnegie International in Pittsburgh. Museums that have mounted solo exhibitions include the Prada Rong Zhai (2020), Kölnischer Kunstverein in Cologne (2018), Secession in Vienna (2017), MASS MoCA in North Adams, Massachusetts (2016), and the Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam (2015). In March 2020, Da Corte reinvented Allan Kaprow’s performance Chicken (1962) as part of Invisible City: Philadelphia and the Vernacular Avant-Garde.

#CantorRoof


 



20/02/20

Héctor Zamora e Carol Bove prossimamente al Met



Doppio annuncio al Met con la presentazione dell'artista che opererà sul Cantor Roof Garden e la facciata

Sarà Héctor Zamora ha creare un'opera site specific per l'Iris e il B. Gerald Cantor Roof Garden mentre sarà Carol Bove a ideare nuove sculture per The Met Fifth Avenue Facade


CS

The Metropolitan Museum of Art announced two upcoming commissions at The Met Fifth Avenue. Mexican artist Héctor Zamora has been selected to create a site-specific intervention for The Met's Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden. The Roof Garden Commission: Héctor Zamora, Lattice Detour will open on April 21 and be on view through October 25, 2020. In September 2020, American artist Carol Bove will unveil new sculptures for The Met Fifth Avenue's facade niches, the second in a new series of site-specific commissions for the exterior of the Museum. The Facade Commission: Carol Bove will be on view September 9, 2020 through March 30, 2021.  

The Roof Garden Commission: Héctor Zamora, Lattice Detour is supported by Bloomberg Philanthropies. Additional support is provided by Cynthia Hazen Polsky and Leon B. Polsky.

"Both the Cantor Roof Garden and the Museum's facade offer prominent platforms for new ideas and creative expression. We are thrilled to work with Héctor Zamora and Carol Bove on the next two commissions in this milestone year—the Museum's 150th anniversary," said Max Hollein, Director of The Met. "Zamora's ability to transform public spaces and the built environment in ways that are often infused with tension related to current events is sure to make for a striking intervention on the Roof Garden. And Bove's keen attunement to art history and the legacies of modernist and minimalist sculpture will make for a fascinating contrast with the facade. We look forward to unveiling their works."

Sheena Wagstaff, The Met's Leonard A. Lauder Chairman of Modern and Contemporary Art, added, "In their own way, each artist will challenge conventional approaches to two very different architectural spaces. For the Roof Garden, Héctor Zamora will invite us to reconsider the panoramic view of the city skyline and the implications of obstruction and permeability within a social space. Carol Bove will animate the constrained architectural framing of the Beaux-Arts facade with colorful stylized abstractions."

The Roof Garden Commission series was established in 2013 by the Department of Modern and Contemporary Art. The series of site-specific commissions on The Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden has featured work by Imran Qureshi (2013), Dan Graham (2014), Pierre Huyghe (2015), Cornelia Parker (2016), Adrián Villar Rojas (2017), Huma Bhabha (2018), and most recently, Alicja Kwade (2019). The Roof Garden Commission is accompanied by a dedicated publication. 

The Facade Commission is part of a new series of contemporary commissions at The Met in which the Museum invites artists to create new works of art, establishing a dialogue between the artist's practice, The Met collection, the physical Museum, and The Met's audiences. The Facade Commission was inaugurated in September 2019 with Wangechi Mutu's The NewOnes, will free Us (September 9, 2019–June 8, 2020).

About the artists

Carol Bove
Born in 1971 in Geneva, Carol Bove was raised in Berkeley, California, and studied at New York University. She currently lives and works in Brooklyn. Known for works that incorporate found and constructed elements with a unique formal, technical, and conceptual inventiveness, Bove, through her practice, consistently challenges and expands the possibilities of formal abstraction.

Bove's large-scale sculptures have recently been displayed at: the 58th Venice Biennale (2019); Unlimited at Art Basel (2018); the Betty and Edward Marcus Sculpture Park at Laguna Gloria, The Contemporary Austin (2017); and Women of Venice at the Swiss Pavilion at the 57th Venice Biennale (2017), where she was invited to respond to the legacy of Swiss artist Alberto Giacometti; and City Hall Park in New York (2016) as part of the group exhibition, The Language of Things, organized by Public Art Fund. In 2013, she created a series of sculptures for the High Line at the Rail Yards in New York.

The artist's first major museum presentation was held at Kunstverein, Hamburg (2003). Solo exhibitions have been presented at The Museum of Modern Art, New York (2013); The Common Guild, Glasgow (2013); Palais de Tokyo, Paris (2010); Tate St Ives, England (2009); Blanton Museum of Art, The University of Texas at Austin (2006); Kunsthalle Zürich (2004); and the Institute of Contemporary Art, Boston (2004). 

Group exhibitions include the 58th Venice Biennale (2019); the 57th Venice Biennale (2017); documenta 13, Kassel, Germany (2012); the 54th Venice Biennale (2011); and the Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, New York (2008). Bove's work is currently on view alongside John Chamberlain's in a two-person presentation at the San Francisco Museum of Modern Art through the summer of 2020. 

Héctor Zamora
Born in 1974 in Mexico City, Mexico, Héctor Zamora currently lives and works in Lisbon, Portugal. He received a bachelor's degree in graphic design from Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco, Mexico City in 1998. Zamora's work transcends the conventional exhibition space to reinvent and redefine it, generating friction between the common roles of public and private, exterior and interior, organic and geometric, real and imaginary.

His solo exhibitions include Movimientos Emisores de Existencia, LABOR, Mexico City (2019); Nas Coxas + Acima de tudo, Luciana Brito Galeria, São Paulo (2018); Ordem e Progresso, MAAT, Lisbon, Portugal (2017) Memorándum, Museo Universitario del Chopo, Mexico City, Mexico (2017); Re/vuelta, MARCO, Monterrey, México (2017); Dinâmica Não Linear, CCBB São Paulo, Brazil (2016); Ordre et Progrès, Palais de Tokyo, Paris, France (2016); Panglossian Paradigm, Redcat, Los Angeles, California (2013); Architecture + Art, SMoCA, Scottsdale, Arizona (2012); Inconstância Material, Luciana Brito Gallery (2012); White Noise, Auckland Arts Festival, New Zealand (2011); Paraísos Ofrecidos, El Eco, Mexico City (2011); De Belg wordt geboren met een baksteen in de maag, FLACC, Genk, Belgium (2008) Cerca Series: Héctor Zamora, Museum of Contemporary Art San Diego (MCASD) (2007); Líneas de Suspensión, ensayo sobre GeometríaFunicular, Galería Enrique Guerrero, Mexico City (2005); Paracaidista, Av. Revolución 1608 bis, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City (2004); a=360º r/R, installation at La Torre de los Vientos, Mexico City (2000).

Zamora's work has also appeared in international group exhibitions, including Seismic Movements, Dhaka Art Summit, Dhaka, Bangladesh (2020); Durch Mauern Gehen, Martin-Gropius-Bau, Berlin (2019); Det Andet Sted, KØS Museum of Art in Public Spaces, Køge, Denmark (2019); Condemned to be Modern / Pacific Standard LA / LA, Los Angeles Municipal Art Gallery (2017); Brasil Beleza?!, Museum Beelden aan Zee, The Hague, Netherlands (2016); Masterworks from the Hirshhorn Collection, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C. (2016); Buildering: Misbehaving the City, Lois & Richard Rosenthal Center for Contemporary, Cincinnati, Ohio (2014); Resisting the Present: Mexico, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, France (2012); and Eco: Arte Mexicano Contemporáneo, Reina Sofía, Madrid (2005).  The artist has also participated in numerous biennials such as the 11th Mercosul Biennial, Porto Alegre, Brazil (2018); 14th Lyon Biennial (2017); 4th Ural Industrial Biennial of Contemporary Art, Yekaterinburg, Russia (2017); 12th Havana Biennial, Havana, Cuba (2015); 8th Shenzhen Sculpture Biennial, China. (2014); 13th Istanbul Biennial, Istanbul, Turkey (2013); 12th International Cairo Biennial, Cairo, Egypt (2010); 6th Liverpool Biennial, United Kingdom (2010); 53rd Venice Biennial, Italy (2009); 27th São Paulo Biennial, Brazil; and 9th Havana Biennial, Cuba (2006). 

17/04/19

Cowles, condividono con una donazione la loro passione per l'arte giapponese


Inoue Yūichi (Japanese, 1916–1985), Shout, 1961, hanging scroll; frozen ink on paper. 
Portland Art Museum Collection, 
Gift of Mary and Cheney Cowles.


 Il Metropolitan Museum of Art, il Freer|Sackler e il Portland Art Museum hanno annunciato congiuntamente oggi che le tre istituzioni riceveranno in dono delle stupende opere di pittura, calligrafia e ceramica giapponesi  dai collezionisti Mary e Cheney Cowles di Seattle. 

I tre regali insieme totalizzano oltre 550 opere e rappresentano uno straordinario contributo alla comprensione e al godimento dell'arte giapponese nel regno pubblico.



CS

Mr. and Mrs. Cowles's collection is one of the largest and finest comprehensive collections of Japanese painting and calligraphy in private hands in the West, with over 600 works ranging in date from the eighth century to the present day, most of which will be dispersed in the coming five years. In addition to the works on paper and silk, the collection includes over 100 ceramics, with a focus on early Edo-period porcelains, tea wares, and a carefully selected array of Meiji and contemporary works. The Cowles collection is particularly strong in paintings and calligraphy that have links to East Asian literary traditions across the centuries, with a focus on calligraphy, inscribed paintings, and works inspired by Japanese and Chinese poetry. The so-called Three Perfections of East Asian culture—the supreme arts of poetry, painting, and calligraphy—are all amply represented in this impressive collection.
 
"The Met is deeply grateful to Mary and Cheney Cowles for this remarkable gift," said Max Hollein, Director of The Met. "These works add great strength to our collection by filling gaps or complementing our renowned holdings. The vision and generosity of Mr. and Mrs. Cowles significantly enhances our ability to tell a more comprehensive history of Japanese art for the millions who visit the Museum each year."
 
"This gift from Mary and Cheney Cowles to the Smithsonian's Freer|Sackler, the nation's museum of Asian art, is exceedingly generous," said Chase F. Robinson, the Dame Jillian Sackler Director of the Arthur M. Sackler Gallery and Freer Gallery of Art. "The most significant gift to our Japanese holdings since Charles Lang Freer's foundational bequest in 1919, it will transform our Japanese collection."
 
"This extraordinary gift will have a transformative impact on the Portland Art Museum and the artistic resources on the West Coast," said Maribeth Graybill, Ph.D., The Arlene and Harold Schnitzer Curator of Asian Art at the Portland Art Museum . "Each of these artworks is among the finest of its type. The addition of these works to the Museum's collection will make Portland an even more important destination for the study of Japanese art." 
 
Cheney Cowles summarized his collecting activities: "As Mary and I consider the past 18 years of collecting Japanese art, it is pleasing to realize that any rules or limits on what to collect were abandoned fairly early on, giving us a great feeling of freedom to learn and develop new interests. For instance, the calligraphy holdings have expanded to become a significant part of the collection. We hope that our donations will support years of interest, enjoyment, and study for students, scholars, and the general public."
 


The Metropolitan Museum of Art will eventually receive over 200 Japanese paintings and calligraphies, carefully chosen to complement works already in The Met collection. Highlights include an exceedingly rare calligraphy by Musō Soseki (1275–1351)—one of the few surviving recognized works by this early Zen monk-calligrapher—boldly inscribed with the philosophical phrase "Abiding nowhere, achieve an enlightened mind," and ink paintings dating to the 14th to 17th century—such as Ink Landscape, by Sōami, and White Heron, by Tawaraya Sōtatsu. In the years to come, donations of two rare and important works by the 16th-century ink painter Sesson that were known and published earlier in the 20th century, but were long hidden, will nicely complement The Met's holdings of this influential artist. Calligraphy by Ikkyu Sōjun, along with other works created in the context of Zen monastic communities, will be the first such examples in The Met's collection. The gifts from Mr. and Mrs. Cowles—collectively designated as the Mary and Cheney Cowles Collection—will be celebrated as part of the Museum's 150th anniversary-related Collections Initiative. The Met is also planning an exhibition for 2023, that will be accompanied by a scholarly catalogue, commemorating a selection of works that will have entered the collection by then. 
      

The Smithsonian's Freer|Sackler  is receiving more than 250 works of painting and calligraphy over five years. The first gift installment of 39 works (received in 2018)—a concentration of major literati paintings and significant early 20th-century works in the Nihonga style, both largely absent from the Freer's Japanese holdings—is a microcosm of the larger gift. At a time when the Freer Gallery's collection is nearing its centennial anniversary, in 2023, and the Gallery's staff look toward the future of the collection and the institution as a whole, this gift marks an unprecedented milestone, paying homage to both the Cowles's taste as collectors and the legacy of Charles Lang Freer. Of special significance is the large number of works by the artist Tomioka Tessai (1836–1924), whom Freer met in Japan. Tessai defied the facile equation of modernization and Westernization and portrayed a Japan then-emerging on the international stage through a Chinese lens. The Freer|Sackler looks forward to exhibiting a selection of the finest Tessai paintings from the Cowles collection, notable for their bold and often humorous traits, in spring and early summer 2020.
 
Portland Art Museum  (PAM) announced that it had received 22 works in late 2018, the first in a planned series over five years that will total 100 works. These join 32 paintings, calligraphies, and ceramics donated to the Museum in the past decade. The artworks in the 2018 gift were among those on view recently in PAM's special exhibition Poetic Imagination in Japanese Art: Selections from the Collection of Mary and Cheney Cowles, which closed January 13, 2019. Last year's gift to PAM included many of the most striking works in that exhibition, spanning from the most ancient of the calligraphies, the eighth-century Nigatsudō Burnt Sutra, to an avant-garde modern work of expressionist calligraphy, Inoue Yuichi's Shout (1961). Other highlights include a hanging scroll depicting a competition between poets, dating to the 13th or 14th century; Thatched Retreat on Cold Mountain, a 1770s painting by the renowned poet Yosa Buson; the calligraphy Filial Piety, by Hakuin Ekaku (1685–1768), the most famous Zen master of Edo-period Japan; and a playful 1867 ink painting by the Buddhist nun Ōtagaki Rengetsu (1791–1875), Samurai Footman and Poem, the first work of Japanese painting that Cheney Cowles purchased. This year, the Portland Art Museum will present another valuable resource for appreciating the Cowles Collection with the publication of a fully illustrated catalogue in conjunction with PAM's recent special exhibition presenting new research by an international group of leading scholars.  
 

About the Collector
Cheney Cowles has been collecting East Asian art in earnest for over four decades. His interest was first kindled while attending law school in the late 1960s, when his aunt, Phoebe McCoy, who was a docent at the Avery Brundage Collection in Golden Gate Park, now part of the Asian Art Museum of San Francisco, introduced him to Asian art collections there. In 1975, Mr. Cowles opened the Crane Gallery in Seattle, specializing in Asian antiques, which he owned and managed until his retirement in 2016. Mary Cowles became an active supporter of the couple's collecting activities after their marriage in 1977. The Cowles Collection gradually expanded in scope to include modern and contemporary Japanese paintings and calligraphies. Mr. and Mrs. Cowles have together also contributed to various exhibition and educational initiatives related to Asian art.