Mark Manders da Tanya Bonakdar a New York

 

La galleria Tanya Bonakdar ospita la sesta mostra personale di Mark Manders, presentando nuove opere che spaziano da monumentali busti in bronzo a paesaggi scultorei astratti, fino a dipinti e opere su carta. Oniriche e frammentate, queste nuove opere popolano la galleria come una serie di pensieri a cui l'artista ha dato forma per poi congelarli nel tempo. Viste nel loro insieme, le opere formano una sorta di scenografia della mente che il visitatore può attraversare e abitare.  

 

Nel corso della sua trentennale carriera, Manders ha incentrato la sua pratica sulla creazione di mondi fittizi poetici e paradossali. Nelle installazioni di Manders, passato, presente e futuro coesistono simultaneamente, la gravità viene al contempo enfatizzata e sfidata, i confini tra pittura e scultura sono permeabili e il linguaggio è contemporaneamente onnipotente e insufficiente. Nelle sue opere, esperienze universali eppure indescrivibili come la malinconia assumono una forma potente. Più che come testimonianza della propria vita, dei propri pensieri e della propria esistenza, Manders considera le scene, gli ambienti e le singole opere che crea come strumenti per esplorare il concetto stesso di soggettività.  

 

In linea con il suo interesse per un oggetto che possa rappresentare o esplorare la soggettività, il busto è una forma archetipica per l'artista, e nello spazio espositivo al piano terra Manders presenta " Testa di argilla bianco osso con nuvola verticale" , una testa di grandi dimensioni che sembra essere realizzata in argilla bianca screpolata. La superficie asciutta, bianca e fessurata ha un colore e una consistenza indefinibili, dall'aspetto antico e ultraterreno. In passato, Manders ha realizzato opere che richiamano la materialità distintiva e tattile dell'argilla e le sue fasi di transizione. Alcune forme, dipinte in modo da apparire come argilla bagnata, sono state persino ricoperte con teli di plastica per accentuare l'illusione di una fragile vulnerabilità e dare la sensazione che il loro creatore se ne sia andato da poco. Opere successive appaiono asciutte e screpolate, persino circondate da polvere finta, per presentare l'illusione dell'asciuttezza; ancora fragili, ma in definitiva realistiche. Questa nuova fase del materiale suggerisce un ideale irraggiungibile, un archetipo di forma, una superficie di argilla estratta da un sogno dell'artista, esistente in una versione alternativa della realtà, o proveniente da un'altra epoca.  

 

Il monumento, una gigantesca testa femminile in bronzo dipinto, si erge vicino alla Testa di argilla bianco osso con nuvola verticale , la cui texture è dello stesso bianco screpolato. Un rigonfiamento è attaccato alla gola della figura, che siede in un silenzio immobile. Manders realizzò quest'opera come monumento alla madre, che perse un bambino poco dopo la nascita, e a tutti coloro che hanno vissuto un dolore che è stato costretto a rimanere in silenzio. Il rigonfiamento si trova sulla gola della figura, come parole trattenute prima di essere espresse, ma legate alla donna, incapaci di liberarsi, eppure rese visibili.  

 

Il bianco avorio di queste monumentali sculture ricorre in tutta la mostra, fungendo da filo conduttore sia formale che concettuale. Paradossalmente, il bianco racchiude in sé tutti i colori dello spettro ed è al contempo percepito come vuoto. Manders utilizza questo colore in una serie di dipinti e opere murali incorniciate da giornali realizzati da lui stesso. Intitolata " All Existing Words" (Tutte le parole esistenti) , la serie di giornali contiene tutte le parole inglesi esistenti, usate una sola volta e disposte in ordine casuale. Lavorando con l'intero linguaggio e con tutti i colori, Manders presenta una serie di dipinti essenziali e suggestivi con cornici tridimensionali realizzate in giornale, quasi come finestre. L'idea che un dipinto possa essere una finestra è un concetto fondamentale della storia dell'arte, qui ripreso con l'aggiunta del giornale dell'artista come davanzale o cornice, oppure ricoperto sulla superficie. I giornali stessi sembrano esistere al di fuori del tempo, quasi reliquie nella nostra era digitale. La loro inclusione segna un ulteriore modo in cui Manders colloca la sua opera in una cronologia ambigua.  

 

La pittura e i giornali ricorrono nei paesaggi dell'artista, dove introduce anche il colore blu. In "Field Fragment" , minuscole tessere di blu in diverse tonalità rappresentano il cielo in momenti differenti. Fissate a una piccola asta di metallo che fluttua come una linea dell'orizzonte su un letto di sabbia, la quantità di pittura utilizzata su ciascun lato è attentamente bilanciata in modo che la linea blu rimanga in equilibrio. Richiamando il Cubismo nell'uso di molteplici prospettive simultanee e lo sforzo della pittura paesaggistica olandese di catturare le molteplici sfumature del cielo, la scena di Manders è una fusione tranquilla e malinconica di momenti diversi. La gravità è parte essenziale della composizione di " Field Fragment" ed è percepibile anche in un'opera senza titolo installata nelle vicinanze, in cui un blocco di giornale dell'artista con tutte le parole esistenti sembra cadere dal cielo, colto in un istante prima di toccare terra. 

 

Una serie di busti in bronzo di dimensioni ridotte, dipinti in modo da sembrare argilla, popolano la galleria, ognuno silenzioso e immobile. Molte di queste opere sono frammentarie: manca un braccio o un orecchio, oppure appaiono parzialmente incrinate e sgretolate. Sembrano quasi reperti archeologici, ma a un esame più attento, come le monumentali teste al piano inferiore, risultano incollocabili, esistenti solo come risultato della costruzione del mondo immaginario dell'artista.

 

Nato nel 1968 a Volkel, nei Paesi Bassi, Manders vive e lavora attualmente a Ronse, in Belgio. Vincitore del Philip Morris Art Prize nel 2002, Manders ha ricevuto anche il prestigioso Dr. AH Heineken Prize for Art nel 2010.

Tre accattivanti momenti emozionali alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo

 

La fondazione presenta nei suoi spazi tre stimolanti progetti artistici. 

Le proposte sono Silent Studio, la mostra personale di Mark Manders; Your Mouth Comes Second di Stefanie Heinze e Hearsay di Bekhbaatar Enkhtur (illy Present Future 2023 Prize Exhibition).

Iniziamo da Mark Manders, col suo Silent Studio, una personale di questo importante artista olandese che nel corso degli ultimi decenni si è affermato a livello internazionale per le sue innovazioni nel campo della scultura da un punto di vista concettuale e materico. La mostra è una raffinata antologia realizzata con un’ampia selezione di lavori fatti nel corso di oltre trent’anni, a partire da Short Sad Thoughts (1990) fino a nuove produzioni concepite appositamente per la Fondazione in un ricercato allestimento.

Proseguiamo poi con Stefanie Heinze e il progetto  Your Mouth Come Second, questa mostra riunisce una selezione di opere recenti che riflettono le preoccupazioni centrali dell’artista: l’esplorazione della tenerezza e della vulnerabilità, la compagnia e l’integrazione dello spiritualismo antico e urbano.

Una sezione degli spazi presentava alcuno opere della collezione Sandretto Re Rebaudengo raccolte sotto il titolo "Whan we were old" nel contesto di EXPOSED Torino Foto Festival.  

Concludiamo col pregio Illycaffè 2023 Bekhbaatar Enkthur che propone "Hearsay" una mostra che condivide una serie di nuove opere dedicate a simboli comuni della superstizione e della fortuna, come la stella cadente e la sua scia, la mostra, che avevo visitato nei giorni di Artissima, si è conclusa il 5 Gennaio. 

FSRR fra presente e passato

Da sempre la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo si occupa delle più interessanti tendenze della contemporaneità, ma in questa occasione volge la sua stimolante attenzione alla storia, intrecciandola con alcune contemporaneità problematiche.

Tre mostre che nella declinazione della consapevolezza tracciano un legame fra memoria e presente.

Il percorso espositivo si apre col progetto “Today, tomorrow and the day after tomorrow”  con l'isola greca di Samos; sulla parete d'ingresso c'è un telo estivo dell’isola che segnala, oltre alle note spiagge del ricco turismo internazionale, l’area “hotspot” in cui vengono portati i profughi.  Documenta questa realtà una serie di scatti che monitorizzano le traccia degli amati oggetti che i rifugiati hanno potuto portare con se, un video evidenzia la quotidianità mentre in un libro testimonia la narrazione di speranza che rimane sospesa in questo limbo temporaneo. 

Questo progetto è una produzione a cura di Filippo Maggia e Daniele Ferrero, con la collaborazione di Teresa Serra, Andrea Luporini, Roberto Rabitti, Wissam Andraos, Chiara Corica e Giulia Dongilli. 

Nella seconda sala sono proposti antichi scatti d'Italia provenienti dalla collezione storica della Fondazione SRR, che coprono un’arco di tempo fra il 1845 ai primi decenni del Novecento, memoria di tempi lontani sguardi oramai mutati da un presente dinamico e in continua trasformazione.

Si prosegue poi con una sezione del progetto “Anche le Statue Muoiono” che oltre alla FSRR vede coinvolto il Museo Egizio e Palazzo Reale, sul patrimonio artistico mondiale, che in questi anni vede un crescendo di iconoclastia, sia politica che religiosa.

L'iniziativa vuole portare l'attenzione sul fragile mondo delle opere d'arte che in certi contesti culturali vengono distrutte. In questi spazi si pone l'accento sul ruolo del museo con una serie di progetti artistici (Mark Manders, Simon Wachsmuth e Lamia Joreige) oltre ad antichi manufatti storici, che manifestano i segni di antiche cancellazioni culturali, primeggia poi una grande installazione di Kader Attia.