Il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea continua a indagare il nostro presente e i suoi cambiamenti con un nuovo programma culturale online, ideato in due parti, per il prossimo 2020-2021, dal titolo Digital PTSD. La pratica artistica e il suo impatto sul trauma digitale sviluppato nell’ambito delle mostre Espressioni. The Proposition e Anne Imhof. Sex. L’evento è gratuito, e ci si registra qui (https://bit.ly/33TSyhL).
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È controintuitivo, ma Digital PTSD presenta attraverso una piattaforma online una critica del potenziale abuso delle tecnologie. Quali sono le conseguenze traumatiche dell’improvviso aumento delle attività virtuali in un periodo di chiusura degli spazi di aggregazione, quali i musei? Digital PTS invita a riflettere sull’esperienza screen-based, sull’erosione fisica della materia vivente, sulla trasformazione della vita in mega-dati, e sul nuovo regime epistemico digitale.
I partecipanti della Parte I includono: Tabita Rezaire, artista-guaritore-cercatore che lavora con schermi e flussi di energia; Carolyn Christov-Bakargiev, direttrice del museo, allestitrice di mostre, scrittrice; Beatriz Colomina e Mark Wigley, storici dell’architettura, teorici, curatori; Vittorio Gallese, neuroscienziato cognitivo; Hito Steyerl, regista, artista, scrittore e innovatore del saggio documentario; Matteo Pasquinelli, teorico di scienze cognitive, economia digitale e intelligenza artificiale; Grada Kilomba, artista e scrittore; Anne Imhof, artista musicista; Bracha L. Ettinger, pittore, teorico, psicoanalista; Éric Sadin, scrittore e filosofo; Ophelia Deroy, filosofo e neuroscienziato cognitivo; Griselda Pollock, storico dell’arte e analista culturale femminista-postcoloniale-queer-internazionale; Cécile B. Evans, artista; Agnieszka Kurant, artista; Cally Spooner, artista; Chus Martínez, curatore e scrittore; Stuart Ringholt, artista; Marco Lutyens artista e ipnotizzatore.
L’esperienza isolante del lockdown ha sollevato nuovi allarmi rispetto agli effetti potenzialmente traumatici del “digital overload” sulla soggettività e sul corpo sociale. Digital PTSD. La pratica artistica e il suo impatto sul trauma digitale riunisce alcuni tra i principali scienziati, artisti, pensatori e curatori internazionali per presentare le loro ricerche e riflettere sulla possibilità che possa emergere una forma di disturbo da stress post-traumatico digitale dall’alleanza tra la separazione traumatica dei corpi a causa del distanziamento fisico e le conseguenze della vita online. La conferenza considera la nostra dipendenza crescente e ossessiva dalla tecnologia come una minaccia alla nostra libertà, alla nostra autonomia, al nostro benessere e alla nostra stessa esistenza come agenti fisici, e quindi come una causa di grave disagio psicologico.
L’evento si svolge dalle 16:00 alle 00:00 GMT+1. La conferenza è in lingua inglese.
PTSD digitale – Parte I è realizzata in collaborazione con e-flux e trasmessa in live streaming sui siti web di e-flux e Castello di Rivoli.
A Digital PTSD – Parte II, che si terrà il 20 maggio 2021, parteciperanno: Devra Davis, Irene Dionisio, Catherine Malabou, Otobong Nkanga, tra gli altri.
DIGITAL PTSD – PARTE I
BIOGRAFIE PARTECIPANTI
Carolyn Christov-Bakargiev (Ridgewood, New Jersey, 1957) è scrittore, storico dell’arte e curatore. Attualmente è direttore del Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea e della Fondazione Francesco Federico Cerruti di Rivoli-Torino. Nel 2019 ha ricevuto l’Audrey Irmas Award for Curatorial Excellence. È stata Edith Kreeger Wolf Distinguished Visiting Professor in Art Theory and Practice alla Northwestern University (2013-2019). Nel 2012 Christov-Bakargiev è stata Direttore Artistico di dOCUMENTA (13).
Beatriz Colomina e Mark Wigley sono storici dell’architettura, teorici e curatori. Colomina è Howard Crosby Butler Professor presso la Princeton University e il suo ultimo libro è X-Ray Architecture (Lars Muller, 2019). Wigley è professore di architettura alla Columbia University e il suo ultimo libro è Konrad Wachsman’s Television: Post-Architectural Transmissions (Sternberg Press, 2020). Nel libro Are We Human? (Lars Muller, 2016) Colomina e Wigley esplorano le nozioni di “Homo Cellular” e “Design in Two Seconds”, interessati a capire come l’archeologia del design si applica ai social media e ai dispositivi tecnologici in relazione ai meccanismi di espressione personale e prestazione del lavoro.
Ophelia Deroy è professore di Filosofia della mente all’Università Ludwig Maximilian di Monaco e membro della Graduate School in Systemic Neuroscience (GSN) di Monaco. È l’ex vicedirettore dell’Istituto di filosofia presso l’Università di Londra. È specializzata in filosofia della mente e neuroscienze cognitive e ha ampiamente pubblicato su questioni relative alla percezione multisensoriale e alle interazioni sociali. Nella sua recente ricerca affronta questioni relative a come e perché condividiamo le esperienze, in particolare nelle arti e sulle piattaforme digitali.
Bracha L. Ettinger (Tel Aviv, 1948) è un’artista visiva internazionale, pittrice e teorica, psicoanalista e filosofa, le cui opere d’arte e scritti di ampio respiro hanno influenzato la teoria dell’arte, il femminismo, gli studi culturali, la filosofia e la psicoanalisi. La sua opera d’arte ruota attorno al trauma storico, transgenerazionale e personale delle donne in guerra. Partecipa a Espressioni Castello di Rivoli 2020-2021, e ha esposto alla Kochi Biennale 2018, Colori GAM Torino 2017, Istanbul Biennial 2015, ELLE Centre Pompidou, Face à l’Histoire Centre Pompidou, Archive, Stedelijk. Ha coniato il concetto di sfera Matrixiale. I suoi libri recenti includono And My Heart Wound-Space (2015); Matrixial Subjectivity, Aesthetics, Ethics, Vol I: 1990-2000 (palgrave 2020), Vol II: 2000-2010.
Cécile B. Evans (1983), di origine americana-belgia, vive e lavora a Londra. Il lavoro di Evans esamina il valore dell’emozione e della sua ribellione quando entra in contatto con strutture ideologiche, fisiche e tecnologiche. Recentemente ha esposto una nuova commissione di performance per il festival MOVE al Centre Pompidou di Parigi (FR) e sta lavorando a un adattamento in corso del balletto dell’era industriale Giselle. Recenti mostre personali includono 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine (FR), Museum Abteiberg (DE), Tramway (UK), Chateau Shatto (US), Museo Madre (IT), mumok Vienna (AT), Castello di Rivoli (IT), Galerie Emanuel Layr, Vienna (AT), Tate Liverpool (UK), Kunsthalle Aarhus (DK), M Museum Leuven (BE), De Hallen Haarlem (NL) e Serpentine Galleries (UK).
Vittorio Gallese (Parma, 1959), Laureato in Medicina e Chirurgia, è Professore Ordinario di Psicobiologia e Neuroscienze Cognitive presso il Dipartimento di Medicina e Chirurgia dell’Università di Parma. Neuroscienziato cognitivo, la sua ricerca si concentra sulla relazione tra sistema sensoriale-motorio e cognizione indagando le basi neurobiologiche e corporee di intersoggettività, psicopatologia, linguaggio ed estetica. È autore di oltre 300 pubblicazioni scientifiche e tre libri.
Anne Imhof (Gießen, Germania, 1978) è un’artista riconosciuta a livello internazionale come una delle voci più innovative della sua generazione. Attraverso le sue “durational performances” offre un’espressione inedita dell’esperienza del mondo contemporaneo in cui la fisicità è sempre più mediata dalla comunicazione digitale. Le nuove forme di alienazione e distacco dettate dalla massiccia diffusione dei social media e dai suoi nuovi gesti correlati possono essere considerate una componente essenziale del lavoro dell’artista. È stata insignita del Leone d’Oro alla Biennale di Venezia nel 2017.
Grada Kilomba (Lisbona, 1968) è un’artista e scrittrice che vive a Berlino. Il suo lavoro attinge alla memoria, ai traumi e al post-colonialismo. Kilomba è meglio conosciuta per la sua scrittura sovversiva e la sua pratica unica di narrazione in cui porta la sua stessa scrittura in performance, immagine e installazione. Il suo lavoro è stato presentato alla decima Biennale di Berlino, documenta 14, Kassel e alla 32. Biennale di San Paolo.
Agnieszka Kurant è un’artista il cui lavoro indaga l’intelligenza collettiva, le intelligenze non umane (dalla microbica all’intelligenza artificiale) e lo sfruttamento del capitale sociale sotto sorveglianza del capitalismo. Esplora le trasformazioni dell’umano e il futuro del lavoro e della creatività nel XXI secolo, dal crowdsourcing e il lavoro fantasma alle società artificiali. Kurant è il destinatario del LACMA A + T Award 2020 e del Frontier Art Prize 2019. Attualmente è Artist Fellow presso il Berggruen Institute ed è stata artista residente al MIT CAST nel 2018. Le sue recenti mostre includono la Biennale di Istanbul, Broken Nature al MoMa, Cybernetics of the Poor alla Kunsthalle Wien, Uncanny Valley al De Young Museum, The Age of You al MOCA Toronto e alla Triennale di Milano. Nel 2015, Kurant ha presentato una commissione per la facciata del Guggenheim Museum di New York.
Marcos Lutyens (Londra, 1964) è un artista basato a Los Angeles e nel Regno Unito. La pratica di Lutyens mira al benessere psichico ed emotivo del suo pubblico guidando abilmente i partecipanti in esercizi ipnotici che influenzano i livelli più profondi della loro psiche. Le sue opere si traducono in installazioni, sculture, disegni, cortometraggi, scritti e performance. Nelle sue esplorazioni della coscienza, Lutyens ha lavorato con gli stati inconsci dei visitatori in musei, gallerie e biennali di tutto il mondo. Durante il COVID-19, Lutyens ha creato una serie di 12 performance tramite Zoom per aiutare il processo di guarigione di persone in vari Paesi in tutto il mondo e sta attualmente lavorando per modellare il dolore in un’opera d’arte COVID-19 su larga scala, chiamata Rose River Memorial.
Chus Martínez (Ponteceso, Spagna, 1972) è curatore, storico dell’arte e scrittore. Attualmente è direttrice dell’Istituto d’arte della FHNW Academy of Art and Design di Basilea, dove cura anche lo spazio espositivo dell’Institut Der Tank. Il suo ultimo libro Corona Tales, scritto e pubblicato online (seguito dall’edizione cartacea) durante il lockdown della primavera 2020, ha offerto la possibilità di raccogliere, anche se virtualmente, come si stava generalizzando la crisi COVID-19 e come ricercare modi di farlo, chiedendo di identificare le vulnerabilità.
Matteo Pasquinelli è Professore in Filosofia dei media presso l’Università di Arti e Design, Karlsruhe, dove coordina il gruppo di ricerca sull’intelligenza artificiale e la filosofia dei media KIM. Ha curato l’antologia ad accesso libero Alleys of Your Mind: Augmented Intelligence and Its Traumas (2015, Meson Press) e, con Vladan Joler, il saggio visivo The Nooscope Manifested: AI as Instrument of Knowledge Extractivism. La sua ricerca si concentra sull’intersezione tra scienze cognitive, economia digitale e intelligenza artificiale. Per Verso Books sta preparando una monografia sulla storia dell’IA dal titolo provvisorio The Eye of the Master.
Griselda Pollock (Sudafrica, 1949) è una storica dell’arte e analista culturale femminista-postcoloniale-queer-internazionale. È Professore di Storia dell’Arte Sociale e Critica e Direttore del Centro di Teoria e Storia dell’Analisi Culturale presso l’Università di Leeds. Le sue pubblicazioni più recenti includono la riedizione del classico femminista coautore Old Mistresses, il montaggio della raccolta degli scritti teorici dell’artista Bracha L. Ettinger (Palgrave 2020) e una monografia sull’artista Charlotte Salomon (Yale 2018). Come parte della ricerca attuale, sta affrontando la trasformazione estetica e il trauma in relazione alla nostra esposizione agli schermi.
Tabita Rezaire è un artista-guaritore-cercatore che lavora con schermi e flussi di energia. La sua pratica interdimensionale immagina le scienze di rete – organiche, elettroniche e spirituali – come tecnologie di guarigione per servire il passaggio verso la coscienza del cuore. Navigando nella memoria digitale, corporea e ancestrale come luoghi di lotte, scava negli immaginari scientifici per affrontare la matrice pervasiva della colonialità che influenza le canzoni del nostro corpo-mente-spirito. Ha mostrato il suo lavoro a livello internazionale al Centre Pompidou Paris, MoMa NY, MASP São Paulo, Gropius Bau Berlin, ICA e Tate Modern London. Rezaire attualmente vive e lavora a Cayenne, nella Guyana francese, dove sta partorendo AMAKABA.
Stuart Ringholt è nato a Perth, in Australia occidentale, e vive e lavora a Melbourne, in Australia. Il suo lavoro assume molte forme tra cui performance, video, disegno, collage, scultura e laboratori collaborativi. Temi personali e sociali come la paura e l’imbarazzo sono spesso rappresentati attraverso situazioni assurde o ambienti di auto-aiuto amatoriale. I suoi laboratori sulla rabbia sono stati creati per la Biennale di Sydney (2008) e sono stati precedentemente esposti a livello internazionale, incluso in Germania per dOCUMENTA (13) (2012). I suoi famosi tour naturisti sono stati presenti in importanti spettacoli d’indagine di James Turrell, Wim Delvoye e Pipilotti Rist. È autore di due libri autopubblicati; Hashish Psychosis: What it’s Like to be Mentally Ill and Recover (2006) e A Problem Smile: Workshops, Tours and Discos (2018). Ringholt è docente presso la MADA Monash University e nel 2016 ha conseguito un PhD (Filosofia).
Cally Spooner è nata nel Regno Unito (1983). Vive e lavora a Torino. Radicata saldamente nella sua formazione filosofica, la sua pratica inizia con la scrittura, si svolge come performance, quindi si stabilisce come installazione, scultura, disegno, film e suono. Usa la durata, l’erosione, l’attesa, le prove e il collasso come atti di resistenza, in un clima tecno-capitalista attuale per chiedersi come possiamo distinguere tra ciò che è vivo e ciò che è morto. Le recenti mostre personali includono DEAD TIME, Parrhesiades, London, 2020; DEAD TIME, The Art Institute of Chicago, 2019; SWEAT SHAME ETC., Swiss Institute New York, 2018; Everything Might Spill, Castello di Rivoli, Rivoli, 2018. Spooner è anche LEGIBILITY COORDINATOR e LECTURER di OFFSHORE, una società di performance di conoscenza incarnata e scuola di filosofia pratica, fondata da Spooner nel 2017.
