Loboda

L'esposizione Lore di Maria Loboda, occupa gli spazi della galleria Thomas Schulte di Berlino in forma di racconto emotivo, l'artista può riferirsi a una storia personale o a una storia più ampia; potrebbe essere reale o immaginaria, piena di idiosincrasie o antica quanto il tempo stesso, fondamentale per tutti noi. Correlata al "folklore", "lore" è un insieme di conoscenze e tradizioni collettive che spesso vengono tramandate oralmente: sono miti e leggende, credenze e rituali, abitudini e costumi. È ciò che le persone creano o raccontano, le azioni che intraprendono. Originaria della parola inglese antico per "istruzione" e correlata al tedesco "Lehre" (insegnamento), ci spinge a cercare le lezioni che possono essere ricavate da essa.

Una costellazione di opere e installazioni scultoree nuove ed esistenti, Lore di Maria Loboda è un racconto contorto: uno che richiede tempo, o potrebbe non essere possibile, per essere completamente svelato. I passaggi che incontriamo sono a tratti intimi e invitanti, a tratti inquietanti ed enigmatici: un interno accogliente e buio con fronzoli medievali, pareti ornate da finte travi a vista in stile Tudor (Pearly, Ashy, Thorny like Bliss or Worry, 2025). Come la casa di una strega delle fiabe, vi entriamo, forse con cautela, per scoprire cosa si è accumulato nelle sue ombre; notiamo, gradualmente, i segni del decadimento e cifre criptiche, la scrittura sul muro.

Una presenza indistinguibile può essere percepita in motivi misteriosi e fili vaganti e sciolti. Collezioni di bollette non pagate lasciate ad accumularsi sui mobili sembrano parlare di negligenza, assenza o fastidi quotidiani. Finiscono per dirci qualcosa di più, anche se altrettanto oscuro. Qualcosa di contesti scartati, di temi, materiali ed elementi che vengono ripresi più e più volte, ogni volta tirati e contorti in strane nuove forme. Potremmo chiederci perché tali minuzie siano necessarie per raccontare questa storia, poiché sembrano condurci fuori strada, prendendo brusche svolte o precipitando ulteriormente in labirinti intricati. Questa è la natura del narratore della storia: imprevedibile, sfuggente, un esperto tessitore di storie che scivolano tra le dita e si avvolgono strettamente attorno a loro. Le loro parole, cineree e fragili, si trasformano in polvere, disperdendosi nell'aria e attaccandosi a ogni superficie con un residuo troppo ostinato da rimuovere. I frammenti si induriscono in fili narrativi che si annodano insieme: come ragnatele ammassate negli angoli oscuri delle scomode verità e degli inganni della vita, diventando momentaneamente illuminate, ma rimanendo intrappolate nella foschia dell'inconoscibile.

Una potenziale cornice narrativa è impostata da una curiosa appendice: una coda di capra in gesso è attaccata al muro, diventando parte della cornice fisica dello spazio. Young Satyr Turning to Look at His Tail (2017), un titolo stranamente descrittivo tratto da una copia romana di una scultura greca, fa esplicito riferimento allo spirito della natura mitologica e noto combinaguai. Tuttavia, il corpo contorto a cui apparentemente appartiene non è altrimenti chiaramente definito. Invece, attraverso il posizionamento della coda, lo spazio stesso viene trasformato nella creatura mitica; la presenza del satiro, sebbene nebulosa, è radicata nel qui e ora. Con l'imbroglione incombente, la verità della questione è probabilmente nascosta, o almeno destabilizzata: forse niente è ciò che sembra dopo tutto.

In tutte le varie stanze, casse di legno di vasi di vetro sono accatastate in un'esposizione apparentemente transitoria in Vase-mania/Urn Burial (2025). Riflette la cosiddetta mania di collezionare vasi classici greci e romani nell'Inghilterra del XVIII secolo, alimentata dalle scoperte archeologiche durante questo periodo turbolento. Come risultato del desiderio e dell'insaziabilità per lo status e l'apparenza di conoscenza, gusto e raffinatezza offerti dall'esposizione di tali oggetti in casa, le imitazioni sono state prodotte in serie per una più ampia disponibilità. Gli oggetti traslucidi esposti qui, tuttavia, sono design modernisti basati su vasi scandinavi e polacchi degli anni '50-'60. Sembrano particolarmente fragili, mentre le lacrime bulbose scorrono in lunghi rivoli lungo i loro corpi: un'effusione fugace e ambigua, potenzialmente volatile, di emozioni congelate nel vetro. Piangendo come in lutto, i vasi sono antropomorfizzati e conferiti con un carattere quasi funerario, come le urne. La preoccupazione del misterioso collezionista potrebbe essere qualcosa di indefinibile, ciò che non può essere afferrato: un fascino per le questioni dell'esistenza. Questo atto di collezionare è di natura rituale.

Gli insetti sciamano fuori e sopra lampade da parete frammentate e geometriche realizzate in alabastro spettrale, dopo quelle del designer francese Art Déco Pierre Chareau, in The Chosen (2019). L'aspetto degli insetti tassidermizzati potrebbe sembrare indicare l'abbandono e l'erosione di un interno domestico un tempo elegante, sebbene creature così rare e belle si rivelino un'intrusione piuttosto improbabile. Il titolo dell'opera conferisce un sottotono spirituale o mistico, mentre illustra l'istinto di base degli insetti che sono attratti dalla luce, a volte a loro rischio e pericolo, una sorta di sacrificio. I pannelli bianchi illuminati delle lampade diventano altari per questi esemplari scelti con cura, o tombe di un certo tipo.