Amy Sillman ripensa la collezione del Kunstmuseum di Berna

 

Quest'anno a ripensare la stupenda collezione del Kunstmuseum di Berna è stata invitata l'artista newyorkese Amy Sillman (nata nel 1955 a Detroit), che lavora principalmente con la pittura e il disegno, approcciandosi a questi mezzi con uno sguardo nuovo e un senso più ampio di trasformazione dei materiali. L'artista lavora sia analiticamente che improvvisando, combinando l'amore per la forma con un rigoroso processo di editing e contagiando la pittura con le complicazioni di sentimenti imbarazzanti, umorismo, autoironia e dubbio. Così facendo, mette in scena un saggio più ampio sul pensiero all'interno dell'astrazione e costruisce un processo radicalmente aperto di trasformazione dei materiali.

Nel corso degli anni, la pratica artistica di Sillman si è estesa oltre lo studio in molte direzioni diverse, includendo conferenze, scritti, pubblicazioni e, più recentemente, progetti curatoriali e interventi con collezioni museali. In occasione della sua mostra personale " Amy Sillman. Oh, Clock!" (fino al 2 febbraio 2025), l'artista ha realizzato un'installazione speciale, selezionata dalla collezione del Kunstmuseum Bern, che rimarrà aperta al pubblico fino al 2 novembre 2025. Guidata da considerazioni di forma, colore, scala e relazioni site-specific, Sillman ha installato tutte le opere insieme sullo sfondo attivato dei suoi dipinti murali improvvisati realizzati in loco. In questo modo, ha ripensato l'astrazione non in termini cronologici o tematici, ma con un intreccio più ampio e audace di epoche, continenti e media, e tra gli oggetti d'arte e l'architettura stessa del Kunstmuseum.

In mostra opere di: Etel Adnan, Esther Altorfer, Cuno Amiet, Hans Arp, Silvia Bächli, Monika Baer, ​​Alice Bailly, Ericka Beckman, Christian Boltanski, Louise Bourgeois, Miriam Cahn, Leidy Churchman, Rineke Dijkstra, Kees van Dongen, Piero Dorazio, Franz Eggenschwiler, Michaela Eichwald, Valie Export, Fischli/Weiss, Joel Fisher, Suzan Frecon, Pia Fries, Tatjana Gerhard, Augusto Giacometti, Thomas Hirschhorn, Alexej von Jawlensky, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Jutta Koether, Thomas Kovachevich, Lee Krasner, Alfred Kubin, Maria Lassnig, Fernand Léger, Otto Meyer-Amden, Heinz Mollet, Auguste de Niederhäusern, Meret Oppenheim, Mai-Thu Perret, Sigmar Polke, Man Ray, Pamela Rosenkranz, Irene Schubiger, Kurt Seligmann, Amy Sillman, Nicolas de Staël, Sophie Taeuber-Arp, Amelie von Wulffen e Franz West.

Circular Flow

Su riflessioni fra etica e capitalismo la Kunstmuseum di Basilea ha invitato una serie di artisti a elaborare delle riflessioni artistiche che ora sono proposte nella mostra.

CS

«Nella misura in cui il capitale transnazionale non è più centrato in una singola metropoli, come era il capitale industriale negli anni 1840 (...), non c'è più" una città "al centro del sistema, ma piuttosto una rete fluttuante di connessioni tra regioni metropolitane e periferie sfruttabili. »- Allan Sekula, Fish Story (1995)

Quali conseguenze etiche, sociali e politiche significano l'economia in corso di tutti gli aspetti della vita per la nostra vita individuale e collettiva? In che misura la soggettività stessa è diventata una costellazione economica?

L'imperativo della competitività internazionale come conseguenza del capitalismo globale, che si applica ugualmente alle società e agli stati, ora impone le condizioni del lavoro e della produzione ovunque. In questo contesto, la mostra si concentra sul rapporto tra colonialismo, globalizzazione economica attuale e istituzioni fra relazioni di potere e disuguaglianza mondiale. Nel processo, vengono perseguite varie interrelazioni che, parallelamente ai cicli mondiali di creazione di valore, riguardano la circolazione di beni, persone, stili di vita, servizi e forme culturali tra diversi sistemi politici, geografie e storie.

Nella mostra, l'economia è anche intesa come un sistema che modella la nostra percezione e comunicazione della realtà e genera continuamente le nostre immagini e forme di discorso. Una preoccupazione del progetto è di opporsi alla prospettiva schematica e simile a un modello con cui l'economia guarda il mondo con altri tipi di immagini. Riflettono i principi dell'economia e problematizzano sia il concetto sia le condizioni reali di crescita "illimitata".

In collaborazione con gli artisti invitati, la mostra includerà opere della collezione del Kunstmuseum Basel: Joseph Beuys, Alighiero Boetti, Pieter Bruegel d.Ä., Emanuel Büchel, Walter Dahn, Albrecht Dürer, Editions Paul-Martial, Peter Fischli & David Weiss, Hieronymus II. Francken, Paul Gauguin, Hans Holbein d. Ä., Hans Holbein d. J., Rudolf Huber, Martin Kippenberger, Isaack Luttichuys, Maria Sibylla Merian, Alfred Heinrich Pellegrini, Frans Post, Bartholomäus Sarburgh, Simon Starling e Adam Willaerts. 

Ad esempio il pezzo "Paesaggio brasiliano" di Frans Post, un pittore che ha accompagnato il Governatore Generale della West Indian Society nel nord-est del Brasile a metà del XVII secolo.

L'arte degenerata di Gurlitt

Il Kunstmuseum di Berna  e il  Bundeskunsthalle di Bonn presentano simultaneamente una selezione delle opere d'arte provenienti dall'eredità di Cornelius Gurlitt, proposte in un percorso fra le opere e la complessa storia delle opere stesse.

CS

The Kunstmuseum Bern and the Bundeskunsthalle in Bonn are simultaneously presenting samplings of artworks from the Cornelius Gurlitt legacy. The museums are concentrating on different aspects of the collection. The presentations have been embedded in an overall historical context and are based on the latest findings in research on the Gurlitt art trove. This will be the first time ever that the public in general has the chance of viewing this comprehensive collection.

The content and objectives of both exhibitions have been carefully coordinated. Bern is focusing on the works of “degenerate art” confiscated by the Nazis from German museums during the Third Reich. The Bundeskunsthalle zeroes in on works that the Nazis seized in pursuing their politics of persecution as well as those pieces whose provenance could not yet be clarified. The exhibition in Bonn will be on show at the Kunstmuseum Bern in the spring of 2018.The content and objectives of both exhibitions have been carefully coordinated. Bern is focusing on the works of “degenerate art” confiscated by the Nazis from German museums during the Third Reich. The Bundeskunsthalle zeroes in on works that the Nazis seized in pursuing their politics of persecution as well as those pieces whose provenance could not yet be clarified. The exhibition in Bonn will be on show at the Kunstmuseum Bern in the spring of 2018.  Curators: Nikola Doll, Matthias Frehner, Georg Kreis und Nina Zimmer

Mostre al Kunstmuseum del Liechtenstein

Fino alla fine di Ottobre il Kunstmuseum del Liechtenstein ospita il nuovo allestimento con la mostra "Kirchner, Léger, Scully & more" parallela alla mostra "Who pays?" che durerà fino al 21 Maggio.

CS

Following the exhibition première in its own building annexed to Kunstmuseum Liechtenstein, the Hilti Art Foundation is now set to mount the sequel entitled "Kirchner, Léger, Scully & more". 

On the three levels of the exhibition building, which opened in 2015 as an extension to Kunstmuseum Liechtenstein, the Hilti Art Foundation is showing thirty-six selected paintings and sculptures from its internationally renowned private collection. 

The exhibition starts on the lower ground level with a section devoted to an exploration of the human form, and more specifically the female form. The depictions of women by Lehmbruck, Hodler, Picasso, Léger and Laurens show life in full bloom and at its most beautiful. In contrast, Alberto Giacometti’s sculpture Quatre femmes sur socle (1950), for example, conveys a sense of tangible sensuality withdrawing into aloof immateriality. 

Paintings by artists of classical modernism define the character of the first upper level. The works on display here include four paintings by Ernst Ludwig Kirchner, the key representative of the artist group "Brücke"; they are from three distinct creative periods, during which the artist worked in Dresden, Berlin and Davos respectively. Further highlights in this section include paintings by Max Beckmann, such as Selbstbildnis mit Glaskugel (1936), which is now surrounded by other Beckmann works from the 1920s, 30s and 40s. Works by Kandinsky, Klee, Dubuffet or Wols illustrate paths into abstraction. 

The third upper level is devoted to paintings from 1980 to the present day. This section includes works by Imi Knoebel, Gotthard Graubner and Sean Scully, three artists who applied completely different approaches and techniques, but who all represent abstract art in its most mature form. 

The exhibition "Kirchner, Léger, Scully & more" falls into line with the opening exhibition by presenting some of the artworks from the first show in a new context, thus giving visitors continued access to these seminal works. The exhibition was curated by Uwe Wieczorek, curator of the Hilti Art Foundation, and is accompanied by a catalogue with explanatory texts about all the artworks. 

Who Pays?

"Art = Capital", as Joseph Beuys put it. This succinct formula sums up his understanding of the world: "The only revolutionary force is the power of human creativity."

Behind this lies the idea that every human being can contribute to the common good and have a formative effect on society by means of his creative action. The necessary skills – spirituality, open-mindedness, cooperation and creativity – are inherent in every human being, all that is needed, Beuys claims, is to recognise, train and encourage these faculties. Based on the Beuysian notion of capital, the exhibition Who Pays? takes a look at changing ideas of money and capital and the associated transformation of meanings and values. Who Pays? brings together a number of artistic positions from the 1960s to the present. They allow us to examine our notions of wealth and poverty, of give and take, and of participation from different angles, concepts that nowadays are mostly reduced to purely economic aspects. 

“Everything is so very much in motion.” These words written by the author Gertrude Stein in the context of the rapid change of language in the Elizabethan age can also be taken to describe today’s fast-paced changes. Our Western societies are in a state of fundamental upheaval. Not only rising rates of burnout and depression testify to deep-lying anxieties, but also an emerging need for seclusion and safeguarding assets and values. All this in the knowledge that we are using up more resources than Earth can generate. On the other hand we see many and diverse approaches that see potentials and opportunities for a more sustainable future. What is the role of the concept of capital in this context? And what “capital” role can art play? The title of the exhibition Who Pays? is based on a fluorescent sign created by the artist group RELAX (chiarenza & hauser & co) and addresses every single individual. 

Artists: 

Ovidiu Anton – Gianfranco Baruchello – Joseph Beuys – Susanne Bosch – Marcel Broodthaers – Filipa César – Felix Gonzalez-Torres – David Hammons – Diango Hernández – Thomas Hirschhorn – Anja Kirschner & David Panos – Alicja Kwade – Thomas Lehnerer – Mark Lombardi – RELAX (chiarenza & hauser & co) – Christof Salzmann 

An integral part of the show Who Pays? is a diverse cooperation with other institutions. 

The artsprogram of Zeppelin University, Friedrichshafen, curates the Archive of Social Sculpture in a room dedicated to Beuys. At the beginning of the 1970s a group formed in Achberg in the Allgäu whose aim – under the heading The Third Way – was to try to find alternative models of society. They devised social ideas that remain of influence today, with Beuys elaborating his extended concept of art. The material collected by publisher Rainer Rappmann documents that atmosphere of new beginnings in the 1970s and 1980s in an archive of great importance for post-war German history. For his contribution to the exhibition Who Pays?, the artist Christof Salzmann examined the historical collection with regard to the concept of money and capital in Beuys’s work. 

As part of the exhibition, the Zukunftswerkstatt Liechtenstein will be relocating its activities to Kunstmuseum Liechtenstein. An action space for flexible use will be installed in one of the exhibition rooms. By means of activities and events, the aim is to allow visitors to experience alternative forms of work and economic activity. Together with the Wanderkiosk, a temporary architecture intended to enliven public space, the aim is to create a place that invites people to stay a while and that can be used for a variety of purposes. As a modular open space, the Wanderkiosk is designed to explore the social and cultural potential and “capital”, encouraging us to reflect on money and ideas of exchange and sharing. Visitors are invited to use this space for various purposes. 

In addition, the full supporting programme draws on further cooperations: Haus Gutenberg, Balzers, that has chosen Silence is Golden – Let’s Talk About Money! as its topic for 2017, Liechtensteinische Kunstgesellschaft, Filmclub im Takino, Schaan, TAK Theater Liechtenstein, Schaan, Dialogprojekt Arbogast, Götzis, planoalto Institut, St. Gallen, and TALENTE Vorarlberg.

100 anni di mostre

Kunstmuseum Winterthur festeggia i suoi cento anni di attività con una articolata mostra che attraversa l’intero edificio e che vede la realizzazione di alcune opere appositamente per questo storico museo svizzero.

Da sempre luogo di grande sperimentazione ma anche attenzione al territorio il museo proporrà opere di vaste collezioni acquisite o in comodato come quelle di Bruno Bischofberger, Heidi Bucher, Alfred Kolb, Werner Meyer, Henri Schmid, Manfred Schoch, Rosa Studer-Koch, Rudolf Zehnder.

Gary Kuehn al Kunstmuseum Liechtenstein

Mostra retrospettiva su Gary Kuehn al Kunstmuseum Liechtenstein

Kunstmuseum Liechtenstein is dedicating the first ever comprehensive retrospective to Gary Kuehn (b. in Plainfield, New Jersey, in 1939), one of the outstanding sculptors of late 1960s’ Postminimalism.

In 1966, the year he exhibited his "Melt Pieces" group for the first time at the legendary Bianchini Gallery in New York, he noted the following in his sketchbook: “Butter in the sun. What could be more fatal?” In essence, these words embody one of Kuehn’s guiding principles: processuality. In his early work, Kuehn rebelled against the authority of the strict, rigid form of dominant Minimalism. Like ice cubes or butter, the ideal cuboids seem to be melting. Physical processes, often combined with the influence of outside forces, transform intact geometric forms, with Kuehn experimenting with a wide range of different materials (tar, fibreglass, latex, metal, wood) and an incredible breadth of creative possibilities. The basic form remaining untouched, deformations and changes become visible, giving rise to a narrative, metaphorical element. It is the tension between opposites, strength and weakness, rigidity and flexibility, hardness and softness, solidity and fluidity, that pervade the oeuvre and raise one of the core issues of human existence: the question of limitation and freedom. In 2000, Gary Kuehn made a note that his work lies “somewhere between sex and geometry.” 

The exhibition, created in close cooperation with the artist, gives visitors an insight into his wide-ranging oeuvre as a sculptor, painter and draughtsman from five decades, with an emphasis on the 1960s. On show are more than 120 works, including paintings and sculptures from the groups "Black Paintings", "Gesture Projects", "Berlin Series", "Branch Pieces", "Melt Pieces", "Pedestal Pieces", "Twist Pieces" and a wide range of works on paper, from experimental drawings such as "Drill" or "Stencil Drawings" to drawings of his sculptures. A central theme of the show is the intimate link between painting and sculpture in Kuehn’s work. For example, his high-contrast Black Paintings bespeak the sculptor’s hand both in terms of the application of colour and their focus on the edge of the painting, whereas his sculptures are pervaded by painterly and processual ideas. 

Snoeck Verlag are releasing a publication with essays by Cindy Hinant, Christiane Meyer-Stoll, Julian Rose and George Segal, among others, interviews and writings by the artist, and a richly illustrated exhibition chronology. 

The exhibition is a production of Kunstmuseum Liechtenstein, curated by Christiane Meyer-Stoll. 

Under the patronage of the US Embassy Bern.

Kunstmuseum di Basilea - Renoir, tra Boemia e la borghesia: The Early Years

Una delle tappe fondamentali dei mutamenti di fine ottocento è rappresentata sicuramente dal cambiamento sociale del ruolo femminile. Registro di queste trasformazioni sono tantissimi artisti che documentano questo periodo. In particolare la pittura di Renoir è segnata da una delicata successione di opere sulle figure femminili. Per poterne prendere visione si può visitare la stupenda mostra al Kunstmuseum di Basilea in corso in questo periodo all’ultimo piano. L’evento è una interessantissima raccolta dei primi anni dell’artista che viene analizzato nelle diverse stanze con differenti punti di vista. 

Seguendo un percorso espositivo cronologico, si visionano 50 dipinti che narrano dell’evoluzione artistica passando per ritratti, paesaggi e nature morte, tra i quali alcuni capolavori delle collezioni dei più noti musei come il Musée d'Orsay, la National Gallery, il Metropolitan Museum e l'Istituto d'Arte di Chicago. 

Ci sono così molte opere sulla sua amante, Lise Tréhot, il cui rapporto durò dal 1865 al 1872. I ritratti dei suoi amici e compagni di vita artistica, quali Claude Monet, Frédéric Bazille e Alfred Sisley che formarono un unito gruppo di cooperazioni artistiche. 

Valida la proposta delle sue opere paesaggistiche, in cui gli aspetti impressionistici diventano più intensi, come la stupenda "Femme à l'ombrelle dans un jardin" del 1876. 

Il periodo dalla metà del 1860 alla fine del 1870 è definito dall’attenzione alla straordinaria vita sociale, politico, e dai tanti sviluppi artistici che l’artista registra nelle sue opere. 

Molto interessante l’ ampio catalogo in tedesco e inglese che accompagna la mostra. pubblicato da Hatje Cantz, contenente validi di Michael F. Zimmermann, Sylvie Patry, Augustin de Butler, Marc Le Cœur, Peter Kropmanns, David Pullins, Stefanie Manthey, e Nina Zimmer. 

All’evento sono legati programmi educativi per bambini, scuole, e famiglie, nonché un importante simposio internazionale scientifico che si terrà il 29 e 30 Giugno di quest’anno. 

Scendendo non mancate di visitare la collezione permanete che ricca di opere di pittura del nord europea tra cui Cranach, Rembrandt, Rubens e alcuni dei lavori più stupendi di Holbein. 

Ricca anche la sezione del novecento con opere di Matisse, Klee, Modigliani, e due Picasso del “Periodo rosa” meravigliosi. 

All’ammezzato è in corso una mostra delle opere dell’artista ungherese Róza El-Hassan (nato a Budapest 1966). Una ricca raccolta dei suoi diari/disegni realizzati a partire dal 1999, testimonianza della sua complessa identità artistica.