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05/02/17

Fourth Plinth 2018/2019





Due dei cinque saranno selezionati per le prossime edizioni del Fourth Plinth a Londra, eccovi i bozzetti tra cui a fine Marzo saranno selezionati i vincitori, se volete potete andare a votare nella S.Martin in the Field Crypte.



This large and imposing figure is made from brown cork and white polystyrene. It is smeared with expressionistic, painterly marks. The pose and scale reflects a modern comic sci-fi movie, where legendary cities skylines become backdrops for CGI action figures.
Trafalgar Square is the setting for this strange, yet familiar superhero. But, the sculpture goes beyond comic book culture and pop art. The use of humble materials and being hand carved connects it to African art, Picasso, Rodin and other early 20th Century works.

Huma Bhabha was born in 1962 in Karachi, Pakistan. She lives and works in New York.
I like: Huma Bhabha - Untitled






Damián Ortega: High

Damian Ortega High Fourth Plinth Shortlist
Higher is a tall construction of a truck, oil cans, scaffold and ladders, it is playful and precarious, as though it might suddenly collapse. Our first response is alarm, before we realise we have been duped, the casual construction is contrived, the sculpture is safe and secure.
Public sculptures are often monumental so they can be seen from a distance. The human scale of Higher is in deliberate contrast to this. Its odd construction represents imbalance and fragility, a device frequently used by Ortega.

Damián Ortega was born in 1967 in Mexico City, where he lives and works.
I like: Damián Ortega - High
Heather Phillipson: The End



THE END represents exuberance and unease. Topped with a giant, unstable load, the plinth becomes a monument to over-confidence and impending collapse. The surrounding architecture of Trafalgar Square and its population are participants in a mis-scaled landscape, one that magnifies the banal, and our cohabitation with other lifeforms, to apocalyptic proportions.
Trafalgar Square sees extremes of shared experience, from commemorations and celebrations to mass protests. This sculpture attempts to address the physical context of the square, whilst considering a broader ideological one.

Heather Phillipson was born in 1978 in London, where she lives and works.
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Michael Rakowitz: The Invisible Enemy Should not Exist

Michael Rakowitz The Invisible Enemy Should not Exist Fourth Plinth Shortlist
The Fourth Plinth is roughly 14 feet high. That’s the same size as the Lamassu, a winged bull and protective deity that stood at the entrance to Nergal Gate of Nineveh from c 700 B.C. In 2015 it was destroyed by ISIS along with other artefacts in Mosul Museum. The Lamassu will be made of empty Iraqi date syrup cans, representative of a once-renowned industry decimated by the Iraq Wars.
Rebuilding the Lamassu in Trafalgar Square means the sculpture can carry on as a guardian of Nineveh’s past, present and future, even as a refugee or ghost, hoping one day to return to Iraq.

Michael Rakowitz was born in New York in 1973. He lives and works in Chicago.
I like: Michael Rakowitz -The Invisible Enemy Should not Exist




Raqs Media Collective: The Emperor’s Old Clothes


The Emperor’s Old Clothes uses sculpture to look at how power can be both present and absent in sculpture.
The artists invoke a statue, a stony relic of the British Empire, only to take away the body of power from this figure, leaving just an empty robe as a remainder. The robe, empty of the figure it clothed, is like the royalty left behind by an emperor who went out in search of new clothes in Delhi. What remains on the plinth in London are the emperor’s old clothes, a ghost of the past and a warning for the future.

Spaces like Trafalgar Square encourage us to look to those who have wielded power. But being there is not just about considering the relics of powerful men. It is also a place that thousands of ordinary men visit, where they meet each other and pass the time.

Raqs (pronounced Rux) Media Collective was founded in 1992 by Jeebesh Bagchi, Monica Narula and Shuddhabrata Sengupta.

04/02/17

Abitare in Giappone.



In questi giorni il Maxxi di Roma guarda all'estremo oriente con una bella mostra dal titolo "The Japanese House. Architettura e vita dal 1945 a oggi " che si  si concluderà il 26 Febbraio. 




La mostra racconta l’importanza del progetto della casa in Giappone attraverso il lavoro di archistar come Kenzo Tange, Toyo Ito, Kazuyo Sejima e Shigeru Ban, e dei loro maestri meno conosciuti in occidente come Shirai, Shinohara, Sakamoto e di giovani straordinariamente promettenti.

L'evento è corredato anche da interessanti incontri, conferenze e laboratori.





#ArtissimaRewind



#ArtissimaRewind è una serie di appuntamenti virtuali dedicati all'esplorazione dell'edizione 2016 della fiera:  tutti i giovedì, fino alla fine del mese di luglio, sui nostri canali social proporremo un palinsesto di performance, interviste, conversazioni evisite guidate condotte da influenti curatori e collezionisti internazionali (Walkie Talkies by Lauretana) e da mediatori culturali professionisti (Ypsilon St'Art Percorsi in Movimento). 
 
Per far rivivere al nostro pubblico le emozioni della passata edizione, accompagnandolo verso Artissima 2017.

Il primo appuntamento è andato in onda ieri ed è ancora visibile sulla video gallery del sito e sui nostri canali social. Si tratta di una conversazione fra Abaseh Mirvali (curatrice indipendente e producer che vive e lavora fra Berlino e Città del Messico) e Nicoletta Fiorucci (collezionista e fondatrice del Fiorucci Art Trust, Londra).

Fatevi guidare da loro alla riscoperta di Artissima 2016: enjoy the video!

03/02/17

Milagre



La galleria sud americana Marilia Razuk presenta ne suoi spazi di San Paolo la mostra "Milagre [Miracolo]" di Vanderlei Lopes.



Una selezione delle recenti opere di questo artista brasiliano, che unisce i materiali in una serie di procedure e temporalità che il dialogo tra di loro, nel tentativo di riflettere la luce e su come un'opera vive in uno spazio espositivo.




Abitare il minerale doppio incontro





Ore 16 - La natura come oggetto sociale: tre capanne semplici

Secondo la riflessione di Leonardo Caffo, “l’ideale della natura come ciò che è altro dal sociale è un mito filosofico che guida la contemporaneità almeno dal trascendentalismo a oggi.

La natura selvaggia come un luogo a cui tornare, piuttosto che ‘il punto di vista della natura’, come la retorica animante delle ecologie, degli ambientalismi e naturalismi contemporanei. Ma se la natura fosse anch’essa un oggetto sociale? Se la natura, dunque, non fosse naturale?”.

Ripercorrendo questa storia ontologica della vita e degli oggetti dell’uomo, Caffo ci conduce nell’attraversamento “di stazioni filosofiche decisive: la tassonomia, l’antropocene e l’antropocentrismo, fino ad arrivare a tre capanne emblematiche che hanno tentato di sfuggire alla gabbia della vita puramente artificiale. Le capanne di Thoreau, Kaczynski e Le Corbusier: ovvero le capanne della vita di ogni giorno”.


17,30 - Qual è la relazione fra l’equilibrio e lo sguardo?

È possibile trovare un equilibrio in un campo visivo che non ci appartiene?

Luca De Leva ha affrontato queste domande mettendo in pratica un radicale scambio di vista, iniziato alla fine del 2015 e tuttora in corso. Impiegando dispositivi oculari per la realtà virtuale opportunamente modificati, ha invertito il suo campo visivo con quello della compagna Giacinta Gandolfo durante la loro vita quotidiana. Il vedersi in terza persona, impossessarsi dello sguardo altrui, e le forme di dipendenza e controllo generate da questa esperienza, sollevano interrogativi sui confini della percezione e sull’impatto della tecnologia nelle relazioni umane.

Lo scambio di vista attuato nella loro vita privata prende forma in performance pubbliche dove la dimensione di finzione ed evocazione fa emergere nuove riflessioni sul rapporto tra esperienza vissuta ed esperienza raccontata.

Al Castello di Rivoli, De Leva presenta un nuovo capitolo delle Cronache da un altro occhio con una inedita performance il cui sound design è composto e missato da Andrea Bonalumi Big Hands.


Reportage fotografico 

Performance di Luca De Leva












Conferenza di Leonardo Caffo




























02/02/17

Lisson 50!




La Lisson Gallery quest'anno festeggia cinquata anni di attività

Aveva aperto nel 1967 al  67 di Bell Street di Londra, poi nel tempo è cresciuta e ha raddoppiato i suoi spazi a Londra e poi si è diffusa nel 2011 a Milano e a New York 2016.

Per festeggiare una ricca programmazione con mostre di Carmen Herrera,  Susan Hiller, Shirazeh Houshiary, Peter Joseph, Daniel Buren, Allora & Calzadilla, Carmen Herrera, Anish Kapoor e Pedro Reyes. 



CS

In 2017 Lisson Gallery celebrates 50 years of working with artists and making exhibitions, reaching yet another landmark in its already influential history. In addition to the launch of a major archival book, documenting over 150 artists and every one of the gallery’s more than 500 shows, Lisson Gallery will continue the strong artistic programming in its current venues, accompanied by an increased number of activities across Asia. First opened on 4 April 1967 on Bell Street in London by Nicholas Logsdail, the gallery has since grown to encompass four spaces: two in London, one in Milan and a fourth in the Chelsea neighbourhood of New York, which opened under the High Line on 3 May 2016.

After showing in Young Contemporaries at the Tate Gallery earlier in 1967, Nicholas Logsdail set up a further showcase for his fellow students from the Slade School of Fine Art over three floors of his Marylebone house. Unexpectedly, he was then expelled from Slade by the school’s strict principal Sir William Coldstream. Urged by his friend Derek Jarman to continue his endeavour, Logsdail presented a solo exhibition of Jarman’s work and invited international experimental artists such as Li Yuan-Chia, Mira Schendel, Lygia Clark and Yoko Ono to show within the first year. By the time of a seminal group show in 1970 – entitled ‘Wall Show’, after an invitation for artists to take one wall each – Logsdail was frequently travelling to New York, bringing back many important American artists for inaugural London shows, including Minimal and Conceptual artists such as Carl Andre, Mel Bochner, Dan Flavin, Dan Graham, Donald Judd, Sol LeWitt, Robert Mangold, Robert Ryman and Fred Sandback.

Throughout the 1970s and ’80s Lisson Gallery also introduced successive generations of British artists to audiences both in the UK and internationally, such as Art & Language, Tony Cragg, Richard Deacon, Anish Kapoor, Shirazeh Houshiary, Richard Long and Julian Opie. Two of the artists with the longest ties to Lisson Gallery are Peter Joseph (showing later this year in the New York space) and John Latham (whose survey opens at the Serpentine Gallery in London this March). An expansion of activities to encompass some of the world’s most important living artists, such as Marina Abramović, Ai Weiwei and Carmen Herrera, has continued throughout the 1990s and 2000s, as does an on-going commitment to develop the next wave of global practitioners, which includes Cory Arcangel, Nathalie Djurberg & Hans Berg, Ryan Gander, Haroon Mirza, Wael Shawky and Jorinde Voigt.

Lisson Gallery’s 50th year will be marked by a major publication to be launched this October in London. Under the art direction of famed Dutch designer Irma Boom, the publication will feature an A-to-Z of all 150 artists who have had solo shows at the gallery. Through the use of ephemera, letters, drawings, photographs and other printed matter, the book will form a parallel document to the gallery’s own rich archive and will run over 1,000 pages.

Among other events punctuating 2017, a new strand of on- and off-site exhibitions will be introduced into the programme worldwide. Entitled ‘Lisson Presents...’ after a prior series of group shows initiated in 2009 to promote curatorial innovation, these new, focused presentations will be used to debut work by emerging artists, often alongside historical pieces by established gallery artists. Running in parallel with the main exhibition programme, ‘Lisson Presents…’ operates as a curatorial platform to reaffirm a continuing connection with the gallery’s origins. 

Further events and projects will take place throughout the year.

"Per dormire mi distesi in mezzo agli assassini"



Apre al pubblico giovedì 2 febbraio alle ore 18, nella sede della Galleria di Piazza San Marco della Bevilacqua La Masa Opera 2016, la mostra di fine residenza degli assegnatari di uno studio per l'anno 2016.  La mostra, a cura di Stefano Coletto, presenterà al pubblico opere di Ana Blagojevic,Lucia Del Zotto, Melania Fusco,Caterina Gabelli, Gosia Maria Jagiello, Alberto Luparelli,Gioele Peressini, Nuvola Ravera, Gaetano Olmo Stuppia, Francesco Zanatta, Michelangelo Zoppini, dopo un anno di sperimentazione, confronto, formazione negli atelier di Palazzo Carminati a S. Stae e del complesso dei SS. Cosma e Damiano alla Giudecca.

Quest'anno gli artisti hanno proposto di accompagnare al titolo tradizionale un verso tratto da una celebre poesia di Bertolt Brecht "A coloro che verranno". Il verso esprime in modo diretto e metaforico la complessità dell'esperienza degli studi, che alterna impegno fisico a momenti di mera riflessione, slanci euforici e fasi di crisi e incertezza sulla propria visione. Il futuro entra in gioco, così come le visioni individuali, gli impegni politici, lo sguardo critico. Il giovane artista come figura che riconosce le contraddizioni, che scende a patti con se stesso, che si sente libero verso le convenzioni, ma poi le ripensa e si ricolloca rispetto ad esse. Avere lo studio in una Istituzione pubblica comporta anche questo movimento tra le norme quotidiane e l'autonomia del pensiero, tra l'incertezza sull'essere ascoltato e l'esigenza di esprimersi; la fatica di questa tensione si può liberare, se trova spazio nel lavoro individuale, nella rappresentazione, in un verso. 
La mostra, come ogni anno, si articola nei linguaggi più diversi, passando dalle riflessioni concettuali, alle installazioni, alle pratiche pittoriche e fotografiche, fino alle ricerche audio e video.  

Il programma degli studi d'artista di Bevilacqua La Masa, che origina dal 1901 grazie al lascito di Felicita Bevilacqua La Masa al Comune di Venezia, è tra i più antichi d'Europa. Oggi la Fondazione Bevilacqua La Masa è l'unica Istituzione pubblica italiana che assegna annualmente 12 atelier ad altrettanti artisti, garantendo loro un ricco programma di iniziative, quali studio visit da parte di critici, galleristi, docenti e operatori del settore, incontri con il pubblico, occasioni espositive e progetti con partner sostenitori.
La mostra sarà accompagnata da un catalogo a colori edito dalla Bevilacqua La Masa, che,  per la prima volta, uscirà successivamente all'inaugurazione, per documentare al meglio i lavori esposti dagli artisti e pensati appositamente per lo spazio espositivo. Il catalogo verrà presentato nel periodo di apertura della mostra con un evento dedicato. 


Un ringraziamento speciale a FAVINI che ha supportato il lavoro dei giovani artisti in residenza. A Stonefly, che ha affiancato per il settimo anno consecutivo il programma degli studi d'artista di Bevilacqua La Masa, anche con il conferimento di un premio acquisto Walking with Art, Stonefly Art Prize.

"Per dormire mi distesi in mezzo agli assassini"

Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa
Galleria di Piazza San Marco 71/c, Venezia

Inaugurazione 2 febbraio 2017, ore 18
3 febbraio > 19 marzo 2017 

01/02/17

Il percorso di Giugiaro


Il Museo dell'Automobile di Torino presenta, fino al 26 Febbraio, una bella mostra dedicata al  car-designer Giorgetto Giugiaro.



Vincitore di ben sei Compasso d'Oro, tre Auto dell'Anno, due Volanti d’Oro, è fra le figura di spicco della ricerca estetica italiana nel settore delle automobili ma non solo.


Da mezzo secolo il pubblico dei Saloni internazionali sogna davanti alle concept-car dello stilista piemontese.  Più  di  200  vetture  sono uscite dalla sua matita – dalle utilitarie più spartane alle sportive mozzafiato, spesso diventando icone a quattro ruote della loro epoca.

M HKA - Da museo a forum culturale




Il MHKA - Museo di Arte Contemporanea di Anversa ha in programma una trasformazione culturale che vuole renderlo come un luogo ambasciatore internazionale della cultura visiva fiamminga con una nuova presentazione della collezione permanente. La ristrutturazione della ricezione del museo e sarà gestito dal collezionista Axel Vervoordt

Il 27 Aprile si svolgerà una grande festa per la riapertura del museo.