Gli arcobaleni di Ugo Rondinone

 Col titolo "L'arcobaleno è un ponte tra tutti e tutto" l'artista svizzero  Ugo Rondinone propone la sua recente mostra presso la sede centrale di Sadie Coles a Londra. 

"The Rainbow Body"  presenta una serie di sculture figurative inserite in un ambiente fluorescente. Pareti, pavimenti e soffitto della galleria sono stati rifiniti con tonalità arcobaleno che rispecchiano i colori delle sculture, generando una dinamica di attrazione e di tensione tra la singola figura e il paesaggio espositivo. La mostra include anche sculture in bronzo di candele che riaffermano il tema più ampio del tempo sospeso.

Combinando una radiosità trascendentale con un senso di introspezione, il corpo arcobaleno riprende alcune delle preoccupazioni centrali della pratica di Rondinone: l'interazione tra parte e tutto, ad esempio, o il legame tra l'attimo immediato e il tempo cosmico. Le figure policrome – distribuite sul pavimento della galleria principale – hanno origine dalla sua serie di nudi del 2010, un gruppo di quattordici calchi di danzatori seduti o accovacciati, ciascuno assemblato da sezioni di cera più piccole (nel gruppo originale, la cera trasparente era mescolata con terra proveniente da ciascuno dei sette continenti). Nudi a parte i copricapi, i danzatori sono colti in momenti di riposo, con gli occhi chiusi. Le giunture tra le parti del corpo sono lasciate visibili, in una consapevole sovversione del realismo dei calchi.

La serie dei nudi (arcobaleno) segna un'evoluzione delle sculture originali. Mentre i nudi precedenti erano legati alla terra nella loro composizione, la colorazione prismatica delle figure arcobaleno preannuncia uno stato di trasfigurazione: il corpo fisico che si dissolve nella luce. In questo, vi è un'allusione al fenomeno del "corpo arcobaleno" del Buddhismo e ai suoi antecedenti, il più alto livello di realizzazione spirituale, per cui gli elementi del corpo mortale si trasformano nelle luci dello spettro prima di svanire in pura luce.

Le tonalità dell'arcobaleno legano le figure in un sistema immersivo, fungendo da "ponte tra tutto e tutti", nelle parole di Rondinone, con la galleria piena di colori che assomiglia a un palcoscenico – un luogo di possibilità. Allo stesso tempo, ogni figura simboleggia l'interiorità, trasmettendo una presenza psicologica distinta. I danzatori sono, nelle parole di Rondinone, "passivi, semplicemente se stessi, senza alcuna attività o valutazione cosciente". Il tempo storico collassa nel momento presente, in un modo che risuona con la pratica più ampia dell'artista – che si tratti dei suoi dipinti iterativi di albe, dei suoi calchi a grandezza naturale di ulivi o del suo gruppo scultoreo di clown trompe-l'oeil (iniziato nel 2000) immaginati in vari stati di riposo e sonno.

La seconda galleria ospita una costellazione di sculture di candele, disposte sul pavimento come offerte votive. Come i danzatori (ognuno dei quali colto al culmine della giovinezza e della prestanza fisica), questi sono segni del tempo: oggetti semi-metamorfosati, resi statuari e immutabili. Parte della longeva serie di nature morte di Rondinone , oggetti mondani trasposti in bronzo, le candele esprimono un'oscillazione tra il quotidiano – che sembra quasi patetico nella loro modesta scala – e il trascendentale. Il loro medium bronzeo suggerisce inoltre uno spostamento di materiali tra i due gruppi di opere in mostra: il bronzo sarebbe un materiale più "classico" per le figure umane, la cera più probabile per le candele.

Dando espressione emblematica al tema del tempo, un orologio in vetro colorato illumina la galleria da un lato. È stato liberato dalle lancette, come se il tempo si fosse disperso o condensato in un'unica singolarità. Evocando l'orologio primordiale del sole, la finestra simboleggia l'interconnessione tra natura e umanità, un concetto che ha guidato l'arte di Rondinone fin dai suoi albori.

Testo di  James Cahill

Ugo Rondinone è nato nel 1964 a Brunnen, in Svizzera. Ha studiato all'Universität für Angewandte Kunst di Vienna prima di trasferirsi a New York nel 1997, dove vive e lavora tuttora. Le sue opere sono state oggetto di mostre personali presso il Pilane Sculpture Park, Svezia (2025); la Galleria d'Arte Moderna, Milano (2025); Arte Abierto, Messico (2025); l'Aspen Art Museum, Colorado (2024); il Kunstmuseum Lucerna, Svizzera (2024); il Museum SAN, Corea del Sud (2024); lo Städel Museum, Francoforte (2023); Storm King, New York (2023); il Musée d'Art et d'Histoire, Ginevra (2023); la Scuola Grande San Giovanni Evangelista di Venezia, Venezia (2022); il Petit Palais, Parigi (2022); la Schirn Kunsthalle, Francoforte (2022); Museo Tamayo, Città del Messico (2022); Belvedere, Vienna (2021); Bass Museum of Art, Miami (2017); Contemporary Art Center Cincinnati (2017); Berkeley Art Museum (2017); Carré D'Art, Nîmes (2016); MACRO, Roma (2016); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (2016); Secession, Vienna (2015); Palais de Tokyo, Parigi (2015); Rockbund Art Museum, Shanghai (2014); Art Institute of Chicago (2013); 52ª Biennale di Venezia (2007); Whitechapel Gallery, Londra (2006); e Centre George Pompidou, Parigi (2003). Tra le prossime mostre, The Madoo Conservancy, New York (agosto 2025).

Ugo Rondinone a Parigi

 

Trovo sempre molto forte il modo di operare di Ugo Rondinone e anche questa ultima mostra alla galleria Kamel Mennour a Parigi è sempre molto intensa. 

Il semplice titolo "a rainbow . a nude . bright light . summer" dice tutto e si rende semplice e reale, ma gli intensi colori fanno diventare tutto magico. 

CS

A naked woman is sitting on the floor. Her eyes are closed. Her head is bowed.

As is her upper body, stabilised by her left arm, while her right arm, slightly further back, rests on her foot. The sculpture is human in appearance and visibly moulded from a model full of bodily vigour – and for good reason:this is a dancer. Yet this sculpture makes no attempt at concealing an artificiality – reinforced by the application of colour on the body – springingfrom the production process, as attested by the treatment of certain joints and the intentional visibility of strings which, like those of a puppet, excludeany pretensions to hyper-realism.

The woman is situated in a polychrome space open to the street, allowing hersurroundings to be flooded with summer light. She blends into her setting, where the more "natural" matrix sculptures had made play with contrast.

The work derives from a family of nudes Rondinone created in 2010–2011,using a mix of wax and earth colours. In this group dating back 10 years or so, as in the sculpture on display here, we can detect speculation about tempusfugit that is only exacerbated by the disparity between the vitality of the mature bodies and the fragility of the wax. A beautiful, all but untranslatable German word reflects this separation and transience: Vergänglichkeit.

Equally significant is the polychrome character of this sculpture, echoed in the gallery's walls, ceiling and floor (it should be remembered that for Ugo Rondinone, the exhibition and its presentation approach constitute a "form"in their own right and are in no way reducible to a mere "neutral" envelope).

Coming in the wake of a number of polychrome sculptures produced in recent years, this is a perfect example of the transmutation characteristic of the Rondinone method: from family to family, processes of hybridisation, transfer and mutation intermingle and enrich his work with additional intertextual layers. A constantly renewed work in progress of which this nude is a new chapter.

— Erik Verhagen

La fragilità del contemporaneo

Installata solo nel 2016 la famosa opera Seven Magic Mountains dell’artista Ugo Rondinone è già in decomposizione, a causa delle alte temperature del deserto del Nevada. 

Ma visto che ha generato un grande interesse e un buon flusso turistico il Nevada Museum of Art di Reno e l'Art Production Fund di New York hanno deciso di realizzare un intervento di manutenzione e il rinnovo della locazione col parco  BLM – Bureau of Land Management, che deve essere aggiornato ogni tre anni. 

Bass Museum

Fra i tanti eventi di queste giornate a Miami c'è il Bass Museum che riapre ampliando con un elegante rinnovamento ideato Arata Isozaki, evento speciale la grande mostra su Ugo Rondinone che propone  il progetto "Good evening beautiful blue" anche con i suoi famosi "pagliacci". 

CS

Spanning the entirety of the museum’s newly designed second floor, good evening beautiful blue by Ugo Rondinone is part of a major multi-institution retrospective comprising works that span three decades of the artist’s practice, from the late 1990s to the present. From poetic installations in public spaces to life-size drawings, Rondinone’s work balances on the edge of euphoria and detachment.

good evening beautiful blue begins with Rondinone’s clockwork for oracles II (2008). The multi-wall installation is comprised of 52-mirrored windows (one for each week in the year) set against a backdrop of whitewashed pages from a local newspaper. Visitors encounter their mirrored reflections, stopping momentarily to contemplate how their temporary presence in the room contrasts with the dated newsprint behind the windows, which becomes more distant throughout the duration of the exhibition. The subsequent gallery houses vocabulary of solitude (2014-2016), the centerpiece of the exhibition and the only work present in all venues of the retrospective. vocabulary of solitude is an installation of 45 life-size clown figures cast from 22 men and 23 women of various ages and ethnicities. The work takes inspiration from the artist’s reflection on his daily actions, where each figure is engaged in a different quotidian activity, such as sleeping, dreaming, remembering, showering and walking.

Marking its first appearance in the U.S. in nearly two decades, the final gallery presents an immersive six-channel video installation titled It’s late It’s late and the wind carries a faint sound as it moves through the trees. It could be anything. The jingling of little bells perhaps, or the tiny flickering out of tiny lives. I stroll down the sidewalk and close my eyes and open them and wait for my mind to go perfectly blank. Like a room no one has ever entered, a room without any doors or windows. A place where nothing happens. (1998). The entire room is given a blue tint by an illuminated ceiling, as projected slow-motion loops of six men and six women, alone in their frames, perform an unresolved gesture without acknowledging the viewer, like opening an apartment door, or floating (or sinking) in water. The final line of the work’s narrative title …A place where nothing happens. aptly describes the cyclical loop of movements performed by each figure, resulting in a thought provoking and introspective space. Together, the selection of works places the visitor in an arena of contemplation and introspection, confronted by installations that stimulate self-reflection.

Ugo Rondinone (b. 1964, Brunnen, Switzerland) is a mixed-media artist who lives and works in New York. Recent solo exhibitions include: the world just makes me laugh at Berkeley Art Museum, let’s start this day again at Contemporary Art Center (Cincinnati), giorni d’oro + notti d’argento at Museo d’Arte Contemporanea di Roma, Seven Magic Mountains organized by Art Production Fund and the Nevada Museum of Art (Nevada), vocabulary of solitude at Museum Boijmans van Beuningen (Rotterdam), i love john giorno at Palais de Tokyo (Paris), artists and poets at Vienna Secession (Vienna), breathe walk die at Rockbund Art Museum (Shanghai), human nature organized by Public Art Fund in Rockefeller Plaza, (New York), we run through a desert on burning feet, all of us are glowing our faces look twisted at Art Institute of Chicago, thank you silence at M-Museum Leuven (Belgium). His work is in the collections of MoMA (New York), ICA Boston, SFMOMA, Walker Art Center (Minneapolis), The Bass (Miami Beach) and Dallas Museum of Art, among others

Sette magici monumenti ... o quasi

“Seven magic monument” è un progetto speciale ideato da Ugo Rondinone nel Nevada, che scimmiotta un poco quelli storici della Land Art, fatto però con una sua gradevole ironia.

Il progetto sarà fruibile dall’undici Maggio 2016 per almeno due anni nei pressi di Las Vegas, via per essere comunque sicuri che un poco di gente sicuramente ci passerà.

Giganti a New York, intervento artistico di Ugo Rondinone al Rockefeller Center per Public Art Fund

Sta suscitando molto successo l'ultimo lavoro di Ugo Rondinone,  artista svizzero che vive da molto tempo a  New York. Si tratta di "Human Nature"  una grande opera di Public Art Fund per il Rockefeller Center, composta da nove figure di pietra colossali, in piedi come sentinelle antiche lungo tutto il Rockefeller Plaza tra 49th e 50th Streets. Hanno un'altezza fra i 16 e 20 metri, pesano fino a 30.000 libbre ciascuno.

Sono state utilizzate lastre di pietra blu da una cava nel nord della Pennsylvania, l'artista ha caratterizzato ogni figura con una personalità distintiva. Come una foresta di giganti,  fra le loro gambe si formano dei passaggi attraverso il quale i visitatori possono, intuendo le superfici tattili di queste forme primordiali.