Gli arcobaleni di Ugo Rondinone

 Col titolo "L'arcobaleno è un ponte tra tutti e tutto" l'artista svizzero  Ugo Rondinone propone la sua recente mostra presso la sede centrale di Sadie Coles a Londra. 

"The Rainbow Body"  presenta una serie di sculture figurative inserite in un ambiente fluorescente. Pareti, pavimenti e soffitto della galleria sono stati rifiniti con tonalità arcobaleno che rispecchiano i colori delle sculture, generando una dinamica di attrazione e di tensione tra la singola figura e il paesaggio espositivo. La mostra include anche sculture in bronzo di candele che riaffermano il tema più ampio del tempo sospeso.

Combinando una radiosità trascendentale con un senso di introspezione, il corpo arcobaleno riprende alcune delle preoccupazioni centrali della pratica di Rondinone: l'interazione tra parte e tutto, ad esempio, o il legame tra l'attimo immediato e il tempo cosmico. Le figure policrome – distribuite sul pavimento della galleria principale – hanno origine dalla sua serie di nudi del 2010, un gruppo di quattordici calchi di danzatori seduti o accovacciati, ciascuno assemblato da sezioni di cera più piccole (nel gruppo originale, la cera trasparente era mescolata con terra proveniente da ciascuno dei sette continenti). Nudi a parte i copricapi, i danzatori sono colti in momenti di riposo, con gli occhi chiusi. Le giunture tra le parti del corpo sono lasciate visibili, in una consapevole sovversione del realismo dei calchi.

La serie dei nudi (arcobaleno) segna un'evoluzione delle sculture originali. Mentre i nudi precedenti erano legati alla terra nella loro composizione, la colorazione prismatica delle figure arcobaleno preannuncia uno stato di trasfigurazione: il corpo fisico che si dissolve nella luce. In questo, vi è un'allusione al fenomeno del "corpo arcobaleno" del Buddhismo e ai suoi antecedenti, il più alto livello di realizzazione spirituale, per cui gli elementi del corpo mortale si trasformano nelle luci dello spettro prima di svanire in pura luce.

Le tonalità dell'arcobaleno legano le figure in un sistema immersivo, fungendo da "ponte tra tutto e tutti", nelle parole di Rondinone, con la galleria piena di colori che assomiglia a un palcoscenico – un luogo di possibilità. Allo stesso tempo, ogni figura simboleggia l'interiorità, trasmettendo una presenza psicologica distinta. I danzatori sono, nelle parole di Rondinone, "passivi, semplicemente se stessi, senza alcuna attività o valutazione cosciente". Il tempo storico collassa nel momento presente, in un modo che risuona con la pratica più ampia dell'artista – che si tratti dei suoi dipinti iterativi di albe, dei suoi calchi a grandezza naturale di ulivi o del suo gruppo scultoreo di clown trompe-l'oeil (iniziato nel 2000) immaginati in vari stati di riposo e sonno.

La seconda galleria ospita una costellazione di sculture di candele, disposte sul pavimento come offerte votive. Come i danzatori (ognuno dei quali colto al culmine della giovinezza e della prestanza fisica), questi sono segni del tempo: oggetti semi-metamorfosati, resi statuari e immutabili. Parte della longeva serie di nature morte di Rondinone , oggetti mondani trasposti in bronzo, le candele esprimono un'oscillazione tra il quotidiano – che sembra quasi patetico nella loro modesta scala – e il trascendentale. Il loro medium bronzeo suggerisce inoltre uno spostamento di materiali tra i due gruppi di opere in mostra: il bronzo sarebbe un materiale più "classico" per le figure umane, la cera più probabile per le candele.

Dando espressione emblematica al tema del tempo, un orologio in vetro colorato illumina la galleria da un lato. È stato liberato dalle lancette, come se il tempo si fosse disperso o condensato in un'unica singolarità. Evocando l'orologio primordiale del sole, la finestra simboleggia l'interconnessione tra natura e umanità, un concetto che ha guidato l'arte di Rondinone fin dai suoi albori.

Testo di  James Cahill

Ugo Rondinone è nato nel 1964 a Brunnen, in Svizzera. Ha studiato all'Universität für Angewandte Kunst di Vienna prima di trasferirsi a New York nel 1997, dove vive e lavora tuttora. Le sue opere sono state oggetto di mostre personali presso il Pilane Sculpture Park, Svezia (2025); la Galleria d'Arte Moderna, Milano (2025); Arte Abierto, Messico (2025); l'Aspen Art Museum, Colorado (2024); il Kunstmuseum Lucerna, Svizzera (2024); il Museum SAN, Corea del Sud (2024); lo Städel Museum, Francoforte (2023); Storm King, New York (2023); il Musée d'Art et d'Histoire, Ginevra (2023); la Scuola Grande San Giovanni Evangelista di Venezia, Venezia (2022); il Petit Palais, Parigi (2022); la Schirn Kunsthalle, Francoforte (2022); Museo Tamayo, Città del Messico (2022); Belvedere, Vienna (2021); Bass Museum of Art, Miami (2017); Contemporary Art Center Cincinnati (2017); Berkeley Art Museum (2017); Carré D'Art, Nîmes (2016); MACRO, Roma (2016); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (2016); Secession, Vienna (2015); Palais de Tokyo, Parigi (2015); Rockbund Art Museum, Shanghai (2014); Art Institute of Chicago (2013); 52ª Biennale di Venezia (2007); Whitechapel Gallery, Londra (2006); e Centre George Pompidou, Parigi (2003). Tra le prossime mostre, The Madoo Conservancy, New York (agosto 2025).

Urs Fischer da Sadie Coles a Londra

Ultimi giorni per la particolare installazione di Urs Fisher alla Sadie Coles, al 62 di Kingly Street a Londra

Photography: Mats Nordman‏

Press Release: 

Urs Fischer’s new exhibition at Sadie Coles HQ centres on an installation of 3,000 plaster raindrops suspended throughout the gallery. Titled Melodrama, the raindrops encompass a spectrum of shades from green to lilac, massing together into a gently psychedelic storm cloud which weaves in a swirling movement through the space. Yet their forms are incongruously physical – each droplet is a bulbous pendant cast from a hand-modelled prototype, and hangs from the ceiling by lengths of near-invisible monofilament. The installation’s romantic overtones collide with a bluntly cartoonish quality, bordering on the slapstick, that resonates with the double-edged register of much of Fischer’s art.

The heaviness and irregularity of the objects compound their lurking air of oddness. The arrayed drops begin to resemble other free-floating bodies – tangible or virtual, magical or mundane – from a swarm of gloopy commas to squirts of icing. They are emblematic of a strain of fairytale-style surrealism that pervades Fischer’s work, manifested variously by his wryly anthropomorphic furniture (including a lilac-hued grand piano collapsing droopingly like one of Dalí’s melting watches) or by the wax effigies which slowly implode into formlessness as wicks burn within them. Myriads of coloured droplets have featured explicitly in Fischer’s earlier work. This is the third in a series of expansive installations of raindrops including Vintage Violence (2004–05) and Horses Dream of Horses (2004), which respectively present blood-red and turquoise explosions of droplets. In more recent works such Secret (2012–13), globular raindrops are printed in dense clusters across the large, sultry headshots of 1950s Hollywood idols.

Mirroring the hand-sculpted forms of the raindrops are new sculptures in clay. Much of Fischer’s recent work has employed this medium: in 2011, he began an on-going public art project in which members of the public are invited to make objects out of freely supplied clay. Here, a single figurative sculpture is repeated in clay throughout the gallery, teasing out a dualism between originals and copies that has underpinned much of his art. In 2011, in the latest (and perhaps most literal) in a string of references to the working space of the artist’s studio, he collaborated with German artist Georg Herold in modelling clay figures from nude models; the objects were then exhibited alongside the same nude figures. Here, the sculptures appear metamorphic and unstable, redolent not only of tragic Pompeian casts but also the melting figures of Medardo Rosso (themselves often only preserved in the mediated form of photographs). Collectively, these sculptures describe an earthbound world of disorderly, golem-like forms in contrast with the symphony of suspended shapes above. The floor-based works and the raindrops constitute a ‘heaven and earth’ tableau that is at once pointedly familiar and otherworldly.

Urs Fischer (b. Switzerland, 1973) traverses the fields of painting, sculpture and installation, as well as photography and drawing, in a multifaceted body of work that eludes formal or generic categorisation, coaxing comparisons with the multifarious practices of Martin Kippenberger, Franz West, Fischl i & Weiss, and others. His work simultaneously echoes the shifting moods of Dada, Pop Art and conceptualism; and he deploys a dizzying range of materials from food to mirrors to dirt. Urs Fischer lives in New York. Recent major exhibitions include those at MOCA, Los Angeles, 2013; Madame Fisscher, Palazzo Grassi, Venice, Italy, 2012; and Skinny Sunrise, Kunsthalle Wien, Vienna, 2012. He has had solo shows throughout Europe and the USA, including Oscar the Grouch, The Brant Foundation, Greenwich (CT) (2010) and Marguerite de Ponty, New Museum, New York (2009). In 2004, Not My House Not My Fire took place at Espace 315, Centre Pompidou, Paris, and the retrospective Kir Royal was held at Kunsthaus Zürich, Switzerland. Urs Fischer’s work has been included in numerous group exhibitions including the Venice Biennale in 2003, 2007, and 2011.

For f urther inf ormation please contact the gallery at +44 (0)20 7493 8611 or press@sadiecoles.com