alla Louis Vuitton arriva la primavera di Hockney

Nella primavera del 2025, la Fondation Louis Vuitton inviterà David Hockney, uno degli artisti più influenti del XX e XXI secolo, a occupare l'intero edificio per una mostra che sarà eccezionale per portata e originalità dal titolo  "Ricorda che non possono annullare la primavera".  

La mostra, che si terrà dal 9 aprile al 1° settembre 2025, riunirà più di 400 delle sue opere (dal 1955 al 2025), tra cui dipinti provenienti da collezioni internazionali, istituzionali e private, nonché opere provenienti dallo studio e dalla Fondazione dell'artista. Ci saranno opere in una varietà di media tra cui pittura a olio e acrilico, inchiostro, disegno a matita e carboncino, arte digitale (opere su iPhone, iPad, disegni fotografici...) e installazioni video immersive. 

David Hockney è stato personalmente coinvolto in ogni aspetto della mostra e, insieme al suo socio e direttore dello studio Jean-Pierre Gonçalves de Lima, ha scelto di concentrarsi in particolare sugli ultimi 25 anni, includendo anche le prime opere iconiche, offrendo ai visitatori una rara visione del suo universo creativo, che abbraccia sette decenni. L'artista ha partecipato alla composizione di ogni sequenza e alla disposizione di ogni spazio, in un dialogo permanente con il suo assistente Jonathan Wilkinson. 

"Questa mostra ha un significato enorme perché è la più grande mostra che abbia mai avuto: 11 sale alla Fondation Louis Vuitton. Saranno inclusi alcuni degli ultimi dipinti a cui sto lavorando ora, e penso che sarà molto bello."
Davide Hockney

Come introduzione, la mostra inizierà, a livello dello stagno, con una selezione di opere emblematiche dagli anni '50 agli anni '70, tra cui gli inizi di Hockney a Bradford ( Ritratto di mio padre , 1955), il suo periodo a Londra e poi in California. La piscina, un tema distintivo dell'artista, appare in A Bigger Splash , 1967 e Ritratto di un artista (piscina con due figure) , 1972. La sua serie di doppi ritratti è rappresentata da due opere principali: Mr. e Mrs. Clark e Percy , 1970-1971 e Christopher Isherwood e Don Bachardy , 1968.

La natura diventa sempre più importante nel lavoro di David Hockney nel decennio tra il 1980 e il 1990, come illustrato in  A Bigger Grand Canyon , 1998, prima del suo ritorno in Europa per continuare la sua esplorazione di paesaggi a lui familiari.

Il nucleo della mostra si concentrerà sugli ultimi 25 anni, trascorsi principalmente nello Yorkshire, in Normandia e a Londra. Questo periodo, nella mostra, si apre con una celebrazione del paesaggio dello Yorkshire: l'artista dipinge un cespuglio di biancospino in una spettacolare esplosione di primavera ( May Blossom on the Roman Road , 2009); la sua osservazione del cambiamento delle stagioni culmina nel monumentale paesaggio invernale  Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique , 2007, generosamente prestato dalla Tate.

Nello stesso periodo, David Hockney dipingeva amici e parenti in acrilico o su iPad, mentre lavorava anche ad autoritratti. La mostra presenterà circa 60 ritratti (Galleria 4), che saranno esposti insieme ai suoi "ritratti di fiori". Creati su un tablet digitale ma esposti in cornici tradizionali, i lavori hanno un effetto intrigante. Ciò è evidente in 25 giugno 2022, Looking at the Flowers (Framed) , 2022, dove sono esposti insieme sulla parete.  

Il 1° piano della Fondation (Gallerie 5-7) sarà interamente dedicato alla Normandia e ai suoi paesaggi. La  serie 220 for 2020  , completata esclusivamente su iPad, sarà presentata in un'installazione completamente nuova nella Galleria 5. Giorno dopo giorno, stagione dopo stagione, l'artista cattura le variazioni di luce. Una serie di dipinti acrilici è esposta nella Galleria 6, caratterizzata da un trattamento altamente singolare del cielo, animato da tocchi vibranti, che evocano sottilmente l'opera di Van Gogh. Nella Galleria 7, un panorama di 24 disegni a inchiostro ( La Grande Cour , 2019) riecheggia l'Arazzo di Bayeux.

Infine, una serie di riproduzioni, risalenti al Quattrocento e che servono come importanti riferimenti per l'artista, apriranno la mostra al piano superiore ( The Great Wall , 2000). La pittura di Hockney attinge a riferimenti storico-artistici globali che vanno dall'antichità ai giorni nostri. Nella mostra, le sue opere si concentrano su dipinti europei, tra cui opere del primo Rinascimento, dei Maestri fiamminghi e dell'arte moderna. La prima parte della mostra nella Galleria 9 presenterà questo dialogo con Fra Angelico, Claude Lorrain, Cézanne, Van Gogh, Picasso... Da lì, entreremo nello studio dell'artista, trasformato in una sala da ballo, che rispecchia la casa di David Hockney, dove musicisti e ballerini sono regolarmente invitati a esibirsi.

Appassionato di opera, David Hockney è stato desideroso di reinterpretare le scenografie che ha creato fin dagli anni '70 in una nuova creazione polifonica, in collaborazione con 59 Studio. I visitatori saranno immersi in questa opera musicale e visiva all'interno dello spazio espositivo più monumentale della Fondation (Galleria 10).

L'ultima sala della mostra, più intima, svelerà le opere più recenti di David Hockney, dipinte a Londra, dove l'artista risiede da luglio 2023 (Galleria 11). Questi dipinti particolarmente enigmatici sono ispirati a Edvard Munch e William Blake:  After Munch: Less is Known than People Think , 2023, e  After Blake: Less is Known than People Think , 2024, in cui astronomia, storia e geografia si incrociano con la spiritualità, secondo l'artista che ha scelto di esporre anche il suo ultimo autoritratto in questa sala finale.

Curatori
Curatore capo
Suzanne Pagé, Direttore artistico della Fondation Louis Vuitton
Curatore ospite 
Signore Norman Rosenthal,
Curatore associato
François Michaud, curatore della Fondation Louis Vuitton, assistito da Magdalena Gemra

Matta-Clark da Schulte

A Berlino da pochi giorni la Galerie Thomas Schulte, presso il  Mercator Höfe, ha inaugurato la mostra " (Ex)Urban Futures of the Recent Past" sui film e le fotografie di Gordon Matta-Clark. Un bel progetto curata da David Hartt, una indagine fra critica e sperimentazione sullo spazio urbano, in un periodo definito da radicali trasformazioni che continuano a strutturare l'ambiente costruito oggi.

Con un suggerimento aggiunto di qualcosa che non c'è più, (Ex)Urban Futures of the Recent Past è una leggera modifica del sottotitolo del libro Megastructure (1976) di Reyner Banham. Il libro di Banham è una critica del movimento megastrutturale, le cui strategie furono assunte e cedettero il passo alla ristrutturazione capitalista e allo sviluppo privato degli anni '70. Si riferisce a un fugace momento di ottimismo attorno al potenziale utopico delle iniziative urbane su larga scala, in contrasto con il quale prese forma l'approccio più frammentario di Matta-Clark alla reinvenzione della città, poiché entrambi rispondevano al declino delle infrastrutture urbane. 

 Le fotografie in bianco e nero della serie Walls (1972) di Matta-Clark, installate in tutta la mostra, sono segnate dal crollo economico e dal grave degrado urbano dell'epoca, raffigurando edifici abbandonati nel South Bronx. In viste ritagliate e dirette di segmenti di muro, gli strati si staccano e le strutture interne vengono scomposte e messe a nudo. Si riferiscono all'esposizione, o all'essere esposti: dal processo di demolizione alla macchina fotografica che preserva questo stato sottolineandone l'effimerità. Le loro superfici screpolate sono divise in sezioni da colonne o incorniciate da resti di modanature decorative che a volte ricordano le planimetrie, mentre altre volte scivolano in una stratificazione astratta. L'estetica del degrado è vissuta come un processo di sbiadimento, così come di invasione. Anche se apparentemente svuotata, la presenza umana può ancora essere percepita: in una fotografia, la forma di un vuoto lasciato da una rottura in una finestra ricorda vagamente una silhouette.
 Animati dall'attività e dal movimento umano, i film di Matta-Clark sono proiettati su costruzioni in cartongesso che suddividono e aprono lo spazio attraverso grandi specchi attaccati ai loro lati posteriori. In un film, Automation House (1972) , l'uso degli specchi da parte di Matta-Clark altera la percezione, la funzionalità e la comprensione di uno spazio, annullandone la logica e la coerenza architettonica. I corpi sono frammentati o svaniscono oltre il limite di un confine invisibile, riemergendo sullo schermo in continuità apparentemente impossibili che rendono più difficili da decifrare le navigazioni e le convivenze quotidiane. Le inquadrature attraverso finestre e porte, insieme alle interazioni di ombre e riflessi, destabilizzano ulteriormente lo spazio, i suoi andirivieni, i suoi dentro e fuori e le relazioni al suo interno, comprese quelle tra i corpi e i loro movimenti.

 La scissione di un punto di vista coerente è estesa nel film sperimentale City Slivers (1976). Con la struttura stretta e verticale delle sue immagini, il film riecheggia l'architettura e le viste frammentate di Midtown Manhattan che appaiono in alcune riprese. Un collage in movimento della città, prospettive sconnesse sono viste in parallelo, così come attraverso doppie esposizioni e stratificazioni. Momenti di attività frenetica sono giustapposti a una mancanza di visibilità in segmenti sovraesposti o oscurati, offrendo scorci della città come attraverso lo stipite di una porta mentre oscilla tra aperto e chiuso. Sequenze strettamente inquadrate di movimenti quotidiani, come passare attraverso una porta girevole, sono intervallate da viste panottiche dalla cima del World Trade Center. Da questo punto di vista vertiginoso che non esiste più, e da cui il movimento e la vita sotto vengono trascurati, i limiti del corpo e quelli della città sono messi in discussione.

 In Open House (1972), le prospettive e le relazioni con lo spazio urbano sono ristrette. Il film muto ruota attorno a una costruzione spaziale di porte scartate e pezzi di legno all'interno di un cassone per rifiuti industriali, che Matta-Clark ha installato su Greene Street nel quartiere newyorkese di SoHo, un'ex area industriale in cui gli artisti rivendicavano lo spazio all'epoca. In occasione della sua apertura, la struttura viene attivata tramite una performance dell'artista e di un gruppo di amici. Vediamo primi piani vertiginosi dell'interno diviso e delle tracce della sua costruzione. Le porte vengono ripetutamente aperte e chiuse, non importa quale venga attraversato, gli occupanti sono sempre sia dentro che fuori. La disposizione dei corridoi e delle piccole stanze del cassone è visibile dall'alto attraverso il tetto aperto, consentendo alla struttura e ai movimenti all'interno di essere giustapposti a quelli all'esterno. La performance si riversa oltre la sommità del cassone e fuori sulla strada e sugli edifici vicini. Quando inizia a piovere, sia l'apertura della struttura che i suoi limiti diventano ancora più palpabili.

 I confini delle città, le loro fluttuazioni e porosità, così come le corrispondenti connotazioni socioeconomiche, sono qui riflessi nel termine "exurbano". Facendo riferimento a questa zona che si estende oltre, lo spazio della mostra è parzialmente racchiuso da cartelloni pubblicitari in vinile grezzo. Sul perimetro mostrano verso l'interno e verso l'esterno una serie di annunci pubblicitari che spesso si trovano lungo le autostrade quando si esce dai confini della città, sono quasi pietre miliari che segnano i limiti esterni dell'espansione urbana che definisce gran parte del paesaggio americano. Allo stesso modo in cui gli anni '70 di Matta-Clark hanno segnato un esodo dalle città verso i sobborghi, oggi gli exurb, un entroterra non incorporato, sono diventati la nuova frontiera in cui la libertà politica e il conservatorismo americani vengono attivamente contestati. I cartelloni pubblicitari riecheggiano la mercificazione dell'ambiente costruito e la sua sussunzione, mentre sono inseriti in un gioco con i margini, le lacune e le vestigia che evidenziano una scala più umana nelle opere di Matta-Clark. Viene offerta una visione ampia, seppur sdoppiata, situata a cavallo tra passato e futuro, da un punto di vista privilegiato che non è più presente. 

                                                                                                    Testo di Julianne Cordray

Prossimamente Fondazione Prada, fra Milano, Venezia, Shanghai e Torkyo

Nei giorni scorsi la Fondazione Prada ha annunciato il ricchissimo programma delle principali attività per i prossimi mesi, fino all’inizio del 2026 nelle tre sedi permanenti a Milano e Venezia e negli spazi esterni di Shanghai e Tokyo. Attraverso lo sviluppo di un’ampia rete di artisti, curatori, registi, architetti, musicisti e studiosi, Fondazione Prada vuole rivolgersi a un pubblico internazionale e plurale. L’impegno si concentra sulla ricerca di modalità inedite e attrattive per esplorare nuove idee nel campo della cultura e affrontare le sfide intellettuali oltre i confini delle specifiche discipline.

Come afferma Miuccia Prada, Presidente e Direttrice di Fondazione Prada: “anche nei mesi futuri la nostra istituzione proverà ad agire come un osservatorio sulle trasformazioni dell’attuale panorama sociale e culturale, coinvolgendo artisti e intellettuali di generazioni differenti e provenienti da contesti eterogenei per aiutarci a riflettere sui temi più urgenti della contemporaneità attraverso una molteplicità di prospettive e, quindi, a pensare in modo più profondo”.

Da gennaio 2025 Fondazione Prada proporrà una pluralità di formati espositivi e di iniziative culturali che derivano da un continuo processo di ricerca. Il programma includerà mostre tematiche ed esposizioni personali dedicate a rilevanti figure artistiche, progetti speciali concepiti da registi, programmi musicali e performance dal vivo, un intenso calendario di proiezioni al Cinema Godard accompagnate da incontri, oltre alle continue attività in campo editoriale ed educativo.

“A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema”
Osservatorio Fondazione Prada, Milano
30 gennaio – 8 settembre 2025

“Mirroring: Lucio Fontana and Michelangelo Pistoletto”
Prada Rong Zhai, Shanghai
20 marzo –15 giugno 2025

“Typologien”
Fondazione Prada, Milano
3 aprile –14 luglio 2025

“NADA: Thierry de Cordier”
Fondazione Prada, Milano
3 aprile – 29 settembre 2025

“Satellites: Nicolas Winding Refn with Hideo Kojima”
Prada Aoyama Tokyo
18 aprile – 25 agosto 2025

Live performance di Laraaji
Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa, Milano
23 aprile 2025

AMO/OMA – Rem Koolhaas
Fondazione Prada, Venezia
10 maggio – 24 novembre 2025

Alejandro González Iñárritu
Fondazione Prada, Milano
18 settembre 2025 – 26 febbraio 2026

“A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema”
Prada Rong Zhai, Shanghai
4 novembre 2025 – 2 febbraio 2026

“Riccardo Muti Italian Opera Academy”
Fondazione Prada, Milano
18 – 30 novembre 2025

Hito Steyerl
Osservatorio Fondazione Prada, Milano
4 dicembre 2025 – 30 ottobre 2026

Live performance di Kali Malone
Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa, Milano
10 dicembre 2025

Mona Hatoum
Fondazione Prada, Milano
gennaio – settembre 2026

Premio Marcel Duchamp 2025

 

Nei giorni scorsi l'ADIAF, ha presentato i nomi dei quattro artisti selezionati per la 25a edizione del Premio Marcel Duchamp:

Bianca Bondi, 1986, Mor Charpentier
Eva Nielsen, 1983, Peter Kilchmann / La pillola
Lionel Sabatté, 1975, Ceysson & Bénétière
Xie Lei, 1983, Semiosi

Dopo essere stato accolto per 24 anni da Al National Museum of Modern Art la prossima mostra del Premio Marcel Duchamp non potrà svolgersi al Centre Pompidou, che rimarrà chiuso per lavori di ristrutturazione.
 
Le prossime mostre del Premio Marcel Duchamp si terranno al Museum of Art Parigi moderna, dal 2025 al 2029 compreso, grazie ad un accordo concluso tra ADIAF, il Centro Pompidou e Museo d'arte moderna di Parigi / Paris Musées. 

La mostra di premiazione delle candidature al Premio Marcel Duchamp 2025 avrà luogo dal 26 al 22 settembre 2025. Durante la Settimana dell'Arte, ci sarà la proclamazione del vincitore che sarà premiato da una giuria internazionale composta da direttori di istituzioni artistiche, collezionisti e, come l'anno scorso, due artisti. »

Rithika Merchant x Dior

Interessante l'iniziativa della Dior di realizzare per le sfilate primavera-estate 2025,durante la Paris Fashion Week, un padiglione temporaneo, commissionando all'artista Rithika Merchant l'intervento decorativo e renderlo poi fruibile, fino al febbraio, al pubblico che visita il Museo Rodin, dove lo spazio è stato collocato. 

L'artista ha progettato nove grandi pannelli tessili realizzati dai laboratori Chanakya, rappresentazione di un paesaggio visivo immersivo che intreccia storie di donne di diverse generazioni.

Fotografie dell'agenzia fotografica del Museo Rodin - Pauline Hisbacq

Klein e Matisse nel blu del cielo

 Piccola ma raffinata la mostra che pone in dialogo il lavoro di  Yves Klein con Matisse, al museo di Nizza dedicato al celebre pittore del secolo scorso. 

Quasi a sviluppo della ricerca che Henri Matisse cercò, come scrisse "qualcosa di diverso dallo spazio reale", e mettendo in discussione i canoni della pittura tradizionale si incontrano con l'artista nizzardo che svilupperà un percorso molto simile nella ricerca "spirituale" . 

Come le carte ritagliate a guazzo, esprimono un radicalismo artistico che sfugge a tutti gli schemi preesistenti in un'epoca che, segnata dal progresso dell'aviazione, "ha portato una nuova comprensione del cielo, della distesa, dello spazio" anche il lavoro di Klein si muove in una ricerca innovativa e libera dai condizionamenti del passato, guardando al cielo a alla libertà del volo.

Noto per le sue “proposte monocromatiche” e le sue “zone di sensibilità pittorica”, Yves Klein condivide affinità con Matisse, la cui opera va ben oltre il concetto del classico dipinto su cavalletto. In Matisse, infatti, il colore investe lo spazio in opere senza limiti, i cui bordi sfumano mentre la pura tempera invade la superficie.

Poiché il MAMAC è attualmente chiuso per ristrutturazione, il Museo Matisse espone otto opere di Yves Klein, offrendo un contrappunto unico nel percorso attraverso le sue collezioni. Nell’ambito della programmazione fuori sede del MAMAC, questo prestito dimostra una dinamica di ricerca collaborativa tra i due musei nizzardi.

Il tempo per le donne

 

Helen Cammock, Chorus 1, 2019, still del film, video HD, 3 schermi © Helen Cammock. Courtesy Collezione Maramotti.

Fra le tante mostre che prenderanno corso in questo 2025 ci sarà anche "Time for Women!" Empowering Visions in 20 Years of the Max Mara Art Prize for Women

Prenderà avvio il 17 aprile e durerà fino al 31 agosto 2025 presso Palazzo Strozzi a Firenze, una mostra speciale che celebra il ventennale del Max Mara Art Prize for Women − tra i più importanti riconoscimenti dedicati al supporto delle artiste che si identificano nel genere femminile − e la lunga collaborazione tra Max Mara, Whitechapel Gallery e Collezione Maramotti attraverso le opere delle nove artiste vincitrici del premio dal 2005 a oggi.

Protagoniste della mostra sono: Margaret Salmon (1973, Suffern, NY); Hannah Rickards (1979, Londra, UK); Andrea Büttner (1972, Stoccarda, DE); Laure Prouvost (1978, Lille, FR); Corin Sworn (1976, Londra, UK); Emma Hart (1974, Londra, UK); Helen Cammock (1970, Staffordshire, UK); Emma Talbot (1969, Stourbridge, UK) e Dominique White (1993, Rochford, UK).

Organizzata in collaborazione con Fondazione Palazzo Strozzi Time for Women! Empowering Visions si snoda negli affascinanti spazi della Strozzina a Palazzo Strozzi e rende omaggio a due decenni di innovazione artistica e creatività al femminile attraverso un’immersione tra diversi media e ricerche poetiche.

L’esposizione presenta, per la prima volta tutti insieme, i progetti che le nove artiste hanno concepito in seguito a una lunga residenza in Italia, passaggio centrale del premio. Tra video, installazioni, sculture e opere a parete, il percorso di mostra è articolato come una ricognizione di venti anni di storia del premio e sul lavoro di artiste che, emergenti al momento della nomina, si sono poi affermate nel più ampio panorama artistico internazionale. Ognuna di loro, a partire da riflessioni su temi quali l’identità, la memoria, il corpo, la società e la politica, si è concentrata su aspetti particolari legati alla ricerca e all’esperienza nel nostro paese: dalla commedia dell’arte alla maternità, dall’idea contemporanea di grand tour alle alte eccellenze artigiane, dalla mitologia alle comunità monastiche, dal paesaggio naturale alla Storia, fino alla raccolta di voci e narrazioni dimenticate dall’antichità ad oggi.

Il Max Mara Art Prize for Women è un premio biennale indirizzato ad artiste che si identificano nel genere femminile, istituito nel 2005 da Max Mara Fashion Group e organizzato in collaborazione con Whitechapel Gallery. La Collezione Maramotti si è unita come terzo partner a partire dal 2007. È stato il primo premio per le arti visive rivolto ad artiste emergenti con base nel Regno Unito, con l’obiettivo di sostenere e valorizzare la loro ricerca in una fase cruciale del percorso, offrendo in dono tempo e spazio per la creazione di un nuovo e ambizioso progetto. 

Nominate da una giuria composta da donne protagoniste della scena artistica britannica, le vincitrici hanno avuto la possibilità di intraprendere una residenza di sei mesi in Italia, organizzata da Collezione Maramotti in base alle loro esigenze professionali e personali. Durante questo periodo le artiste si sono immerse nella conoscenza in senso ampio dell’Italia, hanno portato avanti ricerche su temi specifici della cultura e della storia del paese, hanno acquisito nuove abilità di tipo tecnico o anche realizzato nuovi lavori, confluiti nell’esposizione conclusiva in due tappe presso la Whitechapel Gallery a Londra e la Collezione Maramotti a Reggio Emilia − che, nel corso del tempo, ha acquisito opere di tutti i progetti vincitori. 

La specificità ed eccezionalità con cui il Max Mara Art Prize for Women riconosce e sostiene il processo creativo sono all’origine del British Council Arts & Business International Award ottenuto nel 2007.

La mostra è organizzata da Fondazione Palazzo Strozzi e Collezione Maramotti. Main supporter: Max Mara. Si ringrazia Whitechapel Gallery.

17 aprile - 31 agosto 2025
Fondazione Palazzo Strozzi
Piazza degli Strozzi, Firenze

Pietre paesine

Nel Principato di Monaco il NMNM propone fino al 21 Aprile una mostra monografica sull'artista portoghese Francisco Tropa, progettata per Villa Paloma e che riunisce una collezione unica di sculture, disegni, film e proiezioni di luce.

La mostra prende il titolo dalle pietre raffigurate ( pietre paesine ), i cui disegni di origine geologica evocano paesaggi dipinti, al confine tra figurazione e astrazione. Questa nozione di analogia tra natura e tecnologia è al centro del lavoro di Francisco Tropa, il cui lavoro si concentra sulle condizioni dell'apparenza e della percezione di un'immagine.

Lungo il percorso immaginato nella Villa Paloma, a pochi metri dalla celebre grotta dell'Osservatorio, occupata nel Paleolitico, Tropa rilegge con umorismo e delicatezza le origini della scultura, il suo vocabolario di forme prese in prestito dalle Veneri preistoriche, dalla pietà classica fino al opere minimaliste del secolo scorso. Mettendo in pratica una forma di anarcheologia, annienta ogni tentativo di narrazione storica e decostruisce lo spazio stesso del museo, (ri)diventando una caverna platonica.  

Lo spettatore, portato al cospetto di materiali ambigui e immagini di profondità insondabile, è invitato a un'esperienza totale della scultura, nelle sue forme materiali così come nelle sue proiezioni simboliche.

Maestà

 Il dipartimento curatoriale del Louvre ha completato il restauro della Maestà di Cimabue, grazie al sostegno di Linda e Harry Fath, membri degli American Friends del Louvre.

Il recupero ha riportato alla luce i meravigliosi colori e ha consentito una analisi più approfondita del capolavoro, con la scoperta di molti dettagli che erano stati "coperti" da precedenti restauri, nella foto a destra com'era e a sinistra dopo il restauro.

Nuvole come tappeto

Si è concluso, ieri, presso il Museo del Tesoro di San Gennaro di Napoli, il progetto artistico di  Giulia Piscitelli,  dal titolo "Una Nuvola Come Tappeto", ripreso dal salmo 105 nella traduzione di Erri De Luca.

La mostra dialoga con la tradizione dell'amato santo napoletano, rielaborando storie, leggende che prendono forma di opere artistiche, seguendo il percorso di ambivalenze che da anni l'artista sta sviluppando. 

Sono stati così realizzati diversi manufatti, come  i 21 inginocchiatoi rivestiti di tessuti tradizionali della cultura musulmana, attivando così un dialogo fra le tre religioni monoteiste. 

Immagini : Giulia Piscitelli, Una Nuvola Come Tappeto, 2024, special project al Museo del Tesoro di San Gennaro, Napoli. 

Foto di Amedeo Benestante, @ l'artista e il Tesoro di San Gennaro

Prossimamente Serpentine, Londra

La nuova stagione di mostre per il 2025 della Serpentine di Londra si annuncia molto stimolante, con due mostre di grande respiro internazionale:

- Arpita Singh - Remembering (20 marzo - 27 luglio 2025).

- Giuseppe Penone - Thoughts in the Roots (3 aprile - settembre 2025).

Il primo evento offrirà la prima mostra istituzionale personale di Arpita Singh fuori dall'India. Remembering presenterà opere chiave dei sei decenni della sua prolifica carriera; esplorando l'intera ampiezza della sua pratica, che spazia da dipinti a olio su larga scala ad acquerelli e disegni a inchiostro più intimi. La mostra celebrerà l'infinita sperimentazione di Singh con il colore e la sua esplorazione figurativa della sua risposta emotiva ai disordini sociali e alle crisi umanitarie internazionali.

La mostra si basa sulla volontà della Serpentine di mettere in luce il lavoro di artisti pionieristici che non hanno ancora ricevuto il riconoscimento che meritano a Londra. Come le mostre passate di Faith Ringgold, Luchita Hurtado, James Barnor e, più di recente, Barbara Chase-Riboud.

L'artista afferma: "Remembering attingono da vecchi ricordi da cui sono emerse queste opere. Che io ne sia consapevole o meno, c'è qualcosa che accade nel mio profondo. È il modo in cui scorre la mia vita. Serpentine è una galleria nota e affermata. Avere una mostra personale lì è per me un piacere, un onore e una sorpresa".

Giuseppe Penone, una figura di spicco del movimento dell'Arte Povera, presenterà la più completa rassegna della sua pratica in una grande istituzione londinese, con sculture e opere su carta dal 1977 a oggi. Lavorando su una gamma di materiali, tra cui legno, ferro, cera, bronzo, terracotta e gesso; Thoughts in the Roots sfrutterà il sito della galleria nei Kensington Gardens per mostrare il continuo interesse dell'artista per la relazione tra esseri umani e mondo naturale.

L’artista afferma: “Respirare il profumo delle foglie che ricoprono le pareti dell’ambiente, inalare la fragranza della resina estratta dagli alberi e versata in un tronco vuoto, sono azioni che ci permettono di percepire lo spazio della Serpentine come un continuum con la natura del parco che la circonda.

Tutto il mio lavoro è un percorso per esprimere la mia adesione e appartenenza alla natura, ed è con questo pensiero che ho scelto le opere della mostra. I due percorsi che ho creato, all’interno della galleria e all’esterno, nel parco, diventano due giardini integrati.”

Tre accattivanti momenti emozionali alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo

 

La fondazione presenta nei suoi spazi tre stimolanti progetti artistici. 

Le proposte sono Silent Studio, la mostra personale di Mark Manders; Your Mouth Comes Second di Stefanie Heinze e Hearsay di Bekhbaatar Enkhtur (illy Present Future 2023 Prize Exhibition).

Iniziamo da Mark Manders, col suo Silent Studio, una personale di questo importante artista olandese che nel corso degli ultimi decenni si è affermato a livello internazionale per le sue innovazioni nel campo della scultura da un punto di vista concettuale e materico. La mostra è una raffinata antologia realizzata con un’ampia selezione di lavori fatti nel corso di oltre trent’anni, a partire da Short Sad Thoughts (1990) fino a nuove produzioni concepite appositamente per la Fondazione in un ricercato allestimento.

Proseguiamo poi con Stefanie Heinze e il progetto  Your Mouth Come Second, questa mostra riunisce una selezione di opere recenti che riflettono le preoccupazioni centrali dell’artista: l’esplorazione della tenerezza e della vulnerabilità, la compagnia e l’integrazione dello spiritualismo antico e urbano.

Una sezione degli spazi presentava alcuno opere della collezione Sandretto Re Rebaudengo raccolte sotto il titolo "Whan we were old" nel contesto di EXPOSED Torino Foto Festival.  

Concludiamo col pregio Illycaffè 2023 Bekhbaatar Enkthur che propone "Hearsay" una mostra che condivide una serie di nuove opere dedicate a simboli comuni della superstizione e della fortuna, come la stella cadente e la sua scia, la mostra, che avevo visitato nei giorni di Artissima, si è conclusa il 5 Gennaio. 

Tina Modotti a Camera

 

A Torino presso Camera è in corso la più completa mostra mai proposta in Italia sull’opera di Tina Modotti (1896-1942) arriva a Torino dopo il successo ottenuto nella tappa di Palazzo Roverella a Rovigo.

 Fino al 2 febbraio 2025 gli ampi spazi di CAMERA accolgono la storia e le opere della celebre fotografa italiana Tina Modotti. L’opera, a cura di Riccardo Costantini – promossa da Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e realizzata in collaborazione con Cinemazero – dedicata a una delle figure più rilevanti della fotografia del XX secolo.

Le 300 opere esposte a Torino raccontano la poliedricità, le peculiarità artistiche, l’indole curiosa, partecipe e libera di Modotti, che durante la sua breve ma intensa carriera è riuscita a catturare l’intensità e i contrasti dei mondi che ha attraversato, espressi con ritratti di vita quotidiana, raccontando anche e soprattutto l’ingiustizia, il lavoro, l’attivismo politico, la povertà, le contraddizioni del progresso e del passaggio alla modernità.

La mostra ha anche una rilevanza dal punto di vista documentale, in quanto raccoglie diversi materiali inediti, video, riviste, documenti, ritagli di quotidiani, ritratti dell’artista, nonché fotografie che risalgono alla prima e unica esposizione che realizzò Tina Modotti nel 1929 e che testimoniano e rendono giustizia all’arte della fotografa.