Buone feste

Affresco nella chiesa di Santa Maria Fors Portas - Castelseprio

Uno sguardo sul "Trittico francescano” del Beato Angelico

 

La restauratrice Caterina Toso dell'Opificio delle Pietre Dure racconta l'intervento eseguito sulla “Pala della compagnia di San Francesco in Santa Croce” conosciuta anche come “Trittico francescano” (1428-1429) di Beato Angelico. L'opera, originariamente compromessa da precedenti interventi e alterazioni, è stata sottoposta a un delicato processo di pulitura e recupero. Grazie a un’accurata campagna diagnostica e all'uso di tecniche avanzate, come il laser, è stato possibile rimuovere la patina indesiderata senza danneggiare i colori originali. L'integrazione è stata effettuata con estrema discrezione, preservando la leggerezza e l’equilibrio tipici dell'artista. Il restauro, realizzato grazie al sostegno di Gucci, ha restituito alla tavola la sua bellezza e integrità.

La registrazione è stata realizzata nell’ambito di “Racconti di restauro”, il ciclo di incontri organizzati dalla Fondazione Palazzo Strozzi e dal Museo di San Marco per la mostra “Beato Angelico” (26 settembre 2025 – 25 gennaio 2026).

Palazzo Madama fra Vedova e Tintoretto

A Torino Palazzo Madama, nella fastosa Aula del Senato del Regno d’Italia,  accoglie fino al 12 Gennaio la mostra "Vedova e Tintoretto in dialogo" un progetto nato con la collaborazione della Fondazione Emilio e Annabianca Vedova di Venezia.

Un immersivo allestimento dinamico crea l'occasione di dialogo fra questi due importanti artisti veneziani, Jacomo Robusti detto il Tintoretto (Venezia, 1518-1594) ed Emilio Vedova (Venezia, 1919-2006). 

Confronto e incontro fra tempi e modi molto distanti ma che hanno in comune un'espressività intensa e cromatica. Il segno pittorico è il punto di incontro fra questi due figure dell'arte, Tintoretto caratterizzato da un lavoro di stratificazioni e ricerche formali, che Vedova riprende e trasforma in gesti energetici e liberi. 

Il percorso inizia con dei video che aprono la mostra raccontando del luogo e del rapporto umano di Vedova, sviluppandosi poi con occasioni di arte, come la sezione sugli autoritratti, dove dal Louvre è arrivato il celebre Autoritratto di Tintoretto del 1588, o gli studi che Vedova faceva sull'opera del maestro veneziano. 

Dichiara Gabriella Belli: “Per la prima volta questa mostra delinea con estrema scientificità i processi della formazione del pensiero del giovane Vedova sui testi pittorici di Tintoretto. Il percorso ordinato e visionario allo stesso tempo proietta il pubblico nella piena maturità del pittore veneziano, quando era ancora forte il debito per la pittura incandescente e premonitrice di Tintoretto. L’ intensità si coglie anche nella monumentale opera di Vedova …in continuum, 100 e più tele, un lavoro unico, quasi un omaggio in felice competizione con lo sforzo creativo dei grandi teleri veneziani del suo profeta Tintoretto.”

Prosegue Giovanni Carlo Federico Villa: “Questo formidabile dialogo sul farsi dell’arte è stato fortemente voluto da Palazzo Madama per evocare il ruolo dei Musei Civici di Torino così come furono genialmente voluti e concepiti da Vittorio Viale, tra i più significativi direttori europei del Novecento. Viale ha portato in Palazzo Madama il Museo Civico, ha creato la Galleria Civica d’Arte Moderna e infine strutturato con Luigi Carluccio epocali mostre. E al magistero di Viale (1891-1977) questa mostra è dedicata, in una precisa riflessione sull’antico capace di generare il contemporaneo.”

Si prosegue poi con un continuo gioco di rimandi e riflessioni fra i due artisti con opere di grande fascino, come due quadri del celeberrimo ciclo delle Metamorfosi ora conservate alle Gallerie Estensi di Modena.

Il percorso si conclude con la monumentale installazione di Vedova …in continuum, compenetrazione/traslati ’87/’88: più di cento grandi tele, assemblate le une con le altre in uno sviluppo che sfida la verticalità della sala del Senato, testimonianza dell'evoluzione di Vedova che continua con potenza visionaria il suo confronto col maestro ideale.

La mostra è resa possibile grazie al sostegno di Valore Cultura, sponsor ufficiale dell’esposizione all’interno del programma pluriennale di Generali per promuovere l’arte e la cultura.

"Vedova e Tintoretto in dialogo"  a cura di Gabriella Belli e Giovanni Carlo Federico Villa
19 settembre 2025 – 12 gennaio 2026
Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica | Sala Senato
Piazza Castello, Torino

Le stanze dei sogni

 Da alcuni giorni ha preso avvio su Radio3 una serie di trasmissioni intitolate "Le stanze dei sogni", disponibili su RaiPlay Sound. 

Una serie di sette puntate alla scoperta di tredici case museo: luoghi sospesi tra realtà e immaginazione, dove la storia con la S maiuscola incontra la vita quotidiana e dove ogni oggetto racconta un frammento di esistenza, di desiderio e di memoria. 

Il ciclo ideato da Flaminia Gennari Santori nasce da una domanda tanto semplice quanto affascinante: il pubblico delle case museo cresce in tutto il mondo, e dunque perché questi luoghi, spesso polverosi, eccentrici e fuori dal tempo, esercitano su di noi un fascino così profondo?

Corde, legami ...

Si chiude oggi la mostra di David Shrigley presso la galleria Stephen Friedman Gallery, con un'installazione da 10 tonnellate realizzata interamente con corde di scarto e un neon di grandi dimensioni composto da quattro parti.

Per creare l'installazione, Shrigley ha trascorso mesi a cercare nel Regno Unito spezzoni di corda indesiderati destinati alla discarica. Gran parte della corda scartata in precedenza serviva per scopi marittimi, da spesse cime di ormeggio per navi da crociera a sottili corde per boe di segnalazione, palangari e nasse per granchi e aragoste. Altri pezzi sono stati recuperati da scuole di arrampicata, arboricoltori, parchi eolici offshore, ponteggiatori e ditte di pulizia vetri. Shrigley ha raccolto personalmente i pezzi più corti dalle coste di tutto il Regno Unito. Tutta la corda raccolta è stata trattata e pulita per prepararla per la mostra, un passaggio particolarmente importante per la corda recuperata dal mare.

Il Regno Unito vanta una tradizione secolare nella produzione di corde, dalle corde di canapa e iuta storicamente utilizzate nella pesca e nella Royal Navy, alle odierne lenze sintetiche in poliestere e nylon. Questi materiali moderni rendono le corde e le reti da pesca marine notoriamente difficili da riciclare e rappresentano un grave problema ambientale.

Discutendo le origini di quest'opera, Shrigley spiega: "Questa mostra è nata da un'espressione idiomatica. Le vecchie corde non servono a nulla. Sono anche difficili da riciclare, quindi ce ne sono molte in giro. Ho pensato: e se trasformassi tutto questo in una vera e propria mostra di vecchie corde? E poi dicessi: sì, questa è arte, e sì, puoi comprarla per 1 milione di sterline". Aggiunge: "L'opera esiste perché mi interessa il valore che le persone attribuiscono all'arte, e l'espressione idiomatica mi ha dato una scusa per esplorarlo. Penso che 1 milione di sterline sia un prezzo equo, in parte per l'idea e in parte perché si tratta di un bel po' di corda".

Di conseguenza, la galleria si trasforma con enormi cumuli di corda di recupero arrotolati, svelando una miriade di colori, texture, spessori e condizioni: da quasi nuovi a sfilacciati, sbiaditi dal sole e rovinati dalle intemperie. A dimostrazione del suo caustico senso dell'umorismo, un'enorme insegna al neon arancione brillante è appesa alla vetrina con il titolo della mostra. Reso con la caratteristica calligrafia di Shrigley, l'insegna al neon adotta l'estetica di un'insegna o di una pubblicità, mentre l'artista ne mina con umorismo le associazioni formali. " Exhibition of Old Rope" gioca giocosamente con le nozioni di commercio e sconvolge le convenzioni di una galleria commerciale.
 

Flag Art Foundatin e Serpentine per un nuovo premio d'arte

 

Immagine: Sinistra: Serpentine. Foto: © Andy Stagg per Serpentine. Destra: The FLAG Art Foundation, 2025. Foto: © Steven Probert

A Londra la Serpentine e la FLAG Art Foundation sono onorate di annunciare la creazione di un nuovo premio dedicato al sostegno degli artisti di tutto il mondo. Nel corso del prossimo decennio, un totale di 1 milione di sterline verrà assegnato ogni due anni - 200.000 sterline a ciascun destinatario - a cinque artisti, offrendo un supporto senza pari in un momento cruciale della loro carriera. Si tratterà del più grande premio d'arte contemporanea del Regno Unito assegnato a un singolo artista. 

Ogni vincitore allestirà una mostra personale che debutterà alla Serpentine o alla FLAG Art Foundation e verrà poi ripensata per l'istituzione partner, creando un dialogo artistico continuo tra le due.

Questa partnership darà vita a una collaborazione decennale, assegnando cinque premi a cinque artisti eccezionali. Il primo artista a cui verrà assegnato il premio sarà selezionato nel 2026, con la mostra inaugurale prevista alla Serpentine di Londra nell'autunno del 2027, prima di trasferirsi alla FLAG di New York nella primavera del 2028. Ogni presentazione sarà accompagnata da un catalogo dedicato e da un dinamico programma live, sviluppato e prodotto in collaborazione da entrambe le istituzioni.

Questa partnership a lungo termine riflette l'impegno condiviso tra FLAG e Serpentine nel sostenere la sperimentazione artistica e lo scambio transfrontaliero. Il Serpentine x FLAG Art Foundation Prize sottolinea la fiducia di entrambe le organizzazioni nel potere della collaborazione per plasmare il futuro dell'arte contemporanea.

Gli artisti saranno presi in considerazione per il premio attraverso una procedura di candidatura, con una giuria a rotazione composta da curatori, storici dell'arte e artisti di fama internazionale che selezionerà i vincitori finali. I dettagli sulla giuria saranno annunciati a tempo debito.

Il premio intende offrire agli artisti, in una fase significativa della loro carriera, la libertà e il tempo per sviluppare un nuovo corpus di opere, esporle ed esplorare nuove idee. 

Bettina Korek, CEO di Serpentine, ha dichiarato: "Questa partnership approfondisce la nostra missione comune di creare nuove connessioni tra artisti e pubblico, alimentando al contempo il dialogo transatlantico. L'alleanza offre agli artisti di tutto il mondo lo spazio e il supporto per espandere la loro pratica, ispirati dal duraturo spirito di sperimentazione di Zaha Hadid. Non potremmo essere più lieti di collaborare con la FLAG Art Foundation a questa visione condivisa per il futuro".
    
Hans Ulrich Obrist, Direttore Artistico, ha dichiarato: "Siamo lieti di lanciare il più grande premio d'arte contemporanea del Regno Unito. Ciò che rende questo premio così significativo è la sua attenzione rivolta ad artisti che non hanno ancora ricevuto la visibilità o il riconoscimento che meritano. Questo è da tempo al centro del programma di Serpentine: dalla presentazione delle prime mostre monografiche del Regno Unito per artisti emergenti alla promozione di voci trascurate il cui contributo merita maggiore riconoscimento. Serpentine + FLAG Art Foundation fa 11, e non vediamo l'ora di iniziare questa nuova avventura".

Glenn Fuhrman, fondatore della FLAG Art Foundation, ha dichiarato: "Questa partnership segna l'impegno più significativo di FLAG nei confronti degli artisti al di fuori degli Stati Uniti e non potremmo essere più felici di farlo con Serpentine. Collaborando con Serpentine per creare questo premio, riaffermiamo il nostro impegno istituzionale nel sostenere gli artisti contemporanei e nel continuare a offrire loro nuove opportunità di condividere il loro lavoro con gli amanti dell'arte di tutto il mondo. Non vediamo l'ora di svelare il prossimo programma di mostre e annunciare la giuria nei prossimi mesi".

Gli artisti selezionati per il premio saranno di qualsiasi generazione ed età, provenienti da tutte le aree geografiche, esporranno professionalmente da meno di 10 anni e lavoreranno attivamente per accrescere e sostenere un solido record di mostre in musei e gallerie internazionali, tra cui rappresentanze in gallerie, riconoscimenti, premi, recensioni di critici d'arte, borse di studio e pubblicazioni. 

Negli ultimi sei anni, il Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation Prize, co-organizzato con The Contemporary Austin, ha visto FLAG sostenere diversi artisti con finanziamenti diretti, insieme a una mostra e alla relativa pubblicazione. Tra gli artisti figurano Nicole Eisenman (2020), Tarek Atoui (2022), Lubaina Himid (2024) e Sable Elyse Smith (2026). 

Ana Mendieta da Marian Goodman Gallery

foto della mostra presso la galleria Marian Goodman 

Molto bella ed interessante la mostra che la Marian Goodman Gallery dedica ad Ana Mendieta (1948-1985) visitabile nel spazio di Tribeca dal 7 novembre 2025 al 17 gennaio 2026.

Intitolata "Back to the Source" presenta opere seminali risalenti al periodo 1972-1985, un periodo prolifico di lavoro di Mendieta, che abbraccia fasi del tempo trascorso in Iowa, Messico e Cuba, tra cui dieci film rimasterizzati digitalmente, opere fotografiche, stampe e disegni fotografici di recente acquisizione e sculture effimere.

Ana Mendieta è stata una pioniera e innovatrice la cui opera spaziava tra pittura, disegno, fotografia, film/video, scultura e opere site-specific. I suoi singolari interventi nel paesaggio abbracciavano la natura e sconvolgevano le convenzioni sociali. Esiliata dalla sua terra natale, Cuba, dove era nata nel 1948, Mendieta trascorse l'infanzia e gli anni della formazione in Iowa, negli anni '60. In seguito studiò arte all'Università dell'Iowa, prima come pittrice, poi dedicandosi all'arte performativa, un passaggio che avrebbe infine cambiato il suo approccio artistico. Il suo corpus di opere testimonia un appassionato impegno con i temi dell'esilio e dello sradicamento, del ricongiungimento con la terra e della ricerca di appartenenza e origine, attraverso il potere, la magia e l'universale.

foto della mostra presso la galleria Marian Goodman 

Creando un corpus di opere ricco e diversificato che includeva sculture effimere, Mendieta, nei suoi lavori cinematografici e fotografici, cattura il tempo e il processo attraverso azioni dirette che la trasportano oltre i materiali convenzionali, nel regno dell'intangibile e dell'impermanente, utilizzando la natura come collaboratrice. Con il suo corpo come materiale, e guidata dal significato simbolico della natura, ha cercato di integrare potere, magia e conoscenza nel suo lavoro, utilizzando materiali naturali e i quattro elementi: terra, aria, fuoco e acqua. 

Piume, fiori, rami, muschio, fuochi d'artificio e polvere da sparo erano facilmente accessibili e spesso facevano parte di pratiche rituali per riportarla alla terra e connetterla all'universale. Questi atti ossessivi di riaffermazione dei miei legami con la terra sono in realtà una manifestazione della mia sete di essere. In sostanza, le mie opere sono la riattivazione di credenze primordiali. Le fotografie diventano l'immagine residua di ricordi primordiali all'opera nella psiche umana . – Mendieta, Proposta per la borsa di studio Rome Prize, 1983.

foto della mostra presso la galleria Marian Goodman 

OGR fra presente e passato tecnologico

 Un confronto fra presente e passato è stato creato presso le OGR di Torino negli spazi dei Binari 1 e 2

Il primo accoglie l'articolato lavoro di Laure Prouvost intitolato "we felt a star dying" in cui siamo immersi in un’esperienza multisensoriale tra immagini, suoni e profumi che intreccia arte, filosofia e scienza. Una grande installazione di misteri sul quantum computing e la sua capacità di ridefinire il nostro rapporto con la realtà.

Accanto uno sguardo alle sperimentazioni artistiche del passato che in questi ultimi decenni si sono compiute. Il progetto "Electric Dreams Art & Technology Before the Internet" è stato organizzata dalla collaborazione fra la Tate Modern e le OGR Torino, e ci racconta come gli artisti del secondo Novecento abbiano usato strumenti tecnologici, nati in contesti militari o aziendali, per ridefinire immaginari e stimolare riflessioni critiche, prima della diffusione su vasta scala di Internet.

Le Porcellane di Koons

Foto di Maris Hutchinson della mostra di Jeff Koons presso la galleria Gagosian

Il percorso artistico di Jeff Koons si avvia sempre più in una declinazione che potremmo dire post-barocca in cui le forme diventano magma espressivo, lo evidenzia molto bene la recente mostra di sculture e dipinti nuovi, intitolata "Porcelain Series", ora in corso presso la galleria di Gagosian a New York, 541 West 24th Street.

Foto di Maris Hutchinson della mostra di Jeff Koons presso la galleria Gagosian

In queste opere, soprattutto quelle in porcellana, l'artista si avvale di tecniche di produzione contemporanea di alto livello per esplorare concetti consolidati di bellezza; ogni scintillante manufatto è il risultato di un ampio e meticoloso processo di acquisizione e rifinitura digitale, ingegneria meccanica, fresatura, stampa laser, pittura e lucidatura. Le opere completate manifestano l'apprezzamento dell'artista per il modo in cui l'acciaio inossidabile lucidato a specchio combina la resistenza fisica con una maggiore riflettività.

Foto di Maris Hutchinson della mostra di Jeff Koons presso la galleria Gagosian

65 anni di Pace

Da 65 anni la galleria Pace promuove l'arte. Un lungo cammino che viene narrato con una mostra, visibile fino al 19 Dicembre 2025, presso la sua sede di Ginevra. Questa mostra collettiva approfondirà gli ultimi 65 anni di Pace attraverso un allestimento mutevole di opere che inseriscono il programma contemporaneo della galleria nel contesto della sua storia del XX secolo, coltivando un dialogo tra passato e presente.

Questa presentazione mirata e attentamente curata, che presenta opere di Yto Barrada, Huong Dodinh, Latifa Echakhch, Louise Nevelson, Richard Pousette-Dart, Robert Rauschenberg, Kiki Smith e Antoni Tàpies, inviterà i visitatori a scoprire l'eredità di Pace.

Nel 1960, Arne Glimcher e sua moglie Milly, ancora studenti, fondarono la Pace Gallery in Newbury Street a Boston, Massachusetts. Nel corso dei decenni, la Pace Gallery ha svolto un ruolo fondamentale nel promuovere la carriera di alcuni degli artisti più significativi del XX e XXI secolo, dal suo supporto pionieristico agli artisti dei movimenti Espressionista Astratto e Luce e Spazio alle collaborazioni in corso con voci di spicco dell'arte contemporanea. Nel marzo 2018, la Pace Gallery ha aperto una galleria a Ginevra, il suo primo spazio permanente in Svizzera, dove da allora ha presentato 33 mostre di artisti tra cui Sam Gilliam, Loie Hollowell, Yoshitomo Nara e James Turrell.

Diversi artisti presenti in Pace: 65 Years sono al centro di importanti mostre istituzionali in tutto il mondo quest'anno, oltre alle mostre presentate nelle sedi della galleria in tutto il mondo. Alla South London Gallery, Thrill, Fill and Spill , una mostra personale di opere di Yto Barrada, che rappresenterà anche la Francia alla Biennale di Venezia del 2026, è ora visitabile fino all'inizio del prossimo anno. Louise Nevelson è attualmente protagonista della mostra The Poetry of Searching al Museum Wiesbaden, in mostra fino a marzo 2026, e a gennaio il Centre Pompidou - Metz inaugurerà Mrs. N's Palace , una presentazione dedicata al suo approccio immersivo allo spazio scultoreo. Il 7 novembre a New York, la galleria inaugurerà una grande mostra di disegni di Antoni Tàpies nella sua sede al 540 West 25th Street. The Moon Watches the Earth , la prima mostra personale di Kiki Smith in città in sei anni, verrà inaugurata lo stesso giorno al 125 Newbury, lo spazio espositivo di Pace a Tribeca, diretto da Arne Glimcher.

Nel corso del 2025, Pace celebra il suo 65° anniversario con una serie di mostre in tutto il mondo dedicate ad artisti che sono stati al centro del suo programma per decenni: Jean Dubuffet, Sam Gilliam, Robert Indiana, Robert Irwin, Robert Mangold, Agnes Martin, Louise Nevelson, Kenneth Noland, Claes Oldenburg, Joel Shapiro e James Turrell. Questa speciale serie di mostre celebrative è un omaggio ad alcuni dei rapporti più duraturi della galleria. Nel corso della loro carriera, queste figure, con il supporto di Pace, hanno tracciato nuovi percorsi nella storia dell'arte.