Rencontres d’Arles

Anche quest'anno ci sono i Rencontres d’Arles che dureranno fino al 4 ottobre. E' la 57ma edizione di questa mitica rassegna che porta nella cittadina provenzale i più interessanti eventi del fare fotografico. 

In un'epoca in cui tutto sembra spingerci verso la semplificazione, l'opposizione e la riduzione, abbiamo voluto che questi 57esimi Rencontres d'Arles creassero, al contrario, uno spazio per abbracciare la complessità e la sensibilità. Non per addolcire artificialmente la durezza della realtà, ma per restituirle tutta la sua profondità. Per guardare questo mondo a volte inquietante senza smettere di cercarvi forme di bellezza, connessione e libertà. La fotografia ha questa rara capacità di tracciare nuovi percorsi e itinerari che cambiano la nostra prospettiva. Mezzo essenziale, rivela ciò che ci sfugge, ciò che perdura, circola, viene trasmesso e connette. Capace di combinare grandi narrazioni storiche con storie più intime, la fotografia apre possibili punti di svolta.

Questo cambio di prospettiva anima il lavoro di figure di spicco come William Klein – a cui le Rencontres rendono omaggio nel centenario della sua nascita – che ha costantemente sfidato forme e convenzioni. Questa edizione offre anche l'opportunità di riscoprire Martine Barrat, il cui lavoro potente e singolare ci immerge nei quartieri marginalizzati di La Goutte d'Or a Parigi e nella New York degli anni Settanta, tra Harlem e il Bronx. Celebriamo inoltre Ming Smith, la cui visione libera e poetica ha aperto nuove strade nella storia della fotografia americana. Harry Gruyaert, dal canto suo, ci invita a un vibrante viaggio urbano attraverso immagini meticolosamente composte, da New York a Zanzibar, passando per Parigi, Tokyo e Mumbai.

Una nuova cartografia del mondo sta emergendo grazie all'attenzione rivolta ai flussi, ai percorsi, ai passaggi e alle faglie che attraversano i territori. Tra l'Africa e il Mediterraneo, tra confini ereditati e aspirazioni di emancipazione, gli artisti stanno reinventando le geografie. Bruno Boudjelal ci ricorda come un'immagine a volte nasca dall'incontro tra un paesaggio esterno e una vita interiore. I suoi viaggi non documentano  ; danno forma a un'esperienza. Permettono a qualcosa di più sottile di emergere, dove spiritualità, memoria e sensazione si intrecciano. Anche il Mediterraneo appare nelle immagini di Anne-Lise Broyer come un luogo abitato da molteplici epoche, uno spazio di sedimentazione, attesa e proiezione. In Algeria, la memoria sepolta degli anni bui viene gradualmente rivelata nel lavoro a lungo termine di Katia Kameli. Riunite nell'ambito della Stagione Mediterranea 2026, queste tre mostre raccontano la storia multiforme del bacino del Mediterraneo.

Più lontano, nel continente africano, tra Ghana, Costa d'Avorio e Congo, emergono storie di liberazione, trasmissione e riappropriazione. Con Ghana !, l'indipendenza è evidente nelle immagini, da Paul Strand a James Barnor, e si estende in un immaginario collettivo che rimane sempre presente, anche nell'opera di Carlos Idun-Tawiah, che ha disegnato il manifesto per questa 57ª edizione . Con Paul Kodjo, si sta costruendo un'intera cultura visiva ivoriana : inventiva, popolare, moderna, capace di assorbire molteplici influenze per inventare un proprio linguaggio. Per Sammy Baloji, la fotografia diventa uno strumento per confrontarsi con epoche diverse, creando un dialogo tra narrazioni familiari, storie nascoste, memorie represse e le conseguenze quanto mai attuali dell'estrattivismo.  

Achille Mbembe scrive giustamente: “  Le nostre crisi, comprese quelle ecologiche, derivano dalla convinzione che gli esseri umani siano superiori alle altre specie  ”. Il mondo vivente emerge quindi come tema centrale di questa edizione, una necessità. Più che un concetto astratto, ci obbliga a riconoscere che il mondo non si limita alle nostre categorie. In questo senso, la mostra “ Animal Model” attraversa due secoli di fotografia, rivelando quanto l'animale sia inseparabile dalla storia del mezzo  : osservato, studiato, amato, messo in scena, sfruttato, maltrattato, ammirato e oggetto di fantasie. Fotografare gli animali non significa semplicemente rappresentare l'alterità  ; significa anche accettare l'emergere di altri modi di essere nel mondo.

Questo stesso movimento attraversa le opere di Lisa Oppenheim, Meghann Riepenhoff e Lara Tabet. Tutte e tre ci ricordano che l'immagine è un ambiente vivo e in continua evoluzione. Con Meghann Riepenhoff, la natura agisce sulla materia stessa dell'immagine, lasciando la sua impronta. Con Lisa Oppenheim, una memoria botanica perduta riemerge attraverso l'interpretazione e la combinazione di tecniche antiche e nuove tecnologie di imaging. Con Lara Tabet, vincitrice del programma BMW Art Makers, strati geologici, archeologici e organici sottolineano che nulla è statico, che ogni forma testimonia molteplici tempi e altrettanti divenire. Un'attenzione particolare è dedicata anche a un aspetto più intimo del lavoro di Edward Steichen, in occasione del Luxembourg Photography Award. Fotografo, curatore e pioniere, fu anche botanico, attento alle corrispondenze tra forme, stagioni, culture e immagini.

Poiché imparare a vedere inizia fin dalla più tenera età, e poiché un festival trasmette tanto quanto mostra, era fondamentale dare ai bambini il posto che spetta loro in questa edizione. La straordinaria collezione di libri fotografici per bambini riunita nella mostra "R come in Guardare " ci ricorda – con gioia, inventiva e intelligenza – che la fotografia può essere uno spazio di scoperta per tutte le età, un luogo in cui l'occhio si forma liberamente.

Anche quest'anno, il festival Rencontres d'Arles dà grande risalto alle voci emergenti del panorama artistico locale. Torna all'Espace Monoprix la mostra del Louis Roederer Foundation Discovery Prize, curata da Nadine Hounkpatin. L'esposizione esplora il concetto di verità nella fotografia attraverso la selezione di sette artisti internazionali che utilizzano questo mezzo come spazio di connessione, relazione, impegno e responsabilità. Il programma mette in luce anche giovani curatori, come Alessandra Chiericato, vincitrice del premio di ricerca curatoriale Rencontres d'Arles 2024, che sviluppa un'originale analisi della natura cannibalistica delle immagini.

Ciò che accomuna tutte queste proposte, così diverse nelle forme, nelle epoche e nelle geografie, è senza dubbio una comune attenzione a ciò che trasforma  : le storie che commuovono, i ricordi che riaffiorano, le forme di vita che resistono, le immagini che, lungi dal congelare il mondo, ci aiutano a rileggerlo.

Aurélie de Lanlay, l'intero team del festival ed io siamo lieti di darvi il benvenuto ad Arles a partire dal 6 luglio per presentarvi il programma completo di questa 57ª edizione delle Rencontres d'Arles.

Biennale Danza 2026

 

Il 20. Festival Internazionale di Danza Contemporanea (Venezia, 17 luglio > 1 agosto) si ispira alla fisica quantistica e alla filosofia della scienza, come spiega il Direttore Wayne McGregor: “Gli artisti della Biennale Danza 2026 sono i nostri viaggiatori nel tempo della danza: ciascuno a proprio modo, esplorano e descrivono con le loro opere molteplici realtà, prospettive e cronologie. Anziché trattare il tempo come lineare – una sequenza di eventi passati, presenti e futuri – la danza permette a passato e presente di intrecciarsi e offre al pubblico interpretazioni complesse dell’esperienza che cambiano il modo in cui percepiamo e assorbiamo queste “narrazioni”. Quest’affascinante approccio riflette i più recenti principi scientifici della sovrapposizione quantistica: l’eccezionale capacità di più cose di occupare lo stesso spazio o di esistere simultaneamente in tutti i possibili stati”.

Il programma comprende gli spettacoli della compagnia australiana Bangarra Dance Theatre, che riceverà il Leone d'Oro alla carriera, e della danzatrice e coreografa sudafricana Mamela Nyamza, che riceverà il Leone d'Argento; oltre alle compagnie nazionali e internazionali di Emanuel Gat, Soa Ratsifandrihana, Andrea Salustri, Elle Sofe Sara, Oli Mathiesen, Omar Rajeh, Kalle Nio & Fernando Melo, Molissa Fenley, Adam Linder, Wen Hui & Eiko Otake, Winndance Company e, per Biennale College Danza, le nuove coreografie di Maxine Doyle, Molissa Fenley, Julia Bentkowska & Julia Litwin, Amine Mazhoud.

Il programma si arricchisce inoltre delle seguenti iniziative: conversazioni con i principali protagonisti, a seguire gli spettacoli; l'installazione filmica Life Lines dall’Archivio Storico della Biennale (17 luglio > 1 agosto, Arsenale - Sala d’Armi E); l'incontro con i passati direttori della Biennale Danza Frédéric Flamand, Karole Armitage, Virgilio Sieni, Marie Chouinard, e l’attuale direttore Wayne McGregor (20 luglio, ore 11.30, Giardini - Biblioteca della Biennale); un ciclo di workshop aperti al pubblico, rivolti a danzatrici e danzatori con diversi livelli d’esperienza, tenuti dalle compagnie e dai coreografi presenti al Festival; un omaggio al documentarista Frederick Wiseman con la proiezione di tre suoi film sulla danza (27, 29, 30 luglio ore 17, Ca’ Giustinian); infine, la presentazione del libro We Are Movement di Wayne McGregor (22 luglio ore 17, Ca’ Giustinian).

Il Presidente della Biennale di Venezia Pietrangelo Buttafuoco ha commentato: “Nessun gesto è isolato, nessun gesto è solo. Perché è proprio la danza a riportare il pensiero dentro la materia sensibile del corpo, per ricostruire attenzione e percepire il tempo come esperienza incarnata. Nessuna azione termina davvero nel punto in cui viene compiuta, siamo tutti parte dello stesso organismo collettivo. Partecipanti di una coreografia in continuo movimento”.

Echoes in the Margin

La Wassaic Project presenta la mostra personale di Delano Dunn, Echoes in the Margin , curata da Mickalene Thomas e ospitata presso Troutbeck ad Amenia, New York.

La mostra prosegue la collaborazione in corso tra Wassaic Project e Troutbeck, fondata su un impegno condiviso a sostegno degli artisti, a favore del coinvolgimento del pubblico e a sostegno dello scambio culturale nella Hudson Valley. Insieme, le due istituzioni hanno creato uno spazio in cui arte contemporanea, storia, istruzione e comunità dialogano attivamente, ampliando l'eredità di scambio creativo e civico che ha caratterizzato entrambi i luoghi. In " Echoes in the Margin" , Delano Dunn reinterpreta il modo in cui l'identità e il desiderio dei neri sono stati plasmati e percepiti, e come potrebbe essere vederli in una nuova prospettiva.

La curatrice Mickalene Thomas scrive: Nella presentazione di Echoes in the Margin al Troutbeck, a cura del Wassaic Project, l'opera di Delano Dunn si dispiega come una meditazione stratificata sulla memoria, l'identità e il terreno instabile della narrazione storica. La presentazione mette in dialogo il linguaggio visivo distintivo di Dunn con un luogo a lungo plasmato dallo scambio culturale, dall'incontro intellettuale e dalle complessità della storia americana. 

La pratica artistica di Dunn trae ispirazione da un vasto archivio personale di immagini trovate – tratte da pubblicità, storia dell'arte e fotografia popolare – che egli riassembla in dipinti e collage dalla composizione densa. Queste opere funzionano sia come scavi che come interventi. Le figure emergono, si dissolvono e si riconfigurano sulle sue superfici, rifiutando un'interpretazione univoca. Attraverso questo processo, Dunn sovverte le gerarchie convenzionali della rappresentazione, mettendo in luce i modi in cui l'identità, il desiderio e la presenza delle persone nere sono stati costruiti, consumati e spesso oscurati.

Luogo di ritrovo per scrittori, artisti e pensatori da oltre due secoli, Troutbeck è stato un punto di riferimento per la comunità letteraria, per l'organizzazione dei diritti civili e per gli incontri tra alcune delle figure più influenti della vita americana del ventesimo secolo. La tenuta ha ospitato le storiche Conferenze di Amenia del 1916 e del 1933, incontri cruciali dei primi anni della NAACP organizzati da W.E.B. Du Bois e ospitati da Joel e Amy Spingarn, con Joel in qualità di presidente del consiglio di amministrazione della NAACP. Nel corso degli anni, Troutbeck ha attratto anche scrittori, artisti e pensatori come Thurgood Marshall, Langston Hughes, Zora Neale Hurston, Sinclair Lewis e Lewis Mumford. Oggi, Troutbeck opera come un rinomato hotel storico e, grazie alla sua continua collaborazione con il Wassaic Project, funge da luogo vivo dove storia e arte contemporanea continuano a incontrarsi.

Nella sua dichiarazione curatoriale, Thomas prosegue:  A Troutbeck, queste preoccupazioni risuonano con particolare chiarezza. Il luogo stesso, intriso di storie di ritirata, discorso e privilegio, diventa un contesto attivo per le narrazioni reinventate da Dunn, che le riformulano a partire dal suo archivio. Le sue opere sfidano la presunta neutralità di tali spazi, inserendo corpi e storie che complicano le strutture di appartenenza ereditate. Cosa viene ricordato qui e cosa è stato omesso? Le composizioni di Dunn chiedono agli spettatori di sedersi all'interno di questa tensione, di assimilarla. 

Il lavoro di Delano Dunn amplifica queste indagini, ponendo l'accento sulla materialità, la sensualità e la politica dello sguardo. Il mio impegno di lunga data con la rappresentazione e la soggettività nera trova un corrispettivo avvincente nell'approccio improvvisativo e basato sul collage di Dunn. Insieme, le nostre prospettive danno forma a una mostra che è al contempo intima ed espansiva, attenta alla dimensione personale ma che affronta con insistenza storie culturali più ampie.

Anziché offrire una soluzione, Dunn invita a una visione attiva: una visione che abbraccia la frammentazione, la contraddizione e la molteplicità. In questo spazio, le immagini non sono fisse ma in continuo mutamento, cariche della possibilità di essere riviste, rilette e reinterpretate .

Il Salone di Diana a Versailles

 

Tempi di vacanze, chissà quanti andranno a visitare la meravigliosa Reggia di Versailles, allora eccovi questo bel documentario sul restauro del Salone di Diana.

Questa nuova fase dei lavori mette in risalto le straordinarie decorazioni della parte inferiore del salone: ​​i marmi, le dorature, le porte monumentali – ogni elemento è oggetto di un meticoloso restauro. Marmisti, doratori, carpentieri e restauratori uniscono le loro competenze per restituire tutto lo splendore a una delle sale più belle della Reggia di Versailles.

Il restauro del Salone di Diana è stato reso possibile grazie al mecenatismo di Dior e degli Amici Americani di Versailles, con il supporto della Société des Amis de Versailles.

Dal Melograno a Picasso alla Fondazione Rovati

 

La Fondazione Luigi Rovati prosegue il suo ricercato programma di mostra con "Storia di un gesto. Il mito di Meleagro dall’arte classica a Warburg, a Picasso" esposizione curata da Salvatore Settis.

Fulcro dell’esposizione è la prima presentazione al pubblico della fronte di un sarcofago romano databile al 170–180 d.C., raffigurante la Morte di Meleagro e altri episodi del mito. Proveniente da Firenze, dove appartenne per secoli alle collezioni di Palazzo Montalvo, e successivamente entrato nella collezione Brenta-Torno a Milano, il rilievo è noto quasi esclusivamente agli specialisti. L’opera si inserisce in una ristretta serie di sarcofagi dedicati al mito di Meleagro, articolati in sequenze narrative che comprendono la caccia al cinghiale di Calidone, il conflitto con gli zii e la tragica morte dell’eroe, causata dalla madre Altea. Tra gli esemplari noti, il sarcofago Brenta-Torno si distingue per qualità formale e per la data precoce del reimpiego medievale.

Nella mostra sono esposti anche i due rilievi laterali originali, oggi conservati al Museo Archeologico Nazionale di Firenze, proponendone per la prima volta il confronto diretto con la fronte principale. Questa ricomposizione consente di verificare l’unità originaria del monumento e di comprenderne appieno la costruzione narrativa. Un ulteriore elemento di rilievo è lo studio dell’iscrizione del XIII secolo, che attesta il riutilizzo medievale del sarcofago e ne consente una più precisa contestualizzazione storica.

Accanto alla dimensione archeologica, la mostra sviluppa una riflessione sulla “biografia” di un gesto: una figura, generalmente femminile, che irrompe nella scena con le braccia protese all’indietro, espressione codificata di disperazione. Nato in età romana e attestato in un vaso d’argento da Pompei, esposto in mostra e proveniente dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli, questo gesto scompare per oltre un millennio, per riemergere improvvisamente nel XIII secolo.

La sua ricomparsa è documentata in opere fondamentali della storia dell’arte, dalla Strage degli Innocenti di Nicola Pisano alla Lamentazione di Giotto nella Cappella degli Scrovegni, fino alle reinterpretazioni moderne, tra cui Guernica di Pablo Picasso, documentata in mostra attraverso una selezione di disegni preparatori e il manifesto della storica esposizione milanese del 1953 a Palazzo Reale.

Nel percorso, infine, un riferimento al pensiero di Aby Warburg, che individuò in questo gesto un caso emblematico di trasmissione delle forme espressive dell’antico, sintetizzato nel concetto di Pathosformel. Pur concentrandosi su un riuso più tardo, in un monumento funebre (ca. 1485) attribuito a Giuliano da Sangallo per la Cappella Sassetti in Santa Trinita a Firenze, Warburg fu tra i primi a riconoscere nella figura dolente dei sarcofagi di Meleagro una fonte decisiva per la riattivazione di questo stesso gesto dopo un lungo oblio. Questo passaggio è rappresentato in mostra nelle tre tavole del Bilderatlas Mnemosyne, nella più recente ricostruzione di Axel Heil e Roberto Ohrt.
La mostra Storia di un gesto propone dunque un’indagine che unisce archeologia, storia dell’arte e teoria dell’immagine, offrendo al pubblico una prospettiva inedita sulla continuità e trasformazione dei linguaggi figurativi dall’antichità al contemporaneo.

Frida da artista a icona

Molto interessante la mostra che la Tate Modern dedica all'immagine dell'artista Frida Kahlo, di come sia diventata una delle artiste più influenti di tutti i tempi, un fenomeno culturale e un'icona commerciale riconosciuta a livello internazionale.

La mostra "Frida: La nascita di un'icona"  presenta oltre 30 delle opere più iconiche di Kahlo, che ne svelano le "molteplici identità": la moglie devota, l'intellettuale, l'artista moderna e l'attivista politica. Accanto a preziosi abiti, gioielli, fotografie e cimeli, sono esposte oltre 200 opere dei suoi contemporanei e degli artisti che ha ispirato nelle generazioni successive, a celebrazione del suo duraturo impatto su coloro che continuano a reinterpretare e a riscoprire la sua straordinaria storia.

La mostra culmina con l'esplorazione della "Fridamania". La trasformazione di Kahlo in un marchio globale, rappresentato  attraverso oltre 200 oggetti commerciali che racchiudono la sua arte, la sua immagine, il suo stile e la sua personalità.

Intraprendete un viaggio assolutamente unico nel suo genere, dedicato a questa artista audace e rivoluzionaria, che offre una visione affascinante del potere trasformativo della vita e dell'opera di Frida, dell'intrigante concetto di fandom e della diversità delle comunità che la considerano parte integrante della propria cultura.

Frida: The Making of an Icon è organizzata dal Museum of Fine Arts di Houston, in collaborazione con la Tate Modern. La mostra è realizzata in partnership con il Lead Global Supporter, Bank of America. Con il supporto di John J. Studzinski CBE. Ulteriore supporto da The Dyers' Company. Con il supporto aggiuntivo del Frida: Making of an Icon Supporters Circle e dei membri della Tate.

Prossimamente alla Fondation Louis Vuitton

Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh

Sulla scia delle mostre “Icone dell’arte moderna” , dedicate a importanti collezionisti come Sergei Shchukin, Mikhail e Ivan Morozov e Samuel Courtauld, la Fondation Louis Vuitton prosegue la sua esplorazione delle figure pionieristiche che hanno plasmato la storia dell’arte moderna con una mostra eccezionale: “Gustave Fayet: Collezionista – Artista Designer” , visitabile dal 9 ottobre 2026 all’8 marzo 2027.

Questa importante mostra, che occupa tutti gli spazi della Fondation Louis Vuitton, è suddivisa in due parti e analizza Gustave Fayet sia come collezionista che come artista e designer. Rivela come collezionismo, creazione e impegno artistico fossero profondamente intrecciati nel corso della sua vita e presenta una figura chiave della modernità di fine secolo, a lungo ingiustamente trascurata. 

Una mostra senza precedenti per dimensioni e portata, che riunisce, per la prima volta in un secolo, oltre 255 opere provenienti dalla straordinaria collezione di Gustave Fayet, oggi disperse in tutto il mondo. Queste sono presentate insieme a 375 sue creazioni, la maggior parte delle quali mai esposte prima e appositamente restaurate per l'occasione.

I punti salienti includono 10 dipinti di Vincent van Gogh, 78 opere di Paul Gauguin, 88 opere di Odilon Redon, oltre a dipinti e pastelli di Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard e Henri Matisse.

Frutto di diversi anni di ricerca, la mostra è stata realizzata grazie alla collaborazione di 64 istituzioni internazionali e 71 collezioni private.

Questa presentazione innovativa getta nuova luce su una figura di spicco caduta gradualmente nell'oblio: Gustave Fayet (1865-1925), appassionato collezionista, artista e prolifico designer, nonché instancabile ed eccezionale imprenditore e visionario nel campo delle arti decorative.

Sebbene oggi poco conosciuto, Fayet fu uno dei più influenti sostenitori e pionieri dell'avanguardia del suo tempo, un uomo che svolse un ruolo chiave nel portare l'arte moderna alla ribalta in tutte le sue forme. Fu tra i primi a collezionare opere di Van Gogh, a esporre Picasso e a fondare un "museo" dedicato a Gauguin nella sua casa nel cuore di Parigi, che ospitava una collezione di quasi 200 opere e attirava artisti e importanti collezionisti dell'epoca. In quanto amico intimo e fervente sostenitore di Odilon Redon, Fayet gli offrì l'opportunità di realizzare un monumentale complesso decorativo per la sua abbazia di Fontfroide, nel sud della Francia: un'opera straordinaria rimasta in gran parte sconosciuta per molti anni.

Gustave Fayet non fu solo un collezionista eccezionale, che radunò oltre 740 opere d'arte moderna di grande rilievo (escluse le stampe): nella parte finale della sua vita, fu anche un designer il cui successo lasciò un segno indelebile nelle arti decorative dell'inizio del XX secolo . Pittore, acquerellista, ceramista, arredatore d'interni, disegnatore di tappeti, tessuti e carte da parati, nonché illustratore di libri, rappresentò una generazione la cui vita fu permeata in ogni suo aspetto dall'arte.

Le sue creazioni, esposte nelle gallerie più prestigiose e nelle principali fiere d'arte, attirarono personalità influenti come Paul Poiret, Jacques Doucet e Jeanne Lanvin. Dall'Art Nouveau all'Art Déco, Fayet svolse un ruolo chiave nel plasmare una nuova estetica in cui arte figurativa e arte decorativa si fondevano armoniosamente. Per Fayet, collezionismo e creazione andavano di pari passo.

Questa prima grande mostra internazionale dedicata a questa figura singolare e, per molti versi, pionieristica, rivela un mondo ricco e multiforme e apre un nuovo capitolo nella storia delle arti moderne e decorative dei primi del Novecento .

Questo ambizioso progetto riunisce un totale di 767 opere e documenti, presentati nelle due sezioni della mostra.

I.                   Gustave Fayet: La collezione in mostra su tre piani della Fondation Louis Vuitton

Più di 250 opere di artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Odilon Redon, Edgar Degas, Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Signac, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard e Henri Matisse.

Esempi di opere esposte in Francia per la prima volta.

Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh

Uno dei momenti salienti di questa mostra è il ritorno in Francia dell'Autoritratto con l'orecchio bendato di Vincent van Gogh , che non veniva esposto in Francia dal 1937 e non era stato prestato per una mostra dal 1990. Dipinto all'indomani della drammatica rottura tra Paul Gauguin e Vincent van Gogh, quest'opera profondamente toccante ritrae un artista ferito ma determinato a continuare a dipingere. Viene presentato insieme all'Autoritratto con tavolozza di Paul Gauguin , mettendo a confronto due visioni radicalmente diverse dell'artista moderno in un dialogo senza precedenti.

Il Cristo Giallo, Autoritratto con il Cristo Giallo e Le Calvaire Breton: tre capolavori di Gauguin

La mostra riunisce Il Cristo Giallo (1889, Buffalo AKG Art Museum), Autoritratto con il Cristo Giallo (1890-1891, Musée d'Orsay, Parigi) e Il Calvario Bretone (1899, Musées royaux des Beaux Arts de Belgique, Bruxelles), opere che un tempo appartenevano a Gustave Fayet e ai suoi stretti collaboratori George Daniel de Monfreid e Maurice Fabre.

Tre dipinti e tre collezionisti del sud della Francia, uniti dalla comune passione per Gauguin, si ritrovano in una costellazione unica incentrata sull'autoritratto, a testimonianza del ruolo decisivo che Fayet ha svolto nel promuovere la notorietà dell'artista.

Giorno, Notte e Silenzio : uno straordinario insieme decorativo di Odilon Redon

Un altro punto culminante della mostra è la presentazione dei pannelli decorativi che Odilon Redon creò per la biblioteca dell'abbazia cistercense di Fontfroide, che Fayet acquistò nel 1908 con l'intento di restaurarla e trasformarla in una "opera d'arte totale". I pannelli sono tuttora conservati con cura in quel luogo.

Per la prima volta, Giorno, Notte e Silenzio – vere e proprie espressioni della visione artistica di Redon – vengono svelati al grande pubblico. Per Fayet, l'opera e l'amicizia con il pittore simbolista hanno contribuito ad aprire la strada a una concezione suggestiva e spirituale dell'arte che ha nutrito profondamente la sua pratica creativa.

II.                Gustave Fayet, l'artista-designer: un mondo ricco e variegato, un'eredità restaurata e svelata all'ultimo piano della Fondazione.

Una ricca collezione di opere riunite per la prima volta: 55 ceramiche, 20 disegni, 90 disegni su carta assorbente ad acquerello, 15 dipinti, pastelli e guazzo e 18 libri illustrati, tra cui le 72 tavole create ispirandosi a Mireille, il poema provenzale di Frédéric Mistral, e il suo ultimo album, Fleurs .

La seconda parte della mostra adotta un approccio altrettanto innovativo, esplorando le molteplici sfaccettature di un designer e imprenditore la cui variegata opera sfida ogni categorizzazione. Pittore paesaggista, trovò nella diversità dell'Art Nouveau e dell'Art Déco un vasto campo di sperimentazione che alimentò la sua insaziabile curiosità. Nel corso degli anni, si affermò come designer, immergendosi in ogni aspetto delle arti decorative – come ceramista, decoratore e disegnatore di tappeti, tessuti, carte da parati e libri illustrati – fondando al contempo una casa di moda. Questa straordinaria versatilità evoca l'aspetto del "touchatouismo" (tuttofare) descritto da Jean Cocteau.

A lungo inaccessibili, disperse o dimenticate, le sue creazioni vengono qui riunite per la prima volta. Esse rivelano una visione creativa vibrante e decisamente moderna, dove colore, motivi e innovazione dialogano con i principali movimenti artistici del suo tempo, gettando luce su un capitolo essenziale ma spesso trascurato della storia delle arti decorative.

Radicato nel movimento simbolista di fine Ottocento , Fayet ha svolto un ruolo chiave nella ridefinizione degli interni moderni durante i ruggenti anni Venti attraverso iniziative come Maison Della e l'Atelier de la Dauphine. Attraverso le commissioni per le vetrate di Richard Burgsthal all'Abbazia di Fontfroide, così come i suoi progetti per le residenze Igny, La Dragonne e Costebrune, Fayet ha coltivato un gusto per la fantasia che ha avuto un effetto addolcente sulla sobria geometria del design degli anni Venti. È particolarmente caratterizzato dal suo straordinario vocabolario floreale, inizialmente abbozzato su carta assorbente e successivamente trasformato in tessuti, carte da parati e tappeti.

La ceramica e la collaborazione con Louis Paul

Nel 1896, Gustave Fayet avviò la sua prima attività nel campo delle arti decorative. Insieme al pittore e scultore Louis Paul (1858-1922), ex allievo di Rodin, fondò un laboratorio di ceramica a Béziers. Entro il 1904, il laboratorio aveva prodotto più di cento pezzi in ceramica, molti dei quali furono esposti alla galleria di Siegfried Bing a Parigi nel giugno del 1898.

Acquerelli su carta assorbente

Intorno al 1912, dopo una pausa di quasi un decennio, Gustave Fayet tornò a dipingere. Come artista, subì una profonda trasformazione. L'estetica rigorosamente controllata dei suoi primi paesaggi della Linguadoca lasciò il posto a strane forme abbozzate ad acquerello su carta assorbente, dove i fiori sembravano emergere da un mondo astratto e indeterminato. Queste opere divennero presto il suo segno distintivo e in seguito apparvero su carta da parati, tessuti e tappeti.

I tappeti disegnati per l'Atelier de la Dauphine

Nel 1920, Gustave Fayet fondò a Parigi l'Atelier de la Dauphine per trasformare i disegni delle sue "carte assorbenti" in tappeti. Caratterizzati da motivi botanici privi di ornamenti geometrici, i suoi tappeti riscossero un successo immediato, attirando commissioni da clienti come Jeanne Lanvin, Jacques Doucet e Léon Losseau. Concepiti come dipinti, i tappeti di Fayet furono esposti al Salon d'Automne, al Pavillon de Marsan del Louvre e all'Esposizione Internazionale di Arti Decorative e Industriali Moderne del 1925.

Restauri importanti: arazzi, diagrammi preparatori, abiti

In concomitanza con la mostra, la Fondation Louis Vuitton ha intrapreso importanti progetti di restauro, tra cui i tappeti creati per la Maison Léon Losseau di Mons (Belgio) – un capolavoro dell'Art Nouveau – e una serie di disegni preparatori, che rivelano un aspetto straordinario del processo produttivo di Fayet. Sono stati inoltre ricostruiti e restaurati una decina di abiti, ispirati ai suoi legami con Paul Poiret, Jacques Doucet e Jeanne Lanvin. 

Con la mostra “Gustave Fayet, Collezionista – Artista Designer”, la Fondation Louis Vuitton riporta alla luce un capitolo dimenticato della storia dell'arte moderna e delle arti decorative: l'affascinante mondo di un uomo la cui intera vita sembra essere stata guidata dalle parole del suo amico André Suarès: “Ha fatto tutto con l'arte”.

Curatela, allestimento di mostre, pubblicazioni e programmazione correlata.

Sylvie Patry, “conservatrice générale du Patrimoine” (Conservatrice generale del patrimonio) e specialista di fama internazionale nell'arte di fine Ottocento e inizio Novecento , è la curatrice principale della mostra e si occupa del catalogo dedicato alla collezione di Gustave Fayet. Angeline Scherf, curatrice presso la Fondation Louis Vuitton, è responsabile della sezione dedicata a Fayet come stilista e del relativo catalogo.

Per valorizzare questo straordinario universo – composto da oltre 767 opere e materiali d'archivio presentati in 28 sezioni all'interno delle gallerie – la Fondation Louis Vuitton ha incaricato Robert Carsen di creare un allestimento espositivo suggestivo e coinvolgente. Attraverso una sottile interazione tra atmosfera, colore e design spaziale, la mostra dà vita ai molteplici mondi di Gustave Fayet: le sue case, le sue collezioni e le sue attività creative. Snodandosi attraverso una sequenza di ambienti distinti, esplora le diverse identità di Fayet – collezionista, mecenate, designer e imprenditore – rivelando al contempo la coerenza intrinseca della sua visione. Ogni sezione si concentra sull'evocazione piuttosto che sulla ricostruzione, catturando la ricchezza e la diversità del suo mondo.

Due libri, pubblicati in collaborazione con Gallimard, esploreranno le molteplici sfaccettature di Gustave Fayet come collezionista e designer, mentre un database accessibile al pubblico catalogherà circa 740 opere e 100 stampe identificate finora nella sua collezione, evidenziandone la ricchezza e la diversità. Un simposio internazionale darà ulteriore impulso a questo ambizioso progetto di ricerca e la mostra sarà accompagnata da un programma musicale che esplorerà i legami tra Fayet e i compositori del suo tempo.

Fragments and Futures: Contemporary Encounters with Ancient Worlds,

 Natalia Manta, TIME: A Faceless Entity, 2026 (dettaglio). Argilla, glassa, ossidazione dell'oro, catena e viti in metallo, 242 × 130 × 65 cm. Per gentile concessione dell'artista. Foto di Dimitra Tzanou.

Ogni estate, l'isola di Samos offre un incontro con strati di storia. Antichi santuari, resti archeologici e vita insulare contemporanea esistono fianco a fianco, creando un paesaggio dove il passato non è semplicemente conservato ma continuamente sperimentato. In questa stagione, la Fondazione Schwarz invita i visitatori a scoprire Fragments and Futures: Contemporary Encounters with Ancient Worlds, che apre a Art Space Pythagorion il 3 luglio 2026, con una celebrazione ufficiale di inaugurazione sabato 1 agosto.

A cura di Katerina Gregos e ioLi Tzanetaki, la mostra riunisce dodici artisti contemporanei il cui lavoro si impegna con i linguaggi visivi, i resti materiali e le narrazioni mitiche dell'archeologia classica. Attraverso la scultura, la pittura, l’installazione, il cinema, il collage e i media digitali, Framments and Futures esplora come le forme e i manufatti antichi continuino a plasmare la nostra immaginazione culturale, chiedendo al contempo cosa significhi “dissotterrare” il passato di oggi.

La mostra segna anche un importante traguardo: dieci anni del Visual Arts Programme della Fondazione Schwarz sotto la curatela di Katerina Gregos, in collaborazione con ioLi Tzanetaki. Negli ultimi dieci anni, Art Space Pythagorion è diventata una piattaforma distintiva per mostre che collegano la pratica artistica contemporanea con il contesto storico, politico e culturale unico di Samos.

Traendo ispirazione dal ricco patrimonio archeologico dell’isola di Samos, Fragments and Futures considera l’archeologia non come una registrazione fissa della storia ma come un processo attivo di interpretazione. In contrasto con le tradizionali presentazioni dell'antichità classica come canone chiuso di bellezza e ordine, la mostra esamina come le rovine, i frammenti e il materiale continuano a generare nuovi significati, rivelando i modi in cui la storia viene continuamente ricostruita, contestata e reinventata.

Al centro della mostra si trova un fascino per il frammento. Per gli artisti partecipanti, ciò che sopravvive dall'antichità è un punto di partenza per la narrazione e la critica. I frammenti diventano spazi di possibilità, dove l’assenza e l’incompletezza invitano a nuovi modi di comprendere il passato e a immaginare il futuro.

Rivisita anche il mito e il corpo classico attraverso le prospettive contemporanee. Figure e narrazioni familiari vengono reinterpretate attraverso lenti femministe, queer e postcoloniali, mentre le idee ereditate di bellezza e potere vengono messe in discussione e trasformate. Materiali antichi come marmo, argilla e pigmento entrano in dialogo con le tecnologie digitali, tra cui la scansione, la proiezione e la produzione 3D, rivelando sia la continuità che la rottura attraverso millenni.

Molti degli artisti impiegano pratiche basate sulla ricerca che assomigliano molto a quelle degli stessi archeologi, scavando archivi, documenti storici e cultura materiale per scoprire narrazioni trascurate e proporre storie alternative. Il loro lavoro rivolge anche un occhio critico verso il museo, esaminando come le collezioni vengono assemblate, esposte e interpretate, e chiedendo quali storie sono conservate, e le quali rimangono assenti.

La mostra presenta opere di Rosella Biscotti, Navine Dossos, Alexis Fidetzis, Hadjithomas & Joreige, Yiannis Hadjiaslanis, Natalia Manta, Chris Marker, Petros Moris, Panos Profitis, Theopisti Stylianou-Lambert & Alexia Achilleos, Lucia Tallová e Maarten Vanden Eynde. Insieme, esplorano come l’arte contemporanea possa illuminare la rilevantesità duratura dell’archeologia come mezzo per comprendere il presente e immaginare possibili futuri.

Situato su una delle isole storicamente più significative dell'Egeo, Fragments and Futures invita i visitatori a sperimentare l'arte contemporanea in dialogo con il paesaggio da cui emergono molte delle sue domande. Mentre Samos accoglie i visitatori durante tutta l'estate, la mostra offre l'opportunità di riflettere sulle storie che ereditiamo, sulle narrazioni che conserviamo e sul futuro che scegliamo di immaginare.

Frammenti e futures: gli incontri contemporanei con i mondi antichi sono in mostra dal 3 luglio al 30 settembre 2026 a Art Space Pythagorion, Samos, Grecia. 

Lo Spaced Out di Erik Saglia

Presso la Galleria Thomas Brambilla fino al 17 Luglio si svolge la terza mostra personale dell’artista italiano Erik Saglia (1989) intitolata Spaced Out.

In mostra sono esposte sette nuove opere in alluminio verniciato e LED che segnano una decisa evoluzione nel percorso dell’artista. Questi lavori si pongono in diretta continuità con la produzione pittorica precedente, preservando il contenuto formale e l’uso metodico della griglia modernista, già esplorati nella recente serie “Manifesti Satellite”. In questa nuova fase, Saglia non si limita a ribadire il rigore geometrico del passato, ma lo eleva attraverso l'integrazione della luce come materia costruttiva. La griglia, da perimetro organizzativo dell'immagine, si trasforma in un organismo vibrante: i pattern modulari evolvono in dispositivi capaci di irradiare luce e colore, mantenendo un’essenzialità strutturale dove la tecnologia diventa il prolungamento luminoso della forma.

La mostra si ispira al pensiero del filosofo hongkonghese Yuk Hui, il quale, attraverso i concetti di "cosmotecnica" e "tecnodiversità", invita a ripensare la tecnologia come uno strumento libero e poetico, capace di aprire il mondo ad infinite possibilità. Proprio in quest’ottica, il titolo "Spaced Out" evoca una spinta verso l’esterno, uno sconfinamento oltre i limiti della forma e della materia, verso una pluralità di visioni. Rielaborando le teorie di Hui, Saglia trasforma il LED da semplice componente industriale a elemento vitale e dinamico, capace di far “vibrare” la rigidità della griglia modernista e di proporre allo spettatore un orizzonte di infinite possibilità comunicative ispirando e radicandosi nella tradizione artistica novecentesca.

Se da un lato Dan Flavin viene ripreso nella sua capacità di trasformare l’ambiente circostante attraverso l’irradiazione cromatica e l’integrazione della luce all’interno della struttura stratificata dell’opera, dall’altro François Morellet viene evocato attraverso il rigore matematico e analitico, trasformando la griglia in un organismo pulsante e vivo. Tuttavia, il legame più evidente e profondo resta per Saglia il lavoro dell’americano Keith Sonnier che si manifesta in una leggerezza cromatica e formale unica. Il risultato finale del lavoro di Saglia trasforma il LED in un segno grafico dinamico in cui precisione formale ed energia luminosa si fondono in un’esperienza totale esattamente come in Sonnier stesso.

Festival di Verbier

Panoramica del Verbier 3-D Foundation Sculpture Park e n. 1387 Recinzione di Rana Begum (2024). Per gentile concessione di Melody Sky.

 Quest’estate, la Fondazione Verbier 3-D celebra quindici anni di sperimentazione artistica nel dialogo con il paesaggio, l’ecologia, il suono e la cultura contemporanea nelle Alpi. Dalla sua fondazione nel 2011, Verbier 3-D si è evoluto come Museo senza mura: una residenza per artisti, un parco di sculture e una piattaforma culturale in cui artisti, musicisti, poeti, architetti, ingegneri e pensatori ambientali si impegnano direttamente con l'ambiente montano.

La stagione 2026 segna una pietra miliare significativa per la Fondazione e un nuovo capitolo nel suo rapporto con la più ampia vita culturale di Verbier attraverso una serie di collaborazioni con il Festival e l'Accademia di Verbier.

Per la prima volta, Verbier 3-D è stato invitato da Hervé Boissière, Co-Direttore dell'Accademia del Festival di Verbier, a curare l'intervento scultoreo all'ingresso della Salle des Combins. L’opera selezionata, dell’artista svizzero/francese Mireille Fulpius, crea un potente dialogo tra arte contemporanea, architettura e luogo. La sua presenza minimalista risuona fortemente con il linguaggio di design del famoso architetto Kengo Kuma, la cui visione per il futuro centro culturale di Verbier cerca allo stesso modo di dissolvere i confini tra natura, cultura e spazio costruito.

La collaborazione riflette un impegno condiviso per espandere le esperienze culturali oltre i quadri istituzionali tradizionali e nel paesaggio alpino circostante.
 

DOVE INIZIA L'ACQUA

Al centro di questa stagione di anniversario è Where the Water Begins, la grande mostra estiva della Fondazione curata dall’Associate Curator Birta Ólafsdóttir e presentata in collaborazione con Protect Our Winters (POW), il movimento internazionale che mobilita la comunità outdoor per intraprendere azioni positive sui cambiamenti climatici.

Situata nella Val de Bagnes, la mostra esplora il rapporto dell’umanità con l’acqua, la forza essenziale che modella ogni aspetto della vita nelle Alpi. Dall'agricoltura e dal turismo all'energia idroelettrica e al patrimonio culturale, l'acqua proveniente dai ghiacciai sostiene i sistemi ecologici, sociali ed economici della regione. Eppure le proiezioni scientifiche indicano che almeno il 34% del ghiaccio alpino potrebbe scomparire entro il 2050, anche se oggi il riscaldamento globale fosse fermato.

Riunendo artisti che lavorano attraverso la fotografia, la scultura, il suono, la poesia e l'installazione ambientale, la mostra traduce i dati scientifici in esperienza emotiva e consapevolezza ambientale in impegno culturale.

A differenza di una mostra tradizionale, queste opere si incontrano direttamente all’interno del paesaggio stesso. Installate lungo il percorso di montagna tra La Croix de Cœur e Les Ruinettes, le opere d'arte entrano in conversazione con il terreno, i sistemi meteorologici, i ghiacciai e i corsi d'acqua a cui si rivolgono. Attraverso l’intervento artistico, i visitatori sono invitati non solo a osservare il cambiamento ambientale, ma a sentirne l’urgenza.

L'esperienza è ulteriormente approfondita attraverso un paesaggio sonoro immersivo dell'artista sonoro australiano Philip Samartzis, il cui lavoro cattura le frequenze nascoste e le atmosfere mutevoli di ambienti alpini fragili.

La mostra presenta:
● Carmen Campo Real — Poeta in residenza
● Anne-Chantal Pitteloud — Il padiglione dell'acqua
● Ragnar Axelsson
● Ian Van Coller
● Bernard Garo
● Jancsi Hadik
● Tobias Kaspar
● Chloe Dewe Mathews
● Cielo di melodia
● Josephine Vermilye

Passeggiata di Vernissage e Arte Guidata

La mostra si apre con una passeggiata guidata attraverso il Verbier 3-D Sculpture Park e installazioni site-specific recentemente commissionate, culminando in un vernissage al The Water Pavilion, a
nuovo lavoro permanente di Anne-Chantal Pitteloud.

Durante l'apertura, la Poeta in residenza Carmen Campo Real presenterà, per la prima volta, poesie scritte durante la sua residenza a Verbier. Il suo lavoro offre una risposta lirica ai temi della mostra di acqua, memoria, trasformazione e cambiamento ambientale.
 
VERBIER FESTIVAL x VERBIER 3-D
22 luglio | Dal palco al paesaggio: arte, musica e cultura a Verbier


Panoramica del Verbier 3-D Foundation Sculpture Park e Sempervivum di Cannupa Hanska Luger (2025). Per gentile concessione di Melody Sky.
Presentato in collaborazione con il Festival di Verbier, questo evento speciale riflette su come la creazione artistica possa andare oltre i confini istituzionali per creare nuove esperienze ecologiche e interdisciplinari radicate nella natura.

La conversazione riunirà l'artista Mireille Fulpius, il cui lavoro è installato all'ingresso della tenda dell'Accademia del Verbier, insieme ai direttori della Fondazione Verbier 3-D Madeleine Paternot e Kiki Thompson, moderata dal curatore Paul Goodwin.

Ispirata dall'evoluzione del panorama culturale di Verbier, tra cui il design di Kengo Kuma per il futuro centro culturale, la discussione esplorerà come l'arte, la musica, l'architettura e il pensiero ambientale possono intersecare per plasmare il futuro della produzione culturale nelle comunità montane.

L'evento si conclude con una sessione di domande e risposte con studenti del Verbier 3-D Mentors Programme in collaborazione con EDHEA e Vassar College (New York).
 
FONDAZIONE VERBIER 3-D
23 luglio | 15A CELEBRAZIONE DELL'ANNIVERSARIO

Celebrazione: giovedì 23 luglio, 11:00 - 15:00
Le celebrazioni dell'anniversario continuano nel Parco delle Sculture con una giornata dedicata all'arte, alla musica, alla poesia, al tutoraggio e alla comunità.

I punti salienti del programma includono:
● Interventi musicali da parte degli studenti del Festival di Verbier
Academy Lab eseguito in tutto il Parco delle Sculture
● Letture di poesie e performance di Carmen Campo
Reale
● DJ Brunch con NikoBeats e Reverence World
● Cocktail sponsorizzati da Verbier Gin

La celebrazione onora lo spirito che ha definito Verbier 3-D dal 2011: sperimentazione, collaborazione, mentorship e creazione artistica in dialogo diretto con la natura.

Mentre Verbier continua a evolversi come destinazione culturale internazionale, il programma del 15 ° anniversario della Fondazione apre nuove conversazioni tra discipline, generazioni e ambienti, riunendo artisti, musicisti, pensatori e pubblico per immaginare nuovi modi di vivere la cultura in montagna.
 
PROGRAMMAZIONE DELL'ANNIVERSARIO
16 luglio | UNLD Ballade Musicale: Arte en Alpage
Interpretazione di poesia di Verbier 3-D Poeta in-Residence Carmen Campo Real

CARTE BLANCHE AL PALL MALL 67
20 luglio | La poesia come attivismo ambientale
Conversazione con la Poeta in residenza Carmen Campo Real

21 luglio | Due fotografi, una casa di montagna
Come Verbier Ha Plasmato Le Loro Carriere Globali
Una conversazione con i fotografi Melody Sky e Jancsi Hadik che esplorano il ruolo del
Paesaggio alpino nel plasmare la pratica artistica e le prospettive internazionali.

22 luglio | Dal palco al paesaggio: arte, musica e cultura a Verbier