Chicago - City of the Garden

Foto della mostra al MAC di Chicago

Il Museo di Arte Contemporanea di Chicago propone fino a Maggio la mostra "City in a Garden: Queer Art and Activism in Chicago" una iniziativa collettiva intergenerazionale che mette in luce il ruolo essenziale, ma spesso sottovalutato, di Chicago nella storia dell'arte e dell'attivismo queer. La mostra esamina questa storia a partire dalla metà degli anni '80, quando gli attivisti si mobilitarono radicalmente in risposta alla disastrosa gestione della crisi dell'AIDS da parte del governo statunitense. In questo momento di cambiamento, gli attivisti rivendicarono l'epiteto storicamente dispregiativo "queer" come termine liberatorio, che comprendeva tutti coloro che si discostavano intenzionalmente dalla società eteronormativa. Traendo spunto dalla collezione dell'MCA e da altre collezioni locali, " City in a Garden" segue questo cambiamento di paradigma nella storia LGBTQ+ riunendo opere di oltre 30 artisti e collettivi attivi a Chicago dagli anni '80 a oggi.

Foto della mostra al MAC di Chicago

Questi artisti affrontano la queerness attraverso diversi media e metodi: documentando spazi queer clandestini attraverso fotografie, creando sculture che sfidano le rappresentazioni normative di genere e sessualità ed esplorando l'intimità queer attraverso disegni, dipinti e video. City in a Garden presenta anche materiali d'archivio relativi a gruppi che combinano in modo innovativo le pratiche artistiche con il loro attivismo. La mostra prende il titolo dal motto ufficiale di Chicago, Urbs in Horto , che si traduce in "città in un giardino". Nel contesto di questa presentazione, questo motto si riferisce alle visioni utopiche degli artisti e degli attivisti in mostra di un santuario metropolitano per persone di ogni razza, genere e orientamento sessuale. Mentre le persone queer continuano a lottare per la propria vita e il proprio sostentamento sotto continue e rinnovate minacce politiche, queste visioni rimangono oggi più urgenti che mai.

Foto della mostra al MAC di Chicago

City in a Garden: Queer Art and Activism in Chicago è curata da Jack Schneider, curatore associato, con Korina Hernandez, assistente curatoriale. 

Coco Fusco al El Barrio di New York

veduta dell'istallazione courtesy El Museo del Barrio New York foto di Matthew Sherman

 A New York El Museo del Barrio presenta la prima retrospettiva statunitense sull'influente artista e scrittrice interdisciplinare cubano-americana Coco Fusco (nata nel 1960, vive a New York). Artista rinomata, Fusco è stata acclamata a livello mondiale per la sua voce spiccatamente perspicace, pungente e penetrante. Dagli anni Novanta, i suoi film, fotografie, testi, installazioni e performance hanno affrontato le dinamiche della politica e del potere in relazione a questioni di rappresentazione, cultura e critica istituzionale.

La mostra comprenderà oltre tre decenni di produzione artistica di Fusco, posizionandola come una delle artiste più influenti nel panorama dell'arte contemporanea. Dalla sua ormai canonica performance "Due Amerindi Sconosciuti Scoprono l'Ovest" (presentata con Guillermo Gomez-Peña) alla sua continua indagine sulla storia cubana post-rivoluzionaria, fino alle sue più recenti esplorazioni fotografiche sulla politica statunitense, la mostra offrirà una panoramica completa della sua carriera multidisciplinare.

veduta dell'istallazione courtesy El Museo del Barrio New York foto di Matthew Sherman

Prendendo in prestito il titolo dalla recente monografia dell'artista, Tomorrow, I will Become an Island è organizzata presso El Museo del Barrio da Susanna V. Temkin, curatrice capo ad interim, e Rodrigo Moura, ex curatore capo.

veduta dell'istallazione courtesy El Museo del Barrio New York foto di Matthew Sherman

SULL'ARTISTA

Coco Fusco è un'artista e scrittrice interdisciplinare con sede a New York. Ha ricevuto il Free Speech Defender Award 2023 dalla National Coalition Against Censorship, un Art Award dell'American Academy of Arts and Letters nel 2021, una Latinx Artist Fellowship nel 2021, un Anonymous Was a Woman Award nel 2021, un Rabkin Prize for Art Criticism nel 2018, un Greenfield Prize nel 2016, una Cintas Fellowship nel 2014, una Guggenheim Fellowship nel 2013, un Absolut Art Writing Award nel 2013, una Fulbright Fellowship nel 2013, una US Artists Fellowship nel 2012 e un Herb Alpert Award in the Arts nel 2003.

Le performance e i video di Fusco sono stati presentati alla 56a Biennale di Venezia, alla Biennale di Sharjah, a Frieze Special Projects, a Basel Unlimited, a tre Biennali del Whitney (2022, 2008 e 1993) e in diverse altre mostre internazionali. Le sue opere sono presenti nelle collezioni permanenti del Museum of Modern Art, del Walker Art Center, dell'Art Institute di Chicago, del Whitney Museum, del Centre Pompidou e del Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona. 

Fusco è autrice di numerosi libri e collabora regolarmente con la New York Review of Books e numerose pubblicazioni d'arte. La sua monografia " Tomorrow, I will Become an Island" è stata pubblicata da Thames & Hudson nel 2023.

Fusco ha conseguito la laurea triennale in Semiotica presso la Brown University (1982), la laurea magistrale in Pensiero e Letteratura Moderna presso la Stanford University (1985) e il dottorato di ricerca in Arte e Cultura Visiva presso la Middlesex University (2007). È professoressa presso la Cooper Union School of Art.

Richard Prince - Posters

Sta per concludersi la mostra personale "Posters" di Richard Prince ideata da Hetzler | Marfa  in occasione della presentazione annuale della galleria a Marfa, in Texas.

Uno dei principali rappresentanti dell'arte di appropriazione, Richard Prince ricontestualizza immagini e idee provenienti dai mass media, dalla pubblicità e dall'intrattenimento fin dagli anni '70. Spesso basata su prodotti della cultura americana quotidiana, la sua pratica è quella della "post-produzione", che rielabora i fenomeni culturali e i loro attributi per riscrivere le narrazioni ricevute e la nostra comprensione della storia. 

La presente mostra riunisce un ampio corpus di  opere Poster di Prince  su tela e su carta, create tra il 2014 e il 2024. Le grandi tele mostrano riproduzioni di pubblicità per manifesti per corrispondenza, come si trovavano spesso sul retro delle riviste nella seconda metà del XX secolo  . 

Estremamente popolari all'epoca, queste immagini stampate rappresentano pietre miliari delle prime riviste controculturali, che sono tra gli interessi a lungo termine di Prince. I motivi degli slogan politici e dell'arte eccentrica sotto forma di poster economici vengono individuati e scelti dall'artista. 

Traggono origine dalla cultura hippie degli head-shop della fine degli anni '60, che comprendeva anche riviste, dischi musicali e comici. Staccate e bloccate dalle pagine in cui erano elencate, le immagini sono state ingrandite in modo che le opere risultanti siano molto più grandi dei poster originali. 

Nella loro selezione apparentemente arbitraria, le immagini dei poster combinano slogan contro la guerra, riproduzioni di arte moderna, interpretazioni grafiche di coppie nude e immagini di gatti in raccolte a volte ironicamente disparate. L'atteggiamento rivoluzionario delle proteste studentesche della fine degli anni '60 è giustapposto all'autoindulgenza della cultura hippie in questa illustrazione affiancata del linguaggio visivo popolare. 

Se gli atteggiamenti culturali vengono trasportati attraverso l'immaginario quotidiano, Prince li rende trasparenti applicando il focus della sua pratica artistica a questi materiali di partenza. Metodo e implicazione vengono tradotti in contesti diversi e, con la sua meticolosa attenzione ai dettagli, l'artista decodifica la comunicazione del linguaggio visivo contemporaneo e le idee che vi sono nascoste. Richard Prince

Novità al Simose Art Museum

 

Opera di Sam Falls al Simose Art Museum

L'elegante Simose Art Museum ha acquisito opere di tre artisti contemporanei: Sam Falls, Tomokazu Matsuyama e Miwa Komatsu. 

E ora presente una mostra in due parti con le opere di Sam Falls e Tomokazu Matsuyama, seguirà poi una dedicata a Miwa Komatsu. 

Sam Falls, nato nel 1984 negli Stati Uniti, si è distinto negli ultimi anni per la sua pratica di disporre rami, foglie e fiori su tela, cospargerli di tintura ed esporli alla luce del sole, alla pioggia e al vento per trasformarli in dipinti. I colori vivaci e i motivi familiari rendono le opere accattivanti, ma il processo creativo di Falls riflette anche il suo interesse per i principi fondamentali della fotografia; la sua consapevolezza del rapporto tra spettatore, opera d'arte e artista; e le sue profonde meditazioni sulla natura e sulla caducità della vita. Questa mostra sarà la prima in Giappone a presentare la sua monumentale opera "Spring to Fall" (2023-2024), alta oltre 3,6 metri e larga 45 metri, la cui realizzazione ha richiesto più di un anno.

Tomokazu Matsuyama, nato nella prefettura di Gifu nel 1976, è un artista contemporaneo attivo a livello internazionale con sede a New York. Matsuyama crea le sue opere attraverso un metodo unico di "campionamento", in cui ricostruisce un'ampia gamma di motivi artistici e popolari tratti sia dalla cultura orientale che da quella occidentale. Le sue tele riflettono i volti intricati della società contemporanea, mentre l'uso di colori vivaci e la meticolosa attenzione ai dettagli danno vita a una visione del mondo distintiva. Il suo potente linguaggio visivo ha affascinato il pubblico di tutto il mondo. Questa mostra presenta parte della sua pratica globale, evidenziando due dipinti di recente acquisizione insieme a Soul Miner (2025), un'opera scultorea di grandi dimensioni presentata per la prima volta nella sua prima mostra personale a Tokyo.

Pinacoteca tris!

 

La Pinacoteca Agnelli propone per questa fine d'anno tre differenti progetti, una mostra storica sull'attività artistica  di Alice Neel, recentemente tutelata dalla galleria David Zwiner, i dinamici interventi e approcci pittorici di Piotr Uklański e un nuovo progetto sulla mitica pista del Lingotto di Paul Pfeiffer dal titolo Vitruvian Figure (Juventus).

Le proposte ben presentate si articolano nelle diverse aere della fondazione, creando un interessante gioco di confronto stilistico fra gli approcci artistici di artisti da provenienze molto diverse. 

Giocano su temi e tecniche pittoriche  che se con Alice Neel paiono più di quieta maniera borghese compiaciuta con Piotr Uklański scivolano in un ironico arabesco formale. Mentre l'intervento di Paul Pfeiffer ci immerge nell'intensa passione viscerale dello sport che sovrasta ogni intelletualismo, spesso autoreferenziale. 

Niki de Saint Phalle e Jean Tinguely

Nella tenuta della Hauser & Wirth Somerset, fino al 1 Febbraio, si ergono i lavori di Niki de Saint Phalle (1930-2002) e Jean Tinguely (1925-1991) proposti in collaborazione con la Niki Charitable Art Foundation . La prima mostra dedicata a entrambi gli artisti nel Regno Unito illustra la visionaria produzione artistica di Saint Phalle e Tinguely e la duratura collaborazione creativa durata tre decenni. 

La mostra si svolge nell'ambito delle celebrazioni del centenario della nascita di Tinguely. Per celebrare questa ricorrenza, la sua opera innovativa e giocosa sarà celebrata a livello internazionale con una serie di mostre ed eventi.

Due figure emblematiche dell'arte contemporanea, Saint Phalle e Tinguely, hanno sfidato la pratica artistica convenzionale e sono stati animati da un sentimento di ribellione, sia nella vita che nell'arte. La mostra presenta opere inedite su carta e art décor di Saint Phalle, accanto ai suoi dipinti sparatutto e alle monumentali sculture all'aperto. Le iconiche macchine cinetiche di Tinguely spaziano dagli anni '50 all'ultimo anno della sua vita, oltre alle poliedriche opere collaborative realizzate dal duo nel corso degli anni '80.

Beato Angelico, storia di una mostra

Un bel video che racconta della mostra sul Beato Angelico, presenti alla mostra di Firenze. a lui dedicata . Sono stati riunite molte sue opere sparse per il mondo per la prima volta.. Interventi dei professori e curatori della mostra quali: Arturo Galansino, Stefano Casciu.arl Brandon Strehlke e Angelo Tartuferi.

Il Museo Novecento celebra con una grande mostra i 120 anni di Villa Romana

Fotografia della mostra di Leonardo Morfini

In occasione dei 120 anni di Villa Romana, il Museo Novecento ospita, in collaborazione con Villa Romana, la mostra “CENTOVENTI: Villa Romana 1905–2025”, a cura di Elena Agudio e Sergio Risaliti, con Mistura Allison ed Eva Francioli. L’esposizione, già aperta al pubblico, sarà visitabile fino all’8 marzo 2026 nelle sale al primo piano del Museo Novecento.

 

Il progetto espositivo intende indagare il dialogo costante tra la residenza di via Senese e la città di Firenze, mettendo in luce il ruolo che Villa Romana ha avuto nel generare relazioni, influenze e visioni originali, pur trovandosi in una posizione apparentemente defilata rispetto al centro storico. Attraverso un intenso programma di residenze, dal 1905 la Villa ha ospitato artisti e intellettuali che, vivendo e lavorando nelle sue stanze, hanno contribuito a trasformarla in un laboratorio di sperimentazione e di apertura verso il mondo contemporaneo.

 

La mostra al Museo Novecento rappresenta quindi un’occasione unica, volta a storicizzare, per la prima volta in un museo italiano, la presenza e le attività di Villa Romana lungo il Novecento e fino ai nostri giorni. In esposizione materiali d’archivio e opere di alcuni tra i protagonisti che hanno segnato la vita dell’istituzione, tra cui Ernst Barlach, Georg Baselitz, Michael Buthe, Max Klinger, Georg Kolbe, Käthe Kollwitz, Markus Lüpertz, Anna Oppermann, Max Pechstein, Emy Roeder. Le opere provengono da prestigiose collezioni pubbliche e private in Italia e in Germania, insieme a opere della collezione di Villa Romana.

 

Fotografia della mostra di Leonardo Morfini

Il progetto si inserisce in un percorso comune che vede Museo Novecento e Villa Romana collaborare per rafforzare il legame con il territorio e, al tempo stesso, aprirsi a pratiche e linguaggi innovativi. Negli ultimi anni, infatti, il Museo Novecento ha intrapreso una serie di iniziative volte a sostenere la produzione contemporanea: dall’organizzazione di mostre temporanee di artisti giovani e mid-career, all’istituzione di borse di studio per under 45, fino al recente avvio di un programma di residenze per artisti e curatori in Italia, promosso con il progetto WONDERFUL! Art Research Program Maria Manetti e Jan Shrem Foundation ideato da Sergio Risaliti, direttore del Museo Novecento.

La mostra diventa così non solo una celebrazione dei 120 anni di Villa Romana, ma anche un’opportunità per riflettere sulle sinergie che si possono attivare all’interno di un determinato contesto territoriale, grazie ad un dialogo ispirato al potere dell’arte – al tempo stesso curativo e disturbante – di mettere in discussione certezze acquisite e aprire a nuovi modi di stare nel mondo.

Fotografia della mostra di Leonardo Morfini

New York negli anni Ottanta

Con la mostra Downtown/Uptown: New York negli anni Ottanta, la galleria Lévy Gorvy Dayan, con la collaborazione con Mary Boone, ci immerge nei mitici anni ottanta del secolo scorso.

Una raffinata selezione di importanti dipinti, sculture, fotografie e opere su carta degli artisti Jean-Michel Basquiat, Ross Bleckner, Francesco Clemente, Eric Fischl, Guerrilla Girls, Peter Halley, Keith Haring, Jeff Koons, Barbara Kruger, Louise Lawler, Sherrie Levine, Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Cady Noland, Ricky Powell, Richard Prince, David Salle, Kenny Scharf, Julian Schnabel, Andres Serrano, Cindy Sherman, Haim Steinbach, Tseng Kwong Chi, Andy Warhol, David Wojnarowicz e Christopher Wool.

La scena artistica newyorkese degli anni '80 era un luogo di sperimentazione e creatività. Come afferma Boone, "Gli anni '80 erano sinonimo di scoperta e nuove idee. C'era un senso di possibilità e fluidità, sostenuto da una comunità artistica impegnata". Con la città come catalizzatore, artisti, sia emergenti che affermati, esplorarono la storia dell'arte, la politica, l'attualità, la cultura visiva e consumistica, e concepirono nuove forme di rappresentazione. Le opere in Downtown/Uptown: New York negli anni '80 rappresentano l'arte diversificata e innovativa creata durante e in risposta a questo periodo epocale, evidenziando al contempo la comunità condivisa dagli artisti in mostra.

Musée Picasso 2030

Foto ©Museo Picasso - Voyez-Vous (Chloe Vollmer-Lo)

Parigi si rinnova e dopo le recenti notizie sul futuro Louvre e sui lavori avviati per il  rinnovo del Centre Pompidou e la volta del Musée Picasso che amplierà i suoi spazi con un grande giardino con sculture e la realizzazione di una nuova ala per le mostre temporanee. 

Il tutto grazie alla collaborazione fra enti pubblici e privati, con l'obiettivo di trasformare il museo in un centro più dinamico e comunitario, con nuovi servizi come un caffè e la riorganizzazione dell'area pedonale e dei giardini.