Constantin Brancusi al Guggenheim

Questa sicuramente è una di quelle mostre da non perdere, al Guggenheim  di New York una stupenda mostra su Constantin Brancusi. 

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In gallery space devoted to the permanent collection, the Guggenheim is showcasing its rich holdings of the work of Constantin Brancusi (1876–1957). In the early decades of the twentieth century, Brancusi produced an innovative body of work that altered the trajectory of modern sculpture. During this period, Brancusi lived and worked in Paris, then a thriving artistic center where many modernist tenets were being developed and debated. 

He became an integral part of these conversations both through his relationships with other artists, such as Marcel Duchamp, Fernand Léger, Amedeo Modigliani, and Henri Rousseau, and through his own pioneering work. His aspiration to express the essence of his subjects through simplified forms and his engagement with non–Western European artistic traditions led to new stylistic approaches. In addition, his mode of presentation, which equally emphasized sculpture and base and in which works were shown in direct relation to one another, instead of as independent entities, introduced new ways of thinking about the nature of the art object.

The Solomon R. Guggenheim Museum began collecting Brancusi’s work in-depth in the mid-1950s under the leadership of its second director, James Johnson Sweeney. When Sweeney began his tenure at the museum, the collection was focused on nonobjective painting. Sweeney significantly expanded the scope of the institution’s holdings, bringing in other styles and mediums, particularly sculpture. The Guggenheim’s commitment to Brancusi during these years extended beyond its collecting priorities, and in 1955 the museum held the first major exhibition of the artist’s work.

Supported in part by the Romanian Cultural Institute in New York.

The Bureau of Authentication

narrative projects is pleased to present The Bureau of Authentication a collaborative project by artists Michal Baror and Patrick Hough that includes performance based installation work, video and photography. The project, produced as part of the ArtPort, Tel Aviv residency program, is the result of a two-month period of intensive research around the intersection of archaeology and politics in the region of Israel/Palestine. The exhibition explores the process of transformation that occurs to objects and stories through bureaucracy and the creation of official documents. It also examines the dynamics of recording and translating oral history into written historical text, ideas relating to provenance and market value.

As part of The Bureau of Authentication performance, members of the public are invited to bring evocative objects to the office of the Bureau where after a consultation, a unique certificate is issued for their object, recording both its physical aspects and the story/history surrounding it, as told by its owner. All objects are photographed in situ and reproduced within the signed and stamped certificate. An additional copy of the certificate is hung on the wall of the gallery forming part of the Bureau’s growing public archive. Participants are also invited to choose the language of their certificate – English, Arabic or Hebrew and these languages are used throughout the entire Bureau’s graphic design concept.

The work springs from an interest into the antiquities trade in Israel, one of the only countries in the Middle East where the buying and selling antiquities is legal. The laws regulating the sale of these objects can be traced back to the British Mandate period when Palestine formed part of British Empire.

Kader Attia a Sidney

Il MCA di Sidney propone fino al 30 Luglio una mostra di Kader Attia.

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Kader Attia was the recent recipient of the 2016 Prix Marcel Duchamp, France’s most prestigious art award. Central to his presentation at the Centre Georges Pompidou, Paris was the extraordinary 48-minute film Reflecting Memory (2016), which forms a highlight of the current exhibition. Exploring themes of injury, therapy and the ‘phantom limb’, it opens up ideas around trauma and its unseen repercussions, for both the individual and wider society.

French-Algerian artist Kader Attia (born 1970) works across diverse media including collage, photography, video, sculpture and installation. This new survey exhibition encompasses over a decade of the artist’s practice, focussing on key installations which are contextualised by video and sculptural works.

Exploring ideas around cultural exchange, appropriation, and the tangled relationship between extra-Occidental cultures and the West in the wake of decolonisation, Attia articulates theories of ‘injury’, ‘repair’ and ‘reparation’ through his practice. These ideas are expressed through two- and three-dimensional works that juxtapose broken objects, including African masks with visible repairs, alongside Classical statuary and documentary imagery of World War 1 veterans with significant facial injury and surgical reconstruction.

Ghost (2007) comprises an installation of empty aluminium-foil casts of kneeling women in prayer.

In Asesinos! Asesinos! (2014) over 100 doors are split into halves and presented in a vast, upright formation of A-frames. They recall bodies in a crowd that surge forward in protest, a sensation enhanced by the work’s title (‘Murderers! Murderers!’) and the silent megaphones mounted on top of them.

Attia’s installation The Culture of Fear: An Invention of Evil (2013) extends the theme of injury and response through interlocking steel shelves that suggest an archive or library. On the shelves are late 19th and 20th century books and newspapers that extend the colonial gaze into the present through their depiction of European encounters with a non-Western, uncivilized ‘other’.

MET Roof Garden "The Theater of Disappearance" by Adrián Villar Rojas

Celebrated Argentinian artist Adrián Villar Rojas is known for his site-specific sculptural installations. 

Set atop the Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden, Villar Rojas's installation transforms the space into a performative diorama, where banquet tables occupy an oversize black-and-white checkerboard floor punctuated by sculptures that fuse together human figures and objects found within the museum. 

The resulting juxtapositions put forth a radical reinterpretation of museum practices. The introductory essay explores the conceptual framework that informs Villar Rojas's commission as well as his interventions around the world. A selection of images the artist took while exploring the museum is featured here alongside his own commentary, offering a unique visual diary of his thought process for the installation. This is the fifth edition in a series that documents and contextualizes The Met's annual rooftop commissions.

Beatrice Galilee is Daniel Brodsky Associate Curator of Architecture and Design in the Department of Modern and Contemporary Art at The Metropolitan Museum of Art, New York.

Adrián Villar Rojas is from Rosario, Argentina. He lives and works nomadically.

Tesori principeschi

Il museo del Castello di Pau propone una bella mostra sui manufatti della cospicua eredità del casato dei Albret. 

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Cette exposition porte sur les richesses d’art dont la maison d’Albret hérita de celle de Foix, avec la couronne royale de Navarre (1484) dépourvue cependant de la quasi-totalité de ce royaume ibérique. Dès 1464, en effet, Gaston IV de Foix-Béarn fixait à Pau « sa principale habitation ». À la tête de la dernière des principautés héritées du Moyen Âge, les maîtres des lieux enrichirent cet ensemble qui, au XVIe siècle, était conservé aux châteaux de Pau et de Nérac, leurs principales résidences, où il fit l’objet d’inventaires successifs. Celui de 1561-1562, qui compte plus de 1300 numéros, montre que les collections du roi de Navarre «rivalisaient en splendeur avec celles du roi de France».

Keith Sonnier »Portal Series and Selected Early Works«

Häusler Contemporary Zürich is pleased to present works from Keith Sonnier’s new «Portal Series» together with selected early works that have rarely been shown in Europe. Our exhibition focuses on Sonnier’s examination of the relationship between sculpture and architectural space, and provides evidence of his creative engagement with a variety of different materials. These are the same parameters that have distinguished the artist’s work throughout his career and contributed to his position as a major Post Minimalist sculptor.

In Europe, Keith Sonnier is mainly known for his light works and installations. Thus it may come as a surprise that, in addition to recent and selected early light pieces, our exhibition includes sculptures made of wood and bamboo. in fact, these works seamlessly conform to Keith Sonnier’s very precise formal language, his examination of the sensual and emotional qualities of different material and his sculptural investigation of architectural space.

Moroso Concept 2017

Il  Museo Etnografico del Friuli di Udine, ospita la mostra Moroso Concept che durerà fino al 4 Giugno, ideata per supportare i giovani artisti italiani. 

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La prima selezione dei 12 finalisti è il risultato del confronto della giuria composta da Andrea Bruciati, storico dell’arte, Patrizia Moroso, art director di Moroso, e Paola Pivi, artista di riconosciuta fama internazionale premiata con il Leone d’oro alla Biennale di Venezia nel 1999 e quest’anno special guest dell’iniziativa.

Ai 12 finalisti verrà chiesto di realizzare un progetto concepito appositamente per gli ambienti Moroso che potrà essere al tempo stesso realizzato e veicolato presso musei e centri d’arte contemporanea istituzionali.

12 FINALISTI:

Alfredo ACETO, CANEMORTO, Roberto FASSONE, Francesco FONASSI, Anna FRANCESCHINI, INVERNOMUTO, Margherita MOSCARDINI, Valerio NICOLAI, Luigi PRESICCE, Stefano SERRETTA, Ilaria VINCI, Driant ZENELI

L’annuncio dei vincitori avverrà in occasione della grande mostra che si svolgerà dal 28 aprile al 4 giugno 2017 presso il Museo Etnografico del Friuli di Udine, in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura di Udine. La mostra offrirà un percorso che unisce i lavori dei 12 finalisti con opere dei 12 artisti selezionatori.

ARTISTI SELEZIONATORI:

Sergio Breviario, Gianni Caravaggio, Loris Cecchini, Giulio Delvé, Ettore Favini, Anna Galtarossa, Andrea Mastrovito, Andrea Nacciarriti, Dragana Sapaňjoš, Namsal Siedlecki, Luca Trevisani, Nico Vascellari.

Per arrivare alla selezione dei tre vincitori interverrà la scelta di una seconda commissione internazionale, composta da Fabio Cavallucci, direttore Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci, Martino Gamper, designer, Amanda Levete, architetto, Jovain Jelovac, art director Beograd Design Week; Piero Gandini, art director FLOS.

On the way to Venice

Fra pochi giorni inizia la Biennale di Venezia, un vasto pubblico internazionale si avvia verso questo grande evento.

Simpaticamente Milano, Domenica 7 e Lunedì 8 Maggio dalle 11 alle 19, si sono attivati con On the way to Venice, ideata da Milano Art Bulletin, un evento corale che raccoglie alcune delle più importanti gallerie cittadine e diverse strutture pubblico/private. 

Vi partecipano le gallerie: Brand New Gallery, Cardi Gallery, Galleria Ra aella Cortese, Cortesi Gallery, Galleria Monica De Cardenas, Massimo De Carlo, kaufmann repetto, Lisson Gallery, Gió Marconi, Francesca Minini, Galleria Lia Rumma, Federica Schiavo Gallery, ZERO…

Istituzioni: Fondazione Carriero, Pirelli HangarBicocca, Fondazione Prada, La Triennale di Milano, Fondazione Nicola Trussardi.

Spazi indipendenti: Armada, Le Dictateur, Fanta Spazio, Marsèlleria, MEGA, Tile Project Space.

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Milano Art Bulletin, the Milanese network of public and private spaces of contemporary art founded in 2015, organizes a two-day event with special opening hours on Sunday 7 and Monday 8 May 2017, ideally timed just before the professional preview of the 57th Venice Art Biennale. 

The event consolidates Milan as a destination for the international art public, following the recent opening of major foundations and new spaces, and the renewed success of miart, the international fair of modern and contemporary art. The two days, organized for collectors, museum directors, professionals and the art public, feature a program of special viewings, openings, and exhibitions of great impact in the galleries, institutional and nonprofit spaces of the Milano Art Bulletin network. 

With this new appointment, the Milanese art community welcomes visitors to Italy’s economic and cultural core, the center of Italian lifestyle, a city of conceptual spaces and historic buildings, and the place to enjoy ambitious, meaningful exhibitions. Milano Art Bulletin welcomes collectors, curators and artists into a city that is simultaneously intimate and hyperactive.

Il museo del Design a Londra

Da alcune settimane è stato inaugurato il nuovo museo del Design a Londra, una nuova sede in High Street Kensington.

Pensato nel lontano 1982 da Sir Terence Conran, si realizza ora dopo l’esperienza decennale sulle zona est del Tamici. Il nuovo spazio è un ex grande centro raccolta della frutta in puro stile modernista, ristrutturato dallo studio di John Pawson, che ha aggiornato a nuova funzione.

Il nuovo edificio supera la semplice una presentazione oggettuale per guardare allo sviluppo progettuale del design che non è solo produzione di oggetti ma azione innovativa di trasformazione della vita quotidiana che passa dall’urbanistica alla ricerca alimentare, coinvolgendo le più diverse espressioni quotidiane quali il web, gli aspetti reversibili degli oggetti o le tecnologie mediche.

All’ultimo piano è posta la collezione permanete, con più di mille oggetti proposti al pubblico, mentre nello spazio espositivo temporaneo saranno proposte diverse mostre, la prima si intitola “Fear and Love. Reactions to a Complex World” e presenta uan serie di installazione dal forte impatto visivo.

Foto di Michele Sisto

Waiting in the Wings

Villa Croce presenta Waiting in the Wings, la prima installazione site-specific di Claudia Wieser in un museo pubblico italiano, realizzata in collaborazione con il Goethe-Institut Genua. Claudia Wieser si è affermata sulla scena internazionale attraverso un linguaggio stilistico personale capace di fondere ispirazioni tratte dal mondo dell’arte, del design e dell’architettura. Questa giovane artista tedesca ha elaborato una poetica contemporaneamente ispirata a un indefinito passato cinematografico velato di suggestioni futuriste e mistiche, evocative della classicità e del mondo sumero-babilonese.

I suoi lavori si articolano in dialogo con le ricerche del primo astrattismo guardando alla semplificazione formale delle prime ricerche moderniste; citando maestri come Gustav Klimt o Paul Klee, trasforma il disegno in uno strumento capace di indagare un mondo ideale e spirituale. Importanti per la ricerca di Claudia Wieser sono le ricerche concettuali del Bauhaus, nella loro capacità di indagare il rapporto tra la struttura architettonica e le sue decorazioni. Claudia Wieser mette in discussione la rigida separazione tra arti “alte” e arti applicate attraverso la combinazione di materiali e tecniche, utilizzando oltre ai supporti artistici materiali come carte da parati, ceramica, legno, tessuti, specchi, fotografie e foglia d’oro.

A partire dal suo interesse per l’architettura, intesa come spazio da vivere a 360°, l’artista sviluppa le sue installazioni site-specific ispirandosi a grandi architetti come Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, Mallet-Stevens o guardando alle opere di architettura espressionista o a progetti utopici del secolo scorso. Il cortocircuito tra la profondità delle strutture rappresentate e la piattezza della stampa digitale, dà vita a delle strabilianti carte da parti che riproducono elementi architettonici quasi a grandezza naturale, come scale o colonne, trasformando lo spazio in cui vengono installate in una scenografia. Come in un teatro gli elementi si combinano per modificare la percezione dello spettatore creando così la sensazione di essere in un altro luogo, onirico e spirituale.

Nel wallpaper realizzato per lo scalone di Villa Croce, Claudia Wieser fa ricorso alle immagini di antichi capolavori, tratti da vecchie fotografie per combinarli con i suoi disegni e le sue sculture. Ispirazione di questo progetto è una serie televisiva degli anni ‘70 della BBC, intitolata “I, Claudius”, che raccontava le vicende dell’Impero Romano negli anni del passaggio dall’Impero di Augusto alla morte di Claudio. Considerata tuttora come una serie-tv di grande rilievo, si resta sorpresi nel vedere che una rappresentazione così teatrale di quasi un secolo di storia antica, contraddistinta da un’estetica anni ‘70, riesca in maniera straniante ad affascinare il pubblico. Questa suggestiva rappresentazione di una reinvenzione del mondo classico permette all’artista di sviluppare una serie di immagini che nel loro anacronismo sanno raccontare la politica contemporanea. Il titolo della mostra Waiting in the Wings che significa “aspettare che qualcosa di più grande accada”

o semplicemente “attendere dietro le quinte” evoca la volontà di un’opera di trasformare lo spazio rimanendo sullo sfondo. Questa carta da parati seduce creando una scenografia stratificata in cui sembra di aver accesso a diversi mondi, in cui si alternano scaloni nobiliari, vasi antichi che diventano colonne e profili inquietanti di eroi romani. Questi elementi lasciano intravedere sullo sfondo due occhi giganti di una misteriosa donna contemporanea - una moderna Dea ex machina - che scruta lo spettatore, o meglio, osserva il palcoscenico dove si sta svolgendo l’azione di cui ormai lo spettatore fa parte, inglobato in questo meta-spazio che trasforma lo scalone della villa in opera d’arte. Nella poetica immaginifica dell’artista questi occhi giudicanti diventano un’intrusione nello spazio pubblico, un dettaglio ossessivo che scruta lo spettatore spingendolo a divenire un fantoccio di un canovaccio di cui non conosce la trama. In occasione della mostra, mercoledì 12 aprile ore 16.00, Claudia Wieser terrà al Museo Villa Croce un talk per gli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova durante l’Open Week dell’ateneo.

La mostra non sarebbe stata possibile senza la collaborazione con Goethe-Institut Genua e il sostegno di Studio Sales di Norberto Ruggieri, Roma.

Claudia Wieser è nata a Freilassing, Germania, nel 1973. Dal 1993 fino al 1997 ha svolto la mansione di apprendista presso un fabbro. Nel 1997 ha intrapreso il suo percorso di studi nel campo dell’arte presso l’Akademie der Bildenden Künste München nella classe di Axel Kasseböhmer e Markus Oehlen. Ha partecipato a numerose mostre personali e collettive in Germania e all’estero, tra le più recenti ricordiamo: Fondazione Memmo, Roma (2017); Kunstverein Reutlingen (2014); Petit Palais di Parigi, Galerien der Stadt Esslingen, Drawing Room di Londra, Signal Center for Contemporary Art di Malmö (2013); KIOSK, Ghent (2012); Kunsthalle Nürnberg (2012); Georg Kolbe Museum, Berlino e Kunstmuseum Stuttgart (2011); Drawing Center, New York (2010); Museé d’Art Contemporain de Bordeaux e Institut Français de Berlin (2010); Oldenburger Kunstverein (2009); Contemporary Art Museum di St. Louis, Kunsthaus Baselland di Muttenz/Basilea e Kunstverein Wolfsburg (2008); Kunstbau München (2007, 2005); Pinakothek der Moderne, Monaco di Baviera (2002). Attualmente l’artista vive e lavora a Berlino.

www.villacroce.org

installazione Site-Specific / Scalone di Villa Croce

da un progetto di Ilaria Bonacossa

assistente curatore Ginevra D’oria

in collaborazione con Goethe-Institut Genua

14 aprile – 18 giungo 2017

opening 13 aprile 2017, ore 18 — 20