Corde, legami ...

Si chiude oggi la mostra di David Shrigley presso la galleria Stephen Friedman Gallery, con un'installazione da 10 tonnellate realizzata interamente con corde di scarto e un neon di grandi dimensioni composto da quattro parti.

Per creare l'installazione, Shrigley ha trascorso mesi a cercare nel Regno Unito spezzoni di corda indesiderati destinati alla discarica. Gran parte della corda scartata in precedenza serviva per scopi marittimi, da spesse cime di ormeggio per navi da crociera a sottili corde per boe di segnalazione, palangari e nasse per granchi e aragoste. Altri pezzi sono stati recuperati da scuole di arrampicata, arboricoltori, parchi eolici offshore, ponteggiatori e ditte di pulizia vetri. Shrigley ha raccolto personalmente i pezzi più corti dalle coste di tutto il Regno Unito. Tutta la corda raccolta è stata trattata e pulita per prepararla per la mostra, un passaggio particolarmente importante per la corda recuperata dal mare.

Il Regno Unito vanta una tradizione secolare nella produzione di corde, dalle corde di canapa e iuta storicamente utilizzate nella pesca e nella Royal Navy, alle odierne lenze sintetiche in poliestere e nylon. Questi materiali moderni rendono le corde e le reti da pesca marine notoriamente difficili da riciclare e rappresentano un grave problema ambientale.

Discutendo le origini di quest'opera, Shrigley spiega: "Questa mostra è nata da un'espressione idiomatica. Le vecchie corde non servono a nulla. Sono anche difficili da riciclare, quindi ce ne sono molte in giro. Ho pensato: e se trasformassi tutto questo in una vera e propria mostra di vecchie corde? E poi dicessi: sì, questa è arte, e sì, puoi comprarla per 1 milione di sterline". Aggiunge: "L'opera esiste perché mi interessa il valore che le persone attribuiscono all'arte, e l'espressione idiomatica mi ha dato una scusa per esplorarlo. Penso che 1 milione di sterline sia un prezzo equo, in parte per l'idea e in parte perché si tratta di un bel po' di corda".

Di conseguenza, la galleria si trasforma con enormi cumuli di corda di recupero arrotolati, svelando una miriade di colori, texture, spessori e condizioni: da quasi nuovi a sfilacciati, sbiaditi dal sole e rovinati dalle intemperie. A dimostrazione del suo caustico senso dell'umorismo, un'enorme insegna al neon arancione brillante è appesa alla vetrina con il titolo della mostra. Reso con la caratteristica calligrafia di Shrigley, l'insegna al neon adotta l'estetica di un'insegna o di una pubblicità, mentre l'artista ne mina con umorismo le associazioni formali. " Exhibition of Old Rope" gioca giocosamente con le nozioni di commercio e sconvolge le convenzioni di una galleria commerciale.
 

Yinka Shonibare MBE alla cappella Fitzrovia

Nei giorni di Frieze la galleria Stephen Friedman presenta una serie di opere di Yinka Shonibare MBE  presso la suggestiva cappella Fitzrovia, 2 Pearson Square, London W1T 3BF.

CS

Coinciding with Frieze London and Frieze Masters, Stephen Friedman Gallery is delighted to announce a solo presentation of hand-painted sculptures by Yinka Shonibare MBE in the exquisite and intimate setting of Grade II* listed Fitzrovia Chapel, London.

In the central nave stand three unique sculptures in which Shonibare reinterprets masterpieces of Greek and Roman antiquity. In each work, Shonibare's figures are transformed by the artist's uniquely designed signature Dutch wax batik patterns that are painted directly onto the surface. Each bears a bespoke handmade globe as its head that depicts a contemporary map, alluding to a form of universal identity. Reimagining these classical myths for the present day, Shonibare retains the dramatic impact of the original statues.

Doryphoros, one of the best known Greek sculptures, is an important early example of classical realism. In this work Shonibare depicts a muscular athlete, the sculpture’s naked form exemplifying the archetype of masculine athleticism and strength. The writings of Joachim Johann Winckelmann, a German art historian, were influential to Shonibare when creating this series. Winckelmann believed white marble classical sculpture to represent the embodiment of ideal beauty. In this work Shonibare manipulates the aesthetics of the form to challenge the accepted definition of the idealised body.

Shonibare also reimagines Discobolus, portraying the eternally youthful, naked athlete paused in contemplation as he prepares to throw the discus. Created for the exhibition ‘From Life’, which launched the Royal Academy of Arts’ 250th anniversary celebrations in 2018, Shonibare captures the instant immediately before the athlete launches himself forward for the throw. Shonibare’s inspiration for this sculpture is a Roman copy of a now lost bronze work, excavated in the Appian Way by the dealer Gavin Hamilton in 1792, and housed in the collection of The Vatican Museums.

The winged figure of Cupid, the God of desire, erotic love, affection and attraction clutches a bow which represents his source of power. In classical mythology, a person, or even a deity, who is shot by Cupid's arrow, is filled with uncontrollable desire. Based on a Roman copy of a bronze work dating from the fourth century BC, the original statue was also excavated by Gavin Hamilton. The Roman sculpture was subsequently sold to the collector Charles Townley. In correspondence regarding the sale, Hamilton described this statue as ‘by much the finest extant for beauty, as well as preservation’ and urged the prospective collector to ‘preserve it, by putting it in a case lined with black velvet’. The British Museum later acquired the sculpture in 1805.

Dutch wax batik fabric was inspired by Indonesian design, mass-produced by the Dutch and British and eventually sold to the colonies in West Africa. In the 1960s the material became a new symbol of African identity and independence. Since the early 1990s Shonibare has used it to represent the flexibility of identity, as much as the implications of trade and colonialism.

With an unobtrusive redbrick exterior, Fitzrovia Chapel is a secular building whose interior gleams with the intricate details and opulent decoration of an ornate Christian church. Originally housed within The Middlesex Hospital, its vaulted ceiling of dazzling gold mosaic mirrors the gold leaf on Shonibare’s sculptures. The central aisle of pale blue mosaic is lit through Gothic stained glass windows. Seventeen different types of marble and mosaic tiles adorn the nave and transept. By situating Shonibare’s works within this magnificent space, the artist’s signature patterns and seductive colours interrupt Western religious iconography and the canons of classical and renaissance art.

Tonico Lemos Auad da Stephen Friedman a Londra

Nella galleria londinese di Stephen Friedman Gallery è in corso una  mostra personale di opere inedite di Tonico Lemos Auad. Artista brasiliana che ora vive a Londra, il lavoro dell'Auad si ispira sia al suo patrimonio culturale che agli aspetti della fortuna, della fede e della superstizione.