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Dal 2000, appunti sull'arte di Domenico Olivero.
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05/07/25
Prossimamente Manifesta
04/07/25
Un nuova Sainsbury per la National Gallery di Londra
Nell'ambito delle celebrazioni per il 200° anniversario della Galleria, l'Ala Sainsbury è stata oggetto di delicati interventi di ristrutturazione alla facciata esterna, al foyer e al mezzanino, per offrire un'esperienza di visita migliore e più accogliente ai milioni di visitatori annuali della National Gallery.
03/07/25
Acne gallery
Acne Paper, una speciale pubblicazione di cultura varia, apre ora un suo spazio a Parigi presso il Palais Royal, 124 Gal de Valois, con una mostra del fotografo Paul Kooiker
Situata sotto gli storici portici del Palais Royal di Parigi, la galleria amplierà il dialogo in corso di Acne Studios con il mondo dell'arte, del design, della fotografia, dell'editoria e dell'artigianato.
Ispirandosi allo spirito di Acne Paper, la galleria presenterà un programma interdisciplinare di mostre ed eventi culturali. Spazio di scambio creativo, la galleria offrirà un'ampia varietà di proposte fra arte, moda, letteratura.
02/07/25
Rashid Johnson al Guggenheim di New York
Il Guggenheim di New York fino al 18 gennaio 2026 sarà una grande serra naturalistica, ideata dall'artista Rashid Johnson per il progetto "A Poem for Deep Thinkers" che riunisce più di novanta opere d'arte, tra cui una scultura all'aperto e nuove opere realizzate appositamente per la mostra, due delle quali saranno attivate attraverso performance in corso.
La rassegna abbraccia fasi cruciali della carriera di Johnson, includendo serie di grande rilievo come The New Negro Escapist Social and Athletic Club , Cosmic Slops , dipinti su mensole realizzati con sapone nero, opere testuali dipinte a spruzzo, le più recenti serie Anxious Men e Broken Men , e sculture di grandi dimensioni per interni ed esterni. La mostra offre una cronologia approssimativa dell'evoluzione artistica di Johnson nell'arco di quasi tre decenni, attraversando cicli di alienazione sociale, autoanalisi e libertà artistica. A partire dalle sue prime esplorazioni nella fotografia, nel video e nelle installazioni, fino alle sue recenti avventure in dipinti e assemblaggi materialmente ibridi, Johnson apporta sfumature all'esplorazione della psiche umana tra le profonde influenze storiche del nostro tempo, il tutto riflettendo sui temi della mascolinità, della genitorialità e della cura di sé e degli altri.
Spiega Johnson: "Questa mostra prosegue il dialogo in cui ho sempre investito: un dialogo che consente libertà di espressione e consapevolezza delle possibilità artistiche. Ho sempre abbracciato la fluidità tra i media. Per me, la specificità del medium non è mai stata l'obiettivo: si tratta di come il progetto possa muoversi liberamente tra forme diverse, creando spazio per un dialogo più ampio che vada oltre i limiti di un singolo medium".
Momenti salienti della mostra
Avvicinandosi al museo, i visitatori vengono accolti dalla scultura esterna di Johnson, Black Steel in the Hour of Chaos (2008), una grande scultura in acciaio con linee di taglio ispirate al design grafico e riferimenti al mirino di una pistola, che richiama le opere di Jasper Johns dedicate al bersaglio. Direttamente ispirata ai pionieri dell'hip-hop Public Enemy, l'opera invita lo spettatore a interrogarsi su chi abbia il controllo. All'interno del museo, il pavimento della rotonda presenta Untitled (2025), una nuova opera a mosaico realizzata appositamente per la mostra al Guggenheim, insieme a Rotunda Stage (2025), uno spazio interattivo per performance. Salendo la prima rampa, i visitatori vengono accolti dalla fotografia di Johnson Self-Portrait Laying on Jack Johnson's Grave (2006), un'opera giovanile che esplora le origini culturali, collegando il cognome dell'artista e le sue radici a Chicago (dove si trova la tomba) al primo pugile nero dei pesi massimi la cui vittoria su un pugile bianco nel 1910 scatenò rivolte razziali.
La High Gallery del Guggenheim ospita una piccola rassegna della carriera di Johnson, con una serie di opere giovanili e recenti, tra cui sculture, dipinti, un mosaico e un'opera testuale dipinta a spruzzo.
Ai livelli 1 e 2 della Rotunda, i visitatori hanno l'opportunità di scoprire l'ascesa di Johnson sulla scena artistica, a partire da una serie di fotografie scattate poco più che ventenni, che hanno contribuito a lanciare la sua carriera quando è diventato il più giovane artista presente nella seminale mostra Freestyle di Thelma Golden del 2001 allo Studio Museum di Harlem. I visitatori hanno anche modo di ammirare i primi lavori di Johnson tra sculture, installazioni, testi e video, che rimangono un medium costante per l'artista.
Proseguendo nella mostra, i visitatori del museo scopriranno altre opere di Johnson realizzate con tecniche miste. I livelli 3 e 4 della Rotonda proseguono l'esplorazione di opere video, tra cui Black Yoga (2010) e The New Black Yoga (2011). Questa sezione presenta anche la rivoluzionaria serie di dipinti Cosmic Slop (2008), realizzati con sapone nero e cera, a sottolineare l'investimento di Johnson nei materiali come significanti culturali.
Il livello 5 della Rotonda espone le sculture di Johnson, come la serie "Untitled Bust" composta da gres smaltato finemente lavorato. Questa rampa ospita anche mosaici e collage, oltre a dipinti successivi come " Anxious Red Painting" "August 18th" (2020).
In cima al museo, il Livello 6 della Rotonda ospita la monumentale installazione Sanguine , una grande struttura in acciaio a griglia composta da piante, libri e un pianoforte che sostiene una serie di piante a cascata che sembrano fluttuare a mezz'aria. In dialogo con la performance e il programma di coinvolgimento del pubblico, il pianoforte di Sanguine verrà attivato ogni venerdì e domenica. Verso la fine di questa rampa si trova un monitor che presenta i film più recenti di Johnson, tra cui un film del 2024 intitolato anch'esso Sanguine, incentrato sul rapporto con il lato materno e paterno della sua famiglia. A chiudere la mostra è un dipinto inedito del 2025, appeso in un'area contemplativa dove gli spettatori sono incoraggiati a interagire con l'arte in una riflessione autodiretta.
Organizzazione
La mostra è curata da Naomi Beckwith , vicedirettrice e Jennifer e David Stockman, curatrice capo del Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation di New York, e da Andrea Karnes , direttrice ad interim e curatrice capo del Modern Art Museum di Fort Worth, Texas, con il supporto aggiuntivo di Faith Hunter , assistente curatrice del Guggenheim di New York.
Beckwith afferma: "Il Guggenheim non potrebbe essere più entusiasta di ospitare questa mostra al momento giusto. Rashid Johnson è un maestro nel sintetizzare le tendenze chiave dell'arte del XXI secolo: la capacità di muoversi liberamente tra diverse modalità – pittura, video, scultura, performance – ciascuna delle quali è uno strumento raffinato per forgiare una relazione tra la propria storia personale e la storia dell'arte. Soprattutto, Johnson comprende bene che la vocazione dell'artista implica più che guardare dentro di sé, è anche un'opportunità per creare, letteralmente, piattaforme per l'espressione creativa e la cura di sé degli altri".
Il titolo della mostra, A Poem for Deep Thinkers , prende il nome da una poesia di Amiri Baraka, poeta, scrittore, insegnante e attivista politico americano, il cui lavoro è una frequente fonte di ispirazione per Johnson.
Programmazione
A Poem for Deep Thinkers sarà accompagnato da un programma di performance e coinvolgimento del pubblico che si svolgerà ogni venerdì e lunedì per i nove mesi di apertura della mostra. Sviluppato in collaborazione con partner della comunità, esistenti e nuovi, il programma metterà in risalto la poesia orale, la musica e le arti dal vivo. Numerosi eventi animeranno le due opere che delimitano la mostra – Rotunda Stage e Sanguine – dando vita all'installazione come luogo per espressioni creative programmate. Tra i partner culturali figurano, tra gli altri, l'Academy of American Poets; l'Asian American Writers' Workshop; Traci Brimhall, la poetessa residente del Guggenheim per il 2025; Cave Canem; DreamYard; Wayne Escoffery; la Harlem School of the Arts; Urban Word NYC; e il Teachers & Writers Collaborative .
Le esibizioni dal vivo saranno programmate da venerdì a lunedì. Il pianoforte di Sanguine verrà attivato ogni venerdì alle 16:00 e domenica alle 13:00. Le esibizioni si terranno anche sul palco della Rotunda ogni sabato alle 13:00 e lunedì alle 16:00. A maggio, Teachers & Writers Collaborative programmerà il palco della Rotunda con letture di Daemond Arrindell, Trace DePass, Joshua Garcia, Alba Hernandez, Dave Johnson, Libby Mislan, Nkosi Nkululeko, Stephanie Pacheco, DS Waldman e Donnie Welch, tra gli altri. Il musicista jazz vincitore di un Grammy, Wayne Escoffery, curerà le esibizioni musicali di Sanguine per tutto il mese di maggio, con musicisti come ELEW, Lawrence Fields, Mike King e Miki Yamanaka. Escoffery si esibirà e guiderà anche il Wayne Escoffery Quartet, con Orrin Evans, Ugonna Okegwo e Mark Whitfield Jr., in un concerto sul Rotunda Stage nell'ambito del Late Shift del 15 maggio. L'organizzazione artistica e per la giustizia sociale DreamYard organizzerà performance di poeti e studenti del Bronx per tutto il mese di giugno, tra cui una serie speciale di letture dei membri del Rad(ical) Poetry Consortium il 19 giugno al Late Shift. Per tutta la durata della mostra, studenti della Harlem School of the Arts e giovani poeti e poeti slam di Urban Word NYC animeranno il calendario delle performance con performance musicali e letture.
In alcuni martedì selezionati, il museo ospiterà i GuggTeens Tuesday , un programma mensile in cui i ragazzi possono ampliare le proprie capacità artistiche e entrare in contatto con altri artisti adolescenti. Il 2 maggio, il museo ospiterà il GuggTeens Fest in collaborazione con il GuggTeens Collaborative , un'iniziativa che vede studenti locali collaborare a stretto contatto con il personale per creare un'esperienza museale migliore. Il festival offrirà uno spazio aperto per la creazione artistica, l'esplorazione delle gallerie, le performance di poeti e scrittori adolescenti e la creazione di una comunità per artisti e appassionati d'arte adolescenti. Oltre a questo, il Guggenheim New York lancerà il Teen Circle , un programma di iscrizione gratuita per ragazzi dai 13 ai 18 anni progettato per avvicinare i ragazzi di New York all'arte e promuovere una comunità creativa e culturale al Guggenheim.
Ulteriori programmi pubblici includeranno visite guidate di un'ora dedicate all'arte e all'architettura, condotte da guide esperte durante la prima settimana della mostra (19-27 aprile); una conversazione tra Rashid Johnson e la curatrice della mostra Naomi Beckwith mercoledì 23 aprile ; e orari di apertura del museo estesi mensilmente con spettacoli e rinfreschi durante la serie Late Shift, che si terrà il terzo giovedì di ogni mese da maggio a dicembre.
01/07/25
Bona de Mandiargues a Londra
Questa mostra, la prima personale di de Mandiargues nel Regno Unito, presenta dipinti e assemblaggi a tecnica mista, oltre a opere a matita colorata e gouache su carta. Le composizioni fortemente cariche e surreali di de Mandiargues riflettono il suo approccio intuitivo, viscerale, istintivo e spesso autobiografico. Ha creato un potente repertorio di opere ricco di figure dall'identità sessuale ambigua, creature fantastiche e immagini cariche di simboli, mitologia, metamorfosi e sogni.
Nata Bona Tibertelli, l'artista trascorse l'infanzia in una villa di una grande tenuta in Emilia-Romagna, vicino a Modena, dove si sentì attratta da luoghi in cui poteva perdersi: soffitte, cantine, stalle, campi e frutteti. Dopo la morte del padre, si trasferì a Venezia per vivere con lo zio, il pittore italiano Filippo de Pisis (n. 1896; m. 1956), che descrisse come una grande influenza e un mentore, insegnandole a usare il suo "occhio interiore". A Venezia, de Mandiargues venne introdotta alle influenze che portò con sé per tutta la sua carriera: dai primi mosaici cristiani di Ravenna alla pittura senese, fino all'opera di Giorgio de Chirico.
Nel 1947 de Mandiargues fece il suo primo viaggio a Parigi, dove incontrò e in seguito sposò lo scrittore e poeta francese André Pieyre de Mandiargues (n. 1909; m. 1991), con il quale ebbe una relazione tumultuosa. Autoproclamandosi "Bona", entrò in contatto con figure chiave dei circoli surrealisti, tra cui André Breton, Max Ernst, Dorothea Tanning, Meret Oppenheim, Hans Bellmer, Leonor Fini e Man Ray, che la fotografò in diverse occasioni. "Grazie al gruppo surrealista", rifletteva, "ho potuto vedere più chiaramente in me stessa ciò che avevo cercato di esprimere".
Prendendo le forbici e aprendo le vecchie giacche del marito, Bona ne strappò e smontò le fodere, che i sarti italiani e francesi chiamano l'anima e l'âme (anima). Le immagini di tessuto risultanti, assemblate e cucite insieme – che lei chiamava "ragarts" – sembravano dipinti, assemblati a macchina e anche a mano. "Ho scelto questi materiali molto umili... Ho rovesciato i gilet degli uomini per arrivare al cuore della loro armatura, della loro protezione". Bona considerava il cucito, l'assemblaggio e il taglio centrali nella sua arte, affermando che le forbici erano "importanti per il suo lavoro" quanto i pennelli. Negli assemblaggi, crea un universo di fili e trame emotivamente ricco, un processo di creazione che ha descritto come "vicino a quello di una strega che lancia il suo incantesimo".
L'atto di distruggere un insieme consolidato – in questo caso una giacca da uomo – e ricostituirlo rispecchiava il desiderio di Bona di ricostruire il mondo secondo la sua visione. Come affermava, "il primo dovere di un artista è la lealtà verso il materiale; il secondo è il processo della sua trasformazione, affinché diventi qualcosa di più senza abbandonare la sua natura". Cucendo fisicamente il materiale, Bona cercava di fare a pezzi i binari consolidati dell'Occidente, primo fra tutti il concetto di maschile e femminile; il bello e il selvaggio; lo spirituale e il materiale, fondendoli in un'unica forma.
30/06/25
Shilpa Gupta a San Gimignano
La Galleria Continua ospita nei suoi spazi a San Gimignano una importante raccolta di opere di Shilpa Gupta.
29/06/25
Alla ricerca del cavallo perduto ...
Fra arte e spettacolo la casa di abbigliamento Hermès dopo Shanghai porta al Pier 36 di New York City “Mystery at the Groom’s” , un progetto installativo che coinvolge in forma di gioco i visitatori.
In un'ambientazione di una fittizia tenuta francese si va alla ricerca dei cavalli scomparsi, gli ospiti sono invitati a risolvere il mistero usando i loro device per trovare gli indizi nelle diverse stanze.
Un divertente modo di promuovere e condividere esperienze.
28/06/25
"Untitled" (Go-Go Dancing Platform) di Felix Gonzalez-Torres
Una volta al giorno, una ballerina go-go vestita di lamé sale sulla piattaforma con un dispositivo di ascolto personale per circa cinque minuti.
Eccovi il video, con l'intervento di Humberto Moro, che spiega l'opera e il suo percorso di rimandi e significati.
L'opera fu realizzata nel 1991 in un momento di profonda paura per la pandemia dell'Aids, lavoro che racconta una perdita in una chiave che attraversa attimi di gioia e desiderio.
27/06/25
Grandi artisti sconosciuti...
Anche questo autunno infatti si vedrà una nuova ondata di mostre con nomi mai sentiti che però vengono proposti, anche da istituzioni importanti, come personaggi significativi della storia dell'arte nel ventesimo secolo.
Leggendo le presentazioni e dai titoli dei giornali del settore, e di tanti curatori pragmatici al mercato, vengono narrati nuovi (vecchi) artisti come grandi personaggi, influenti maestri, di cui però mai nessuno ha sentito il nome e quando si vedono le opere, si capisce subito perchè...