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23/12/24

Tawney & Takaezu da Alison Jacques





 A Londra la galleria Alison Jacques presenta "Lenore Tawney & Toshiko Takaezu: A Remarkable Friendship", una mostra bipersonale dedicata al lavoro e all'amicizia di una vita tra Lenore Tawney (nata nel 1907, Ohio; morta nel 2007, New York) e Toshiko Takaezu (nata nel 1922, Hawaii; morta nel 2011, Hawaii). Questa è la prima mostra delle opere di Toshiko Takaezu nel Regno Unito; Tawney è rappresentata ed esposta da Alison Jacques dal 2017. 

Mostrando insieme le opere di entrambi gli artisti, a testimonianza della loro amicizia duratura lunga 50 anni, questa mostra sottolinea come entrambi gli artisti, in quanto pionieri e innovatori, abbiano realizzato il loro lavoro in una continua ricerca spirituale per esprimere una verità intangibile.

Le due artiste si incontrarono per la prima volta nel 1957 a una conferenza di American Craft in California e rimasero amiche intime fino alla morte di Tawney nel 2007, all'età di 100 anni. Spesso esponevano insieme i loro lavori e avevano interessi comuni, che plasmarono le loro traiettorie artistiche e le portarono ad adottare percorsi intensamente personali e sperimentali. 

Dopo essere tornata da un viaggio in India, Tawney si trasferì a Quakertown, nel New Jersey, e aprì il suo studio nella casa di Takaezu, dove rimase per 4 anni. Nel 1974, le artiste viaggiarono insieme in Guatemala, visitando tessitori indigeni. La mostra mette in luce come queste due donne abbiano plasmato la storia dell'artigianato negli Stati Uniti, espandendo e ridefinendo le possibilità dei loro mezzi preferiti: Takaezu in argilla, fibre e bronzo; Tawney in forme intrecciate e fili, assemblaggi, disegno e collage.



Sia Takaezu che Tawney erano interessate alle filosofie mistiche e religiose sia orientali che occidentali e hanno permeato il loro lavoro di un contenuto spirituale profondamente sentito. I numerosi viaggi in tutto il mondo di Tawney l'hanno esposta a una moltitudine di culture antiche e tradizioni religiose, in particolare quelle dell'India. 

La sua visione e spiritualità erano interconnesse con il concetto Zen secondo cui tutte le cose sono connesse e con la sua visione della vita nella sua interezza. Takaezu, nata alle Hawaii, era di origine giapponese e fece numerose visite alla terra natale dei suoi genitori. Il suo lavoro è profondamente legato alle tradizioni spirituali dell'Asia orientale, tra cui la cerimonia del tè e il buddismo Zen, la natura e la perfetta integrazione di arte e vita.

Entrambi gli artisti hanno affrontato lo spazio. Nel caso di Tawney, lo spazio aperto e una ridefinizione della tessitura come forma d'arte scultorea. Nel lavoro di Takaezu, il chiuso e il nascosto, le sue forme ceramiche chiuse distintive a volte contenevano poesie o sonagli al loro interno. Per entrambi gli artisti, le opere fungono da metafore dello spirito umano e un'evocazione di un universo spirituale, potente e misterioso nella presenza.



Durante la loro vita, Takaezu e Tawney hanno avuto importanti mostre congiunte. Più di recente, sono stati oggetto di una mostra-dialogo al Crystal Bridges Museum of American Art di Bentonville. Nella recente mostra-antologica di Takaezu al The Noguchi Museum di New York, una grande forma intrecciata di Tawney intitolata Heart è stata esposta insieme a un'installazione di sculture "lunari" di Tazaeku, come riferimento alle occasioni in cui i due artisti hanno esposto insieme i loro lavori. L'opera di Tawney Little River è attualmente esposta al Museum of Modern Art di New York, come parte della mostra della collezione "The Artists of Coenties Slip".

Una conversazione filmata tra il curatore, autore e storico americano Glenn Adamson, la cui ricerca e il cui lavoro si concentrano sulle intersezioni tra design, artigianato e arte contemporanea, e Ann Coxon, che fino a poco tempo fa è stata curatrice a lungo termine di International Art alla Tate, è sul sito web della galleria.

22/12/24

Mandala fra antico e moderno al Met

 


Molto interessante il progetto che il Met di New York dedicata ai Mandala. Un mandala è un diagramma dell'universo, una mappa della vera realtà che in Tibet viene utilizzata per concettualizzare un rapido percorso verso l'illuminazione. 

Mandala di Jnanadakini   Tibet  fine del XIV secolo   

Questa mostra esplora l'immaginario dell'arte devozionale buddista himalayana attraverso oltre 100 dipinti, sculture, tessuti, strumenti e una serie di oggetti rituali, per lo più risalenti al periodo compreso tra il XII e il XV secolo. 

Mandala di Chakrasamvara Nepal circa 1100


Questa abbagliante esperienza visiva fornisce una mappa stradale per comprendere il culto buddista himalayano attraverso i primi capolavori, giustapposti a una nuova installazione contemporanea commissionata dall'artista tibetano Tenzing Rigdol.



21/12/24

Jasleen Kaur vince il Turner Prize 2024

 


L'edizione 2024 del Turner Prize è stata vinta da Jasleen Kaur, selezionata fra i quattro partecipanti: Pio Abad, Claudette Johnson, Jasleen Kaur e Delaine Le Bas.




Come sapete questo premio prende il nome dal pittore  JMW Turner, il Turner Prize è stato assegnato per la prima volta nel 1984. Ogni anno, viene dato a un artista britannico che ha creato una mostra eccezionale o un'altra presentazione del proprio lavoro nell'anno in corso.


Queste le motivazioni della selezione per il 2024 dei quattro artisti. 

L'arte di Pio Abad esplora la perdita culturale e le storie coloniali, riflettendo spesso sulla sua educazione nelle Filippine. Con disegni, incisioni e sculture che raffigurano e trasformano reperti provenienti da musei britannici, Abad fa luce sulle loro storie trascurate e le collega alle nostre vite odierne. È stato nominato per la sua mostra personale To Those Sitting in Darkness presso l'Ashmolean Museum di Oxford.

Claudette Johnson crea sorprendenti ritratti figurativi di donne e uomini neri, utilizzando pastelli, gouache e acquerelli. La sua arte esamina l'emarginazione delle persone nere nella storia dell'arte occidentale, spesso attraverso ritratti di familiari e amici. È stata nominata per la sua mostra personale Presence alla Courtauld Gallery di Londra e Drawn Out all'Ortuzar Projects di New York.

Jasleen Kaur realizza installazioni raccogliendo e rielaborando oggetti della vita quotidiana per rinegoziare la tradizione e i miti concordati. Un armonium automatizzato, campane di adorazione cinetiche e una Ford Escort rossa ricoperta da un centrino di grandi dimensioni sono composti in una partitura sonora immersiva, che riflette storie ereditate e trattenute. È stata nominata per la sua mostra personale Alter Altar al Tramway di Glasgow.

Delaine Le Bas trasforma l'ambiente circostante in monumentali ambienti immersivi pieni di tessuti dipinti, costumi teatrali e sculture. La sua arte attinge alla ricca storia culturale del popolo Rom e alle mitologie, concentrandosi sui temi della morte, della perdita e del rinnovamento. È stata nominata per la sua presentazione Incipit Vita Nova. Here Begins The New Life/A New Life Is Beginning alla Secession di Vienna.    

20/12/24

Aggiungere all'Orsay




 Per la prima volta il Museo d’Orsay di Parigi vede un intervento artistico nei suoi spazi storici. Si tratta della mostra “L’Addition” ideata dal duo artistico Elmgreen & Dragset. Dall'inizio della loro collaborazione, questo duo, ama riconfigurare gli spazi espositivi in ​​tutto il mondo creando scene avvincenti che sfidano le nostre idee su luoghi e oggetti familiari, nonché sulle modalitàpresentazione di opere d'arte. 



Il titolo, “L’Addition”, evoca l’approccio degli artisti che consiste nell’impossessarsi del piano terra del museo per installare  le loro opere in questi spazi già ricchi di lavori artistici. Per fare questo, hanno costruito un nuovo luogo che si affaccia su parte della navata delle sculture, dove hanno collocato opere aggiuntive in luoghi inaspettati, creado suggestioni e relazioni fra il passato e il presente.


Foto: Elmgreen & Dragset ©

19/12/24

Naomi Beckwith per Documenta

 


Giornate di grandi nomine in questo periodo dopo la direttrice della prossima Biennale di Venezia da pochi giorni sappiamo chi sarà la diretrice della prossima Documenta 2027.

 Dopo un lungo travaglio della commissioni, che è stata anche sciolta e ricostituita, con diverse problematiche che sempre di più poco hanno a che fare con l'arte ma tanto con la politica, è stata scelta un'altra donna con un importante percorso curatoriale statunitense; si tratta di Naomi Beckwith.


CS

The Artistic Direction of the forthcoming documenta 16 has been decided: "Naomi Beckwith was selected by the international Finding Committee and appointed by the Supervisory Board." This was announced by the Managing Director of documenta und Museum Fridericianum gGmbH, Andreas Hoffmann, at a press conference held in Kassel today, Wednesday. documenta 16 takes place in Kassel from June 12 to September 19, 2027.


Naomi Beckwith is Deputy Director and Jennifer & David Stockman Chief Curator at the Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation in New York where she oversees collections, exhibitions, publications, curatorial programs, and archives and provides strategic direction within the international network of affiliate museums. Previously, she has held curatorial positions at the MCA Chicago and the Studio Museum in Harlem. A graduate of the Courtauld Institute of Art, Beckwith has organized and co-organized acclaimed exhibitions and monographic projects such as the award-winning Howardena Pindell: What Remains to Be Seen (2018, MCA Chicago, US); The Freedom Principle: Experiments in Art and Music, 1965 to Now (2015, MCA Chicago, US); and was a member of the curatorial team realizing Grief and Grievance: Art and Mourning in America, an exhibition conceived by the late curator Okwui Enwezor (2021, The New Museum, New York). Her exhibitions, lectures, and publications have centered on the impact and resonance of Black culture on multidisciplinary practices within global contemporary art.
A scholar and art historian, Beckwith has been a visiting professor at Northwestern University and the School of the Art Institute of Chicago (both Chicago, US). She has received fellowships at the Whitney Museum of American Art’s Independent Study Program (New York) and the Institute of Contemporary Art in Philadelphia (US). Beckwith was awarded the 2024 David C. Driskell Prize in African American Art and Art History by the High Museum of Art in Atlanta (US). She is also currently leading the curatorial team at the Palais de Tokyo, Paris, on their Fall 2025 exhibitions, known as the "American Season".


On the occasion of her appointment, Naomi Beckwith says: “It is the honor of a lifetime to be selected as Artistic Director for documenta 16. documenta is an institution that belongs to the entire world, as much as it belongs to Kassel, as well as an institution that is in perpetual dialogue with history as much as it is a barometer of art and culture in the immediate present. I am humbled by the breadth of this responsibility and equally excited to share my research and ideas with this storied and generous institution: one that affords space and time for focus, deep study, exploration, experimentation, and awakenings for artists, curators, and audiences alike.”


On behalf of the six-member Finding Committee, Yilmaz Dziewior, Director of Museum Ludwig in Cologne, and Mami Kataoka, Director of the Mori Art Museum in Tokyo, explained the choice today as follows: "It was not easy to reach a decision. Our discussions reflected the complexity and entanglement of the current situation of documenta. We are convinced by Naomi Beckwith’s expertise and international curatorial experience. Her proposal for documenta 16 addresses artistic practices that give us tools to think possible futures together".


"Over the past few months, we have worked purposefully on reorienting the documenta organization and laid many good foundations. The fact that today we can present Naomi Beckwith as the new Artistic Direction for the forthcoming documenta 16 exhibition in Kassel in 2027 marks the start of a new future for documenta," said Lord Mayor Sven Schoeller, Chairman of the Supervisory Board of documenta und Museum Fridericianum gGmbH. "I warmly welcome Naomi Beckwith to the documenta city of Kassel and, just like the entire art and cultural sphere, I look forward with excitement and anticipation to her artistic concept. I would like to thank the high-caliber group of candidates and all those involved in the selection process. They have done documenta a great service in a difficult situation."


Timon Gremmels, Hessian Minister of State for Science and Research, Arts and Culture, emphasizes: "Today marks the successful conclusion of the realignment of documenta. We were able to attract a high-caliber Finding Committee, which has chosen an excellent Artistic Direction. Openness, a sense of community, and the unifying power of art already characterized the work of the Finding Committee and likewise form the basis of Naomi Beckwith's practice. With the implemented reform of documenta, the city and state have laid a good foundation for the future of the world art show. We have struck a good balance between freedom of art and discourse and protection against anti-Semitism and discrimination. I look forward to documenta 16 in summer 2027 and to many art-loving visitors in my home city of Kassel."


Andreas Hoffmann would like to thank all members of the international Finding Committee for their great commitment: "With their dedication, the Finding Committee has demonstrated a great sense of responsibility for contemporary art and documenta at this very special time. The intense exchange between the members has led to a forward-looking choice for the Artistic Direction. This has laid the foundation for us to move forward decisively and with anticipation towards documenta 16 and for Kassel to once again host the art world and its international audience in 2027."


The Finding Committee of documenta 16 is made up of the following members:
Yilmaz Dziewior, Director of Museum Ludwig in Cologne
Sergio Edelsztein, independent curator, Berlin and Tel Aviv
N'Goné Fall, independent curator and expert on cultural policy, Paris/Dakar
Gridthiya Gaweewong, Artistic Director of the Jim Thompson Art Center, Bangkok
Mami Kataoka, Director of the Mori Art Museum, Tokyo
Yasmil Raymond, independent curator, Frankfurt am Main

18/12/24

La casa di Bernarda Alba

 



A Londra la galleria Elizabeth Xi Bauer propone la mostra " The House of Bernarda Alba" con le opere di  Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia e Sam Llewellyn-Jones, e la curatela di  Maria do Carmo MP de Pontes



Federico García Lorca fu assassinato dai fascisti nei primi giorni della guerra civile spagnola nel 1936, un conflitto che culminò con l'ascesa al potere del dittatore Francisco Franco nel 1939. Un paio di mesi prima della sua morte, Lorca terminò il manoscritto di The House of Bernarda Alba (1936), che, insieme a Blood Wedding (1932) e Yerma (1934), costituisce quella che i critici chiamano la "Trilogia rurale", un gruppo di opere teatrali ambientate nella sua nativa Andalusia e, nel caso della prima, esclusivamente all'interno dei confini di una casa. Nella regione, la comunità autonoma più a sud della Spagna, alcune delle coste più squisite del paese coesistono con le sue montagne più alte e innevate, sebbene il paesaggio sia in gran parte caratterizzato da sabbia, rocce e vegetazione resiliente . Abbiamo preso in prestito sia il titolo sia l'ambientazione di The House of Bernarda Alba nella nostra ultima mostra, che presenta il lavoro di Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia in dialogo con quello di Sam Llewellyn-Jones.

La maggior parte delle opere presentate da Llewellyn-Jones sono state sviluppate durante una residenza di due mesi presso il Joshua Tree National Park in California, alla fine dell'estate del 2024. Sebbene geograficamente distante dalla Spagna meridionale, la regione offre una flora analoga, seppur molto più secca, che è servita da ispirazione per le composizioni dell'artista. Pur mantenendo il medium della fotografia come fondamento della sua pratica, Llewellyn-Jones ha colto questa opportunità per espandere le sue imprese in altri media senza mai discostarsi troppo dai principi fotografici. Ad esempio, una serie di grandi stampe in bianco e nero ha come punto di partenza le immagini che ha realizzato con la sua Deardorff 8×10 Field Camera, concentrandosi sugli elementi naturali che lo circondavano in quell'ambiente. Dopo aver ingrandito i negativi, l'artista vi ha dipinto sopra con una miscela di olio e medium per velatura, introducendo gesti e aggiungendo un nuovo livello di significato alle opere, astraendole ulteriormente.

Due lavori di sfregamento in mostra riproducono anche la natura, in cui Llewellyn-Jones ha posizionato grandi teli rettangolari di lino sulle rocce e li ha strofinati con pastelli a olio. Ciò ha naturalmente incorporato i vari rilievi e le texture delle rocce nelle composizioni. I risultati sono dipinti sabbiosi e colorati che offrono un approccio poetico su come copiare la natura. L'artista è interessato all'indice dell'oggetto; gli sfregamenti hanno le stesse dimensioni della forma da cui sono tratti direttamente. Invece di un'immagine digitale , Llewellyn-Jones utilizza la documentazione fisica attraverso la registrazione dei suoi strati; è come usa la fotografia. L'artista spiega: "Le qualità materiali e indicali della fotografia analogica stessa sono importanti, e i processi chimici utilizzati per ottenerle". 



L'opera but the baren earth (2024) presenta una piccola riproduzione in bianco e nero della flora nativa del deserto. Invece di realizzare una stampa da questo negativo, Llewellyn-Jones ha scelto di dipingere direttamente sul retro, rivelando così un'immagine positiva. Questa è un'opera distintiva dell'artista, parte di un gruppo molto più ampio di negativi che sviluppa diligentemente lui stesso nel suo studio. Degno di nota è che ha portato una versione itinerante del suo studio in California, una tenda da camera oscura che gli ha permesso di sviluppare la sua pellicola e stampare le fotografie in loco.

È su questo sfondo di rocce, sabbia e cactus che Elena Njoabuzia Onwochei - Garcia presenta i suoi dipinti a olio figurativi. Mentre le opere di Llewellyn-Jones occupano le pareti dello spazio della galleria, le grandi opere di Onwochei-Garcia pendono senza stendersi dal soffitto, formando la forma di una casa o di un anfiteatro al centro della galleria, il tutto consentendo ai visitatori di concedersi una pittura di fondo "negativa" o invertita sul retro della carta washi. Tre delle opere fanno parte di una serie chiamata "¡Silencio!" (2023) e sono ispirate sia nel titolo che nelle immagini da The House of Bernarda Alba.

Dipinto in tonalità di rosso, nero e marrone, raffigura un gruppo di figure appena umane in un'atmosfera di inquietudine, trasmettendo così dolore e trauma. Onwochei-Garcia ha composto queste opere mesi dopo che il disegno di legge sulla Brexit è stato approvato dal Parlamento, e diversi anni dopo l'esito del referendum dell'UE nel 2016, prendendo in prestito l' ambientazione claustrofobica di un'opera teatrale scritta quasi novant'anni prima per esprimere di nuovo tali sentimenti di disperazione.



Un altro dipinto in mostra, Los Espectadores (2023), usa la stessa tavolozza di colori per raffigurare di nuovo figure che sono in parte umane, in parte animali e in parte indecifrabili. Eppure qui, sul lato destro della composizione, vediamo la chiara raffigurazione di un uomo, le cui espressioni facciali lo collocano da qualche parte tra i mondi fantastici di Paula Rego e David Lynch. L'artista spesso ricerca fonti storico-artistiche e letterarie per comporre le sue opere, influenze che sono evidenti nelle sue opere su carta più piccole ( Capa y Espada, El Escondido e Fuera, 2024), come le Fiabe dei fratelli Grimm, e la cui estetica emula le famose Pitture nere di Francisco Goya (c.1819-1823). A modo loro, accennano alle grandi tele in mostra: un disegno a pastello combina il fronte e il retro di Los Espectadores sovrapposti, mentre un altro evidenzia un dettaglio dal retro della stessa opera. Questo mix di riferimenti internazionali e titoli multilingue accenna alla stratificata eredità di Onwochei-Garcia: in parte spagnola, in parte tedesca e in parte nigeriana, l'artista è nata in Inghilterra e attualmente vive in Scozia. Questa esperienza di intermezzo è emulata dall'atto stesso di esporre le sue tele come elementi scultorei, consentendo agli spettatori di attraversarle, esplorando angoli e sfumature che non sono sempre consentiti con opere esposte rigidamente sul muro. Nelle sue stesse parole, "Trasformando i dipinti in strutture che si rifiutano di mostrarsi [essi] frustrano il processo di osservazione poiché devi torcerti, girare e ruotare per vederli, intendo sconvolgere il privilegio di guardare".

La mostra è aperta fino al 25 gennaio 2025, dal mercoledì al sabato, dalle 12 alle 18 o su appuntamento.


17/12/24

Il colore dell'anno 2025...


Il colore dell'anno 2025 scelto da Pantone sarà il PANTONE 17-1230 Mocha Mousse, una calda tonalità del marrone intrisa di ricchezza e dolcezza. 


 CS

PANTONE 17-1230 Mocha Mousse si armonizza magnificamente con i colori di cinque palette, tutte disponibili su Pantone Connect . Disponibile come app mobile, sul web e come app di estensione per Adobe® Creative Cloud®, Pantone Connect semplifica ed efficiente l'acquisizione, la cura e la progettazione con i colori Pantone. Visita la pagina Pantone Color of the Year 2025 per tutto ciò di cui hai bisogno per incorporare PANTONE 17-1230 Mocha Mousse in progetti fisici e digitali.

PANTONE 17-1230 Mocha Mousse: una ricca neutralità nell'abbigliamento

Colore di tendenza con una ricca neutralità, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse amplia la nostra percezione del marrone, passando dall'umile e terreno al lussuoso e ambizioso. Infuso con un calore sensoriale che si manifesta in trame morbide al tatto, pelli e camosci burrosi, velluti morbidi, cashmere, angora e shaggy e maglie pelose che avvolgono e abbracciano, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse trasporta i nostri sensi nel piacevole comfort che ispira e invita. Allo stesso tempo, con il suo aspetto leggero, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse si presta ugualmente a chiffon diafani e fluttuanti, texture setose, rasi e tessuti jersey che aggiungono fluidità ed eleganza drappeggiata.


PANTONE 17-1230 Mocha Mousse: trasmette una sobria raffinatezza nei capelli e nella bellezza

Un marrone tenue il cui caldo splendore risveglia la radiosità intrinseca dei singoli toni della pelle in un'ampia varietà di sfumature, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse evidenzia il desiderio di una bellezza autentica senza pretese e di look minimalisti legati alla semplicità. Caratterizzato dalla sua raffinatezza terrosa, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse trasmette una nuova sofisticatezza sottile, promuovendo un approccio puro e organico al lusso. Esprimendo uno chic tranquillo, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse sostiene il nostro desiderio di eleganza spontanea e spontanea. Una tonalità versatile che funziona bene in applicazioni opache e lucide, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse si presta a essere miscelata con molti altri colori e funge da strato di base perfetto per finiture lucide metalliche.

PANTONE 17-1230 Mocha Mousse: lusso raffinato negli accessori moda

Il tono neutro e adattabile di PANTONE 17-1230 Mocha Mousse si fonde senza sforzo con qualsiasi colore, arricchendo ogni ensemble con un tocco di calore e lusso raffinato. Gli accessori moda morbidi e rigidi armonizzano un senso di eleganza con un calore invitante, migliorando l'attrattiva visiva di qualsiasi outfit. I pezzi morbidi, dai maglioni spessi alle sciarpe di peluche, ci abbracciano in un comfort accogliente, le loro superfici tattili invitano al tocco. Gli accessori rigidi, come occhiali, borse strutturate e gioielli metallici in PANTONE 17-1230 Mocha Mousse, introducono una raffinatezza elevata. Con finiture lucide o opache, il calore morbido e rosato di PANTONE 17-1230 Mocha Mousse viene magnificamente rivelato quando il colore interagisce con la luce.

PANTONE 17-1230 Mocha Mousse: calore sensoriale nell'arredamento e nel design degli interni

Un marrone intenso evocativo infuso di calore sensoriale, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse fonde il nostro desiderio di comfort e opulenza per presentare un tocco di glamour di buon gusto. Un marrone terroso ma raffinato, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse nutre i nostri sensi. Sofisticato e lussureggiante, ma allo stesso tempo un classico senza pretese, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse evoca una sensazione di comfort di casa, sia che appaia su pavimenti, pareti dipinte o rivestimenti murali, nell'arredamento della casa o in materiali più naturali tra cui legno e pietra, rattan e vimini, pelle e lino.

PANTONE 17-1230 Mocha Mousse: un delizioso marrone per il packaging e il design multimediale

PANTONE 17-1230 Mocha Mousse è un delizioso marrone che ci nutre con il suo suggerimento di cioccolato, cacao e caffè. Orientato all'utilità ma allo stesso tempo elevato e sofisticato con un tocco di lusso, PANTONE 17-1230 Mocha Mousse trasporta i nostri sensi nel piacere e nella prelibatezza che ispira. Apparentemente tattile e toccabile, PANTONE 17-1230 accoglie calorosamente, invitando i consumatori a raggiungere e coinvolgere, rendendolo una tonalità allettante per una varietà di prodotti, dal cibo e dalle bevande ai cosmetici a qualsiasi prodotto realizzato con ingredienti naturali o dedicato al benessere.

16/12/24

Regalare arte?

 


L'inserto settimanale del sabato del quotidiano Il Sole 24 Ore, Plus, presenta in copertina questo interessante proposta, che slitta nelle pagine interne dall'opera artistica al fumetto, mettendo in risalto la grande varietà delle creazioni artistiche.

Un'idea molto valida che vedo diffusa in tutto il nostro paese, che da sempre è fucina di creazioni e fantasia artistica. Pensando solo al mio territorio, Cuneo, quanti interessanti artisti ci sono, che producono belle opere a prezzi anche molto abbordabili.

Se volete scoprirne qualcuno vi segnalo questo sito dedicato proprio alla realtà artistica del mio territorio: https://cuneiforme-cn.blogspot.com/ 

15/12/24

Takis a Parigi da White Cube

 

Presso gli spazi parigini di White Cube è in corso la mostra "The Void", dedicata al rapporto tra il defunto artista greco Takis (1925-2019) e la città di Parigi. Nato Panayiotis Vassilakis ad Atene nel 1925, Takis emigrò a Parigi nel 1954, attratto dalla vivacità intellettuale della città. Qui conobbe Alberto Giacometti, già una grande influenza, e altri innovatori del nascente movimento artistico cinetico, tra cui Alexander Calder e Jean Tinguely. Parigi fu il luogo in cui iniziarono alcune delle più importanti esplorazioni artistiche di Takis, stimolate da due epifanie che avrebbero gettato le basi per la sua ossessione per le forme di comunicazione non verbali e i regni extrafisici. La prima di queste ebbe luogo nel 1955, quando l'artista vide per la prima volta le luci di segnalazione in una stazione ferroviaria di Calais, un incontro che si sarebbe sviluppato nella sua serie "Signals". Poi, nel 1958, Takis iniziò a sperimentare il magnetismo nel suo lavoro come mezzo per manifestare la "quarta dimensione" o le energie intangibili dell'universo. Riconoscendo la passione di Takis per la scienza della tecnologia, Marcel Duchamp lo soprannominò liricamente "l'aratore dei campi magnetici".

Questa mostra, la prima a Parigi dopo la morte di Takis nel 2019, narra l'immenso contributo dell'artista all'arte contemporanea attraverso una serie di momenti formativi che sgorgano dalla serie "Signals". Sebbene ispirate al sistema di segnalazione ferroviaria e agli esperimenti con la ferramenta che Takis intraprese a Montparnasse, nel sud di Parigi, le forme sottili e simili ad antenne dei "Signals" parlano anche dell'arte cicladica dell'antica Grecia e dei suoi primi lavori che fanno riferimento a Giacometti. Composte da basi a blocchi da cui si estendono alti steli, le opere di questa vasta serie sono variamente sormontate da frammenti di apparecchiature elettroniche, frammenti di bombe esplose della guerra civile greca degli anni '40, archi simili a falci o luci funzionanti. Preveggenti per il loro tempo e di natura orfica, i "Signals" incanalano le vibrazioni ambientali con oscillazioni e tremori in risposta al movimento circostante, come se restituissero le energie ambientali della stanza.




Promuovendo il suo interesse per le invisibili macchinazioni della comunicazione e della connettività, nel 1958 Takis intraprese quello che sarebbe diventato un altro esperimento durato una vita con le sculture "telemagnetiche". Preceduto da tele-, che in greco significa "raggiungere una distanza", il titolo della serie fu coniato dallo scrittore francese Alain Jouffroy dopo aver incontrato un eccitato Takis nelle strade di Parigi quello stesso anno. "The Void" presenta diverse opere esemplari di questo tipo, ciascuna delle quali comprende un pannello fissato con un potente magnete al quale vengono tirate senza speranza parti di componenti metalliche, come viti, chiavi inglesi, occhielli. Tuttavia, queste parti non riescono mai a toccare il magnete, ma vengono tenute in sospensione da cavi metallici tesi e dai rispettivi punti di fissaggio, dando origine a geometrie compositive. L'introduzione del magnetismo da parte di Takis nella sua pratica artistica segnò una svolta nella sfera delle arti cinetiche; fino ad allora, le frequenze energetiche tra forme, oggetti e corpi erano state solo rappresentate visivamente piuttosto che utilizzate attivamente. Soprattutto, le sculture 'telemagnetiche' riecheggiano la valutazione quasi spirituale dell'artista dell'elettromagnetismo come 'una cosa infinita, invisibile, che non appartiene solo alla Terra'.(1)

Più che una mera analogia o metafora per la natura ineffabile delle relazioni umane, Takis credeva che "il magnete e l'attrazione dell'amore sono una cosa sola".(2) Nel 1974, al suo ritorno a Parigi dopo un periodo come ricercatore ospite al Massachusetts Institute of Technology, USA, l'equiparazione di magnetismo e attrazione da parte di Takis ha ispirato la sua serie figurativa "Erotic": calchi in bronzo di parti del corpo maschile e femminile, che ricordano i reperti degli scavi archeologici nella sua Grecia natale. Contemporaneamente alle opere "Erotic", Takis ha iniziato a esplorare il potenziale acustico della scultura telemagnetica nella sua serie "Musicals", opere a parete in cui gli elettromagneti vengono utilizzati per azionare un ago che colpisce una corda amplificata. Nonostante la sua affiliazione con John Cage, tuttavia, Takis non si considerava un musicista; piuttosto che strumenti musicali, l'artista potrebbe aver inteso queste opere come macchine sensoriali.

Takis era profondamente affascinato dalle macchinazioni invisibili che animano la vita moderna, ma le sue sculture sono anche incarnazioni di idee con distinte qualità formali e tattilità ponderata. Incentrate sulle principali preoccupazioni di Takis, dall'interpersonale all'extra-fisico, le opere d'arte selezionate ratificano il contributo sostanziale dell'artista ai campi dell'arte e del pensiero scientifico, evidenziando allo stesso tempo i suoi sforzi duraturi. Collocando Takis nel contesto dei suoi pari, amici e attività artistica nella città di Parigi, "The Void" celebra i momenti cruciali che hanno avuto un impatto sull'artista pioniere, punti di riferimento a cui sarebbe tornato per tutto il resto della sua carriera artistica.






Dagli anni '60, Takis ha partecipato a numerose mostre internazionali, tra cui Documenta a Kassel, Germania (1977 e 2017); la Biennale di Venezia (1995); e la Biennale di Parigi, dove gli è stato assegnato il primo premio nel 1985. Più di recente, il suo lavoro è stato esposto in importanti mostre personali presso lo Stavros Niarchos Foundation Cultural Centre (SNFCC), Kallithea, Grecia (2021); il MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona (2019); la Tate Modern, Londra (2019); il Palais de Tokyo, Parigi (2015); e la Menil Collection, Houston (2015). Tra i musei che ospitano le sue opere ci sono il Centre Pompidou, Parigi; il MoMA e il Guggenheim Museum, New York; la Menil Collection, Houston; la Tate, Londra; e la Peggy Guggenheim Collection, Venezia. Nel 1987 Takis ha completato Foret Lumineuse (Foresta luminosa) , un'installazione in 39 parti nell'Esplanade de La Défense, Parigi e la più grande commissione d'arte pubblica della città.

(1) Takis in L'oeil du Décorateur , n. 199, novembre 1964, p. 39, citato e tradotto in Tony Kamps, Takis , White Cube, Londra, 2023, p. 64.
(2) 2 Takis in conversazione con Maïten Bouisset, in Guy Brett e Micheal Wellen (a cura di), Takis , Tate Publishing, Londra, 2019, p. 116.

14/12/24

Anne Samat da Marc Straus a New York




La galleria Marc Straus, nella nuova sede di Tribeca, propone la seconda mostra personale di Anne Samat
 
Il lavoro di Samat è ispirato alle tradizioni tessili della Malesia, in particolare quelle del popolo Iban del Sarawak, il più grande dei 13 stati della Malesia. Combinando oggetti che ci sono familiari dalle nostre case, giardini e dintorni, il metodo tradizionale di tessitura lascia il posto a un approccio unico; invece di usare il filo come trama, vediamo bastoncini di rattan (steli di palma); invece di usare una tintura resistente per colorare il filo, Samat infila insieme fili di filato per creare un singolo filo completamente nuovo e originale, che paragona all'atto di un pittore che mescola i colori su una tavolozza. A questi aggiunge rastrelli di plastica, maschere ingioiellate, perline, cinture, forchette, cucchiai, chiavi, spade di plastica, gioielli di metallo e persino imbracature per cavalli in legno che si attaccano, pendono e sono incorporate nei tessuti esuberanti che tesse, trasformando il tessuto in scultura.
 



In questo nuovo corpus di opere, Samat continua a esplorare i temi della famiglia e dell'amore, elementi centrali della sua pratica artistica. Ciò è particolarmente evidente nel pezzo forte della mostra, Never Walk in Anyone's Shadow #2 , una monumentale scultura in fibra che celebra i legami familiari. Figure antropomorfe irradiano forza, con spade e rastrelli che simboleggiano la protezione, mentre fanno la guardia a una figura solitaria in piedi davanti a un fiore dorato incastonato in uno stagno blu. Giustapponendo il feroce al gentile, Samat usa materiali tradizionalmente codificati come femminili o "non seri" e li fonde in modo che trascendano i confini tra maschile e femminile, combinando ferocia con flessibilità, rigidità con duttilità.
L'arte di Samat è una memorialista; è una narratrice. In questa mostra, condivide il suo viaggio da Kuala Lumpur a New York City, estendendo il suo linguaggio per includere opere che fanno riferimento ai teli cerimoniali Pua Kumbu, tradizionalmente usati dal popolo Iban per tutta la vita. Influenzate dalla tradizione, mentre incorporano oggetti trovati provenienti dalla disponibilità portata dalla globalizzazione e dal consumismo in un'era capitalistica, le creazioni di Samat si trasformano in oggetti di uno scambio interculturale. Così facendo è in grado di colmare il divario tra New York e la Malesia, consentendo una conversazione che può informare sia le strutture sociali, le tradizioni, gli atteggiamenti e i concetti. Siamo invitati a riflettere sul viaggio personale dell'artista, così come sulle nostre relazioni, storie e posto nel mondo.



Nata in Malesia nel 1973, Anne Samat ha conseguito il BFA presso l'University of Mara Institute of Technology nel 1995. Vive e lavora a New York e Kuala Lumpur. Le recenti mostre personali di Samat includono MASS MoCA (2023) e University of Wyoming Art Museum (2022). Le sue opere sono state esposte anche alla Sydney Biennale (2024), al Singapore ArtScience Museum (2023), alla Kochi-Muziris Biennale (2022-23) e all'Asia Society Triennial, New York (2020). La sua arte è inclusa in importanti collezioni come Tate Modern, Londra, The Rose Museum of Art, Waltham, MA, Singapore Art Museum (SAM) e National Art Gallery, Kuala Lumpur, tra le altre.