Never Again Means Never Again

A Torino, presso la galleria Simondi, è in corso l'iniziativa " Never Again Means Never Again" un atto di solidarietà con la Palestina — da parte della galleria, dei suoi artisti e con la speciale collaborazione di Candice Breitz — contro questa guerra e contro tutte le guerre.

Non è una mostra nel senso classico del termine, ma piuttosto un simposio in cui spazio e tempo sono dilatati per stimolare riflessione e consapevolezza. Never Again Means Never Again si sviluppa al contrario: l'allestimento si svelerà poco per volta; lo dipingeremo insieme. È una mostra da vivere attraverso i suoi momenti di incontro, ogni sabato per tre settimane: sabato 6 dicembre 2025, dalle 11 alle 19; sabato 13 dicembre 2025, dalle 11 alle 19; sabato 20 dicembre 2025, dalle 11 alle 19.

Il simposio sarà anche un’occasione per raccogliere fondi a sostegno della popolazione palestinese, attraverso workshop su prenotazione — donazione minima di 10 euro, massimo 20 partecipanti per workshop, per prenotare scrivere a info@simondi.gallery — e una lotteria: ogni biglietto costa 10 euro e può essere acquistato direttamente in galleria. In palio, opere d’arte generosamente donate dalle artiste e dagli artisti della galleria. 

L’intero ricavato sarà devoluto a Medici Senza Frontiere per sostenere la sua azione medico-umanitaria a Gaza.

Sabato scorso si sono svolte queste iniziative:

ore 11:00 (eng, ita) — 60 min
CANDICE BREITZ (online), Never Again Means Never Again — talk
Collegamento in diretta con Candice Breitz, che ci presenterà Never Again Means Never Again, il progetto da lei ideato per raccogliere fondi a sostegno dei giornalisti palestinesi.
 
ore 12:00 
BOTTO & BRUNO, JACIR, KAHRL, VERONESI — allestimento opere
 
ore 12:30 (ita) — 45 min 
MEDICI SENZA FRONTIERE (MSF) — presentazione attività per Gaza
Medici Senza Frontiere (MSF) è un’organizzazione medico-umanitaria internazionale che fornisce assistenza sanitaria urgente a popolazioni colpite da conflitti, epidemie, catastrofi o esclusione dall’assistenza, operando in modo indipendente, neutrale e imparziale. 
 
ore 15:00 (eng, ita) — 90 min 
MARGUERITE KAHRL Navigating Crisis: Ecologies in Flight. Bird Migration and Habitat Loss in Gaza — workshop partecipativo
Marguerite Kahrl si concentrerà sull’ecocidio e sulle implicazioni sistemiche della distruzione degli habitat provocata dalla guerra. I partecipanti saranno invitati a mettere in gioco la propria creatività per immaginare risposte resilienti a queste sfide, affrontando il collasso ecologico causato dall’attacco israeliano ai terreni agricoli, agli uliveti, ai sistemi idrici, alle infrastrutture del popolo palestinese. L’ecologia e il pensiero sistemico offriranno numerose possibilità di confronto e interazione. Un ringraziamento speciale va al Dr. Mazin Qumsiyeh, Direttore del Palestine Institute of Biodiversity and Sustainability dell’Università di Betlemme, per il suo prezioso contributo alla ricerca di Marguerite Kahrl sui danni ambientali della guerra e sui loro effetti nel Levante, compresi i fondamentali sistemi di migrazione degli uccelli che attraversano la regione.
min.10€ (su prenotazione: info@simondi.gallery - max 20 persone) / Il ricavato verrà devoluto a Medici Senza Frontiere
 
ore 17:00 (ita) — 45 min
MEMORIE E RACCONTI DELLA PALESTINA, con Vincenzo Valenti — letture sceniche
Letture sceniche di stralci di articoli, romanzi, poesie e saggi di alcune tra le voci più influenti del panorama giornalistico, filosofico, letterario e artistico contemporaneo — da Judith Butler a Francesca Albanese, da Maaza Mengiste a Omar El Akkad, da David Grossman a Maša Gessen — che offrono una riflessione profonda sul senso di perdita dell’umanità che stiamo vivendo ormai da troppo tempo.
 
ore 18:00 (eng, ita) — 45 min
CANDICE BREITZ, Dear Esther (May 1943) / Dear Esther (15 May 2020) — proiezione film
Nella sua serie di cortometraggi intitolata Dear Esther - commissioned by steirischer herbst 2025 - Candice Breitz riflette sull’esperienza di vivere in una nazione (Germania) colpevole che ha scelto ancora una volta di sostenere il genocidio. Narrati con la voce dell’artista stessa, ciascun film assume la forma di una lettera indirizzata alla musicista e attivista antifascista Esther Bejarano (1924–2021), sopravvissuta ad Auschwitz e Ravensbrück da giovane donna, per poi affrontare accuse di antisemitismo nella sua vita successiva, sulla base della sua critica veemente all’oppressione israeliana dei palestinesi.

 

 Sabato prossimo si svolgeranno questi altri eventi. 

ore 11.00 (eng, ita)  — 60 min 
BANI ABIDI (online), in dialogo con EMANUELE GUIDI — talk
Books of Others è un'iniziativa a cui l’artista pakistana Bani Abidi ha dato recentemente vita nel cuore di Kreuzberg a Berlino come risposta agli ultimi due anni di forte instabilità politica. Il dialogo si concentrerà sul significato di questa living / reading room dove libri, cibo e riposo sono forma di conforto e centro di una pratica comunitaria. 
 
ore 12:00 
BUCAK, FRAPICCINI, MEREDITH-VULA, STOIAN — allestimento opere
 
ore 12:30 (ita) — 45 min 
STILL ALIVE, con Anna Rabufo — presentazione podcast
Still Alive è un podcast narrativo ideato da Anna Rabufo in collaborazione con Noise Reduction Studios per dare voce ad Amal, pseudonimo di una giovane donna palestinese di Gaza, che racconta la sua quotidianità sotto assedio. È una storia di amicizia, resistenza e vita che continua nonostante la guerra. 
Ascolta il primo episodio
 
ore 15:00 (ita) — 90 min 
HANNO UCCISO HABIBI di Shrouq Aila, con Vincenzo Valenti — lettura scenica
Hanno ucciso habibi è la testimonianza della resilienza umana e del coraggio di un popolo la cui determinazione a ricostruire il proprio futuro sulle macerie rimane incrollabile. Un libro che ci conduce nel cuore di tenebra del nostro mondo, impedendoci di distogliere lo sguardo e insegnandoci cosa vuol dire amare.
 
ore 17:00 (ita) — 45 min 
WETLANDS, con  Luca Cosentino e Anna Nadotti — talk
Presentazione del libro Hanno ucciso habibi e della sua casa editrice: wetlands, un'impresa sociale no-profit e uno spazio di incontri e scambio che trae ispirazione da principi di eguaglianza, partecipazione, valorizzazione delle diversità, rispetto dell’ambiente e del pluralismo culturale. 
 
ore 18:00 (eng, ita) — 45 min 
CANDICE BREITZ, Dear Esther (May 1943) / Dear Esther (15 May 2020) — proiezione film
Nella sua serie di cortometraggi intitolata Dear Esther - commissioned by steirischer herbst 2025 - Candice Breitz riflette sull’esperienza di vivere in una nazione (Germania) colpevole che ha scelto ancora una volta di sostenere il genocidio. Narrati con la voce dell’artista stessa, ciascun film assume la forma di una lettera indirizzata alla musicista e attivista antifascista Esther Bejarano (1924–2021), sopravvissuta ad Auschwitz e Ravensbrück da giovane donna, per poi affrontare accuse di antisemitismo nella sua vita successiva, sulla base della sua critica veemente all’oppressione israeliana dei palestinesi.
  

SABATO 20 DICEMBRE 2025
ore 11:00 (eng, ita) — 60 min 
MALAK MATTAR (online) — talk
in collaborazione con Corrado Gugliotta (Galleria Laveronica)
Durante questo incontro online, Malak Mattar, artista di fama internazionale, nata nel 1999 nella Striscia di Gaza e cresciuta sotto occupazione e assedio militare, condividerà la sua storia e le lotte del suo popolo attraverso le sue opere.

 ore 12:00 
BAIMA POMA, DE PIETRI, FERRERI, PUGNO — allestimento opere
 

ore 12:30 (ita) — 60 min 
SILENT BOOK CLUB (SBC) di Torino — movimento di lettura silenziosa
Un’ora di lettura silenziosa in galleria, in collaborazione con il Silent Book Club (SBC) di Torino, seguita dalla condivisione di testi e poesie: un invito a rallentare e a riflettere insieme sul presente attraverso la lettura.
 
ore 15:00 (eng, ita) — 60 min 
LALA MEREDITH-VULA (online), My Home — workshop
Un workshop attraverso il quale Lala Meredith-Vula racconta la sua terra d'origine – il Kosovo – nel periodo immediatamente successivo alla guerra del 1999. Le immagini che ha scattato, filtrate attraverso la sua sensibilità personale, ripercorrono una terra profondamente segnata dal conflitto. 
min.10€ (su prenotazione: info@simondi.gallery - max 20 persone) / Il ricavato verrà devoluto a Medici Senza Frontiereore
 
ore 16:00 (eng, ita) — 45 min 
DAR YUSUF NASRI JACIR FOR ART AND RESEARCH (online) — talk
Presentazione di Dar Yusuf Nasri Jacir for Art and Research, un progetto dedicato a promuovere lo scambio di conoscenze in ambito educativo, culturale e agricolo a Betlemme.
 
ore 17:00 (eng, ita) — 45 min 
CANDICE BREITZ, Dear Esther (May 1943) / Dear Esther (15 May 2020) — proiezione film
Nella sua serie di cortometraggi intitolata Dear Esther - commissioned by steirischer herbst 2025 - Candice Breitz riflette sull’esperienza di vivere in una nazione (Germania) colpevole che ha scelto ancora una volta di sostenere il genocidio. Narrati con la voce dell’artista stessa, ciascun film assume la forma di una lettera indirizzata alla musicista e attivista antifascista Esther Bejarano (1924–2021), sopravvissuta ad Auschwitz e Ravensbrück da giovane donna, per poi affrontare accuse di antisemitismo nella sua vita successiva, sulla base della sua critica veemente all’oppressione israeliana dei palestinesi.

 La rassegna si concluderà alle ore 18:30  con l'estrazione della lotteria. 

Frogs

 La galleria Bortolami accoglie nei suoi spazi la mostra "Frogs" , si tratta dei nuovi lavori di Brook Hsu e Louis Eisner presso lo spazio al 55 Walker. La mostra è un adattamento della sua presentazione originale in Wyoming presso il Laundromat & Car Wash di Dubois, parte della decima edizione della serie "Artist / City" di Bortolami . 

Questa versione di "Frogs" , riconfigurata appositamente per 55 Walker, conserva le idiosincrasie della sua ambientazione iniziale. Quattro grandi dipinti, due per ciascun artista, sono montati su una semplice struttura in legno costruita per rispecchiare le dimensioni e la forma della lavatrice e del tavolo pieghevole della lavanderia a gettoni originale.

Prossimamente Serpentine 2026

 

 L'anno sta per finire ma c'è già chi pensa alla nuovo stagione con una ricca programmazione culturale coma le Serpentine di Londra che, annuncia dal prossimo 27 marzo al 6 settembre 2026, ospiterà una grande mostra personale della pittrice Cecily Brown. Per oltre tre decenni l'artista si è guadagnata la reputazione di pennello vigoroso, vivido senso del colore e composizioni dinamiche che coinvolgono lo spettatore in uno spazio attivo di sguardo. 

Brown prende in prestito motivi da una vasta gamma di fonti visive, tra cui la storia dell'arte, commentando: "Guardo tutto e tutto trova un modo per entrare nell'opera". Gioca a "nascondino" con immagini che sono allo stesso tempo familiari, slegate dal contesto e spesso sul punto di essere riassorbite nella pittura. Per Brown "la pittura può trasportare o contenere una sorta di vita propria. La pittura intrappola l'energia".

Parallelamente ci sarà, dal 12 marzo al 23 agosto 2026,  una mostra di opere nuove e recenti di David Hockney. La mostra includerà opere fondamentali, esposte per la prima volta nel Regno Unito. L'ingresso alla mostra, la prima dell'artista alla Serpentine, sarà gratuito.

David Hockney ha dichiarato: "Sono entusiasta di presentare una mostra alla Serpentine nel 2026, in un anno così importante per l'Arazzo di Bayeux, una delle opere d'arte più antiche e straordinarie". Anche "A Year in Normandy", un fregio lungo novanta metri, ispirato all'Arazzo di Bayeux, che raffigura il cambio delle stagioni nell'ex studio dell'artista in Normandia, sarà presente nella mostra.

LA 2025

Opera di Alonzo Davis

Sempre molto lodevo l'iniziativa dell'Hammer museo sulla ricognizione artistica di Los Angeles. Made in LA 2025 è la settima edizione della biennale simbolo dell'Hammer, che presenta artisti attivi nell'area metropolitana di Los Angeles. I 28 partecipanti alla mostra presentano opere non solo realizzate in città, ma anche radicate nel suo territorio complesso e in continua evoluzione.

Opera di Amanda Ross-Ho

 Né mito né monolite, Los Angeles è molte cose per molte persone, e la sua dissonanza è forse la sua caratteristica più distintiva. Le opere presentate alla biennale di quest'anno includono film, pittura, teatro, coreografia, fotografia, scultura, suono e video. 

Opera di Patrick Martinez

L'atteggiamento le accomuna: ognuna si relaziona a questa città in modi alternativamente letterali, formali, materiali e metaforici. Concepite o realizzate a Los Angeles, appartengono a questa città e a nessun altro luogo.

Sven Drühl da Konig

 A Berlino la galleria KÖNIG presenta le opere dell'artista berlinese Sven Drühl, in collaborazione con il Museo Hans Erni di Lucerna e il Museo Wiesbaden. Per oltre due decenni, l'artista ha esplorato l'arte paesaggistica concettuale. La mostra FNJ–KST, la seconda di Drühl con la galleria, presenta circa 30 opere, alcune di grandi dimensioni, principalmente dal 2018 al 2025, che abbracciano tre serie: dipinti in silicone, dipinti a lacca e sculture della serie Dark. Drühl ha studiato arte e matematica negli anni Novanta, durante l'apice dei dibattiti postmoderni nel mondo dell'arte, un discorso che costituisce il fondamento della sua pittura concettuale.

Con il suo linguaggio visivo distintivo, Drühl si interroga sul modo in cui percepiamo e riproduciamo l'idea di natura. I suoi paesaggi, meticolosamente realizzati ma apertamente artificiali, ci ricordano che le nostre immagini della natura sono sempre più plasmate da schermi, algoritmi e memoria culturale piuttosto che dall'esperienza diretta. In un'epoca segnata dalla vulnerabilità ecologica e dai cambiamenti climatici, i suoi dipinti e le sue sculture offrono riflessioni silenziose sui paesaggi che ereditiamo, su quelli che consumiamo digitalmente e su quelli che potremmo perdere. Un filo conduttore che attraversa l'opera di Drühl è l'assenza di narrazione. I suoi paesaggi appaiono freddi e distanti. Le persone non compaiono mai, eppure la loro assenza riporta l'attenzione su di loro. Drühl lavora in serie, rivisitando singoli motivi nel tempo, alterandone sezioni, cambiando i colori o traducendoli in altri media, comprese le opere luminose al neon.

La pratica di Drühl si basa sulla reinterpretazione: campiona opere d'arte storiche, rendering digitali e frammenti di modelli matematici per costruire paesaggi che sembrano familiari ma che resistono a una localizzazione precisa. Proprio come un DJ che sovrappone suoni di epoche diverse, Drühl remixa forme e idee. La sua serie di lacche presenta catene montuose, vulcani e paesaggi marini iperrealistici. Dipinte a partire da grafica vettoriale generata al computer, queste opere iperrealistiche rompono la tradizionale pittura en plein air, evocando al contempo lo stesso stupore e la stessa nostalgia di una catena montuosa lontana.

Al contrario, la serie in silicone attinge alla tradizione storico-artistica della pittura paesaggistica. Drühl trae ispirazione da artisti che spaziano dal XIX secolo a oggi, traducendo le loro visioni naturalistiche in distintivi contorni in silicone nel suo stile inconfondibile. Queste opere parlano del divario tra la natura come ideale e la natura come costrutto mediato, filtrato attraverso la cultura, la memoria e ora i flussi di dati dei nostri schermi. 
I dipinti sono completati da nuove sculture raffiguranti catene montuose. La serie Dark si basa su montagne reali create utilizzando dati geografici. Drühl manipola l'asse Z in modo che le montagne assomiglino a quelle dei mondi fantascientifici e fantasy, pur mantenendo una base reale. Le loro superfici sono rivestite da una spessa pittura a olio nera, che le collega alla serie di dipinti neri di Drühl. L'artista concepisce le sue sculture come un'estensione della pittura nello spazio.

Come in entrambe le precedenti edizioni del museo, la mostra mette in risalto anche il lavoro teorico di Drühl. L'artista ha conseguito un dottorato in storia dell'arte e si è affermato come curatore ospite di 13 volumi del Kunstforum International e come autore di numerosi articoli di storia dell'arte. Drühl viene presentato anche come collezionista: le sue opere sono integrate da una selezione di circa 25 dipinti provenienti dalla sua collezione del XIX secolo, accuratamente curata, che comprende artisti da Eugen Bracht e Janus La Cour a Carl Spitzweg. Questa presentazione contrastante di opere dal 1855 al 2025 crea un ponte tra il XIX secolo e i giorni nostri.

I paesaggi di Sven Drühl non sono semplici raffigurazioni del mondo naturale; sono meditazioni su come lo ricordiamo, lo immaginiamo e lo riproduciamo. La sua opera intreccia il romantico e il digitale, il sublime e il sintetico, invitando gli spettatori a riconsiderare il significato della natura in un'epoca di rapidi cambiamenti tecnologici e di consapevolezza ambientale. L'artista apre uno spazio di contemplazione, dove bellezza, memoria e traccia della mano umana incontrano le infinite possibilità dell'artificiale.

"Niskamij - Sky World" da Gavlak

 

Renée Condo:  Niskamij (Sky World) , vista dell'installazione, GAVLAK West Palm Beach

La galleria GAVLAK, West Palm Beach, accoglie nei suoi spazi la mostra  "Niskamij - Sky World", con le nuove opere dell'artista di Montréal Renée Condo, che segna il suo debutto con la galleria. La presentazione segue la grande installazione di Condo recentemente presentata alla 65a edizione del Museum Ball del Montreal Museum of Fine Arts e amplia la sua esplorazione dell'interconnessione attraverso una visione del mondo Mi'gmaq.

Nota per le sue ampie composizioni di perline, il linguaggio visivo di Renée Condo nasce dalla convinzione Mi'gmaq che tutto ciò che esiste sia legato da una relazione: ogni azione, materiale ed essere si influenzano a vicenda in un continuum vivente. Lavorando con migliaia di perline di legno levigate, dipinte e disposte singolarmente, costruisce superfici ritmiche che accentuano l'attenzione al colore, alla consistenza e alla forma. Ogni perlina funge sia da elemento distinto che da parte di un insieme più ampio, riecheggiando la continua ricerca dell'artista sull'equilibrio tra armonia individuale e collettiva.

In Niskamij – Sky World, Condo si ispira alla cosmologia Mi'gmaq e al regno ancestrale che esiste oltre il mondo visibile. Qui, la creazione si dispiega come un continuo processo di divenire: ciclico, soggetto a rinnovamenti e riallineamenti, e che si muove attraverso soglie che collegano il materiale e lo spirituale. In Ga'qanei – Entranceway (2025), Condo esplora il dialogo tra sé e la fonte attraverso immagini speculari del sole. Campi di colore e forme si raccolgono e si disperdono in un movimento silenzioso, mentre i motivi Mntu occupano gli spazi intermedi, evocando le forze invisibili che plasmano l'esistenza. Pur ispirandosi al suo interesse per la fisica e la metafisica, questo corpus di opere si concentra in ultima analisi sulla comprensione indigena del tempo, dell'energia e della relazione.

La pratica di Condo, pur essendo formalmente rigorosa, è profondamente sensoriale. Guidata dal principio Mi'gmaq della Conoscenza del Cuore – che privilegia il sentimento sull'intelletto – si avvicina a ogni perla con cura intenzionale, infondendo all'opera quella che lei definisce "presenza energetica". Gli spettatori descrivono spesso le opere come radiose o vive, con le loro superfici che vibrano di silenziosa intensità. Per Condo, questa risonanza incarna uno scambio di energia tra creatore e spettatore, tra materiale e significato.

In Niskamij – Sky World, le composizioni di Condo invitano alla contemplazione della scala, dal subatomico al celeste. Le opere evocano sia l'intimità del tatto che la vastità dello spazio, offrendo una meditazione sull'interconnessione di tutta l'esistenza. Fondendo la filosofia indigena con il linguaggio formale dell'astrazione, Condo propone una visione del mondo in cui percezione, materia e spirito coesistono in uno stato di presenza e relazione.

Renée Condo:  Niskamij (Sky World) , vista dell'installazione, GAVLAK West Palm Beach

Informazioni sull'artista

Renée Condo (nata nel 1979 a Gesgapegiag, QC; vive e lavora a Tiohtià:ke, Montréal, QC) ha conseguito una laurea in Belle Arti e un master in Scultura presso la Concordia University. Le mostre personali di Condo includono "One who shatters particles, one who smells flowers", Blouin Division, Montreal, QC (2025); "Shifting Perspectives", Warren G. Flowers Gallery, Montreal, QC (2023); "Sisip-Sipu, Knowing Differently", Contemporary Native Art Biennial (BACA), Galerie Laroche/Joncas, Montreal, Que (2022); "Heart Knowledge – Pemitgl", Galerie Laroche/Joncas, Montreal, QC (2021). Le sue opere sono state incluse in mostre collettive, tra cui una mostra biennale, "A Quiet Truth", presso la Night Gallery, Los Angeles, CA (2024); Abtrus, Galerie Laroche/Joncas, Montreal, QC (2021); Honoring Kinship, BACA (Biennale d'Arte Nativa Contemporanea), Art Mûr, Montreal, QC (2020), tra le altre. Oltre a diverse fiere d'arte, tra cui Dallas Art Fair, Galerie Blouin Division, Dallas, TX (2025); Art Basel Miami Beach, Gavlak Gallery, Miami, FL (2024); The Armory Show, Galerie Blouin Division, New York, NY (2023); Art Toronto, Toronto, ONT (2021); Miami Untitled, Miami, FL (2024); Plural, Galerie Blouin Division, Montreal, QC (2025, 2024); Artgenéve, Ginevra, Svizzera. Le opere di Condo sono presenti anche in numerose collezioni pubbliche e private, tra cui Canada Goose, Montreal, QC e Las Vegas, NV; Citizens Bank, Palm Beach, FL; Google, Toronto, ON; LVMH Moët Hennessy Louis Vuitton, Parigi, Francia; McCarthy Tétrault, Toronto, Ontario; Montreal Museum of Fine Arts, QC; RBC Bank, Toronto, Ontario; Scotia Bank, Toronto, Ontario; Telus, Toronto, Ontario; e TD Bank, Toronto, Ontario. Incluse opere d'arte pubbliche a Laval e Gesgapegiag, QC. 

Attualmente è vincitrice del programma di residenza a lungo termine della Fonderie Darling. Renée Condo è rappresentata da GAVLAK a Palm Beach, Florida e a Blouin Division | Montreal, Canada.

Diane Arbus al Gropius Bau

Fotografie della mostra "Diane Arbus: Konstellationen" scatti di Rosa Merk. Tutte le opere The Estate of Diana Arbus, Collezione Maja Hoffmann/Fondazione LUMA 

A Berlino il Gropius Bau presente in un interessante allestimento le audaci fotografie in bianco e nero di Diane Arbus che demoliscono le convenzioni estetiche e sovvertono ogni certezza

Una mostra antologica che copre quasi tutto il suo lavoro dagli inizia fino ad oggi. Con 454 stampe, molte delle quali esposte qui per la prima volta, "Konstellationen"  offre nuove prospettive sulle immagini iconiche di Arbus e sull'ampia gamma della sua ritrattistica.

Fotografie della mostra "Diane Arbus: Konstellationen" scatti di Rosa Merk. Tutte le opere The Estate of Diana Arbus, Collezione Maja Hoffmann/Fondazione LUMA

Diane Arbus ha trascorso gran parte della sua carriera, dalla fine degli anni '50 al 1971, fotografando a New York, creando un ritratto variegato e avvincente della vita negli Stati Uniti del dopoguerra. I suoi soggetti includevano coppie, bambini, drag queen, nudisti, pedoni di New York, famiglie di periferia, artisti circensi, intellettuali come Susan Sontag e celebrità come Mae West e James Brown. 

Presentata come una labirintica "costellazione" di fotografie, la mostra al Gropius Bau non segue né un raggruppamento cronologico né tematico. Piuttosto, invita i visitatori a vagare liberamente tra le immagini, scoprendo le risonanze e le relazioni che emergono tra loro.

1+1 L'arte relazionale

 foto di Musacchio & Pasqualini / Musa courtesy Fondazione Maxxi. 

A Roma il MAXXI propone un percorso dinamico che trasforma il museo in un laboratorio di relazioni, convivialità e interazioni.

1+1. L’arte relazionale è la prima grande retrospettiva al mondo dedicata al movimento dell’Arte Relazionale, a distanza di tre decenni dalla sua nascita, curata dal critico e curatore di fama internazionale Nicolas Bourriaud.

Negli anni Novanta una nuova generazione di artisti rivoluziona il discorso dell’arte aprendolo alle relazioni inter-umane, esplorando la sfera collettiva, utilizzando le pratiche sociali, la convivialità, l’interazione, i gruppi e le comunità come materiali e strumenti di ricerca. Teorizzata da Bourriaud nel 1998, l’Estetica Relazionale è oggi riconosciuta come una delle principali correnti artistiche del nuovo Millennio e i suoi artisti acclamati a livello internazionale. Prossimità, convivialità, micro-utopie e processi partecipativi sono i principi che accomunano le ricerche dei 45 artisti in mostra, tra cui Vanessa Beecroft, Maurizio Cattelan, Dominique Gonzalez-Foerster, Carsten Höller, Pierre Huyghe, Philippe Parreno e Rirkrit Tiravanija, Angela Bulloch, Liam Gillick, Douglas Gordon, Gabriel Orozco, Santiago Sierra, Felix Gonzalez-Torres.

foto di Musacchio & Pasqualini / Musa courtesy Fondazione Maxxi. 

In un tempo in cui gran parte delle nostre relazioni si svolge attraverso schermi e media digitali, l’arte relazionale ci invita a riscoprire la dimensione umana dell’incontro. Il Museo si trasforma in un luogo vivo, permeabile, dove l’arte accade e si rinnova grazie alla partecipazione di chi lo attraversa.

foto di Musacchio & Pasqualini / Musa courtesy Fondazione Maxxi. 

artisti in mostra:
Francis Alÿs, Kutluğ Ataman, Vanessa Beecroft, Monica Bonvicini, Britto Arts Trust, Angela Bulloch, Sophie Calle, Maurizio Cattelan, Lygia Clark, Braco Dimitrijević, Annika Eriksson, Alicia Framis, Liam Gillick, Dominique Gonzalez-Foerster, Felix Gonzalez-Torres, Douglas Gordon, Joseph Grigely, Jens Haaning, Carsten Höller, Pierre Huyghe, Christian Jankowski, Kimsooja, Ben Kinmont, Maria Lai, Mark Leckey, Ken Lum, Lee Mingwei, Gianni Motti, Grace Ndiritu, Hélio Oiticica, OPAVIVARÁ!, Gabriel Orozco, Philippe Parreno, Pia Rönicke & Zeynel Abidin Kızılyaprak, Cesare Pietroiusti, Premiata Ditta, Anri Sala, Julia Scher, Santiago Sierra, SUPERFLEX, Rirkrit Tiravanija, Gillian Wearing, Franz West, Elin Wikström, Ian Wilson

miart 2026

L'anno sta per finire e già arrivano le informazioni per i prossimi eventi, come dalla Fiera Milano che sta già avviando i preparativi per la trentesima edizione di miart, la fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea diretta da Nicola Ricciardi che si svolgerà alla South Wing dell’Allianz MiCo dal 17 al 19 aprile 2026 (VIP preview giovedì 16) e celebrerà questo importante traguardo valorizzando la propria storia e aprendosi a nuovi orizzonti.
 
In occasione del doppio centenario dalla nascita dei musicisti statunitensi John Coltrane (Hamlet, 1926 – Huntington, 1967) e Miles Davis (Alton, 1926 – Santa Monica, 1991), miart fa propria una delle caratteristiche intrinseche del jazz: la capacità di trasformare uno standard noto in un terreno fertile per l’innovazione. Con il titolo New Directions – omaggio al celebre album del 1963 di Coltrane, ma anche vera e propria dichiarazione d’intenti – miart 2026 abbraccia una trasformazione che coinvolge ogni aspetto della sua identità: dai contenuti curatoriali al dialogo con le gallerie, dall’immagine coordinata all’esperienza stessa del visitatore. 

Sezioni storiche e nuove prospettive: il ritmo del nuovo layout
 
All’interno della nuova sede della South Wing di Allianz MiCo – complesso espositivo pronto a essere interpretato in modo inedito, come uno spartito – si confermano le sezioni storiche Emergent ed Established, che si confrontano come due voci in dialogo tra loro. La prima, curata da Attilia Fattori Franchini è dedicata alle gallerie emergenti che credono e investono sul futuro dell’arte; la seconda, cornice per realtà consolidate che continuano a definire il presente dell’arte internazionale, proporrà progetti che spaziano dal primo Novecento fino agli orizzonti più recenti della contemporaneità.

Established si arricchisce quest’anno di una metasezione: Established Anthology presenterà i progetti espositivi che accompagneranno la trentesima edizione della fiera raccontando la complessità, le traiettorie e le trasformazioni del tempo. Attraverso l’interpretazione della dimensione temporale come esperienza vissuta, archivio di segni e orizzonte da immaginare, le opere proposte indagheranno temi come la ciclicità e la metamorfosi, l’oblio e memoria, l’attesa e l’immaginazione del futuro, giocando con i salti temporali, le stratificazioni, le inversioni della cronologia e interrogando i futuri possibili, reali o distopici. Established Anthology intende attivare un dialogo generativo tra linguaggi del moderno e pratiche del contemporaneo, promuovendo un equilibrio armonioso tra le parti che ne esalti le risonanze, in linea con lo spirito di miart, storicamente incentrata sui rimandi cronologici.

Accanto a Established Anthology, del tutto inedita sarà anche la sezione Interplay, il cui nome riprende un termine chiave del lessico jazzistico che indica la capacità di ascolto reciproco e reazione immediata tipica delle improvvisazioni. Così come nel jazz ogni musicista contribuisce alla costruzione del brano influenzando e ispirando gli altri, l’anima della sezione sarà la condivisione e l’interazione tra due gallerie che, all’interno dello stesso spazio espositivo, creeranno narrazioni coese, capaci di restituire un dialogo autentico tra artisti, linguaggi e contesti culturali differenti. Una sezione che si propone come un invito a collaborare e un palcoscenico per sperimentare. 

Il layout espositivo si articolerà su tre livelli distinti, concepiti per accompagnare i visitatori in un’esperienza di scoperta progressiva della fiera. Al piano d’ingresso troverà posto Emergent, punto di partenza ideale del percorso, che si affaccerà sul livello inferiore dedicato a Established, Interplay e alla Ruinart Champagne Lounge; il piano superiore, invece, ospiterà Established Anthology e il VIP Restaurant. L’intera disposizione, ritmata e sorprendente come un’improvvisazione jazz, valorizza ciascuna sezione e guida i visitatori in un’esperienza armoniosa e coinvolgente. 

Lo spartito visivo: il dinamismo dell’improvvisazione

Ad accompagnare miart 2026 e ad amplificarne visivamente i messaggi, lo studio Leftloft ha realizzato una campagna grafica allineandosi all’identità e alla visione della nuova edizione e interpretando il tema New Directions come una riflessione sul valore dell’improvvisazione e sull’equilibrio tra struttura e libertà, tra riconoscibile e nuovo.
 
Il campo grafico diventa così lo spartito mentre gli spazi di comunicazione, siano essi cartacei o digitali, il pentagramma vuoto che lascia spazio a una composizione visiva in continua trasformazione. Le variabili – formato, colore, titoli, testi, tipografia, immagini – sono gli strumenti di una jazz band visiva che improvvisa attorno a un leitmotiv, generando infinite variazioni sul tema. Ne nasce un linguaggio potente e sincopato, capace di esprimere il carattere evolutivo e aperto di miart. 
 
L’immagine ideata traduce così il tema New Directions in un sistema identitario dinamico e riconoscibile, che celebra la pluralità del linguaggio artistico contemporaneo e la capacità della fiera di rigenerarsi, esplorando nuove direzioni senza dimenticare le proprie origini.



Tra identità e futuro: un’apertura internazionale in dialogo con la città
 
Anche per questa edizione, miart 2026 conferma il proprio respiro internazionale, intrecciando il proprio percorso con l’energia della città di Milano e contribuendo a rendere la città stessa punto di riferimento per l’arte contemporanea. 
 
In questo contesto, si rinnova per il quarto anno consecutivo la collaborazione con ICE – Agenzia per la promozione all’estero e l’internazionalizzazione delle imprese italiane, che continua a offrire un contributo significativo allo sviluppo della dimensione internazionale della fiera. Il sostegno di ICE consente di amplificare la visibilità di miart all'estero e di favorire la partecipazione internazionale, consolidando il ruolo della manifestazione all’interno del panorama artistico globale.
 
E come nel jazz, dove il dialogo tra strumenti diversi è essenziale e ogni voce contribuisce con la propria nota a costruire un’armonia collettiva, dal 13 al 19 aprile tornerà anche Milano Art Week, la manifestazione diffusa promossa dal Comune di Milano, che coinvolgerà le principali istituzioni pubbliche e private della città, creando uno spazio di confronto sui linguaggi e le pratiche artistiche della contemporaneità. Per sette giorni, Milano ospiterà un vasto programma di eventi dedicati all’arte in tutte le sue forme, tra mostre, performance, proiezioni, workshop ed eventi speciali.


New Directions vuole essere un invito a lasciarsi attraversare da linguaggi che si rinnovano, da artisti che osano, da gallerie che scommettono, da un pubblico che ascolta. Così come si ascolta il jazz: con rispetto, con stupore, con desiderio.
 
È questa la vocazione di miart 2026: come in un brano in cui ogni nota dialoga con la successiva, la manifestazione conferma con orgoglio le proprie radici reinterpretando la sua identità per raccontare il presente e immaginare nuove prospettive per il futuro.

Wang Shu e Lu Wenyu per la prossima Biennale di Architettura 2025

 

Mentre con un successo di visitatori si conclude questa edizione della Biennale di Architettura sono stati annunciati i prossimi curatori che sono  Wang Shu e Lu Wenyu.

  

 Biennale Architettura 2027

Il Cda della Biennale di Venezia, su proposta del Presidente Pietrangelo Buttafuoco, ha deliberato la nomina di Wang Shu e Lu Wenyu come Direttori artistici del Settore Architettura, con lo specifico incarico di curare la 20. Mostra Internazionale di Architettura che si svolgerà nel 2027, da sabato 8 maggio a domenica 21 novembre (pre-apertura 6 – 7 maggio).

Wang Shu e Lu Wenyu

Architetti e docenti, Wang Shu e Lu Wenyu hanno fondato nel 1997 Amateur Architecture Studio. Nel 2003 hanno istituito il Dipartimento di Architettura presso la China Academy of Art e nel 2007 hanno fondato la Scuola di Architettura, di cui Wang Shu è stato il primo preside e Lu Wenyu direttrice del Centro per la Costruzione Sostenibile. Hanno partecipato al Padiglione Cina alla Biennale Architettura 2006, e sono stati invitati a partecipare alla Biennale Architettura 2010 da Kazuyo Sejima (dove ricevono la Menzione Speciale con il progetto “Decay of a Dome”) e alla Biennale Architettura 2016 da Alejandro Aravena.

Adottano un approccio architettonico incentrato sul riuso dei materiali esistenti, sulle tracce lasciate dalla vita quotidiana delle persone comuni, sulla vitalità delle strutture anonime e sul valore dei processi costruttivi artigianali. Promuovono una sperimentazione radicale, profondamente legata al contesto locale e alla tradizione vernacolare. Lo studio fonde memoria e innovazione attraverso l’uso di materiali riciclati provenienti da edifici storici e l’impiego di tecniche ingegneristiche contemporanee, offrendo un’alternativa concreta allo sviluppo urbano attuale, dominato da demolizioni e interventi edilizi su larga scala. La loro visione mantiene una prospettiva globale, proponendo un linguaggio architettonico capace di superare il conflitto culturale tra città e campagna, e la dicotomia tra artificiale e naturale.

Tra i loro progetti più noti: il Museo Storico di Ningbo, il Campus di Xiangshan della China Academy of Art (selezionato nel 2021 dal New York Times tra le “25 opere più significative dell’architettura del dopoguerra”), il Tiles Hill a Hangzhou, la Riqualificazione del Villaggio di Wencun, il Complesso Culturale di Fuyang, l’Archivio Nazionale delle Pubblicazioni e della Cultura di Hangzhou, la Conservazione e il Restauro della Via Imperiale della Dinastia Song del Sud, il Museo Storico di Lin’an, il Museo degli Animali Antichi di Baoding, l’Accademia Tradizionale Cinese Jin Sha a Xiamen, la Opera House e la Concert Hall di Xi’an.

Le loro opere sono state esposte in prestigiose istituzioni internazionali, tra cui il MoMA di New York e il Centre Pompidou di Parigi. Mostre personali sono state dedicate loro al Louisiana Museum of Modern Art, al Centre d’architecture Arc en rêve di Bordeaux e al BOZAR – Centre for Fine Arts di Bruxelles. Nel 2019 hanno ricevuto la Gold Medal del Tau Sigma Delta Honor Society.

Wang Shu ha ricevuto nel 2012 il Pritzker Architecture Prize, il più prestigioso riconoscimento internazionale nel campo dell’architettura ed è Membro dell’Académie d’Architecture di Francia dal 2023.

Dichiarazioni

Il Presidente della Biennale Pietrangelo Buttafuoco ha dichiarato:

«Con grande soddisfazione annunciamo la nomina di Wang Shu e Lu Wenyu quali Direttori Artistici del Settore Architettura. La loro visione, profondamente radicata nella memoria dei luoghi e nella sapienza dei processi costruttivi, rappresenta oggi una voce indispensabile nel dibattito internazionale sull’architettura e sul senso dell’abitare i luoghi del mondo. In loro, La Biennale di Venezia riconosce due protagonisti capaci di coniugare responsabilità culturale e genio sperimentale, offrendo un contributo di straordinaria qualità in un momento storico che richiede conoscenza, misura, immaginazione. La loro guida saprà ispirare una riflessione ampia e necessaria, proiettando la Biennale Architettura 2027 verso nuove prospettive e nuovi modi di comprendere il nostro rapporto con lo spazio, la memoria e la comunità pensante. A Wang Shu e Lu Wenyu va la nostra più sincera gratitudine per aver accettato questo incarico e il nostro più convinto augurio di buon lavoro».

Wang Shu e Lu Wenyu hanno commentato: «Siamo molto onorati di essere stati nominati Direttori Artistici del Settore Architettura e Curatori della 20. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia 2027, su invito del Presidente Pietrangelo Buttafuoco. Ringraziamo il Consiglio di Amministrazione della Biennale di Venezia per la fiducia riposta in noi. Faremo del nostro meglio per affrontare questa grande sfida. Oggi i rapidi e molteplici cambiamenti nell’architettura appaiono soprattutto come un fenomeno di superficie, frutto di un’eccessiva concettualizzazione o di una marcata commercializzazione. L’esuberanza delle sperimentazioni concettuali risulta spesso distante dalla realtà, mentre la spinta commerciale tende a generare esiti effimeri e puramente popolari. Questo fenomeno, che muta velocemente per poter sopravvivere rompendo il legame con i luoghi reali, rischia di condurre alla morte stessa dell’architettura, riducendola a una sorta di illusoria proiezione del futuro.

In un contesto segnato da crisi concrete e urgenti, adottare un approccio semplice e autentico assume dunque un valore particolare. Il nostro impegno sarà quello di esprimere con la massima sincerità questo valore e questa ricerca, contribuendo a una realtà — e a un futuro — migliori.

Ancora una volta desideriamo esprimere il nostro sentito ringraziamento al Presidente Pietrangelo Buttafuoco e alla Biennale di Venezia tutta».

Note biografiche

Wang Shu (Cina)

Wang Shu è il vincitore del Premio Pritzker per l’Architettura 2012 e Membro dell’Académie d’Architecture di Francia dal 2023. Architetto e docente, ha cofondato nel 1997, insieme a Lu Wenyu, lo studio Amateur Architecture Studio. Nel 2003 hanno fondato il Dipartimento di Architettura presso la China Academy of Art e nel 2007 hanno istituito la Scuola di Architettura, di cui Wang Shu è stato il primo preside.

Con Lu Wenyu porta avanti un approccio architettonico incentrato sul riuso dei materiali esistenti, sulle tracce lasciate dalla vita quotidiana delle persone comuni, sulla vitalità delle strutture anonime e sul valore del processo costruttivo artigianale. Lo studio promuove una sperimentazione architettonica radicale, profondamente legata al contesto locale e alla tradizione vernacolare. Combinando materiali riciclati provenienti da edifici storici con tecniche ingegneristiche contemporanee — fondendo memoria e innovazione — Wang Shu e Lu Wenyu offrono una risposta potente alla realtà sociale dello sviluppo urbano caratterizzato da demolizioni e costruzioni su larga scala.

La loro visione mantiene una prospettiva globale, proponendo un linguaggio architettonico capace di superare il conflitto culturale tra città e campagna, e di oltrepassare la dicotomia tra artificiale e naturale. Questo approccio si riflette in diverse opere, tra le quali: Museo Storico di Ningbo, Campus di Xiangshan della China Academy of Art, Tiles Hill a Hangzhou, Riqualificazione del Villaggio di Wencun, Complesso Culturale di Fuyang, Archivio Nazionale delle Pubblicazioni e della Cultura di Hangzhou, Conservazione e Restauro della Via Imperiale della Dinastia Song del Sud, Museo Storico di Lin’an, Museo degli Animali Antichi di Baoding, Accademia Tradizionale Cinese Jin Sha a Xiamen, Opera House e Concert Hall di Xi’an.

Le loro opere sono state esposte in prestigiose istituzioni internazionali, tra cui La Biennale di Venezia, il MoMA di New York e il Centre Pompidou di Parigi. Mostre personali sono state dedicate loro al Louisiana Museum of Modern Art, al Centre d’architecture Arc en rêve di Bordeaux e al BOZAR – Centre for Fine Arts di Bruxelles.

Il progetto del Campus di Xiangshan è stato selezionato dal New York Times nel 2021 tra le “25 opere più significative dell’architettura del dopoguerra” a livello mondiale.

Wang Shu è stato Kenzo Tange Visiting Professor alla Harvard Graduate School of Design nel 2011 e ha ricoperto incarichi di docente ospite presso MIT, UCL, Rice University, University of Hong Kong e Tongji University. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti accademici, tra cui una professorship onoraria presso la Southeast University, una fellowship onoraria del RIBA (Royal Institute of British Architects) e lauree honoris causa dal Rhode Island School of Design e dalla Chinese University of Hong Kong (in Sociologia).

Nel 2011 è stato insignito della Medaglia d’Oro dell’Académie d’Architecture di Francia, e nel 2013 è stato incluso da TIME tra le 100 persone più influenti al mondo. Nel 2019 ha ricevuto la Gold Medal del Tau Sigma Delta Honor Society. Dal 2018 al 2024 ha fatto parte della giuria del Premio Pritzker per l’Architettura.

 

Lu Wenyu (Cina)

Lu Wenyu è architetto e insieme a Wang Shu ha cofondato nel 1997 lo studio Amateur Architecture Studio. Nel 2003 hanno istituito il Dipartimento di Architettura presso la China Academy of Art, dando avvio a un nuovo corso di studi che ha profondamente influenzato la didattica dell’architettura in Cina.

Lu è membro dell’Académie d’Architecture di Francia dal 2023 e ha ricoperto il ruolo di visiting professor presso la Harvard Graduate School of Design, il Massachusetts Institute of Technology (MIT), la University College London (UCL) e la Rice University.

Insieme a Wang Shu porta avanti una ricerca architettonica che si concentra sull’uso dei materiali esistenti, sulle tracce della vita quotidiana delle persone comuni, sulla vitalità delle strutture anonime e sull’importanza del processo artigianale nei cantieri. Lo studio promuove una sperimentazione architettonica radicale, radicata nel contesto locale e nella tradizione vernacolare. Combinando materiali recuperati da edifici storici con tecniche ingegneristiche moderne — e fondendo memoria e innovazione — Wang Shu e Lu Wenyu offrono una risposta significativa alla realtà dello sviluppo urbano contemporaneo, caratterizzato da grandi demolizioni e ricostruzioni. La loro visione mantiene una prospettiva globale, traducendo nelle opere un linguaggio innovativo che supera il conflitto culturale tra città e campagna, e oltrepassa la distinzione tra artificiale e naturale.

Tra i loro progetti più noti figurano: Museo Storico di Ningbo, Campus di Xiangshan della China Academy of Art, Tiles Hill a Hangzhou, Riqualificazione del Villaggio di Wencun, Complesso Culturale di Fuyang, Archivio Nazionale delle Pubblicazioni e della Cultura di Hangzhou, Restauro della Via Imperiale della Dinastia Song del Sud, Museo Storico di Lin’an, Museo degli Animali Antichi di Baoding, Accademia Tradizionale Cinese Jin Sha a Xiamen, Opera House e Concert Hall di Xi’an.

Le loro opere sono state esposte in sedi internazionali di grande prestigio come La Biennale di Venezia, il MoMA di New York e il Centre Pompidou di Parigi, oltre a mostre personali al Louisiana Museum of Modern Art, al Centre d’architecture Arc en rêve di Bordeaux e al BOZAR – Centre for Fine Arts di Bruxelles. Il progetto del Campus di Xiangshan è stato selezionato dal New York Times nel 2021 tra le “25 opere più significative dell’architettura del dopoguerra” a livello mondiale.

Lu Wenyu ha ricevuto il Schelling Architecture Prize in Germania, una Menzione Speciale alla Biennale Architettura nel 2010 per il progetto “Decay of a Dome”, ed è stata inserita tra i Fellow del RIBA nel 2015. Nel 2019 ha ricevuto la Gold Medal del Tau Sigma Delta Honor Society. È stata membro della giuria dei Premi UNESCO Asia-Pacific per la Conservazione del Patrimonio Culturale e Presidente della Giuria del RIBA International Prize 2024.

Come forma di doppia riflessione — resistenza critica alla realtà e sfida verso il futuro — Lu Wenyu e Wang Shu hanno fondato nel 2003 il nuovo Dipartimento di Architettura della China Academy of Art di Hangzhou, introducendo un modello educativo innovativo basato sulla comprensione dei materiali, sul lavoro manuale e sullo studio dei giardini cinesi. Nel 2007 questo percorso ha portato alla nascita della Scuola di Architettura, di cui Wang Shu è il preside fondatore e Lu Wenyu è direttrice del Centro per la Costruzione Sostenibile.