Trasforma le ore del tuo tempo

Lina Lapelytė. We Make Years Out of Hours, vista della mostra Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlino, 2026 © Lina Lapelytė. VG Bild-Kunst, Bonn 2026. Foto: Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie / Laura Fiorio 

Mi ha colpito molto l'installazione performativa di Lina Lapelytė, We Make Years Out of Hours, press la Sala Storica dell'Hamburger Bahnhof in uno spazio per l'azione collettiva e canti, nell'ambito della seconda Commissione CHANEL. L'installazione trascende i confini tra scultura e performance, tra individuo e collettività: 400.000 cubi di legno si distribuiscono sul pavimento, si impilano formando pile e si connettono a formare strutture architettoniche e poi colline. I blocchi passano tra le mani di performer e visitatori, rimodellando continuamente il paesaggio ligneo. We Make Years Out of Hours  è un monumento vivente al tempo, alla cura e alla convivenza. Coinvolgendo attivamente il pubblico, il formato partecipativo enfatizza il concetto di museo aperto, tema del 30° anniversario dell'Hamburger Bahnhof.

La storica sala dell'Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart si trasforma in un paesaggio mutevole composto da 400.000 cubi di legno. Dodici artisti e visitatori costruiscono strutture temporanee accompagnati dal suono. Voci riempiono lo spazio con canti. I testi sono basati su poesie di 15 autori internazionali, dagli inizi del XX secolo a oggi. Tra questi figurano il poeta Khalil Gibran (1883–1931), la scrittrice e pittrice Etel Adnan (1925–2021), il poeta e regista Forugh Farrochzad (1935–1967), la poetessa Layla Sarahat Rushani (1952/4–2004), il poeta Mahmud Darwisch (1941–2008), il paroliere Ocean Vuong (nato nel 1988), il poeta Ilya Kaminski (nato nel 1977) e la poetessa e scrittrice Arundhathi Subramaniam (nata nel 1973). Brevi versi su comunità, formazione, amore, perdita e speranza costituiscono il libretto dell'opera.

Lina Lapelytė. We Make Years Out of Hours, vista della mostra Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlino, 2026 © Lina Lapelytė. VG Bild-Kunst, Bonn 2026. Foto: Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie / Laura Fiorio 

Come lo spazio espositivo stesso, anche l'opera diventa un luogo di costante cambiamento. I cubi di 10 x 10 x 10 cm, realizzati in abete e pino, passano tra le mani di performer e visitatori. Le strutture emergono e scompaiono. Ogni nuova forma richiede che un'altra ceda il passo. L'opera solleva interrogativi su cosa rimane e cosa scompare. Chiede inoltre chi decide cosa viene costruito e cosa deve essere rimosso, e le cui vite portano il peso di questi cambiamenti. Il titolo "Facciamo anni dalle ore" descrive l'importanza della parte per il tutto: le ore diventano anni, gli individui diventano una comunità.

I 400.000 cubi di legno utilizzati nell'installazione e nella performance diventeranno parte di un'opera d'arte pubblica a Eisenhüttenstadt nel 2027 come parte del progetto di Lina Lapelytė per Die Neuen Auftraggeber. Gli spettacoli si terranno durante il periodo della mostra, il martedì, il giovedì, il sabato e la domenica dalle 14:00 alle 17:00.

L'artista Lina Lapelytė
Lina Lapelytė (nata nel 1984 a Kaunas, Lituania) è un'artista e compositrice la cui pratica affonda le radici nella performance. Lavorando tra Vilnius e Londra, collabora con performer professionisti e non professionisti per creare atti collettivi di canto che mettono in discussione i sistemi di silenziamento e invitano alla vulnerabilità. Le sue opere sono state presentate, tra gli altri, al Festival d'Automne/Bourse de Commerce (Parigi), al BAM, al MOCA e alla Biennale di Venezia. È nota soprattutto per l'opera Sun & Sea (con Vaiva Grainytė e Rugilė Barzdžiukaitė), vincitrice del Leone d'Oro alla Biennale di Venezia del 2019.

Lina Lapelytė. We Make Years Out of Hours, vista della mostra Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlino, 2026 © Lina Lapelytė. VG Bild-Kunst, Bonn 2026. Foto: Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie / Laura Fiorio 

Ideazione, musica e regia: Lina Lapelytė
Composizione della colonna sonora: Lina Lapelytė con Daniel Bürkner
Registrazioni sul campo: Peter Cusack
Ingegneria del suono e diffusione: Thorsten Hoppe
Coreografia: Alice Chauchat
Drammaturgia e collaborazione artistica: Cian McConn, Florine Lindner
Cantanti: Nérika Amaral, Daniel Belasco Rogers, Josephine Brinkmann, Mustafa Çiçek, Afran, Ruby Haffar, Talin Hajintsi, Cat Jones, Camilla Therese Karlsen, Toto Knoblauch, Paula Kramer, Ligia Liberatori, Niusha Nasim, Lisa Newill-Smith, Ruben Nsue, Cian McConn, Tom Oldham, Mata Sakka, Sandra Sarala, Doris Schließer, Luca Schüssler, Shao Shin Frieda Luk, Yuri Shimaoka, Maria Vanieieva, Michael Wenzlaff, Barbara Wiebking
Costumi: Muku
Partitura musicale: Thomas Oldham

Variantology, Agnieszka Kurant da Lia Rumma

 

Gli spazi napoletani della Galleria Lia Rumma ospitano Variantology, la prima mostra personale di Agnieszka Kurant con la galleria, in programma fino al 23 Maggio 2026. La mostra riunisce una selezione di opere nuove e recenti.

La pratica multidisciplinare di Kurant esplora le intelligenze collettive e non umane, il futuro del lavoro e della creatività, e le forme di sfruttamento insite nel capitalismo digitale. Attingendo a filosofia, antropologia, tecnologia e scienza, il suo lavoro si concentra sull’emergere e l’evoluzione di forme modellate da un’agenzia collettiva, che si tratti di termitai, minerali, linguaggi, segni, strumenti, valute o movimenti sociali. In collaborazione con scienziati, l’artista costruisce sistemi complessi, reti e ambienti in cui molteplici agenti—molecole, batteri, animali, algoritmi di intelligenza artificiale o folle umane—interagiscono generando forme ibride e instabili, in continua metamorfosi, come organismi viventi. Oscillando tra biologico, digitale e geologico, naturale e artificiale, vita e non-vita, passato profondo e futuro remoto, le sue opere indagano la soggettività plurale, l’evoluzione dei sistemi viventi, la cultura e la tecnologia, le trasformazioni dell’umano, l’automazione e la cibernetica.

Le opere di Kurant, basate sulla ricerca, si nutrono dei processi di creazione di valore in rete dell’economia digitale e indagano l’autorialità collettiva e il sistema globale di sfruttamento del lavoro incorporato nell’intelligenza artificiale. Le forme ibride che l’artista produce spesso contrastano le previsioni algoritmiche con processi non calcolabili e imprevedibili. I suoi assemblaggi e amalgamazioni—cresciuti, evoluti, cristallizzati o modellati a livello molecolare—emergono dalle mutazioni della materia nell’Antropocene e riflettono mutamenti della soggettività collettiva influenzati dalla tecnologia. Questi esperimenti speculativi propongono idee su come la vita umana e non umana potrebbe evolvere.

Il titolo della mostra, Variantology, si ispira al concetto di ricerca interdisciplinare introdotto dall’archeologo dei media Siegfried Zielinski, che mette in discussione il progresso tecnologico lineare ed esplora variazioni e alternative alle narrazioni dominanti nella storia della tecnologia e dei media. L’approccio variantologico indaga le relazioni del “deep time” (tempo profondo), osservando come arti, scienze e tecnologie abbiano evoluto insieme, spesso in modi inaspettati, in diverse culture della conoscenza, dall’antichità all’epoca moderna. Unendo un possibile passato a un possibile futuro, mira a comprendere come queste variazioni abbiano modellato il nostro mondo e a sfidare l’idea di un unico percorso corretto di sviluppo. Il ruolo particolarmente significativo di Napoli nella storia dell’alchimia e della tecnologia riveste un’importanza centrale nell’approccio variantologico. Nell’interpretazione di Kurant, le previsioni sul futuro prodotte oggi dalla tecnologia sono intrecciate in una relazione ricorsiva con il mondo, influenzando presente e futuro, indipendentemente dal fatto che si avverino o meno.

Materia di memorie

 

La sala del Quartz Studio ospita un siparo centrale, presagio di una messa scena, di un tempo che inizia e che finisce, allora memorie, ricordi affiorano. 

L'artista Anna Orlowska ci offre le sue, in una chiave fra l'installazione e la fotografia, realizzando un racconto di emozioni e dubbi, materia dello spirito e del cuore. 

Domenico Gnoli a New York

Le opere di Domenico Gnoli arrivano a New York negli spazi della galleria Lévy Gorvy Dayan. Si tratta della più grande mostra di opere dell'artista negli Stati Uniti da oltre cinquant'anni, a seguito della sua celebre personale del 1969 alla Sidney Janis Gallery di New York. Attraverso dipinti, disegni, incisioni, quaderni e lettere, la retrospettiva rappresenta un'importante continuazione dell'eredità di Gnoli in America, dopo la grande retrospettiva a lui dedicata nel 2021-22 alla Fondazione Prada di Milano. Siamo orgogliosi di organizzare questa mostra in collaborazione con la vedova di Gnoli, Yannick Vu, e gli eredi dell'artista, nonché di presentare opere della sorella dell'artista, Mimì Gnoli, e di importanti collezioni private.

Nella sua breve ma prolifica vita, Domenico Gnoli (1933-1970) si affermò come maestro della percezione, creando un corpus di dipinti senza pari per composizione e meticolosa cura dei dettagli. Nato a Roma, iniziò la sua carriera come illustratore e scenografo e costumista, lavorando e viaggiando in tutto il mondo, fino a raggiungere la maturità artistica come pittore nel 1964. I suoi ultimi dipinti ritraggono oggetti di uso quotidiano – tra cui abiti, capelli, letti e divani – ingranditi, frammentati e sospesi. Le tele sono al contempo affascinanti e inquietanti, rivelando segreti della vita contemporanea finora inesplorati.

L'oro di Ersel

Fino al 22 maggio 2026 lo Spazio Ersel di Torino ospita la mostra "The Golden Hour | L’oro nell'arte dal figurativo all’astratto". La mostra sarà poi visionabile anche a Milano dal 5 giugno al 10 luglio 2026. L'esposizione ospita 60 articolate opere accomunate da uno stesso segno e da uno stesso materiale: l’oro.

In ogni epoca l’oro ha trovato una valenza: solenne e devozionale, negli antichi fondi oro è simbolo di eternità; nel contemporaneo acquista una valenza più concettuale e diviene simbolo di preziosità ed opulenza. 

Questa mostra trasversale parte dalla pittura antica e arriva all’arte povera. Si alternano opere realizzate in epoche diverse, dai preziosi lavori su tavola di Sano di Pietro e Zanetto Bugatto, ai monocromi astratti di Armando Marrocco; dalla stravaganza di Luigi Ontani alla leggerezza di Pier Paolo Calzolari, dal paradosso surrealista di Man Ray a quello contemporaneo di Francesco Vezzoli.

La mostra, ad ingresso libero, è aperta al pubblico torinese e milanese tutti i giorni dal lunedì al venerdì dalle 10:00 alle 17:00.

Bussola di luce

 La  Chambres d’Art della galleria Tucci Russo, in via Davide Bertolotti 2 a Torino.  propone i delicati lavori di è lieta di Linda Carrara .

Prendendo spunto dalla frase di J.W.von Goethe "Wo viel Licht ist, ist starker Schatten” (Dove c’è molta luce, ci sono anche ombre intense) l'artista ha elaborato una serie di lavori ambientali al luogo, stratificando la materia primordiale in una chiave luminosa. 

New York art center

E dopo la Biennale di Venezia è New York a raccogliere il mondano popolo dell'arte contemporanea con una serie di eventi fieristici ma non solo. 

Si inizia con Frieze New York, dal 13 al 17 maggio, presso lo The Shed, poi si avvia Independent, dal 14 al 17 maggio al Pier 36, per proseguire poi col TEFAF New York, dal 15 al 19 maggio, negli spazi del Park Avenue Armory. 

Ma ci sono anche le case d'asta Bonhams, Christie’s, Phillips e Sotheby’s ed eventi più sperimentali come il NADA. Il musei poi hanno mostre di grande prestigio come il Met con Raffaello o il Whitney con la Bienniale 2026.

Via una decina di giorni ricchi di proposte e offerte. 

Corporate Porn da Moitre

 Il collettivo di arte sociale DMAV (Dalla maschera al volto) arriva a Torino con "Corporate Porn. Fenomenologia dell’oscenità organizzativa e tensioni di resistenza" presso la galleria Moitre.

Si tratta di un progetto creativo che attraverso una mostra e una serie di performance, indaga le derive del linguaggio organizzativo contemporaneo e le sue implicazioni sociali, politiche ed emotive tramite linguaggi visivi, performativi e sonori.

Fra video, grafica e sculture si attraversano i linguaggi della comunicazione contemporanea con ironia, giocando con le diverse riflessioni/pensieri che attraverso un lavoro di lettering conquista  per la sua gradevolezza. 

La mostra sarà fruibile fino al 30 giugno 2026, mentre proseguiranno gli interventi performativi.

Una budda a New York

 

A New York sulla High Line allo Spur, fra la 30th St. e la 10th Ave. è stata installata la scultura di Tuan Andrew Nguyen "La luce che brilla attraverso l’Universo" e sarà visibile fino a fine autunno 2027.

Per il quinto High Line Plinth, Tuan Andrew Nguyen presenta The Light That Shines Through the Universe, un monumento alla perdita culturale e allo spirito duraturo. Questa imponente scultura di arenaria di 27 piedi rende omaggio ai Buddha Bamiyan, due statue colossali del VI secolo nell'Afghanistan centrale che sono state tragicamente distrutte dai talebani nel 2001 in un atto di iconoclastia. Ora patrimonio mondiale dell'UNESCO, tutto ciò che rimane sono due nicchie vuote scavate dalla montagna dove un tempo sorgevano le statue. Prima della loro distruzione, i Buddha Bamiyan avevano un profondo significato culturale in una regione che ospitava varie religioni tra cui lo zoroastrismo, il buddismo, l'induismo, anche se l'Afghanistan si è spostato principalmente sull'Islam tra il VII e il X secolo CE. Le due statue monumentali rappresentavano una miscela di culture e l'impatto duraturo dell'economia della Via della Seta, poiché la valle fungeva da punto di incontro influente in Asia centrale, all'incrocio tra rotte commerciali da Cina, India e Persia.

Il titolo dell’opera fa riferimento direttamente all’affettuoso soprannome che le comunità locali hanno usato per il Buddha più grande: “Salsal”, che si traduce in “la luce brilla attraverso l’universo”. La commissione Plinth di Nguyen non è una replica esatta di Salsal, ma piuttosto un’eco, destinata a invocare la memoria di questi tesori culturali perduti. In questo nuovo contesto, il nome sottolinea poeticamente come le statue originali hanno trasceso la loro distruzione fisica per diventare un simbolo costante di vita, guarigione e pace.

La reincarnazione è un motivo ricorrente nel lavoro di Nguyen, presentato come un’idea spirituale e una potente metafora politica. Inerente al modello circolare della reincarnazione è il potenziale che tutti noi potremmo essere interconnessi attraverso vite passate o future. Attraverso questo concetto, l’artista esplora come le ingiustizie del passato persistono e si manifestino nella vita contemporanea, offrendo anche spazio speculativo per immaginare il futuro per le persone, i luoghi o le cose che sono state distrutte o per sempre cambiate dal conflitto. Offuscando i confini tra documentario e fiction, e passato e futuro, Nguyen offre la reincarnazione come quadro per rivisitare la storia e i suoi numerosi affluenti.

L’uso del materiale di Nguyen parla in modo simile a temi di perdita e reincarnazione. In particolare, l’artista guarda all’eredità della guerra del Vietnam (1955 – 1975) e alla continua violenza e trauma che hanno un impatto sulle comunità locali fino ad oggi. Ampiamente considerato il più grande bombardamento aereo della storia umana, la guerra del Vietnam ha lasciato il paese disseminato di bombe, ordigni inesplosi (UXO) - bombe, granate e proiettili di artiglieria che non sono riusciti a far esplodere. Nguyen prende questi simboli di violenza, carichi di storia, li fonde e li rimodella in espressioni di guarigione, resilienza e speranza. Per La luce che brilla attraverso l’Universo, l’artista continua questa forma di alchimia reinventando le mani dei Buddha, perse dopo secoli di tentativi di attacchi iconoclasti, molto prima che le statue fossero completamente distrutte. Fuse dai bossoli in ottone per fare dei mudra, o gesti rituali che significano "senza paura" e "compassione", le mani scintillanti diventano simboli di guarigione ed empatia. Questa aggiunta simile alla protesi richiama anche la perdita degli arti e la continua crisi umanitaria attuata da mine terrestri persistenti e UXO in Vietnam. Lasciando un notevole divario tra le protesi e il corpo, Nguyen suggerisce poeticamente che mentre alcuni danni possono essere irreparabili, c'è ancora speranza e potenziale per guarire la terra, lo spirito e le persone che hanno sperimentato una distruzione tremenda.

"La Luce che brilla attraverso l’Universo" affronta la necessità del ricordo e dell’arte come controforze all’estremismo politico e al nichilismo. Nguyen propone una potente critica dell'iconoclasmo e la cancellazione di diverse identità culturali come arma di guerra e controllo politico. Oggi, mentre continuiamo a lottare con una spinta verso le comunità polarizzanti e la soppressione delle storie dissenzienti, La luce che brilla attraverso l'universo è particolarmente struggente. Torreggiando sulla 10th Avenue, questa figura resuscitata e reimmaginata serve come potente promemoria che la memoria e la nostra umanità condivisa sono il miglior antidoto contro coloro che cercano di rompere e disperdere lo spirito umano.

La pratica artistica di Tuan Andrew Nguyen è radicata nella memoria, nella storia e nell’impatto duraturo del conflitto e della violenza, in particolare nel suo nativo Vietnam. Nelle sue sculture e video, Nguyen presenta narrazioni emarginate o dimenticate, dando voce a coloro le cui esperienze sono state trascurate. Lacuna, o spazio vuoto, è una linea completa profonda, che si tratti di spazi vuoti lasciati nel paesaggio, nei corpi, nei ricordi o in una cultura, a causa della distruzione che deriva dalla guerra, dalla colonizzazione e dalla catastrofe ambientale. Il lavoro risultante serve come piattaforma per il dialogo e la potenziale riparazione, esaminando il residuo spirituale, culturale e fisico lasciato dalla guerra.

Raffaello al MET

 

Se non puoi andare a vedere la stupenda mostra su "Raffaello" al MET, eccoti un bel video per scoprirla.