Più bianco del bianco

La galleria di Bologna P420 propone il progetto Più bianco del bianco , la seconda mostra personale di Francis Offman (Butare, Ruanda, 1987 – vive e lavora a Bologna) negli spazi della galleria. 

Una mostra inizia quasi sempre con un accordo implicito, come spiega lo stesso artista, con il pubblico che osserva e con lo spazio che garantisce la presenza di qualcosa da riconoscere. In Più bianco del bianco Offman ha scelto di sospendere tale garanzia. Non per negare l'opera, ma per vedere cosa succede quando l'opera non si presenta immediatamente. 

Fin dall'inizio, la ricerca di Offman ha intrecciato ricordi personali, storia coloniale e narrazioni collettive con la sua personale ricerca di identità attraverso una pratica prevalentemente pittorica che sfida le gerarchie tradizionali tra sostegno e surplus, materiali e scarti. Sulle sue tele, rigorosamente senza telaio, l'artista combina campi di colore con frammenti di carta e tessuti di recupero, gesso di Bologna – un chiaro riferimento al territorio che lo ha accolto – e fondi di caffè, elemento che funge da traccia e testimonianza della sua storia personale. 

Nelle opere più recenti, realizzate appositamente per questa mostra, si aggiungono oggetti di uso quotidiano, come le zanzariere, viste come un filtro permeabile che setaccia la sostanza marginale pur consentendo il passaggio dell'aria: un'immagine materiale e concreta del concetto di confine. Inoltre, la recente sperimentazione di Offman con le trame jacquard implica una costante esplorazione di motivi e stratificazioni. Attraverso questo processo, campioni di lavoro e frammenti tessili vengono recuperati e trasformati in basi strutturali originali per le sue composizioni.

In netto contrasto con tale densità visiva e materiale, il progetto per P420 opta invece per la via della sottrazione: la consueta tangibilità della sua opera si ritira dalla piena visibilità, e il caffè – privato della sua forma oggettiva – si diffonde negli ambienti come puro aroma, fungendo da catalizzatore per un dialogo inaspettato tra i visitatori.

La mostra non offre garanzie né istruzioni per l'uso.

Più bianco del bianco non chiede al pubblico di trovare una risposta corretta, ma invita gli spettatori a riconoscere le proprie aspettative, a soffermarsi sul dubbio e a decidere autonomamente quanto avvicinarsi, a guardare oltre la prima impressione. Alzare la mano, toccare, spostarsi e decidere di fare quel passo avanti, diventa un'assunzione di responsabilità.

Sul fondo dello spazio espositivo, grandi tele di lino dipinte con diverse tonalità di bianco si fondono visivamente con le pareti. La loro tonalità bianca,

lungi dall'essere pura o innocente, è concepita come una soglia che mantiene minime differenze, tempi e stratificazioni. Il titolo della mostra fa riferimento e modifica il celebre motto della Tyrell Corporation nel film Blade Runner, "Più umano dell'umano". Offman trasferisce questo paradosso sulla superficie dipinta, interrogandosi su chi stabilisca la misura della purezza, della neutralità e del confine.

Un arco gigante

L'avevo visto la prima volta a Venezia alcuni decenni fa con una sua piccola installazione, ma ora Jacob Hashimoto crea installazioni affascinanti e molto più complesse attraverso la ripetizione e la composizione che l'hanno reso famoso. Ogni opera è composta da migliaia di aquiloni realizzati a mano in bambù e carta giapponese, sospesi insieme in assemblaggi complessi che sembrano fluttuare nell'aria. 

Unendo scultura, design e ambiente, questi aquiloni formano gruppi, alcuni lisci o a tinta unita, altri stratificati con grafiche colorate realizzate con la tecnica del collage. Al SFMOMA, Hashimoto creerà l'opera più grande della sua carriera, mescolando quasi 75.000 elementi in una coltre di nuvole che ricoprirà la Roberts Family Gallery dal pavimento al soffitto e da parete a parete.

Palazzetto Marcello a Venezia

A Venezia ha aperto Palazzetto Marcello, una nuova realtà culturale che apre con una mostra di Luca Bertolo, curata da Elena Volpato, dal titolo "L’inizio ci assale".

Un progetto che nasce come luogo di incontro tra arte, patrimonio e ricerca. Attraverso la collezione permanente, le mostre temporanee e le attività culturali, si propone come uno spazio di dialogo e di confronto, capace di offrire nuove prospettive ed interpretazioni.

L’architettura di Palazzetto Marcello è parte integrante della sua identità. Situato nel sestiere di Castello, il palazzo tardogotico custodisce le tracce di secoli di trasformazioni. Il progetto di restauro ne valorizza le stratificazioni storiche, ricercando un equilibrio tra conservazione e rinnovamento. Attraversando le sue stanze, si scopre una convivenza di epoche, materiali e linguaggi diversi, in cui ciò che permane incontra ciò che si trasforma. È proprio questa tensione, mai definitiva, che rende il palazzo uno spazio aperto al presente e alle sue evoluzioni.

CS
L’inizio ci assale, titolo di questa prima esposizione ospitata a Palazzetto Marcello, sono parole tratte da un verso di Milo De Angelis con le quali Bertolo, già in passato, aveva intitolato alcuni suoi dipinti: tele, intonse o preparate, che accolgono qualche elemento o qualche sparuta traccia della volontà dell’artista di dare inizio a un’opera.

È convinzione comune che gli innumerevoli inizi di cui si compone una vita, così come i molti inizi nel percorso di un artista, siano perlopiù piccoli o grandi atti di volontà, piccole o grandi scelte coraggiose o conservative. Si è soliti dire che bisogna affrontare la tela bianca, così come diciamo che si affronta la pagina bianca. Le parole di De Angelis rovesciano l’assunto: ad agire è l’inizio e noi siamo la sua tela.

Tutte le opere selezionate e realizzate per questa mostra sono rappresentazioni dell’inizio o dell’ambiguo rapporto che congiunge la dimensione dell’inizio con quella della fine. L’evocazione di alcuni caratteri “tribali”, in particolar modo nella serie dei Bastoni, presentata per la prima volta estesamente, è un ulteriore modo di riflettere sulla catena di inizi e fini della nostra cultura tardo moderna e di come l’arte degli ultimi anni abbia la possibilità di smarcarsi dalla superficialità degli attuali tribalismi politici e dalle banalizzazioni estetiche delle culture metropolitane.

abracadabra

Nelle sue sculture, installazioni, performance, disegni e testi, l'artista di Glasgow Caspar Heinemann (nato nel 1994 a Londra) trasforma linguaggio, narrazioni e frammenti storici in forme materiali e spaziali. Spesso combina storie queer e controculturali con riferimenti ad un'arte non convenzionale, ad architetture non realizzate secondo progetti professionali, nonché a tradizioni spirituali e letterarie che custodiscono narrazioni e personaggi inaspettati. A sottolineare il suo interesse per l'artigianato e la materialità, la mostra alla Kunsthalle Zürich si sviluppa attorno a una nuova installazione di grandi dimensioni in cui Heinemann guarda al cielo notturno – un motivo ricorrente nel suo lavoro – per esplorare questioni di continuità e pensiero magico.

ABRACADABRA (2026), un'installazione sviluppata appositamente per la mostra, comprende pallet di legno e una pesante tenda fonoassorbente ricamata a mano che divide in due lo spazio della Kunsthalle Zürich. Ricordando un allestimento teatrale improvvisato in una scuola o in una sala comunale, la struttura assume la forma di due palcoscenici identici installati schiena contro schiena, ciascuno con una scalinata. Non c'è, tuttavia, un vero e proprio fronte o retro, né la tipica area dietro le quinte del teatro. La separazione è un'illusione; il retro di ciascun palco funge da fronte dell'altro.

Come la semplice costruzione di pallet di legno che la sorreggono, la tenda nera segue un'estetica volutamente artigianale. Cucite con una varietà di tessuti e decorate con stelle applicate con punti grezzi, le tende lasciano a vista fili e cuciture, richiamando l'esperienza di Heinemann con le culture punk, DIY e dell'occupazione abusiva e il loro utilizzo di materiali facilmente reperibili. I processi di creazione, riparazione e introduzione deliberata del patchwork sono volutamente ambigui. Il cielo notturno funziona qui come un concetto, un dispositivo allegorico che complica il divario tra la cosa e la sua rappresentazione: mentre poche stelle su uno sfondo nero sono sufficienti a evocare l'immagine di un cielo notturno, ciò che cercano di rappresentare sfugge in definitiva alla raffigurazione. Come motivo che è allo stesso tempo geograficamente specifico e universale, il cielo notturno diventa una superficie su cui gli esseri umani possono immaginare, proiettare e dare significato a qualcosa di in definitiva incomprensibile.

Apre Casa FIAF a Torino

La Federazione Italiana Associazioni Fotografiche apre Casa FIAF,  una nuova sede a Torino, nel quartiere Lingotto, in via Varaita 3/C,  con 4 giorni di festa. 

Venerdì 4 dicembre 2026, dalle ore 10:00 alle 18:00: Open Day per i giornalisti e per il quartiere con la mostra “Una comunità di sguardi - Visioni creative dai Maestri alle nuove generazioni”  dal 4 dicembre 2026 al 6 gennaio 2027

Casa FIAF, una palazzina di 3 piani, con uno spazio di oltre 700 mq, in via Varaita 3 c, è la nuova sede della Federazione Italiana Associazioni Fotografiche - FIAF ETS, nata a Torino nel 1948 .

Torino ha fatto della cultura dell’immagine una parte importante della propria identità. In questo contesto, Casa FIAF vuole contribuire offrendo un nuovo spazio d'arte aperto alla città e al mondo. È un luogo dinamico nato con obiettivi chiari: integrarsi nel tessuto urbano e consolidarsi come un polo d’eccellenza culturale e un punto di contatto tra la fotografia e il cittadino. 

L’inaugurazione della Casa FIAF è pensata come una grande festa lunga 4 giorni e vuole coinvolgere cittadini, appassionati e istituzioni. Il fulcro è la mostra fotografica, con con un ricco programma tra musica, speeches e momenti conviviali (specificare nel dettaglio). I festeggiamenti per l’ inaugurazione dureranno 4 giorni:

Venerdi 4 dicembre dalle 10 alle 18: open day per il quartiere

Sabato 5 dicembre alle ore 18,00: presentazione con autorità e istituzioni

Domenica 6 dicembre dalle 10:00 alle 19:00 e lunedì 7 dicembre dalle 10:00 alle 19:00: apertura al pubblico 

UNA STORIA LUNGA QUASI OTTANT’ANNI

La FIAF – Federazione Italiana Associazioni Fotografiche nacque il 19 dicembre 1948 a Torino, quando otto club fotografici si unirono con l’obiettivo di creare una rete di scambio, confronto e crescita. Da allora è iniziato un lungo percorso d’impegno nella diffusione della fotografia come forma di espressione creativa, contribuendo a riconoscerne l’autonomia e il valore culturale nel panorama delle arti visive.

Il calendario dei 4 giorni di festa:

OPEN DAY per il quartiere

Venerdì 4 dicembre 2026, dalle 10 alle 18

Casa FIAF – Via Varaita 3/C, Torino

PRESENTAZIONE CON AUTORITÀ E ISTITUZIONI

Sabato 5 dicembre alle 18:00

Casa FIAF – Via Varaita 3/C, Torino 

APERTURA AL PUBBLICO

Domenica 6 e lunedì 7 dicembre 2026 – dalle 10 alle 19 

Casa FIAF – Via Varaita 3/C, Torino 

INFORMAZIONI

Segreteria FIAF · Tel. 011 5629479 · segreteria@fiaf.net

Alberto Garutti

Vista dell'installazione Alberto Garutti alla  Galleria Massimo Minini, Brescia, foto di Andrea Rossetti

Presso la galleria Massimo Minini a Brescia è in corso la sesta mostra personale di Alberto Garutti (Galbiate, 1948 – Milano, 2023) – cinquant'anni dopo la prima  – riunisce una selezione di opere e materiali d'archivio, scelti e curati dallo Studio Archivio Alberto Garutti con l'obiettivo di presentare al pubblico due temi strettamente intrecciati e centrali nella pratica dell'artista milanese: in primo luogo, il paesaggio come luogo del presente – un insieme, semplice e complesso al tempo stesso, costituito da fatti concreti, natura, urbanità e la società a cui apparteniamo – e, in secondo luogo, lo sguardo, l'atto di guardare come principale forza motrice del processo artistico.

Vista dell'installazione Alberto Garutti alla  Galleria Massimo Minini, Brescia, foto di Andrea Rossetti

Chronotopic

White Cube propone nei suoi spazi la mostra "Chronotopic" di Gabriel Orozco, che riunisce circa 200 opere nuove ed esistenti tra scultura, pittura, fotografia, assemblaggio e opere su carta, è curata dalla storica dell'arte Briony Fer, autrice di numerosi saggi sull'artista. Nel 2025, Fer ha curato la grande mostra di Orozco al Museo Jumex di Città del Messico, "Politécnico Nacional".

La nuova mostra di Gabriel Orozco si presenta come un diario di viaggio attraverso il tempo e lo spazio. Attingendo agli interessi dell'artista per il gioco e i giochi, nonché a temi della fantascienza e dell'archeologia, la mostra attraversa diverse zone per esplorare la logica formale che tiene insieme la sorprendente varietà del suo mondo di oggetti.

'Chronotopic' combina i piccoli ritmi del quotidiano con la vasta scala di un sistema planetario, la materia della vita con idee di geometria e universo. Nelle mani di Orozco, queste disparità – che possono essere estreme e persino assurde – offrono modi materiali di pensare e creare che ridimensionano l'idea di Arte come qualcosa di grandiosamente epico o trascendentale. Se è sempre stato affascinato dallo spazio, lo è nello spirito del gioco piuttosto che degli dei.

Arte contemporanea.. si chiude.

Tempi sempre più complessi per l’arte contemporanea, chiudono le gallerie e anche i musei, come a Glasgow dove il Centre for Contemporary Arts (CCA) ha annunciato la chiusura per problemi finanziari.

Ma non pare l’unico a doversi trasformare in difficoltà, anche nel resto dell’Europa tanti musei dedicati all’arte contemporanea spostano ora le loro proposte su visioni più ampi e articolate, che vanno dalla moda a varie forme di collezionismo alternativo, per sopravvivere. 

In Italia è anche vero che molti di questi musei propongono opere spesso molto simili per cui visti uno è come averne visti molto, per di più anche le mostre itinerarie sono spesso di basso profilo e di dubbia qualità. 

Sicuramente spesso da parte di questi musei è mancata, in molti casi, una relazione col territorio.Troppe mostre sono dedicate ad artisti stranieri, spesso sconociuti mentre anche noti artisti italiani faticano a trovare spazi per la propria attività. Poi tanti musei propongono  progetti sviluppati più per promuovere opere di gallerie private che fruiscono gratuitamente di una promozione pubblica, senza nulla ricambiare, che lavorare seriamente sul fronte della cultura. 

Il Pop dai 60 a oggi al Guggenheim

Gli spazi del Guggenheim di New York ospitano un bella mostra dedicata all'arte Pop dagi anni '60 ad oggi,  presentando una selezione eclettica di opere significative della collezione realizzate da 29 artisti, tra cui John Chamberlain, Chryssa, Jim Dine, Richard Hamilton, Yayoi Kusama, Roy Lichtenstein, Marta Minujín, Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen, Lucas Samaras e Andy Warhol. Tali opere sono affiancate da lavori contemporanei acquisiti di recente di artisti quali Mohamed Ahmed Ibrahim, Farah Al Qasimi, Maurizio Cattelan, Alex Da Corte, Daniel Gordon, Douglas Gordon, Martine Gutierrez, Lauren Halsey, Lucia Hierro, Yee I-Lann, Annette Kelm, Tommy Kha, Baseera Khan, Shinro Ohtake, Wendy Red Star, Cara Romero, Liu Shiyuan e Sheida Soleimani.

La mostra mette in luce un capitolo meno noto del passato del museo: il ruolo del curatore e critico britannico Lawrence Alloway, che fece conoscere la Pop art al pubblico americano attraverso la mostra del 1963 al Guggenheim *Six Painters and the Object*, la prima presentazione museale di questo movimento a New York. Le opere storiche esposte documentano l'emergere della Pop art, un periodo in cui gli artisti iniziarono a utilizzare tecniche pubblicitarie, la riproduzione e i mass media, ridefinendo i confini di ciò che l'arte poteva rappresentare nei primi anni Sessanta.

Gli artisti contemporanei e le opere di recente acquisizione si confrontano con le forme visive e il linguaggio della cultura popolare, offrendone una lettura critica. Ampliando l'eredità del movimento, la pratica di questi artisti esplora temi quali la rappresentazione dell'identità, la cultura di Internet e la vita quotidiana. Tra le opere di maggior rilievo figurano *Comedian* (2019) di Maurizio Cattelan; *Soft Shuttlecock* (1995) di Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen, esposta a New York per la prima volta dopo 25 anni; *INFINITY MIRRORED ROOM – DANCING LIGHTS THAT FLEW UP TO THE UNIVERSE* (2019) di Yayoi Kusama, un'importante opera concessa in prestito per la mostra; e *ROY G BIV* (2022) di Alex Da Corte, un'installazione video accompagnata da performance dal vivo ricorrenti.

Unendo prospettive storiche e contemporanee, la mostra illustra come la Pop art renda insolito ciò che è familiare, elevi il commerciale al rango di sacro e trasformi il banale in spettacolare. La mostra è organizzata da Lauren Hinkson, Curatrice delle collezioni, con il supporto di Victoria Horrocks, Borsista curatoriale per la fotografia, e Faith Hunter, Assistente curatoriale.

La Fucina degli Angeli al Peggy Guggenheim

 

Alla Collezione Peggy Guggenheim tornano le sculture della Fucina degli Angeli, straordinaria avventura del vetro artistico del Novecento, di cui Peggy Guggenehim fu “madrina”
  
“Fui felice quando Egidio Costantini venne da me e mi chiese di aiutarlo a creare degli oggetti di vetro tratti dai disegni di artisti contemporanei.”
Peggy Guggenheim, 1964
 
 
Dal 14 novembre 2026 al 29 marzo 2027 la Collezione Peggy Guggenheim presenta Fucina degli Angeli. Peggy Guggenheim e il vetro artistico del Novecento, una mostra di ampio respiro che rilegge alla luce di un’accurata ricostruzione storica una delle vicende più visionarie del vetro muranese del secondo dopoguerra, restituendo la ricchezza delle sperimentazioni, delle collaborazioni e delle relazioni che hanno lasciato tout court una traccia nella storia dell’arte del secolo scorso. Curata da Cristina Beltrami, la mostra ripercorre l’avventura creativa della Fucina degli Angeli, nata dall’intuizione di Egidio Costantini alla metà degli anni cinquanta. In questa vicenda fu centrale il ruolo di Peggy Guggenheim, che sostenne Costantini nei momenti cruciali e contribuì all’affermazione internazionale del progetto, non solo acquistando numerosi pezzi per la sua collezione, ma ampliando i contatti di Costantini ai maggiori protagonisti dell’arte del Novecento e indicandogli una strategia espositiva frutto della sua ampia esperienza di gallerista e mecenate.
 
Brindisino di nascita ma veneziano d’elezione, Egidio Costantini (1912–2007) vive la fervente stagione muranese degli anni cinquanta, segnata dall’incontro tra artisti di fama internazionale e alcuni tra i più talentuosi maestri vetrai. Murano, con la sua straordinaria capacità di coniugare tradizione, innovazione e apertura internazionale, diventa terreno fertile per il dialogo tra artisti e maestri, dando vita a sperimentazioni che spingono il vetro al limite delle sue possibilità tecniche ed espressive.
 
Dopo l’esperienza del Centro Studio Pittori nell’Arte del Vetro (1953–55), nel 1955 Costantini inaugura a Venezia, in campo Santi Filippo e Giacomo, una galleria specializzata in vetro artistico che, su suggerimento di Jean Cocteau, prende il nome di Fucina degli Angeli. Costantini segue ogni fase del processo creativo: dall’ideazione, spesso elaborata attraverso il disegno degli artisti, alla traduzione in vetro nelle fornaci di Murano, fino alla presentazione al pubblico.

 

Il contributo di Peggy Guggenheim si concretizza soprattutto a partire dagli anni sessanta, quando ampia il raggio d’azione di Costantini agli artisti della scena internazionale e lo sprona a delineare una strategia espositiva capace di affermare la Fucina anche oltre i confini italiani. Dal 1964 le opere della Fucina sono presentate in gallerie di primo piano della scena artistica come la Galleria del Naviglio a Milano (1964–1965), la Galleria dell’Obelisco a Roma (1965) per arrivare a conquistare il Museum of Modern Art di New York (1965) con Sculpture in Glass, prima esposizione di scultura in vetro ospitata dal museo statunitense.  È in quest’occasione che la rivista “Time” definisce Costantini “un visionario contemporaneo veneziano, dedito a restituire al vetro la magnificenza dei secoli precedenti” (17 settembre 1965), consacrandone la fama oltreoceano.
 
L’esposizione riunisce oltre cento opere provenienti da importanti istituzioni internazionali, tra cui la Fondation Marguerite Arp di Locarno, l’Historisches Museum di Basilea, l'Augsburg, Kunstmuseum Walter, il MUDAC di Losanna e il Museum of Fine Arts di Boston, a cui si aggiungono opere del Museo del Vetro di Murano, dell’Archivio Fucina degli Angeli e della Collezione Peggy Guggenheim, oltre che da gallerie e collezioni private.
 
A partire dalle prime realizzazioni in vetro liberamente ispirate alle ceramiche di Georges Braque e Pablo Picasso, la mostra racconta le collaborazioni tra Egidio Costantini e alcuni protagonisti della scena artistica internazionale, tra cui Oskar Kokoschka, Jean Cocteau, Jean (Hans) Arp, Max Ernst, Dorothea Tanning, Arman, Mark Tobey, Paul Jenkins e Matta. Particolare rilievo assume la collaborazione con artisti astratti come Remo Bianco, Giuseppe Capogrossi e Luigi Veronesi, nonché con Lucio Fontana, con il quale Costantini sperimenta le possibilità espressive del vetro nella realizzazione di alcuni Concetti spaziali. Tra le opere in mostra figura Concetto Spaziale – Construction (1964), donato a Peggy Guggenheim e oggi conservato al Museum of Fine Arts di Boston. Una sezione approfondisce inoltre il rapporto con alcuni protagonisti della scena artistica giapponese attivi a Venezia tra gli anni sessanta e settanta, tra cui Mikuni Omura, Tomio Miki, Katsuhiko Narita e Tadanori Yokoo, mentre l’ultima sala è dedicata alle collaborazioni più tarde con artisti già noti alla Fucina come James Coignard, Pino Mucchiut, ai quali si aggiunge l’architetto statunitense John C. Portman.
 
Accostando le opere in vetro ai disegni, ai dipinti e alle sculture dei medesimi artisti nonché ai materiali d’archivio, il percorso rivela come a partire dagli anni cinquanta Costantini abbia concretamente contribuito ad affrancare il vetro dal dominio delle arti decorative, proponendolo come un materiale del contemporaneo e aprendo le porte delle fornaci muranesi ai protagonisti del panorama artistico del Novecento.
 
La mostra sarà accompagnata da un ricco catalogo illustrato pubblicato da Marsilio Arte, a cura di Cristina Beltrami, con i contributi di Marianna Rossi e Stefano Turina.