Una nuova galleria Consonni Radziszewski

Esterni della galleria , foto di NicolaGnesi

Uniti per rinnovare e crescere è il progetto dei galleristi Matteo Consonni (n. 1984) e Dawid Radziszewski (n. 1984)  che uniscono le proprie ampi conoscenze e professionalità per dar vita a una rete di proposte dal respiro internazionale. Così oltre alle sedi prorie, a Lisbona e Varsavia, aprono uno spazio a Milano proprio nei giorni del miart-


Comunicato stampa 

Matteo Consonni e Dawid Radziszewski sono lieti di annunciare la nascita di Consonni Radziszewski, nata dall'unione di due gallerie, Madragoa a Lisbona e Galeria Dawid Radziszewski a Varsavia. Unendo le loro filosofie distinte ma complementari, la nuova galleria amplia la propria presenza in tre capitali europee. Consolidando le fondamenta a Lisbona e Varsavia, Consonni Radziszewski inaugurerà la sua sede milanese il 26 marzo 2026 con una mostra personale di Buhlebezwe Siwani. 

La partnership tra Matteo e Dawid affonda le radici in anni di collaborazione nelle fiere d'arte internazionali e in un'etica condivisa: sostenere i talenti emergenti e custodire l'eredità duratura degli artisti affermati. Quella che inizialmente era reciproca ammirazione si è evoluta in una visione comune dedicata a coltivare un dialogo autentico tra artisti e comunità, capace di trascendere i confini.

Lisbona e Varsavia erano un tempo scelte non convenzionali per il mercato dell'arte globale, ma entrambe le città hanno vissuto una crescita straordinaria negli ultimi anni, affermandosi come vivaci centri di produzione artistica. Madragoa e Galeria Dawid  Radziszewski hanno attivamente promosso gli artisti locali sulla scena internazionale, portando al contempo prospettive globali alle rispettive comunità. Questo impegno costante è stato determinante nell'espansione del panorama dell'arte contemporanea in entrambe le regioni.

La decisione di aprire una galleria a Milano riflette un preciso posizionamento geografico strategico e formalizza il radicato rapporto dei galleristi con la cultura del collezionismo italiano. 

La sede milanese sarà un fondamentale punto di scambio culturale , offrendo una piattaforma dedicata a costruire relazioni durature con istituzioni e collezionisti italiani. Situata nel cortile di un palazzo in stile Liberty del 1919, nel cuore della città, la nuova sede è un luogo architettonicamente significativo, pensato per incontri di valore. Con sedi dall'Atlantico all'Europa Centrale, Consonni Radziszewski crea una rete che connette l'energia creativa di Lisbona, il patrimonio culturale di Milano e la scena artistica in piena fioritura di Varsavia. 

Consonni Radziszewski sviluppa un programma condiviso in tutte e tre le sedi, lavorando con un roster di 25 artisti: Adrián Balseca, Annette Barcelo, Sarah Benslimane, Jerzy Bereś, Sara Chang Yan, Enzo Cucchi, Tatjana Danneberg, Pablo Echaurren, Louisa Gagliardi, Emilio Gola, Krzysztof Grzybacz, Rodrigo Hernández, Steffani Jemison, Tomasz Kowalski, PawełKruk, Luís Lázaro Matos, Joanna Piotrowska, Agnieszka Polska, Adam Rzepecki,Şerban Savu, Buhlebezwe Siwani, Belén Uriel, Aleksandra Waliszewska, Jaime Welsh e Marcin Zarzeka.

Matteo Consonni è un gallerista milanese. Ha lavorato per gallerie internazionali come Kaufmann Repetto a Milano e Jan Mot a Bruxelles, e ha conseguito un MFA in Curating al Goldsmiths College di Londra nel 2010. Ha diretto la Galleria Franco Noero a Torino dal 2010 al 2015, supervisionando la produzione e la promozione del programma della galleria. Nel 2016 si è trasferito a Lisbona, dove ha aperto Madragoa nell'omonimo quartiere storico, sostenendo giovani artisti e instaurando un dialogo tra le pratiche artistiche globali e il contesto locale e il suo artigianato. Nel 2024, Madragoa ha ricevuto il Premio FEAGA per l'Innovazione e la Creatività, affermandosi come una delle realtà più innovative nella scena dell'arte contemporanea internazionale e portoghese. Nel corso degli anni, Madragoa ha ampliato la visibilità del suo programma attraverso una partecipazione costante alle principali fiere d'arte internazionali.

Dawid Radziszewski (n. 1984) è uno storico dell'arte e gallerista polacco. Nel 2005 ha fondato Galeria Pies a Poznań, e nel 2013 ha aperto la Dawid Radziszewski Gallery a Varsavia, diventata rapidamente una delle gallerie private più importanti dell'Europa Centrale. Il programma della galleria si concentra su artisti nati negli anni Ottanta, coinvolgendo al contempo artisti storici e introducendo artisti occidentali nel mercato dell'arte polacco. La galleria ha partecipato alle principali fiere d'arte internazionali, tra cui Art Basel a Basilea, Miami Beach e Parigi, Frieze a Londra, nonché Miart e Artissima in  Italia.

Una casa grande come una conchiglia

foto di  Manuel Carreon Lopez

La galleria Kandlhofer propone la mostra "Una casa grande come una conchiglia" che riunisce artisti che creano scene concentrate e autosufficienti con opere di piccolo formato. Ispirata allo scrittore Gaston Bachelard, la mostra esplora come piccoli spazi possano contenere interi mondi di memoria e immaginazione. Le opere hanno una scala che invita all'avvicinamento e all'attenta osservazione.

foto di  Manuel Carreon Lopez

In miniatura, i dettagli vengono intensificati: un gesto, una superficie, la relazione tra un oggetto e l'altro. Gli spettatori sono incoraggiati ad adattare il proprio ritmo, ad avvicinarsi e a soffermarsi più a lungo. Il piccolo diventa un mezzo di intimità e di preservazione della complessità all'interno di uno spazio limitato. Come osservava Susan Sontag, siamo attratti dalla miniatura perché ci permette di tenere qualcosa vicino, come forma di connessione e desiderio di rimanere vicini. Queste opere dimostrano che il mondo può essere composto da frammenti, che l'immensità può dispiegarsi in qualcosa che sta nel palmo di una mano.

Sublime Raffaello al MET a New York

 

Veduta dell'installazione di Raffaello: Poesia Sublime, in mostra dal 29 marzo al 28 giugno 2026 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Eileen Travel, per gentile concessione del Met

Da pochi giorni si è inaugurata una mostra imperdibile su Raffaello, frutto di un lungo di lavoro di uno staff internazionale, che ha portato presso il Metropolitan Museum of Art a New York, una selezione pregiata di opere e disegni di questo magnifico artista. 

La mostra è frutto di una lunga e articolata selezione di lavori che sono giunti da tutti i più importanti musei del mondo per realizzare un'analisi sul grande lavoro creativo di questo artista che ha reso tangibile la bellezza nei secoli. 

Veduta dell'installazione di Raffaello: Poesia Sublime, in mostra dal 29 marzo al 28 giugno 2026 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Eileen Travel, per gentile concessione del Met

L'evento espositivo raccoglie  oltre 200 opere, tra cui più di 170 tra i più importanti disegni, dipinti, arazzi e oggetti di arte decorativa di Raffaello provenienti da collezioni pubbliche e private di tutto il mondo, la mostra offre una nuova prospettiva su questa figura chiave del Rinascimento italiano, presentando i suoi celebri capolavori accanto a tesori raramente esposti, rivelando una mente straordinariamente creativa.

Veduta dell'installazione di Raffaello: Poesia Sublime, in mostra dal 29 marzo al 28 giugno 2026 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Eileen Travel, per gentile concessione del Met

Raffaello ha avuto una breve vita, solo 37 anni, ma in questo poco tempo raggiunse un successo così profondo come pittore, designer e architetto da essere considerato l'apice della perfezione artistica per secoli dopo la sua morte. Figlio di un pittore e di un poeta, Raffaello frequentò i più importanti scrittori e pensatori della sua epoca a Roma, mostrando una sensibilità poetica che affascinò i suoi contemporanei e le generazioni successive. Unendo ambizione e lirismo, creò opere di spessore intellettuale e profondità emotiva, una dote necessaria nel complesso panorama politico delle corti rinascimentali.

Veduta dell'installazione di Raffaello: Poesia Sublime, in mostra dal 29 marzo al 28 giugno 2026 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Eileen Travel, per gentile concessione del Met

La mostra si snoda in ordine approssimativamente cronologico, ripercorrendo la vita e la carriera di Raffaello, con sezioni tematiche incentrate sullo sviluppo delle sue idee e della sua iconografia. Saranno inoltre integrate le recenti scoperte scientifiche. Attraverso la presentazione di disegni in relazione a dipinti e opere realizzate con altri mezzi, l'esposizione dimostrerà la prodigiosa versatilità e il processo creativo di Raffaello. Le composizioni figurative nei suoi dipinti, disegni, arazzi e stampe lo rivelano come un narratore senza pari, e questa mostra dedicherà particolare attenzione alla sua rappresentazione delle donne, dal suo uso pionieristico di modelle nude alle sue delicate raffigurazioni della Madonna con Bambino.

Veduta dell'installazione di Raffaello: Poesia Sublime, in mostra dal 29 marzo al 28 giugno 2026 al Metropolitan Museum of Art. Foto di Eileen Travel, per gentile concessione del Met

Lo sponsor principale della mostra è Morgan Stanley.

Il finanziamento principale è fornito da Kenneth C. Griffin e Griffin Catalyst, e da Jessie e Charles Price.

Un sostegno significativo è offerto dalla Richard Riney Family Foundation, dalla Ing Foundation e da Anthony W. e Lulu C. Wang.

Garber-Maikovska a Londra da MDC

La galleria Massimo De Carlo di Londra ospita una serie di opere ideate esclusivamente con pigmenti e colori a olio, l'artista Garber-Maikovska è una pittrice ossessionata dall'atto stesso del dipingere: da quanto una superficie può contenere, da quanto fisico può diventare un segno e da cosa accade quando la logica industriale e la storia della pittura si incontrano sulla stessa tela.

Dall'inizio degli anni 2010, Garber-Maikovska ha lavorato con il Coroplast, il cartone ondulato utilizzato nell'edilizia e nella segnaletica temporanea. Era economico, disponibile in grandi fogli e assorbiva il colore con una immediatezza che la tela, con la sua storia e resistenza, non ha mai offerto. "La tela è come partire da mille", ha affermato. "Il Coroplast era come partire da meno dieci".

In Cameo Woods , Garber-Maikovska non abbandona il Coroplast, quanto piuttosto lo interiorizza. Ogni dipinto inizia con la tela montata sul cartone ondulato. Attraverso sfregamenti e pressioni, la superficie scanalata sottostante si imprime nel colore: un frottage, un ritmo incorporato, una logica industriale che persiste nell'opera finita anche dopo che la tela è stata sollevata e ritensionata su barre di alluminio. Il Coroplast scompare prima che il dipinto sia completato, ma non prima di averne plasmato in modo fondamentale la natura. Il supporto diventa una memoria strutturale.

Omaggio a Jasper Johns

foto di Owen Conway

La sede newyorchese di Gagosian, in collaborazione con la Castelli Gallery, propone la mostra di opere storiche di Jasper Johns presso la galleria al 980 di Madison Avenue, dal 22 gennaio al 14 marzo 2026 [prorogata fino al 3 aprile 2026]. Questa mostra ripercorre i dipinti e i disegni a tratteggio incrociato che hanno caratterizzato la sua produzione dal 1973 al 1983 e che hanno influenzato profondamente la sua successiva opera. Sono esposte opere raramente viste, provenienti da prestigiosi musei americani. In occasione del cinquantesimo anniversario del debutto di questa serie di opere alla Castelli Gallery nel 1976, la mostra chiude anche il periodo in cui Gagosian occupa la sua galleria principale al 980 di Madison Avenue, inaugurata nel 1989 con una mostra dedicata ai dipinti della serie "Map"  .

foto di Owen Conway

Johns presta alla mostra importanti opere della sua collezione personale, tra cui dipinti in prestito a lungo termine all'Art Institute of Chicago, alla National Gallery of Art di Washington, DC e al Philadelphia Art Museum. Tra gli altri prestatori di rilievo figurano The Broad di Los Angeles, il Museum of Modern Art di New York e il Virginia Museum of Fine Arts di Richmond, oltre a opere provenienti da collezionisti privati.

Nel corso della sua lunga carriera, Johns ha più volte ridefinito il corso dell'arte contemporanea. L'introduzione del tratteggio incrociato nel 1972 rappresentò uno sviluppo inaspettato, segnando una svolta rispetto alle sue immagini di oggetti quotidiani, segni e frammenti linguistici, soggetti che egli stesso definiva "cose ​​che la mente già conosce". Queste composizioni a tutto campo, caratterizzate da linee parallele disposte in configurazioni intrecciate e realizzate con encausto, collage, colori acrilici e a olio, acquerello, inchiostro e persino sabbia, sono ammirate sia per la loro complessità visiva, materica e concettuale, sia per la loro bellezza intuitiva e sorprendente.

foto di Owen Conway

Tra le opere principali in mostra figurano dipinti fondamentali della serie "Cadavere e specchio" (1974-84); l'opera fondamentale "Donne piangenti" (1975) , con i suoi richiami all'opera di Picasso; e "Ballerini su un aereo  " (1980-81), un omaggio al coreografo Merce Cunningham. La mostra riunisce anche tutti e sei i dipinti della serie " Tra l'orologio e il letto " (1981-83), improvvisazioni sull'autoritratto di Edvard Munch del 1940-43, che rappresentano un esempio ispirato del costante confronto dell'artista con i suoi predecessori.

Gagosian pubblicherà un catalogo in concomitanza con la mostra, che includerà saggi della nota critica d'arte americana Roberta Smith e di Carlos Basualdo, co-curatore di Jasper Johns: Mind/Mirror , una retrospettiva in due parti dedicata alla sua carriera, tenutasi simultaneamente al Philadelphia Museum of Art e al Whitney Museum of American Art di New York nel 2021-2022.

Whitney Biennial 2026

Siamo all'ottantaduesima edizione della Whitney Biennial, che si è aperta l'8 Marzo e che durerà fino al 23 Agosto. Si tratta della rassegna d'arte contemporanea più longeva degli Stati Uniti, presenta opere di 56 artisti, coppie e collettivi che riflettono il momento attuale ed esaminano varie forme di relazionalità, tra cui legami di parentela interspecie, relazioni familiari, intrecci geopolitici, affinità tecnologiche, mitologie condivise e supporti infrastrutturali.

La Whitney Biennial 2026 offre una vivida e suggestiva panoramica dell'arte americana contemporanea, plasmata da un momento di profonda transizione. Piuttosto che fornire una risposta definitiva alla vita di oggi, questa edizione della Whitney Biennial privilegia l'atmosfera e la consistenza, invitando i visitatori in ambienti che evocano tensione, tenerezza, umorismo e inquietudine. Insieme, le opere catturano la complessità del presente e propongono forme di coesistenza fantasiose, indisciplinate e inaspettate. 

La Whitney Biennial 2026 è co-organizzata dai curatori del Whitney Marcela Guerrero, DeMartini Family Curator, e Drew Sawyer, Sondra Gilman Curator of Photography, con Beatriz Cifuentes, assistente curatoriale della Biennale, e Carina Martinez, Rubio Butterfield Family Fellow.

Telegiornale dell’Arte

Una nuova iniziativa fra la Società Editrice Allemandi e Sky Arte Il Telegiornale dell’Arte, un nuovo spazio informativo del Giornale dell’Arte: un vero e proprio telegiornale, il primo in Italia interamente dedicato al mondo dell’arte, della cultura e ai suoi protagonisti.
 
Un format originale e riconoscibile, pensato per raccontare con chiarezza, ritmo e profondità ciò che accade nel sistema dell’arte contemporanea e non solo: editoriali, notizie, insight, approfondimenti, eventi, mostre, mercato e storie capaci di accendere il dibattito.
 
Dichiara Michele Coppola, Presidente della Società Editrice Allemandi: «Il Telegiornale dell’Arte nasce dal desiderio di continuare a innovare il modo in cui raccontiamo la cultura, ampliando i linguaggi e i pubblici dell’informazione artistica. Con oltre quarant’anni di storia del Giornale dell’Arte, portiamo la nostra autorevolezza editoriale anche nell’audiovisivo, con un format capace di unire approfondimento, qualità e accessibilità. È un progetto che rafforza il ruolo dell’Allemandi come media company culturale dedicata alla conoscenza, al dibattito e alla diffusione della cultura contemporanea».
 
A guidare il racconto è Nicolas Ballario che, insieme ai suoi ospiti, accompagna il pubblico all’interno di uno studio concepito come spazio di confronto, analisi e narrazione.  Spiega Ballario: «Non è un esperimento, ma un prodotto editoriale vero e proprio che si candida, sin da oggi, a diventare il punto di riferimento dell’audiovisivo in Italia nel mondo della cultura e dell’arte. Un modo per raccontare mostre, artisti, mercato e sistema culturale attraverso un linguaggio visivo contemporaneo, capace di intercettare pubblici più ampi. Ospiti sempre nuovi si alterneranno in uno studio che ricorda quello di un TG, ma con un’anima culturale a cominciare dalle scenografie».
 
In ogni puntata si fa il punto sul mercato dell’arte insieme a Luca Zuccala, Direttore del Giornale dell’Arte e non mancheranno appuntamenti speciali in esterna, in viaggio attraverso l’Italia, per essere presenti direttamente nei luoghi in cui l’arte nasce, si espone, si trasforma e fa notizia.
 
Il Telegiornale dell’Arte offre uno sguardo aggiornato, accessibile e appassionato su un settore spesso raccontato in modo frammentario, restituendo invece all’arte tutta la sua attualità e la sua capacità di leggere il presente.
 
Dal 15 marzo, ogni due settimane, la domenica alle ore 21.00, in anteprima su Sky Arte; ogni lunedì alle ore 12.00 su ilgiornaledellarte.com e i principali canali digitali del Giornale dell’Arte (Instagram, Spotify, YouTube): finalmente anche l’arte ha il suo telegiornale.

Codici miniati a Baltimora

 

Il Walters Art Museum di Baltimora ha in corso la mostra "Medieval Mindscapes" con una selezione di di manoscritti che esplora i modi in cui i libri d'ore utilizzavano strategie visive innovative per coinvolgere l'immaginazione del lettore attraverso esperienze immediate e immersive. Curata a partire dalla rinomata collezione di libri e manoscritti rari del Walters, la mostra presenta 22 opere ed è visitabile al terzo piano dell'edificio del museo in Centre Street fino al 23 agosto 2026. 

I libri d'ore contenevano preghiere quotidiane e le loro immagini offrivano l'opportunità di un'interazione intima con l'arte al servizio della fede cristiana del lettore nell'Europa medievale. Questi libri aiutavano coloro che li utilizzavano a costruire un mondo devozionale privato, incoraggiando un'interazione immaginativa con le scene raffigurate nei loro manoscritti personalizzati e portatili. Alcuni libri erano impreziositi da ritratti personalizzati dei proprietari per incoraggiare il lettore a immaginarsi nei momenti rappresentati, mentre altri utilizzavano illusioni ottiche ai margini per aiutare il lettore a discernere l'interazione tra la sua realtà fisica e il mondo spirituale.

“Questi libri erano realizzati per coinvolgere attivamente i loro proprietari nella manipolazione e nella riflessione sulle immagini. Non si trattava di una semplice osservazione passiva, ma di un processo attivo”, ha affermato Lauren Maceross, Zanvyl Krieger Curatorial Fellow, specializzata in libri rari e manoscritti. “Questa mostra pone l'accento sul modo in cui i libri d'ora stimolavano l'immaginazione dei lettori. Questa capacità creativa, in quanto universale abilità umana, è senza tempo e funge da ponte tra i lettori medievali di questi libri e il pubblico odierno. Chissà, forse ciò che i visitatori apprenderanno in questa mostra potrebbe persino ispirare la loro creatività!”

Tra le opere in mostra figurano tre libri d'ore del XV secolo, originari del Belgio. Il primo raffigura la committente e proprietaria dell'opera in una scena dell'Annunciazione, in cui un angelo annuncia alla Vergine Maria che avrebbe miracolosamente dato alla luce il figlio di Dio. Nella scena, la committente si è ritratta come protagonista, con abiti e postura che suggeriscono la sua aspirazione a seguire l'esempio virtuoso di Maria, il che potrebbe anche alludere alla sua speranza di fertilità. Nella seconda immagine, un rosario incredibilmente realistico, realizzato in oro, corallo e perle, avvolge il testo, suggerendo che la proprietaria potesse tenere con sé un rosario simile durante le sue devozioni private. Il terzo dipinto raffigura uno scheletro sorridente e carnoso, che emana una presenza inaspettatamente inquietante. Probabilmente personificazione della morte, lo scheletro sembra stranamente consapevole della presenza dell'osservatore, ponendolo di fronte a uno specchio e costringendolo a contemplare il proprio destino immaginandosi nel suo riflesso. 

La collezione di libri e manoscritti rari del Walters Art Museum ripercorre la storia dell'arte del libro per oltre 2000 anni, dall'antichità all'età moderna, attraverso quasi mille manoscritti miniati, oltre 1300 delle prime edizioni a stampa (circa 1455-1500) e un'importante collezione di quasi 2000 rari volumi successivi al 1500. La collezione di manoscritti comprende opere provenienti da tutto il mondo, tra cui lussuosi libri dei Vangeli provenienti da Armenia, Etiopia, Bisanzio e Germania ottona, libri d'ore francesi e fiamminghi, nonché capolavori dell'illuminazione manoscritta safavide, moghul e ottomana. La collezione di libri a stampa include importanti prime edizioni a stampa di testi antichi di grandi pensatori come Aristotele ed Euclide, un diario scritto da Napoleone e una rilegatura elaborata realizzata da Tiffany.

Medieval Mindscapes è una mostra curata da Lauren Maceross, borsista Zanvyl Krieger per i libri rari e i manoscritti.

Quest'installazione è stata generosamente finanziata dai sostenitori del Walters Art Museum. Per contribuire a questa mostra, vi invitiamo a considerare la possibilità di fare una donazione oggi stesso.

Informazioni sul Walters Art Museum

Il Walters Art Museum è un centro culturale nel cuore di Baltimora, situato nel quartiere di Mount Vernon. La collezione del museo abbraccia oltre sette millenni, dal 5000 a.C. al XXI secolo, e comprende 36.000 oggetti provenienti da tutto il mondo. Passeggiando tra gli edifici storici del museo, i visitatori si imbattono in uno straordinario panorama artistico millenario, dalle romantiche immagini ottocentesche di giardini francesi alle affascinanti icone etiopi, dai Corani e Vangeli riccamente miniati agli antichi sarcofagi romani e alle serene immagini del Buddha. Fin dalla sua fondazione, la missione del Walters è stata quella di unire l'arte e le persone, creando un luogo in cui chiunque, di qualsiasi estrazione sociale, possa essere toccato dall'arte. In linea con questo impegno, l'ingresso al museo e alle mostre temporanee è sempre gratuito.

L'ingresso al museo è gratuito. Il Walters Art Museum si trova al 600 N. Charles St., a nord dell'Inner Harbor di Baltimora. Per informazioni generali sul museo, chiamare il numero 410-547-9000 o visitare il sito thewalters.org.

L'ingresso gratuito al Walters Art Museum è reso possibile grazie alla generosità congiunta di singoli soci e donatori, fondazioni, aziende e sovvenzioni della città di Baltimora, del Maryland State Arts Council, dei cittadini della contea di Baltimora, del governo della contea di Howard e dell'Howard County Arts Council.

Destiny Is a Rose

 

Ecco il bel video che Vernissage TV ha realizzato al vernissage della mostra "Destiny is a Rose: The Eileen Harris Collection" presso Hauser & Wirth Downtown Los Angeles. Eileen Harris Norton, collezionista nota per il suo sostegno alle artiste donne, agli artisti di colore e a quelli californiani, celebra 50 anni di attività con la mostra "Destiny Is a Rose" presso Hauser & Wirth.

L'esposizione, che si apre con il suo primo acquisto del 1976 da Ruth Waddy, presenta oltre 80 opere, tra cui pezzi di Mark Bradford, Kerry James Marshall, David Hammons, Lorraine O'Grady, Betye Saar, Amy Sherald, Kara Walker e Carrie Mae Weems, spaziando tra dipinti, sculture e opere su carta. Strutturata in capitoli cronologici, la mostra ripercorre l'evoluzione del suo interesse, dagli artisti locali di Los Angeles alle prospettive globali, con una costante attenzione agli artisti di origine africana.

Destiny is a Rose: The Eileen Harris Collection / Hauser & Wirth Downtown Los Angeles. Vernissage, 23 febbraio 2026.

Alexander Calder a Parigi

ALEXANDER CALDER, « Oggetti dispersi con gong di ottone », 1948

Laiton, feuille de métal, fil de fer et peinture, 48,3 x 167,6 cm. Collezione Shirley Family Calder, donazione promessa al Seattle Art Museum. © 2026 Calder Foundation, New York / ADAGP, Parigi. Per gentile concessione di Calder Foundation, New York / Art Resource, New York

Fra poche settimane prende avvio una grande mostra in occasione del centenario di Alexander Calder  a Parigi presso lo spazio della Fondazione Louis Vuitton in Francia, e del cinquantesimo anniversario della sua morte, dal titolo “Calder. Rêver en Equilibre”.

Questa mostra ripercorre mezzo secolo di attività creativa, dalla fine degli anni '20 e dalla prima messa in scena degli spettacoli del Cirque Calder che affascinarono l'avanguardia parigina, fino alle sculture monumentali che ridefinirono l'arte pubblica negli anni '60 e '70. Alla Fondation, i mobile di Calder – sospesi all'interno dell'architettura di Frank Gehry – trasformano la mostra in una danza coreografata.

Una delle mostre più importanti mai dedicate ad Alexander Calder, “ Calder. Rêver en Equilibre ” è stata concepita in stretta collaborazione con la Fondazione Calder, principale prestatrice. L'esposizione comprende anche prestiti da istituzioni internazionali e importanti collezionisti privati, riunendo quasi 300 opere: stabili e mobile – per usare la terminologia calderiana per astrazioni statiche e cinetiche – così come ritratti in filo metallico, figure in legno intagliato, dipinti, disegni e persino gioielli, concepiti come sculture uniche. Lungo un percorso cronologico che si estende su oltre 3.000 m², la mostra metterà in luce le tematiche artistiche fondamentali di Calder: il movimento prima di tutto, ma anche la luce, il riflesso, i materiali umili, il suono, l'effimero, la gravità, la performance e l'interazione tra spazio positivo e negativo.

Intorno ai venticinque anni, Alexander Calder riscoprì la tradizione artistica della sua famiglia (figlio di un pittore e scultore, nipote di uno scultore) dedicandosi inizialmente alla pittura e al disegno. Dopo aver studiato all'Art Students League di New York, si trasferì a Parigi nel 1926. Nel quartiere di Montparnasse, allora epicentro del mondo artistico internazionale, entrò rapidamente a far parte di una fiorente comunità creativa. Lì presentò opere innovative – sculture figurative e minimaliste in filo metallico che riscossero il plauso della critica – e un circo in miniatura. Grazie a un prestito eccezionale del Whitney Museum of American Art, il primo in 15 anni, il Cirque Calder torna a Parigi, la città in cui nacque. Al centro di questa innovativa performance artistica, Calder orchestrava acrobati, clown e cavalieri in miniatura per un pubblico sempre più numeroso. Tra gli spettatori figuravano Fernand Léger, Jean Hélion, Le Corbusier, Jean Arp, Joan Miró e Piet Mondrian.

Foto di Ugo Mulas

La visita di Calder allo studio di Mondrian nel 1930, dove rimase profondamente colpito dall'installazione ambientale, segnò una svolta decisiva verso l'astrazione, prima nella pittura e poi nella scultura. Marcel Duchamp suggerì il termine "mobile" nel 1931 per le composizioni astratte cinetiche di Calder, presentate dall'artista nel 1932 alla Galerie Vignon di Parigi. Inizialmente azionate meccanicamente e in seguito messe in movimento dalla minima brezza, queste opere traevano " la loro vita dalla vita indistinta dell'atmosfera ", come scrisse Jean-Paul Sartre nel 1946. In particolare, in risposta alla terminologia di Duchamp, Arp propose il termine "stabile" per gli oggetti statici di Calder dei primi anni Trenta.

Sebbene Calder fosse tornato negli Stati Uniti nel 1933, continuò a viaggiare in Europa, partecipando in particolare al Padiglione della Repubblica Spagnola nel 1937 insieme a Miró e Picasso. Dopo la guerra tornò in Francia e nel 1953 aprì uno studio nel piccolo borgo di Saché, nella Valle della Loira. Con un piede in ciascun paese, Calder ampliò la definizione stessa di scultura fino alla sua morte nel 1976. Attraverso il movimento, certamente, ma anche attraverso un vocabolario dinamico impiegato su tutte le scale – da delicati assemblaggi metallici animati dal minimo soffio a costruzioni monumentali – creò sculture non oggettive che esistevano simultaneamente in parallelo con la natura. Come commentano Dieter Buchhart e Anna Karina Hofbauer, curatori ospiti della mostra: " L'approccio innovativo di Calder ha ampliato le dimensioni della scultura fino a includere il tempo come quarta dimensione essenziale " .