Immergersi in Klimt con Google Arts

Tempi di aumento pandemico per cui forse, se non si vuole viaggiare, ci si può comunque immergersi in un museo dedicato a un grande artista Klimt come lo spazio virtuale che Google Arts ci offre con Klimt vs Klimt.  Pratico con tantissimo materiale e fotografie di grande qualità.

Il tempo e lo spazio secondo Max Bill da Hauser Wirth

 

All'inizio dell'anno può essere stimolante pensare al rapporto fra spazio e tempo e la mostra "Continuità spazio-temporale" presso il nuovo spazio della galleria Hauser & Wirth  in Bahnhofstrasse 1 esamina il dialogo tra Max Bill, artista, designer, teorico, scrittore, curatore e pedagogo, e un gruppo di suoi contemporanei che hanno esplorato un territorio simile alla propria arte e alle proprie idee. Molte delle opere in mostra provengono dalla collezione privata di Max Bill, segno di amicizie personali oltre che di scambi estetici.

Alicja Kwade a Seoul

 

Fino al 22 Gennaio la galleria Pace a Seoul ospita i recenti lavori di Alicja Kwade. 

CS

Her first solo show in the Korean capital includes a new series of watch-hand works on paper, that continue her exploration of the processes by which we perceive and construct reality.

Two raindrops fall onto water. The apparent order is immediately set in motion by the impact. Waves and patterns of interference emerge, gradually changing with time. For a short while, the water ripples outwards in perfect, concentric circles that become fainter and fainter the further they spread. The ripples continue dispersing the impact energy until the water appears to return to its original state. The surface gravitates back to its diffuse balance, bouncing off the edges of the piece as though from the sides of a basin.

Kwade’s new series Entropie reconstructs this process in snapshots. Like many of her works, Entropie questions our very modes of perception. Its representations reveal that the apparent order was actually already in a state of entropy from the beginning—‘entropy’ being the physical measure of disorder or, more accurately, the ‘absence of order.’ In Entropie, watch hands on paper represent the arrangement of the molecules. At any other point in time, these could also be arranged differently, as micro-conditions occur in almost infinite possible variations. Yet still randomness does not prevail. Far more, each work is located in a clearly stated point in time. The entropy steadily increases, imposing its direction on time.

The same toposes of the contingency, conditionality and constructedness of our perceptions also appear in other works in this exhibition. Realities run in parallel, states are unstable, and arbitrary settlements often determine our experience of the world. This is perhaps most clearly expressed in works such as Ein Jahr (2023) or Ein Monat (July 2020), where the number of hours in the stated period is visualised by a sequence of watch hands. For the observer, discovering a signified amid the forest of hands is nigh-on impossible; instead, their attention is inexorably drawn to the countless signifiers and ultimately to the unit of time measurement itself. In these unfurled moments, time seems to stand still, and the repetitive, rhythmic waves of the watch hands show just how arbitrary and coincidental the division of time into hours and minutes ultimately is, and how starkly this settlement determines our experience of reality.

The works on show in Seoul share a common recurring motif: circular movements. These are also central to Kwade’s sculptural works. Duodecuple Be-Hide, for example, consists of twelve stones in a circular arrangement separated from each other by double-sided mirrors. Though identical in shape, they are made of different materials, such as granite, marble and erased. For the full effect of the sculpture to unfold, the observer must walk around it. Depending on the observer’s position, the mirrors appear as either a reflective or a transparent surface, confronting each stone with a doppelgänger. Different viewing angles produce different versions of reality and open up parallel worlds which show the same object in different states: doubled, halved or deleted. Kwade uses these shifts in perspective to touch on existential questions around the location of a subject within a space. Here, too, time and movement are linked: the fact that the arrangement of the twelve stones is reminiscent of a clock is no coincidence.

Ultimately, the works on show in Sometimes I Prefer to Sit on a Chair on the Earth Surrounded by Universes are tools by which to explore our own sensory perceptions. They open up cracks through which we feel we can sense anew the conditionality of the world around us and our place within it. But the cracks also reveal to us the limits of our perceptions: whatever we do, we will always be a part of the system we are trying to observe.

Given this realisation, it would be easy to fall into nihilism—but we can also choose to carry on trying. In Siège du Monde, Kwade insinuates with a touch of humour that we may well dream of sitting on the globe and thinking about the universe. The chair in this piece seems to have been wedged over an earthy red rock and might also offer a vantage point from which to view the sculpture All at any Time. This comprises nine ceramic objects painted in shiny black and shaped like intertwining chess pieces. Though completely immobile, they appear to rotate and influence each other. The body of one determines the shape and movement of the next in a complex system of interdependencies. All at any Time references various theories on the history of the universe, from the Big Bang to the present day, and with it the exhibition comes full circle: we find ourselves exploring the hypothesis proposed at the start, which states that as we move into the future, entropy will inevitably increase. The universe is becoming more and more disordered, and gradually ­­­­the visitor comes to realise that actually, everything could be quite different from the way it is.

Tilman Ezra Mühlenberg

Gli orologi di Versailles

 

Il tempo che passa è una costante che nel castello di Versailles si nota ancora di più con i tanti meravigliosi orologi.

Robert Gober da Matthew Marks Gallery

 

La galleria Matthew Marks a New York, fino al 29 Gennaio presenta una selezione dei recenti lavori di Robert Gober raccolti sotto il titolo "Shut up" "No. You shut up". 

Focus su "Pretentious Crap" di Zhivago Duncan al PAMM

 

Un bel pratico e interessante video sull'opera "Pretetious Crap" di Zhivago Duncan presente al PAMM a Miami.

Arte sacra alla galleria Lorenzelli di Milano

  

La galleria Lorenzelli di Milano propone fino al 22 Gennaio questa interessante mostra : "nel Nome di Dio Omnipotente. Arti talismaniche, pratiche di scrittura sacra e protettiva dal nord della Nigeria." curata da Andrea Brigaglia e Gigi Pezzoli.

CS

Lorenzelli Arte continua la sua periodica programmazione di iniziative collaterali promosse allo scopo di approfondire tematiche e ricerche sull'arte contemporanea, ma non per questo estranee o marginali, per confermare il ruolo primario della galleria nella diffusione e confronto tra culture e per ribadire l'universalità dell'arte. 

Da mercoledì 27 ottobre, fino a 22 gennaio 2022 è lieta di presentare "nel Nome di Dio Omnipotente. Arti talismaniche, pratiche di scrittura sacra e protettiva dal nord della Nigeria". 

Le sale espositive ospitano nel cuore di Milano una ricca serie di 80 opere inedite, appartenenti agli Hausa, un gruppo etnico di oltre 70 milioni di individui, stanziato tra il nord della Nigeria e il sud del Niger. 

Ci si immerge in un mondo di prevalente tradizione sufi, apparentemente lontano, ma che rimanda ad antiche pratiche protettive, divinatorie e taumaturgiche del Medio Oriente, del mondo greco-romano, della Cabala ebraica, fino all'alchimia occidentale medievale.

Francis Bacon alla Royal Academy of Arts

Study for Bullfight No. 1, 1969. Oil on canvas. 198 x 147.5 cm. Private collection © The Estate of Francis Bacon. 

All rights reserved, DACS/Artimage 2021. Photo: Prudence Cuming Associates Ltd.

 La sua pittura è stata sempre molto fisica e spesso il mondo animale compare nelle sue opere, si può spiegare così il titolo  "Man and Beast" » della grande mostra che la Royal Academy of Arts di Londra avvierà dal 29 Gennaio al 17 Aprile 2022 su Francis Bacon.

Portrait of George Dyer Crouching, 1966. Oil on canvas. 198 x 147 cm. Private collection © The Estate of Francis Bacon. 

All rights reserved, DACS/Artimage 2021. Photo: Prudence Cuming Associates Ltd. 

CS 
Explore Francis Bacon’s visceral paintings, where the line between human and animal is constantly blurred, reminding us that our primal instincts lie just below the surface.

Irish-born artist Francis Bacon was the horse-breeder’s son who became one of the most important painters of the 20th century.

An openly gay man at a time when homosexuality was illegal, he was banished from his conservative family home by his father at 16. After that, he drifted through Berlin and Paris before establishing himself in London, with his formative years running parallel with some of the 20th century’s most profoundly disturbing events.

This powerful exhibition will focus on Bacon’s unerring fascination with animals: how it both shaped his approach to the human body and distorted it; how, caught at the most extreme moments of existence, his figures are barely recognisable as either human or beast.

It also explores how Bacon was mesmerised by animal movement, observing animals in the wild during trips to South Africa; filling his studio with wildlife books, and constantly referring to Eadweard Muybridge’s 19th-century photographs of humans and animals in motion. Whether chimpanzees, bulls, dogs, or birds of prey, Bacon felt he could get closer to understanding the true nature of humankind by watching the uninhibited behaviour of animals.

Spanning Bacon’s 50-year career, highlights include some of Bacon’s earliest works and his last-ever painting, alongside a trio of bullfight paintings which will be exhibited together for the first time.

Seen together, these raw expressions of anxiety and instinct – both animal and human – feel poignantly relevant today.

Le canzoni di Korakrit Arunanondchai

 

Canzoni per morire / Canzoni per vivere è la prima mostra personale istituzionale di Korakrit Arunanondchai in Svizzera  al Migros Museum di Zurigo. Sono presenti i video, Songs for more (2021) e Songs for living (in collaborazione con Alex Gvojic, 2021), in un ambiente installativo.

Nascita, eliminazione ("décréation") e morte sono esperienze di momenti di soglia in cui la coscienza assume una forma diversa, elevata. Sulla base di essi, Korakrit Arunanondchai sviluppa le sue narrazioni e la gestione delle forme artistiche. Nella sua pratica, l'artista elabora le esperienze personali con video, pittura e installazione ed esamina le loro condizioni storico-sociali. Con le forme che ha scelto nella loro complessa dipendenza reciproca, solleva interrogativi fondamentali sull'esistenza e sul significato, specialmente quando questi sono visti al di fuori della struttura dei concetti occidentali dell'essere.

Per Canzoni per morire / Canzoni per vivereArunanondchai ha diviso lo spazio espositivo in tre atti interconnessi: ciascuno di questi atti affronta un potenziale trasformativo che gli altri portano. Basandosi sulla perdita del proprio nonno, l'artista racconta storie che trasferiscono idee su se stessi e sulla comunità nell'ignoto. In queste storie, fantasmi, sciamani e una tartaruga marina morente non sono solo metafore, ma anche media, processi di divenire e decomposizione. Oltre ai riferimenti e ai simboli mitologici, Arunanondchai riprende anche le realtà sociali e politiche della vita in Thailandia, che è determinata dal governo militare, dalla monarchia e dalle proteste democratiche. Le canzoni formano l'arco della mostra e guidano il pubblico attraverso una narrazione polifonica.

Aids l'epidemia non è finita ...

 

Il Mucem di Marsiglia presenta la mostra "HIV/AIDS, l'epidemia non è finita!" "Traccia la storia sociale e politica dell'AIDS. Guardando sia retrospettivamente che contemporanea sull'epidemia così come sulle mobilitazioni che ha generato, lei stessa desidera contribuire alla lotta. In effetti, mettere l'AIDS nel museo non significa seppellirlo; anzi, sta riaffermando tutta la sua attualità, come dimostra il titolo della mostra, che riprende uno storico slogan di Act Up: "L'epidemia non è finita!" " Nel luglio 1981, il New York Times pubblicò il primo articolo di stampa sull'AIDS, citando casi di cancro negli uomini gay. Se nel 1983 escludiamo l'ipotesi di una malattia unicamente omosessuale, allora puntiamo il dito contro le “4H”: omosessuali, eroinomani, emofiliaci, haitiani. La vittima è anche l'imputato e la sua stigmatizzazione comporta proposte di quarantena, mezzi di protezione sproporzionati e la condanna delle categorie sociali colpite e ritenute responsabili. Allo stesso tempo, la designazione di questi "gruppi a rischio" renderà invisibili altre situazioni di esposizione al virus, come dimostrano l'attivismo delle donne e le iniziative a favore della presa in considerazione di bambini e adolescenti. L'epidemia è uno shock per la società, così come la malattia o lo stato di HIV è uno shock per le persone colpite. La mostra esamina l'impatto di questo evento sulle traiettorie individuali e collettive. Sia su scala locale che globale, la lotta all'AIDS ha riguardato molti aspetti dell'epidemia: scientifici e medici, ma anche politici e sociali, per richiedere l'azione e l'attenzione delle autorità pubbliche e per rifiutare la stigmatizzazione dei pazienti e delle comunità. Lo sviluppo di trattamenti più efficaci dal 1996 ha segnato una svolta.

 Vediamo persone "rinascere" grazie al rafforzamento del loro sistema immunitario e all'indebolimento della replicazione virale nell'organismo, nonostante trattamenti rigorosi e molti effetti collaterali. Ma l'accesso ai farmaci è molto disomogeneo e l'apertura dei regimi di proprietà intellettuale sta diventando una delle principali richieste. Dagli anni '80 ad oggi, l'epidemia ha dato adito a molte ipotesi sulla sua origine e si parla molto sui mezzi della sua fine. La mostra mette così in luce queste diverse storie, permettendoci di avvicinarci con il senno di poi alla conoscenza del passato e alle comprensioni del presente. Infine, la mostra mette in discussione l'eredità dell'epidemia, ciò che ha rivelato, i progressi che ha reso possibili, principalmente in termini di diritti, ma anche battute d'arresto e ristagni. Offre una valutazione delle lotte, delle loro vittorie come ostacoli ancora presenti. 

Evocando le "lezioni politiche" dell'AIDS, pone domande che sono ancora oggi importanti, siano esse risposte sociali alle epidemie e la gestione delle "crisi sanitarie", o come siano colpite altre condizioni. i pazienti hanno beneficiato o meno di questo sconvolgimento nei rapporti di potere tra medici e pazienti. La mostra "HIV/AIDS, l'epidemia non è finita!" "Offre l'opportunità di promuovere l'eccezionale fondo istituito nei primi anni 2000 dal Mucem sul tema dell'HIV/AIDS. Striscioni, volantini, manifesti, riviste comunitarie, opuscoli e materiale di prevenzione, oggetti attivisti, abbigliamento, distintivi e nastri rossi, ma anche medicinali, fotografie e opere d'arte sono stati raccolti da numerose associazioni che lottano contro l'HIV/AIDS, permettendo al Mucem di costruire un punto di riferimento raccolta su scala europea. Numerosi prestiti da privati ​​interagiscono con questa raccolta per consentire ai visitatori di scoprire più nel dettaglio la storia sociale della lotta all'epidemia.