Sempre più Louvre

 

La Francia e anche Parigi è tutta rossa, e allora il Louvre ha operato alla condivisione del suo fantastico patrimonio artistico rendendolo fruibile oltre che su Google Art anche in una sua diretta realtà online con la sezione collections.louvre.fr  del rinnovato sito del museo, una manna per gli appassionati di arte antica. 

CS

The database for the Louvre’s collections consists of entries for more than 480,000 works of art that are part of the national collections and registered in the inventories of the museum’s eight curatorial departments (Near Eastern Antiquities; Egyptian Antiquities; Greek, Etruscan and Roman Antiquities; Islamic Art; Paintings; Medieval, Renaissance and Modern Sculpture; Prints and Drawings; Medieval, Renaissance and Modern Decorative Arts), those of the History of the Louvre department, or the inventories of the Musée National Eugène-Delacroix, administratively attached to the Louvre since 2004.

The Collections database also includes so-called ‘MNR’ works (Musées Nationaux Récupération, or National Museums Recovery), recovered after WWII, retrieved by the Office des Biens et Intérêts Privés and pending return to the legitimate owners. A list of all MNR works conserved at the Musée du Louvre is available in a dedicated album and may also be consulted in the French Ministry of Culture's Rose Valland database. 

Lastly, the Louvre Collections database includes information on works on long-term loan from other French or foreign institutions such as the Bibliothèque Nationale de France, the Musée des Arts Décoratifs, the Petit Palais, the Fonds National d'Art Contemporain, the British Museum and the archaeological museum of Heraklion. 

Works are presented in the Collections database regardless of where they are currently located: on display in the Musée du Louvre or Musée Delacroix, visible in the gardens, on long-term loan in France or abroad, in storage, etc. Information about their location is included in each entry. 

The entries in the Collections database, updated daily based on input from management and documentation services, are written by a team of experts from the Louvre, notably curators, research, documentation and management services from each of the eight curatorial departments and the Musée Delacroix, the History of the Louvre department, the gardens subdepartment, and the acquisitions and preventive conservation divisions. The Research and Collections Department oversees the operational and scientific coordination of the database, with support from IT staff. 

The majority of entries include photographs taken during campaigns organised by the Musée du Louvre mostly in association with photographers from the Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais and photographers with contractual agreements with the Musée du Louvre. 

The Louvre’s collections site offers several research tools: full-text search engine; advanced search form; features that filter search results according to date of creation, collection the work belongs to, where the work is located, category of work, artist/maker; themed albums; and an interactive map to find works on display in the museum. Search results can also be exported as a flat file (CSV). Each entry has its own URL based on the ARK identification protocol to guarantee uniqueness and durability. The permalink is located at the bottom of each entry. The site allows users to download texts about the artwork in JSON format. 

Life in Vogue

 

Da sempre il gruppo Vogue è alfieri del cambiamento e della creatività, con questo spirito il prossimo 12 aprile torna l'evento di apertura digitale, gratuito e accessibile a tutti, dove Vogue Italia e sei figure di spicco del panorama internazionale del design ci guideranno attraverso le redazioni di Piazza Cadorna a Milano, reinventate digitalmente per l'occasione. 

Sintonizzatevi e seguite così per visitare i fantastici mondi creati dall'immaginazione di Vincent Darré, Luke Edward Hall, Anna Karlin, Marion Mailaender, Nendo e Studiopepe e scopri il programma dal 13 al 18 aprile. 

Performa Ottobre 2021

 

Arriva una edizione di Performa che si svolgerà nei tanti spazi di New York, per garantire sicurezza a tutti e possibilità di realizzazione.

La nona dell'evento avrà corso il prossimo autunno dal 12 al 31 Ottobre 

CS

Performa, the internationally acclaimed organization dedicated to live interdisciplinary performance by visual artists, is pleased to announce the ninth edition of its city-wide biennial, which will take place entirely outdoors with a program of new live commissions conceived for New York City, exploring its history, communities, and urban environment. Presented a month earlier than usual to accommodate its outdoor focus, the Performa 2021 Biennial will take place across the city from October 12-31, 2021.

The first Performa Biennial in 2005 was an effort to bring the creative community together to celebrate the making of live performance in all its forms and to reconnect after the difficult years following 9/11. Sixteen years later, the Biennial will return to one of the original impulses of Performa to celebrate the grass roots of pioneering art in NYC and once again focus entirely on the artists and cultural landscape of the city. The Performa 2021 Biennial will be a positive, revivifying force in New York City, with a program that highlights the energy and inventiveness of all who live here. The city—which has been greatly altered by the pandemic—will gradually emerge as a different place, a place in which the details of our everyday lives and the larger social infrastructure have been reshaped. These shifts, and the economic implications, have dramatically altered the way arts organization’s create meaningful experiences for audiences and opportunities for a diverse range of artists.

“Performa has always considered the Biennial program as a form of radical urbanism,” comments Performa Founding Director and Chief Curator, RoseLee Goldberg. “This year, we will continue to explore and extend this notion by shifting our program to the city’s streets, expanding across its boroughs, and creating bold, innovative actions that celebrate the spirit of the city and explore the urgent social and political questions of our time.”

Since its founding, Performa has transformed the intersection of contemporary art and the performing arts with its visionary biennial and commissions, changing the understanding of performance by visual artists across disciplines and making artists directly accessible to the public. Performa has produced eight biennials, reaching an international audience of over 250,000 people and featuring more than 700 artists at 200 plus venues across New York City. Throughout each Biennial, Performa has consistently engaged with the city as a stage. Examples include Rashid Johnson's restaging of Amiri Baraka’s iconic play Dutchman grappling with racial violence, set inside the iconic Turkish Baths in the East Village; Barbara Kruger's now legendary installation inside of the Coleman/LES Skate Park under the Manhattan Bridge; and Samson Young's contemporary opera performed on giant mechanical cranes inside Castle Williams on Governors Island.

The Performa Biennial will continue this legacy with a series of new live outdoor commissions by Kevin Beasley, Ericka Beckman, Sara Cwynar, Danielle Dean, Madeline Hollander, Andrés Jaque (Office for Political Innovation), Tschabalala Self, and Shikeith. The program will bring together numerous U.S.-based artists to consider the changes the city is going through— culturally, socially, spatially, racially, and politically—and imagine powerful futures for its population. Performa will use the parks and streets to animate the city and its communities as imaginatively as they have done in the past.

As well as working outdoors, many projects will also use broadcast as their medium expanding on Performa TV, Performa Radio, Performa’s online exhibition program Radical Broadcast, and the recent live-broadcast Performa Telethon. The broadcast channels will draw on the history of artists working in TV and radio and will commission an array of new audio and video content for audiences around the world.

Artists have long been a catalyst for radical thinking and change within the landscape of New York, inhabiting abandoned spaces and sites—such as Soho lofts in the 1970s—and creating pockets of artistic communities—in Soho, Harlem, the East Village, Brooklyn, and elsewhere— that produced some of the most pioneering, experimental work of the 20th Century. The artistic community living here today is an intrinsic part of the cities’ life, and is now, as always, at the forefront of calls for social justice; its continuation is essential for the city’s cultural growth and transformation. The Performa 2021 Biennial will be offered to the artistic community and Performa’s cultural partners as an experimental platform to imagine a positive, vibrant, and just civic future. 

Untold Stories di Peter Lindbergh a Torino con Paratissima

 

Paratissima porta a Torino alle Artiglieriedal prossimo 13 Maggio "Untold Stories" la prima mostra su #peterlindbergh curata dall’autore stesso.

Nato nel 1944 e cresciuto a Duisburg, il fotografo tedesco ha trascorso due anni lavorando a una libera raccolta di 140 fotografie che offriranno una visione profonda della sua vasta opera, dai primi anni '80 ai giorni nostri. La mostra celebra l'eredità di #peterlindbergh, scomparso nel settembre 2019, e mostra l'approccio molto personale di questo maestro nel suo lavoro. 'La prima volta che ho visto le mie fotografie sui muri del mock-up della mostra, sono rimasto sorpreso, ma in modo molto positivo. È stato travolgente trovarsi così di fronte a chi io sono. ", ha spiegato Lindbergh in un'intervista per il catalogo nel giugno 2019. La mostra offre un ampio sguardo inedito ad immagini che di solito vivono breve esistenza, essendo per lo più commissionato e pubblicato da magazine come Vogue, Harper's Bazaar, Interview, Rolling Stone, W Magazine o Wall Street Journal.

La comprensione di Lindbergh rispetto alla #fotografia di #moda era che può - e dovrebbe - esistere molto bene senza mettere la #moda al centro. Le sue immagini trascendono con successo il proprio contesto, ridefinendo i parametri della #fotografia di #moda e della cultura contemporanea. "La mostra mi ha permesso di riconsiderare le mie immagini in un contesto non fashion. La presentazione mira ad aprire le fotografie a diverse interpretazioni e prospettive ", ha sottolineato Lindbergh durante la

conversazione. “Tuttavia, non cerco di affermare che le mie foto non siano fotografie di #moda, non sarebbe neanche vero. Insisto sulla definizione di "fotografia di moda" perché per me questo termine non significa che si debba rappresentare solo la #moda: la #fotografia è molto più grande della #moda, fa parte della cultura contemporanea. “

La mostra è concepita in tre capitoli. Due installazioni di grandi dimensioni completano la presentazione e gettano una luce fresca e sorprendente sul lavoro di Lindbergh. Manifest, la monumentale #installazione di apertura, che presenta diversi blueback di grandi dimensioni, è stata sviluppata appositamente per la presentazione e fornisce un'introduzione coinvolgente e stimolante alla comprensione della #fotografia di #moda di Lindbergh.

Nella sezione centrale della mostra, Lindbergh ha scelto e organizzato insieme le immagini che considerava personalmente fondamentali nell’ambito della sua opera. Ha sperimentato con i suoi materiali d’archivio e ha rivelato nuove storie rimanendo fedele al suo linguaggio. Fotografie emblematiche insieme ad altre mai viste prima, vengono esposte in coppia o in gruppi, dando luogo a interpretazioni inaspettate e suggestive.

La mostra si chiude con la video #installazione Testament (2014), che svela un lato fino ad ora sconosciuto della pratica e del carattere del fotografo tedesco. Girato attraverso uno specchio unidirezionale, il video mostra lo scambio silenzioso tra la telecamera di Lindbergh ed #elmercarroll. Il detenuto nel braccio della morte della Florida ha trascorso 35 minuti a guardare attentamente il suo riflesso: meditativo, introspettivo e con un’espressione facciale minima. Presentata per la prima volta, l'installazione Testament aggiunge una dimensione inaspettata alla mostra e apre una discussione su argomenti che erano di centrale importanza per #peterlindbergh: introspezione, empatia e libertà.

La mostra è organizzata a #torino dal Kunstpalast, Düsseldorf, in collaborazione con #peterlindbergh Studio, Parigi.  

Cosa ricordarsi di questi ultimi 20 di arte ?

 

Dopo che era uscito il mio articolo su che cosa ricordare di questi ultimi 20 anni ho visto che altri siti hanno affrontato il tema, alcuni anche con delle liste spesso non condivisibili, ma almeno si è affrontato l'argomento, ora dopo una più ampi riflessione ho selezionato questi nominativi che forse potrebbero essere una cifra significativa di questo nuovo ventennio: Petri Halilaj, Pierre Hughey, Shirin Neshat, Ugo Rondinone, Adrián Villar Rojas, Tomas Saraceno, Wolfgang Tillmans e Dahn Vo.

Ma se vogliamo scrivere di opere mi rimangono in mete la serie di Cremaster di Matthew Barney che si conclude nel 2002; l'intervento di Marina Abramović, nel 2010 con la performance The Artist Is Present, 2010 al Museum of Modern Art in New York, curata da Klaus Biesenbach. Il bellissimo lavoro video di Christian Marclay, The Clock che era stato presentato alla Biennale di Venezia 2010.

Poi segnalerei i nuovi tanti spazi, forse anche troppi, che hanno aperto in questi ultimi anni fra cui la Tate Modern nel 2000, soprattutto per notevole Unilever Seriers, il Palais de Tokyo a Parigi, inaugurato nel 2002, e New Museum a New York, aperto nel 2005, per l'Italia l'Hangar Bicocca aperto nel 2004 a Milano, e la marea di fondazione private che in questi due decenni hanno avviati spazi di ogni tipo e dimensione, anche se poi le programmazioni spesso tendono a essere molto ripetitive e poco significative.

Ecco poi alcune mostre che forse hanno segnato un cambiamento:

2002 The Short Century: Independence and Liberation Movements in Africa, 1945–1994, Museum Villa Stuck, Munich, curata da Okwui Enwezor

2005 The Interventionists: Art in the Social Sphere MoCa

2011 Living as Form (The Nomadic Version) curato da Creative Time al Essex Market in New York

2012 Forget Fear Berlin Biennale

Voi avete altri ricordi?

Pasqua con Leonardo

 

Grazie alla collaborazione fra la direzione regionale Musei Lombardia e Haltadefinizione il Cenacolo di Leonardo da Vinci è visibile con una stupenda alta definizione che permette di vedere i più piccoli dettagli, praticamente si è a tavola con loro. 

CS

 Anche quest’anno, chiuso nella realtà, il Refettorio del Convento di Santa Maria delle Grazie a Milano, che custodisce l’Ultima Cena di Leonardo, si offre virtualmente a chi vorrà scoprirlo.

In occasione della Pasqua Haltadefinizione, tech company di Franco Cosimo Panini Editore, e la Direzione regionale Musei Lombardia hanno creato una visita virtuale a tema che accompagnerà alla scoperta di dettagli della tavola imbandita quasi invisibili a una visione normale e alle curiosità che nascondono.

La Pasqua ebraica, il Pesach, contempla una cena rituale che ricorda quella consumata dagli Ebrei prima della fuga dall’Egitto. È quella cena che celebra Gesù con gli apostoli.

Se il menù tradizionale di Pesach comprende erbe amare, pane azzimo, charoset, agnello arrostito, vino, le pietanze che compaiono sulla tavola dipinta da Leonardo sono molto diverse, rispecchiano le abitudini alimentari della sua epoca. Vi invitiamo a vederle da vicino per apprezzare la magistrale orchestrazione di luci e riflessi inventata da Leonardo.

Naviga l’opera, con approfondimenti che accompagnano l’utente a immergersi nelle pennellate del celebre dipinto. Questa nuova opportunità è resa possibile grazie all’acquisizione in gigapixel del capolavoro combinata alle tecnologie di racconto sviluppate da Haltadefinizione.

Il chiaro mondo dei Beati al Monteverita

Dal 1 Aprile un #dipinto circolare di 9 metri composto da 16 tele con 84 nudi maschili immersi in un idilliaco paradiso terrestre rappresenta una testimonianza storica e artistica unica nel suo genere ci racconta del mitico Monteverita.

CS

Ascona, 25 marzo 2021. Con la conclusione del #restauro del #padiglione Elisarion – che insieme a Casa Anatta, Casa Selma e Casa dei russi compone il Complesso Museale di #monteverita – il aprile 2021 riapre completamente al pubblico questo luogo straordinario, che dalla sua fondazione ha ospitato alcune tra le personalità più straordinarie della #cultura europea del secolo scorso.

Il #restauro conservativo dell’intero complesso, diretto dagli architetti #gabrielegeronzi e #carlozanetti, si conclude portando nuovamente alla luce il polittico di #elisarvonkupffer Il chiaro mondo dei beati, grazie a un #restauro realizzato da #petrahelm e #christianmarty, promosso da Fondazione #monteverita e dall’Associazione Pro Elisarion, nata nel 2008 per salvaguardare l’opera di #elisarvonkupffer e #eduardvonmayer.

Il progetto, finanziato da Confederazione Svizzera, Repubblica e Cantone Ticino, Comune di #Minusio, proprietario del #dipinto, e da fondazioni private, permette oggi al pubblico di tornare ad ammirare un’opera pittorica che, come tutto il Complesso di #monteverita, è un bene culturale sotto la tutela dell’Ufficio dei Beni Culturali del #cantonticino che ha supervisionato l’intero  processo di #restauro. Composto da 16 tele, Il chiaro mondo dei beati è un #dipinto circolare scenico di quasi 9 metri di diametro. Realizzato sullo stile dei modelli romantici e preraffaeliti, presenta 84 nudi maschili immersi in un idilliaco paradiso terrestre, in 33 scene descritte in versi dallo stesso #elisarvonkupffer.

Nato in Estonia nel 1872, von Kupffer è stato pittore, poeta, storico e drammaturgo. Con il compagno #eduardvonmayer si stabilisce in Ticino dove fonda il Clarismo, un movimento filosofico-religioso orientato all’emancipazione sociale e sessuale. 

Tempio del Clarismo fu il Sanctuarium Artis Elisarion, costruito dalla coppia a #Minusio, in cui venne collocato il #dipinto circolare, visibile al termine di una sorta di percorso iniziatico che conduceva i visitatori dal “Mondo del Caos” al “Chiaro Mondo”.

Alla morte di von Kupffer e di von Mayer l’immobile e il #dipinto vennero lasciati al Comune di #Minusio, con lo scopo di restare un luogo d’arte e di #cultura. Il #dipinto, rimosso dalla sua sede originaria nel 1977 in seguito a una ristrutturazione, 10 anni più tardi venne riscoperto da #haraldszeemann che lo inserì nell’esposizione itinerante #monteverita. Le mammelle della verità dedicata alla storia di questa comunità unica al mondo.

Dopo la #mostra – esposta a Zurigo, a Berlino, Vienna e Monaco – nel parco del #monteverita venne edificato, sulle fondamenta del solarium della vecchia colonia, l’edificio destinato a ospitare l’opera. Oggi il #padiglione Elisarion è parte integrante del Complesso Museale di #monteverita,– insieme a Casa Anatta, con la permanente di #haraldszeemann e le capanne aria e luce, esempi delle prime abitazioni dei fondatori della colonia vegetariana – e ospita una #mostra introduttiva a cura di Andreas Schwab.  

Da Next a Paratissima Olga Gambari diventa la direttrice di Paratissima

 

Come preannunciato dalla neo Presidente #lauramilani, #paratissima riparte, dopo una pausa obbligata dovuta al momento storico e utilizzata appieno per progettarne l’evoluzione. In 15 anni #paratissima è cresciuta, cambiata, ha avuto età diverse, e ora ne compie ancora un’altra, come visione e come respiro, facendo tesoro di tutta l’esperienza acquisita e delle rinnovate energie.

Laura Milani e Olga Gambari condividono lo spirito che dà forma al nuovo progetto: pensare all’arte, alla creatività, alla progettualità come luogo di vita, prima di tutto, e poi di incontro, scoperta, relazione e cambiamento costante.

Paratissima riparta e riapre a maggio con la grande mostra di Peter Lindbergh, Untold Stories.

Laura Milani

“La scelta di affidare a #olgagambari il fil rouge artistico del prossimo futuro di #paratissima è una scelta mirata e felice. Ho riconosciuto in lei professionalità, sensibilità e capacità di visione che saranno elementi indispensabili per attuare e raccontare con puntualità la crescita di questa realtà unica, in profonda trasformazione. Sono entusiasta di intraprendere con lei e con tutto lo staff un percorso fatto di step importanti e coerenti al fine di raggiungere obiettivi ambiziosi. Si apre una nuova era, più articolata e complessa, che potrà contare su molteplici competenze e diversi livelli di intervento.

#paratissima durerà un anno, tutti gli anni. C’è moltissimo da fare e non vediamo l’ora di dare vita a tutti i nuovi eventi in programma. Ringrazio Francesca Canfora per il grande lavoro svolto in tanti anni di passione e dedizione. Francesca resterà a bordo occupandosi in particolare di NICE, il master per curatori che quest’anno passa da una a due edizioni, e di altri possibili progetti in ambito education”.

Olga Gambari

“In questa rigenerazione, i concetti fondamentali dell’identità di #paratissima sono ripresi e mantenuti: l’arte come luogo condiviso, spazio accogliente, sociale dove si è tutti cittadini, con un’energia benefica del rapporto e dello scambio. Un posto dove vivere l’esperienza di un mondo che non è a parte ma cerca il dialogo con tutti i pubblici, che ritiene il territorio di appartenenza importante come quello nazionale, che sceglie di essere sia stanziale sia nomadica, partendo da #torino per arrivare fino a Milano, Venezia, Bologna e poi chissà.

Con questa pluralità di sguardi, ogni campo artistico e concettuale è interessante da conoscere, ogni linguaggio creativo, soprattutto nella dimensione della contaminazione culturale, dell’attraversamento di generi e linguaggi. Una libertà progettuale e di visione intesa come pratica rigorosa, ricerca, cura, labor limae.

Nella nuova impostazione, grandi mostre dialogheranno con i progetti che vedono protagonista l’arte emergente, gli artisti che, al di là di età anagrafiche e percorsi artistici, si affacciano al mondo dell’arte e cercano un confronto e uno spazio per presentare il proprio lavoro. I grandi eventi si trasformano in paesaggi attivatori di temi, aperture, riflessioni. Così come figure di artisti internazionali si rivelano modelli, ispirazione, confronto per le giovani generazioni di artisti ma non solo.

Anche la fiera muta pelle aspirando a diventare una grande galleria d’arte, mostra ed esposizione mercato insieme.

Una galleria d’arte itinerante, che ancora di più lavori sugli aspetti della curatela, di un percorso condiviso in cui accompagnare, valorizzare e sostenere gli artisti che partecipano. Il rapporto degli artisti con #paratissima, dalla selezione al debutto, avrà una valenza formativa, una consulenza su tutti quegli aspetti che risultano fondamentali nell’elaborazione e presentazione del proprio lavoro.

Per #torino, #paratissima vuole essere anche una casa di riferimento, grazie all’ARTiglieria, uno spazio che offre ospitalità a progetti ed eventi di natura diversa. Un luogo familiare che entri nel tessuto culturale quotidiano, in dialogo con realtà diverse, istituzionali così come indipendenti”.

Savinio all'Altemps

ph Studiozabalik per Electa Editore.

Lo stupendo museo di cultura romana Altemps presenta fino a Giugno una bella mostra su Alberto Savinio, grande artista noto più per essere il fratello del più celebre De Chirico che per il suo ricercato lavoro creativo. 

ph Studiozabalik per Electa Editore.

CS

Personaggio eclettico, erudito, dai molteplici interessi che spaziano dalla musica alla letteratura, dalla pittura al teatro, Alberto Savinio (Andrea De Chirico) – 1891-1952 – rappresenta la figura di un intellettuale dalla complessità straordinaria, capace di far dialogare e intessere le discipline umanistiche in un linguaggio visionario e all’avanguardia.

La mostra “Savinio. Incanto e mito” al Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps dall’8 febbraio al 13 giugno 2021 mette in luce, attraverso circa 90 lavori selezionati tra dipinti e opere grafiche provenienti da istituzioni pubbliche e collezioni private, i molteplici interessi dell’artista che spaziano dalla musica alla letteratura, dalla pittura al teatro. I dipinti sulle pareti creano cortocircuiti sorprendenti, suggerendo nuove affinità in un gioco di corrispondenze e accordi liberi e originali, non solo con la statuaria classica ma anche con la decorazione a fresco degli spazi di Palazzo Altemps.

Le opere esposte mettono in risalto, attraverso temi e momenti fondamentali, la particolarità di una poetica che associa e coniuga antico e moderno, estetica e ironia, memoria e fantasia in un’ottica globale oggi di grande attualità. Il gioco, le strutture e trame illusorie e chimeriche, le civiltà passate e le epoche aurorali, la decostruzione dei racconti leggendari e mitici, le caleidoscopiche immagini che spezzano l’equilibrio visivo in composizioni inattese e folgoranti, diventano gli indizi da inseguire negli spazi del piano nobile del Museo.

ph Studiozabalik per Electa Editore.

  

Documenta Fifteen

 

Documenta 15 parte dal prossimo 3 Aprile con il titolo Meydan prendono avvio una serie di sette incontri che ogni primo sabato del mese si svolgeranno sui social di Documenta.   Ogni edizione della serie è dedicata a uno dei valori "Lumbung": Ancoraggio locale, Umorismo, Generosità, Indipendenza, Trasparenza, Sufficienza e Rigenerazione. Il formato ci immerge in profondità nel concetto artistico di Documenta quindici e ci illumina l'idea di "Lumbung" da molte angolazioni diverse.

Starting on Saturday, April 3, 2021, the seven-part conversation series lumbung calling launches documenta fifteen’s Public Program, activated under the title Meydan. Each edition of the series is dedicated to one of the lumbung values: Local Anchor, Humor, Generosity, Independence, Transparency, Sufficiency, and Regeneration. The format dives deeper into the background of the artistic concept for documenta fifteen and illuminates the idea of lumbung from many different angles.

Through conversations with a variety of guests, lumbung calling will explore the rich meaning of lumbung across multiple disciplines, points of view, and contexts within an artistic framing. The invited protagonists have faced major challenges and initiated true revolutions on various scales: academics, cultural activists, independent researchers, organic farmers, fishermen, and festival organizers, among others.

lumbung calling will take place on the first Saturday of every month over seven sessions, from April to October 2021. The conversation series will begin digitally through documenta fifteen’s website and its social media channels YouTube and Facebook. As soon as the restrictions around the COVID-19 pandemic allow, lumbung calling will shift to a hybrid format and eventually take place as a physical event in Kassel.

lumbung as a set of values and a cosmology

With its unique shapes and styles, lumbung is an easily recognizable building in Indonesia, similar to a barn. In the official dictionary of the Indonesian language, Kamus Besar Bahasa Indonesia, lumbung is defined as “a container to store agricultural products, commonly rice, in the form of a house on stilts with walls of woven wood or bamboo.” This definition has implications for the way lumbung is interpreted: lumbung can be defined as a place to store harvested crops, particularly in agrarian societies. At the same time, this description confines the meaning of the word to a distinctive architecture. As a practice, however, lumbung transcends its physical appearance as a building and expands to include spaces beyond the agricultural. In Indonesia’s cultural discourse, the term lumbung is used to describe shared collective resources. Seen from this point of view, lumbung is not only a building or object but also a set of values and a cosmology that describes the living practice of a society. It is evidence of a communal life marked by the spirit of collaboration, and its characteristics can be traced back to premodern societies. Today, the accelerated development and modernization of predominantly capitalist modes of production demand a constant redefinition of values. lumbung calling asks how these values can be translated into artistic practice and open up new spaces for conversation.